Lucernario

• | Imprimir |

Concierto

Lucernario   HIMNOS AL AMANECER Y AL ATARDECER (MELODÍAS DEL HIMNARIO GREGORIANO) MIGUEL MANZANO (2014) (ACOMPAÑAMIENTO DE ÓRGANO Y ESTROFAS POLIFÓNICAS)

CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

LUIS DALDA, JORGE GARCÍA, JUDITH H. GARCÍA & DELIA MANZANO (ÓRGANO)

BERNARDO GARCÍA-BERNALT (DIRECCIÓN)

CATEDRAL DE SALAMANCA (IGLESIA NUEVA)

Sábado 20 de diciembre de 2014

Entrada libre hasta completar aforo

Esta bella palabra designa en arquitectura la ventana que deja pasar un chorro de luz desde lo alto de un muro hacia el interior de un recinto oscuro. En los templos antiguos nunca faltaban estos huecos iluminadores, que desde las primeras luces matutinas hasta su extinción vespertina dejaban pasar las variadas luces y colores del celaje. Y era precisamente en esas horas primeras y últimas del día cuando sonaban los vetustos himnos de Laudes y Vísperas que, entonados durante más de 15 siglos, hoy han quedado casi totalmente olvidados en las páginas de los himnarios.

De todos los libros que contienen las músicas gregorianas es el Himnario, quizás, el más rico y variado en sonoridades y matices. Desde la sencillez casi esquelética de algunos de ellos hasta el vuelo sin límites de otros, el repertorio hímnico gregoriano ofrece una variedad inagotable. Y a la vez el más variado colorido musical, por estar en él presentes los ocho modos, cada uno con su especial colorido sonoro y su capacidad de generar profusos e indescriptibles sentimientos y emociones.

El Congreso sobre la Catedral Nueva de Salamanca en el cuarto centenario del comienzo de su edificación, al que fui invitado a participar con una ponencia y con una composición, me ofreció la oportunidad de mostrar un mínimo, pero claro ejemplo de la riqueza musical del Himnario con la obra que, con el título Lucernario, contenía dos himnos del repertorio gregoriano: Lucis creator optime (siglo VI) y Iesu, rex admirabilis (siglo XIII).

En la estructura musical de los dos himnos que elegí integré dos elementos tradicionales en la música del templo. El primero, el canto coral: el canto unisonal gregoriano alternando con el coro a 4 voces, necesario y a la vez suficiente para dotar de belleza austera los textos cantados, en este caso himnos. Y por otra parte el órgano, ingenio mecánico sonoro nacido, desarrollado y evolucionado para sonar en los templos de gran amplitud como catedrales, grandes abadías, basílicas, colegiatas y santuarios

A conseguir lo que me proponía me ayudó la magistral interpretación que de aquella obra hizo el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, junto con el organista Luis Dalda, dirigidos por Bernardo García-Bernalt, que interpretaron la obra con una calidad y hondura musical que hizo aflorar toda la belleza contenida en el canto gregoriano y en el tratamiento musical que para ese original y muy poco conocido repertorio era necesaria.

Animado por la aceptación que tuvo la obra, e impulsado, discretamente, por los que entonces fueron intérpretes y por otras personas que la han escuchado en grabación sonora, me animé a componer, con la misma estructura, el ciclo completo de los himnos que hacen referencia a cada uno de los tiempos del año litúrgico y a algunas de sus fiestas principales. Y ha sido así como ha ido tomando forma este nuevo LUCERNARIO que ahora se estrena.

Además de recuperar el órgano como acompañante de la voz, en este caso con unas armonías que resultan de la mezcla de varios sistemas modales, he querido también recuperar para el recuerdo, como tercer elemento de este LUCERNARIO, una forma musical breve ya extinguida, pero presente durante varios siglos en la liturgia, cuando ésta se desarrollaba sin prisas: el verso de órgano, esa forma breve, pero musicalmente exquisita, que en un corto minuto denso permite seguir ‘saboreando’ sonidos recién oídos, a la vez que facilita detenerse a meditar en la palabra que se ha escuchado cantada. Forma musical lamentablemente extinguida en estos tiempos de prisas y agitaciones que están acabando con una medicina necesaria para la supervivencia del espíritu: el silencio meditativo. Entre estrofa y estrofa de estos himnos sonarán, pues, en el espléndido órgano Echevarría de la Catedral Nueva, interpretados por cuatro organistas de la nueva escuela salmantina, unos versos que recordarán a algunos oyentes tiempos y prácticas musicales cada vez más olvidadas.

MIGUEL MANZANO

PROGRAMA

LUCERNARIO

Himnos al amanecer y al atardecer

Miguel Manzano (2014)

Inmense caeli conditor (1)

Conditor alme siderum (2)

Ave, maris stella (3)

A solis ortu cardine (4)

Audi, benigne conditor (2)

Ad regias agni dapes (3)

Tristes eran apostoli (4)

Veni, creator spiritus (3)

Ut queant laxis (2)

Iesu, rex admirabilis (1)

Pange lingua (more hispano) (1)

(1) Luis Dalda (órgano)

(2) Judith H. García (órgano)

(3) Delia Manzano (órgano)

(4) Jorge García (órgano)

Concierto de Navidad

• | Imprimir |

CONCIERTO DE NAVIDAD   CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA BERNARDO GARCÍA-BERNALT (DIRECTOR)   Jueves, 18 de diciembre, 20.30 horas Auditorio Fonseca

CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

El Coro de la Universidad de Salamanca, uno de los coros universitarios más antiguos de España, fue fundado en 1950 por el maestro Jesús García-Bernalt, quien lo dirigió hasta 1990. A lo largo de su dilatada vida ha desarrollado una amplia actividad concertística, que le ha llevado a la práctica totalidad de España y Portugal, así como a buena parte de Europa, recibiendo numerosas distinciones y premios. Asimismo ha grabado programas para radios y televisiones españolas, portuguesas, francesas, mexicanas, alemanas, japonesas, etc. Por otro lado, tiene una fuerte presencia en el ámbito salmantino, participando además en todos los actos solemnes de la Universidad, lo que lo ha convertido en un elemento fundamental del ceremonial de esta institución.

El repertorio del Coro Universitario es uno de sus elementos característicos. Si bien ha abordado polifonía desde el renacimiento hasta nuestros días, su trabajo fundamental se centra en la música de los últimos cien años, montando constantemente nuevos programas, explorando repertorios poco conocidos y dedicando especial atención a la música española e hispanoamericana. Entre los centenares de programas ofrecidos pueden mencionarse las Vísperas de S. Rachmaninov, los Catulli Carmina y los Carmina Burana de Orff, el Requiem de M. Duruflè, el oratorio Crucifixion de Sir John Stainer, la colección Swinging Christmas de T. Gabriel, el Bestiari de Manuel Oltra, o los conciertos dedicados a la música infantil española o a la generación de compositores españoles del “Motu proprio”. Asimismo, ha hecho una importante labor de difusión de la música salmantina, interpretando numerosas obras de compositores como Gerardo Gombau, Dámaso Ledesma o Bernardo García-Bernalt Huertos entre otros.

Ha colaborado con grupos como la Orquesta de RTVE, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Würzburg, la Banda sinfónica y el Ensemble del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, la Joven Banda sinfónica de Castilla y León, o el Karl Foster Chör de Berlín, siendo dirigido por músicos como Odón Alonso, Ralf Klotz, Luis Miguel Jiménez Resino, Óscar Colomina, Rudolf Dangel o Johann Mösenbichler.

Entre sus trabajos de los últimos diez años están el salmo sinfónico El Rey David de Arthur Honegger (2004), el Requiem de John Rutter (2005), la Misa en Re Mayor de Dvorak (Biberach, Alemania 2006), la suite L’homme armée de Karl Jenkins, estrenada en Salamanca en mayo de 2007, los ciclos Five mystical songs de Vaughan Williams (Catedral de Valladolid 2008) e Indianas de Carlos Guastavino (Salamanca 2008), la Missa Katharina y Cantica Sancto Benedicto de J. de Haan (abril de 2011), Música para un Códice salmantino de J. Rodrigo (CAEM, noviembre 2012), el estreno absoluto del Te Deum de J.M. García Laborda (catedral de Salamanca, abril de 2013) o la recuperación del Miserere de J. C. Borreguero (CAEM, abril de 2014). El pasado mes de julio el coro se presentó en la sala Otto Braun de Berlín donde ofreció un concierto organizado por la embajada española y el Ibero-Amerikanisches Institut, centrado en la poesía y música hispanoamericana del último medio siglo.

Desde 1990 el director titular del coro es Bernardo García-Bernalt quien, asimismo, dirige la Academia de Música Antigua y el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca.

Programa

En las tradiciones litúrgicas

Corde natus ex parentis (2010) J. Jennings-J. Domínguez (1965-)

Puer natus in Bethlehem (2005) J. Domínguez

Virgo dei genitrix (1950) J. A. Donostia (1886-1956)

Quem terra pontus L. Irruarrízaga (1891-1928)

Quem vidistis, pastores? L. Irruarrízaga (1891-1928)

Ave Maria O. Ravanello (1871-1938)

Nyne otpuscaesi A. Archangel’skij (1846-1924)

Deo gloria! (2010) S. Kupferschmid

A Christmas Benediction (2009) D. Eddleman

Una ronda de Navidad

See the Newborn Baby (2012) S. Kupferschmid

Infant holy (1961) D. Willcocks (1919-)

Away in a manger (1981) J. Rutter (1945-)

Ring Christmas bells M. Leontovich (1877-1921)

El noi de la mare E. Cervera (1891-1972)

Oi Bethleem (1931) J. A. Donostia

Silêncio (1944/1997) J. Angerri/F. Neves

Silent night (2013) F. Gruber/D. Meader

Nativity carol (1967) J. Rutter

Jingle Bells (2013) J. Ambrosio

Teclados: Daniel Nieto

Director: Bernardo García-Bernalt

El Poder de los Cristales

• | Imprimir |

El Poder de los Cristales

2014 Año Internacional de la Cristalografía

Manuel Heras García, Director del Servicio de Actividades Culturales                                                                

Mercedes Suárez Barrios, Directora del Departamento de Geología y comisaria científica de la exposición

Colaboran: Museo Geominero del Instituto Geológico y Minero de España, Centro de Investigación del Cáncer, Agencia Dicyt, Biblioteca General Histórica y Departamento de Geología, Química Inorgánica, Química Física, Ingeniería Química e Ingeniería Mecánica de la Universidad de Salamanca.

     HORARIO

Martes a sábado: de 12:00 a 14:00 h y de 17:30 a 20:30 h

Domingos y festivos: de 10:00 a 14:00 h

      Lunes cerrado

El mundo de los cristales es, como todo el universo, bello, y sin duda alguna, es de una belleza que fácilmente se entiende, que atrae nuestra atención y que entra por nuestros ojos. Esta belleza atrajo a un número de curiosos e investigadores de todos los tiempos, cautivados por la contemplación de minerales cristalizados. Esta fascinación les llevó a tratar de comprender qué tipo de orden es necesario para que el cristal tenga existencia; de este estudio nació en el transcurso de los tiempos una ciencia basada en el estudio del orden y de la simetría, la Cristalografía, ciencia que se dedica al estudio de las estructuras cristalinas y sus propiedades.

Los cristales están en nuestro propio cuerpo y forman gran parte del planeta en el que vivimos. Las medicinas que nos curan, la tecnología que mejora nuestra calidad de vida, las pinturas que embellecen nuestro entorno... La mayoría de los objetos que contemplamos a nuestro alrededor están formados, al menos en parte, por cristales.

La Universidad de Salamanca celebra el 2014 Año Internacional de la Cristalografía, con una exposición comisariada por Mercedes Suárez Barrios, directora del Departamento de Geología de la Universidad de Salamanca, que realiza un recorrido histórico por los grandes hitos de esta ciencia.

Ana Blandiana

• | Imprimir |

Poeta, narradora y ensayista, Ana Blandiana (n. 1942) se define como una figura legendaria de las letras rumanas. Destacada activista cívica, es autora de 14 libros de poesía, 2 volúmenes de relatos fantásticos, 9 de ensayos y una novela, traducidos a 24 lenguas y galardonados con numerosos premios internacionales.

Ellos pasan patinando
Con los auriculares retumbando en sus oídos,
Y los ojos clavados en las pantallas,
Sin advertir que las hojas caen,
Que los pájaros se van,
Ellos pasan patinando,
Mientras que, por encima de ellos giran las estaciones
Las vidas,
Los años y los siglos,
Sin entender qué es lo que pasa.
Ellos pasan sobre patines,
Por entre las sombras de la realidad
Que creen que existen
Y entre personajes que piensan que son hombres,
Mecanismos creados por otros mecanismos
A su imagen y semejanza,
Mientras, Dios desciende entre ellos
Y aprende a patinar
Para poder salvarlos.
(Sobre patines)

Bach Srudium IV

• | Imprimir |

LA FOTOGRAFÍA ENTRE DOS UNIVERSOS PARALELOS

• | Imprimir |

Jornadas Internacionales de Imagen
LA FOTOGRAFÍA ENTRE DOS UNIVERSOS PARALELOS
11 y 12 de noviembre de 2014, Salón de Actos de la Facultad de Bellas Artes

Estas jornadas se realizan en el marco de la exposición colectiva Universos Paralelos. Transvergencias Fotográficas entre España y Puerto Rico.
(Iraida Lombardía, Alberto Feijóo, Erik von Frankenberg, Jon Uriarte, Carlos Chavarría, Fernando Durán Arriero, Tari Beroszi, Quintín Rivera Toro, Myritza Castillo, Raquel Torres Arzola, Jason Menay Mónica Félix)

Del 13 de noviembre de 2014 al 25 de febrero de 2015, Sala de exposiciones Hospedería Fonseca.

Organiza: Servicio de Actividades Culturales
Colabora: Facultad de Bellas Artes

Entrada libre hasta completar el aforo.
Más información: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

PROGRAMA

Martes, 11 de noviembre de 2014

16:00 h. Presentación de las jornadas
Intervienen:
- Dª María Ángeles Serrano, Vicerrectora de Internacionalización
- Dª Soledad Farré, Decana de la Facultad de Bellas Artes
- D. Manuel Heras. , Director del Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca

16:15 h. Conferencia
Marcos teóricos de la fotografía en la sociedad de los medios.
Víctor del Río. Profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca y crítico de arte.

17:00 h. Conferencia
Trazando las órbitas de Universos Paralelos.
Laura Bravo (Profesora de la Universidad de Puerto Rico) y José Gómez Isla (Profesor de la Universidad de Salamanca).

17:35 h. Descanso

18:00 h. Mesa redonda
Tari Beroszi (Puerto Rico) y Fernando Durán (España).
Modera: Víctor del Río.

18:45 h. Mesa redonda
Mónica Félix (Puerto Rico) e Iraida Lombardía (España).
Modera: Alberto Santamaría (Profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca).

Miércoles, 12 de noviembre de 2014

16:00 h. Conferencia
La fotografía entre dos olas.
Francisco Javier Frutos Esteban. Profesor de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Salamanca y mediador cultural.

16:45 h. Mesa redonda
Quintín Rivera (Puerto Rico) y Alberto Feijóo (España).
Modera: Francisco Javier Frutos Esteban.

17:30 h. Descanso.

18:00 h. Mesa redonda
Raquel Torres Arzola (Puerto Rico) y Erik von Frankenberg (España).
Modera: Laura Bravo

18:45 h. Mesa redonda
Myritza Castillo (Puerto Rico) y Jon Uriarte (España).
Modera: José Gómez Isla.

19:30 – 20:00 h. Clausura de las jornadas.

Jueves, 13 de noviembre de 2014

19.00 horas. Inauguración de la exposición
Universos Paralelos. Transvergencias Fotográficas entre España y Puerto Rico.
Sala de exposiciones de la Hospedería Fonseca.

Teatro Kathakali

• | Imprimir |

Kathakali o el arte del gesto

Este teatro clásico del Sur de la India es practicado como ritual sagrado en los templos de Kerala. El Kathakali está basado en los textos de artes escénicas clásicos de la India, reunidos en el Natya Sastra, que datan más de dos mil años. En este confluyen la expresividad y la gestualidad del teatro clásico en sánscrito, los movimientos precisos y codificados tomados de las artes marciales de Kerala y la riqueza en la escenificación de los textos que emerge de la más enraizada cultura ritual.
El Kathakali es una fusión poética de ritmo, gestualidad codificada en signos y movimientos, maquillaje exuberante que crea el efecto de máscara y un vestuario espectacular. Todos estos elementos se acompasan en textos poéticos tomados de la épica y en personajes arquetipo que representan los seres mitológicos de los tres mundos: dioses, humanos y demonios.
De todas las artes escénicas de la India, es el arte que más ha desarrollado los elementos dramáticos, poéticos y rítmicos haciendo del teatro una experiencia mágica ritual y espectacular.
Teatro y rito

En Kerala una representación de Kathakali se realiza en un templo como parte de las festividades sagradas. Toda la preparación y escenificación es un rito que dura desde el mediodía hasta el amanecer del día siguiente.
Después de aproximadamente seis horas de maquillaje los percusionistas anuncian el comienzo del espectáculo que durará toda la noche.
El Mahabharata y el Ramayana, las materias primas

El Mahabharata y el Ramayana son las grandes epopeyas de la cultura hindú. Obras literarias que reúnen según la tradición india, todas las acciones, sentimientos, situaciones y conflictos humanos. El Mahabharata junto al Ramayana forman la materia prima de las artes escénicas de la India, que representan mitos y cuentos de esta inmensa obra para transmitir contenidos filosóficos y valores éticos al pueblo en los templos.
La representación de estas piezas se convierte así en una recreación ritual de la religiosidad popular.

LA COMPAÑÍA MARGI
La compañía de Kathakali Margi es una de las más prestigiosas de la India. Reconocida por el gobierno indio, es la compañía que más espectáculos realiza en todo el país.
Ha llevado a los escenarios de la India y muchos países un amplio repertorio de Kathakali respetando siempre la estética clásica y la forma tradicional de Kathakali.
Cuenta con un gran número de experimentados actores y músicos tanto en Kathakali como en Kutiyattam, una de las formas teatrales sánscritas clásicas más antiguas (más de dos mil años), que Margi ha promocionado y dado a conocer al mundo.
Margi, con su compañía de Kathakali y Kutiyattam, ha realizado giras artísticas por Suecia, Alemania, Francia, Japón y Sri Lanka.
Esta compañía no solo la componen actores y músicos, sino también poetas y filósofos que continúan investigando en los antiguos textos de artes escénicas y obras teatrales para Kathakali, que hacen que la tradición y sus artes sigan siendo hoy materia viva.
Gracias a la labor de investigación y de difusión de las artes escénicas de Kerala realizada por Margi en los últimos años, la Unesco (Paris) otorgó la distinción de Obra Maestra del Patrimonio Artístico Mundial al teatro sánscrito Kutiyattam en Mayo de 2001.

Rulo y la contrabanda

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA SÁBADO, 13 de DICIEMBRE, · 22.00 h · Entradas Agotadas NUEVA FECHA DOMINGO 14 DE DICIEMBRE 20,30 HORAS Entradas: Venta anticipada 22 € Mismo Dia 25 €    RULO Y LA CONTRABANDA

Rulo comenzó su andadura en el mundo de la música muy joven. Formó su primera banda en 1992, Suizidio, con otros chavales de Reinosa. Más tarde, en 1996, comenzó otro proyecto que sería ya el preludio de La Fuga, Escape. De este grupo con salidas e incorporaciones de algunos de sus miembros y tras un cambio de nombre surgió La Fuga. Con La Fuga, Rulo grabó 6 discos y dio unos 300 conciertos por diferentes países. En otoño de 2009 Rulo abandonó el grupo. 

La Contrabanda
Karlos Arancegui “Txarli” a la batería. Ha tocado con Amaia Montero e Iván Ferreiro entre otros.
Quique Mavilla al bajo. Músico zaragozano, en 1987 forma el grupo zaragozano Reo. En 1992 entra a formar parte de Distrito Catorce, donde ha ejercido las labores de teclista y bajista, grabando ocho discos y realizado numerosas giras. Ha trabajado en estudio y en directo con Enrique Bunbury y Nacho Vegas en la grabación y posterior gira del disco "El tiempo de las cerezas" y con el grupo zaragozano El Galgo Rebelde. Con los cántabros La Fuga participó en la gira que realizaron en formato acústico por teatros en 2007. También tocó con Amaral en la gira "Gato negro, Dragón rojo", realizado numerosos conciertos por toda España.2
Dani Baraldés “Pati” a la guitarra. Barcelonés, ha tocado con Macaco, El fantástico hombre bala o Jarabe de Palo entre otros.
Adolfo Garmendia “Fito” a la guitarra; al igual que Rulo, excomponente de La Fuga.
Mario "Bro" al teclado y a la guitarra; un fiel amigo de Rulo que es el road manager de Rulo y la contrabanda acabo incorporándose a la banda.

Tras dejar el grupo Rulo se dedicó a viajar durante nueve meses y a componer nuevas canciones, unas 25 escritas entre Reinosa, Estambul, Venecia y Nueva York, de las cuales salieron las once canciones que grabaría con su nuevo proyecto Rulo y la Contrabanda un proyecto totalmente personal

Luciérnagas. Afinidades colectivas

• | Imprimir |

Juana Ciudad Pizarro

Luciérnagas. Afinidades colectivas

Espacio de Arte Experimental / Hospedería Fonseca
Del 31 de octubre al 30 de noviembre de 2014


Las luciérnagas como excusa para hablar de la oscuridad y la luz, de la vida y sus misterios, del progreso y sus efectos secundarios, de lo que se añora, de la belleza, de la grandeza de lo más pequeño, de lo que se esconde detrás de lo cotidiano y de la cadena de sucesos que tienen lugar cuando centramos la atención en algo.

Una excusa para buscar, para hacer, para crear, para dibujar, esbozar y para jugar con nuevos materiales expresivos, sorprendentes e inesperados. Para descubrir lo que uno sabe y para aprender lo que desconoce.

Una indagación, casi todo arte lo es, en uno mismo y en esa burbuja que nos circunda.

Una excusa para pensar, para partir de unas incertidumbres y llegar a otras, un camino para hacerse preguntas donde lo más importante no es la respuesta sino las otras preguntas que van surgiendo.

Luciérnagas. Afinidades electivas, partiendo de esa excusa, se convierte en una invitación a la reflexión pero también en una oportunidad para sentir. Entrar en una sala a oscuras y esperar que algo suceda, que surja la emoción.

Nuevos espacios para nuevos retos. El Campus Unamuno

• | Imprimir |

NUEVOS ESPACIOS PARA NUEVOS RETOS. EL CAMPUS UNAMUNO

El objetivo que nos proponemos con esta muestra es incrementar la visibilidad de este singular conjunto, que en sí mismo es también reflejo de la vitalidad que sigue teniendo la Universidad de Salamanca, ocho veces centenaria.

Durante el último tercio del siglo XX, la creación de nuevas titulaciones y el notable incremento del alumnado que esto supuso, exigieron a esta Universidad disponer de nuevas infraestructuras para desarrollar sus funciones y le obligaron a expandirse más allá de lo que había sido su centro neurálgico. 

Con este fin adquirió amplios terrenos al Oeste del paseo de San Vicente en los que se creó el Campus Miguel de Unamuno, que se ha convertido en la actualidad en el ámbito de mayor actividad universitaria. En este Campus se concentran usos docentes (facultades asociadas a las áreas biosanitarias, jurídicas, sociales y económicas), investigadores (varios institutos destacados) y servicios diversos a la comunidad universitaria (bibliotecas, residencias, comedores, casa del estudiante, equipamientos deportivos), en una variedad de construcciones ordenadas con una trama propia, que configuran un ámbito independiente de la ciudad y a la vez inseparable de ella. 

La distancia con respecto al recinto histórico permitió desarrollar proyectos arquitectónicos con un abanico de posibilidades mucho más rico y abierto a la innovación. Aunque en algunos edificios se sigue empleando la arenisca de Villamayor, preceptiva en aquel entorno, se experimenta con otro tipo de cerramientos: ladrillo de diversas tonalidades, hormigón visto, aluminio o acero, que han introducido nuevas texturas y cromatismos, renovando la fisonomía urbana. También se han transformado las planimetrías, aplicando libremente el esquema colegial o empleando, mayoritariamente, otras tipologías ajenas a las modalidades docentes tradicionales. 

Por todo ello el Campus Unamuno, además de haber consolidado e impulsado la expansión de la ciudad hacia el Suroeste y de configurar una de las entradas a la misma, constituye un hito en la imagen arquitectónica de la Salamanca contemporánea.

Homenaje a Bartolomé Nieto Munuera

• | Imprimir |

Jueves, 9 de octubre de 2014

Intersecciones. Ciclo de poesía

Homenaje a Bartolomé Nieto Munuera

Aula Magna de la Facultad de Filología, 19:00 horas

Entrada libre hasta completar el aforo

Intervendrán:

- Carmen Fernández Juncal (vicerrectora de Docencia de la Universidad de Salamanca).

-Antonio Sánchez Zamarreño (profesor de la Universidad de Salamanca y poeta)

- Antonio Lozano Martín (profesor de la Universidad de Granada y poeta)

- Antonio Marín Albalate (poeta y escritor)

- Coordinador: Luis García Jambrina (profesor de la Universidad de Salamanca y escritor)

En una breve reseña que escribió para uno de sus libros, Bartolomé Nieto dijo, entre otras cosas, de sí mismo:

“… Lo más importante de mi vida se llaman Carmen y Guillermo, pese a lo cual los amo desesperadamente…/… El resto de datos relevantes los tiene la Agencia Tributaria. Nací en la tres veces milenaria, muy noble, muy leal y siempre heroica ciudad de Cartagena, en 1959.”

Con su gusto por la paradoja nos señalaba así la distancia insalvable que hay entre poseer datos y conocer. Quizá nadie lo llegase a conocer, quizá hayamos de aplicarle el lorquiano “No te conoce nadie, no, pero yo te canto” o quizá creamos con más fuerza aún que “…tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace…”. Pero quienes le tratamos, aún con los límites que el conocimiento tiene, si tenemos una convicción: fue sincero cuando confesó, poco antes de morir: “No he tenido más religión que la poesía”.

firme es mi brazo para arrancar

estrellas

pero no es una espada obediente:

jamás creeré en esa ley

que os hace por siempre capitanes

fatuos doctores del mercado

en el desfile orondo

de la gran mentira

(fragmento de “El hidalgo”, La estirpe del aire)

Talleres de gusto y olfato

• | Imprimir |

Talleres de gusto y olfato

Ciclo CINE BRASILEÑO Getúlio

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA MIERCOLES, 24  SEPTIEMBRE · 20.00 h.  CICLO DE CINE BRASILEÑO    Entrada libre hasta completar el aforo  En Colaboracion con el Centro de Estudios Brasileños de la USAL

PALABRAS QUE SALVAN VIDAS

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA SABADO, 18  OCTUBRE · 20.00 h.  PALABRAS QUE SALVAN VIDAS   LECTURAS DRAMATIZADAS Entrada libre hasta completar el aforo

MEU PÉ DE LARANJA LIMA

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA MIERCOLES, 29  OCTUBRE · 20.00 h.  CICLO DE CINE BRASILEÑO    Entrada libre hasta completar el aforo  En Colaboracion con el Centro de Estudios Brasileños de la USAL

Título original : Meu Pé de Laranja Lima
Año 2012, Duración: 99 min., País: Brasil 
Director: Marcos Bernstein
Guión: Marcos Bernstein, Melanie Dimantas
Música: Armand Amar
Fotografía: Gustavo Hadba
Reparto: João Guilherme Ávila, José de Abreu, Caco Ciocler, Eduardo Dascar, Ricardo Bravo, Kathia Calil, Julia de Victa, Tino Gomes, Leônidas José, Eduardo Moreira
Productora: Passaro Films, Género: Drama | Infancia

Sinopsis
Zézé es un niño de 7 años sensible y precoz que disfruta contando historias. Vive en el campo en una familia humilde y jamás se queda sin ideas para contar nuevas historias. Zézé se refugia a menudo bajo las ramas de un viejo árbol al que toma por confidente. Es a él a quien le cuenta sus secretos, sus miedos, sus alegrías... (FILMAFFINITY)

<iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/wqeXp9wkm_0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>

ASSALTO AO BANCO CENTRAL

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA MIERCOLES, 26  NOVIEMBRE · 20.00 h.  CICLO DE CINE BRASILEÑO    Entrada libre hasta completar el aforo  En Colaboracion con el Centro de Estudios Brasileños de la USAL

El Centro de Estudios Brasileños, en colaboración con el Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca (USAL) y el Ponto de Memória: Memória Oral da Imigração Brasileira na Espanha, organiza un ciclo de cine brasileño en el marco incomparable del teatro Juan del Enzina, con el objetivo de mostrar la gran variedad y riqueza del cine producido en los últimos años al otro lado del Atlántic

Assalto ao Banco Central
Año: 2011, Duración: 101 min., País: Brasil
Director: Marcos Paulo
Guión: Lucio Manfredi, Rene Belmonte
Música: André Moraes
Fotografía: José Roberto Eliezer
Reparto: Eriberto Leao, Hermila Guedes, Milhem Cortaz, Lima Duarte, Giulia Gam
Productora: Total Entertainment
Género: Acción | Robos & Atracos. Basado en hechos reales

Sinopsis
La película Asalto al Banco Central es una obra de ficción inspirada en el mayor robo bancario del siglo. Que van desde la preparación de la banda detrás de las escenas de la investigación de la policía federal. En agosto de 2005 de 164,7 millones de dólares fueron robados del Banco Central en Fortaleza, Ceará. Sin dar un solo tiro, sin lanzar una alarma, los ladrones iban y venían a través de un túnel excavado bajo 84 metros de la bóveda, la realización de 3 toneladas de dinero. Había más de tres meses de operación. Miles de dólares se gastaron en la planificación. Fue uno de los crímenes más sofisticados y bien diseñados que ya tenían noticias de Brasil. ¿Quiénes eran estas personas? ¿Y qué pasó con ellos después? Son preguntas que todos los de Brasil se ha hecho desde entonces. (FILMAFFINITY)

MEU PAIS

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA MIERCOLES, 17  DICIEMBRE · 20.00 h.  CICLO DE CINE BRASILEÑO    Entrada libre hasta completar el aforo  En Colaboracion con el Centro de Estudios Brasileños de la USAL

Meu País
Año. 2011, Duración:90 min.
País: Brasil
Director: Andre Ristum
Guión: Marco Dutra, Andre Ristum, Octavio Scopelliti
Música: Patrick de Jongh
Fotografía: Hélcio Alemão Nagamine
Reparto: Rodrigo Santoro, Cauã Reymond, Débora Falabella, Anita Caprioli, Paulo José, Nicola Siri, Eduardo Semerjian, Luciano Chirolli
Productora. Gullane Filmes / SOMBUMBO Filmes
Género: Drama | Familia

Sinopsis
Hace mucho tiempo, Marcos (un empresario) zarpó de Brasil para Italia, donde prosperó y comenzó a criar una familia. Una llamada telefónica de su hermano, James, anuncia la muerte de su padre y fuerza el regreso de Marcos a su tierra natal. Sin embargo, el funeral será el menor de los problemas para él, ya que en verdad todo se trata de descubrir la existencia de Manuela, media hermana, que vive en una clínica psiquiátrica y sufre de una discapacidad intelectual. Él y James están ahora luchando para reestructurar el resto de la familia. (FILMAFFINITY)

THE HILLIARD ENSEMBLE

• | Imprimir |

 CONCIERTO  FUERA DE ABONO, AFORO LIMITADO

LOS ABONADOS AL CICLO TENDRÁN PRIORIDAD PARA ADQUIRIR LAS ENTRADAS DE ESTE CONCIERTO ( HASTA EL 10 DE OCTUBRE) EL RESTO DE LAS ENTRADAS  PODRAN ADQUIRIRSE A PARTIR DEL 13 DE OCTUBRE

CONCIERTO EXTRAORDINARIO EN LA CAPILLA DEL COLEGIO MAYOR FONSECA
THE HILLIARD ENSEMBLE
Los adioses

La polifonía de los siglos XII y XIII por un lado y la nueva creación por el otro le otorgan a este concierto su perfil rico en contrastes. A muchos les sonará lo nuevo menos nuevo que lo antiguo, y
lo antiguo no tan antiguo, teniendo en cuenta las licencias en el trato de la disonancia que aún caracterizaba a la polifonía de aquellos siglos previos a la hegemonía de la armonía funcional. A buen seguro que el prestigioso Hilliard Ensemble se esforzará por dejar
un magnífico recuerdo en lo que se perfila como su última gira antes de su desaparición. Y puede que el encargo del CNDM a David Azurza sea el último estreno absoluto del grupo.

PROGRAMA
Anónimo inglés (ca. 1300)
- Thomas gemma Cantuarie
- Sancta Mater / Dou way Robin
Sheryngham (ca. 1500)
- Ah! Gentle Jesu
John Plummer (ca. 1410-ca. 1483)
- Totapulchraes
- AnnaMater
- O pulcherrima mulierum
Tradicional armenio / Komitas (1869-1935)
- Sharakans (canto armenio, arr. Komitas)
     Ov zarmanali
     Hays hark nviranc ukhti
     Amen hayr surp
     Surp,Ter zorutheanc
Arvo Pärt (1935)
- Most Holy Mother of God
Anónimo (s. XIII)
- Mundus vergens
- Procurans odium
David Azurza (1968)
Obra encargo del CNDM + (2014)
Pérotin (ca. 1200)
- Beata viscera
Arvo Pärt
- And one of the Pharisees...(1992)
Anónimo (s. XIII)
- Deus misertus hominis
- Vetus abit littera
- Stirps lesse
Vache Sharafyan (1966)
- Lord who made the spring run
Pérotin
- Viderunt omnes

SALAMANCA
CAPILLA DEL COLEGIO MAYOR FONSECA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
MARTES 02/12/14 20:30h

Las Noches del Fonseca 2014

• | Imprimir |

CHRISTIAN ZACHARIAS

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA MARTES 9 de DICIEMBRE 2014  20:30h· Entradas: 10 € CHRISTIAN ZACHARIAS  CHRISTIAN ZACHARIAS, piano  Virtuosismo del teclado

AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
MARTES 09/12/14 20:30h 
CHRISTIAN ZACHARIAS, piano
Virtuosismo del teclado

Christian Zacharias, pianista alemán nacido en la India (Jamshedpur, 1950) no es solo uno
de los intérpretes de piano más celebrados
e internacionales de su generación, sino también un apreciado director de orquesta. Entre su amplia discografía como solista nos ha dejado versiones de referencia de diversos autores, entre ellos Domenico Scarlatti. En este programa, Zacharias revisita al napolitano y
lo enfrenta con Soler, compositores ambos que encontraron en el teclado la mejor expresión de una elevada y refinada sensibilidad artística que con Zacharias está en las mejores manos.
SALAMANCA

ORQUESTA BARROCA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

• | Imprimir |

ORQUESTA BARROCA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Un assombro del gusto y la destreza

Cuando en 1726 Francisco Corominas, primer violín de la Universidad de Salamanca, replica a Feijoo defendiendo el empleo de las “nuevas músicas” en el templo, pone los ejemplos de
Nebra o Vivaldi (entre otros) como “assombro del gusto y la destreza”. Seguramente Corominas no conocía a Haendel, pues de ser
así también lo habría citado. El programa propuesto es una prueba palmaria de su argumento, a la vez que muestra el nuevo rumbo que tomaría la música sacra en países como Italia y España. Una música que, como diría Eximeno muchos años después “no elige el objeto, solo mueve los afectos”.

LUNES 20/10/14 20:30h
PEDRO GANDÍA, concertino y director
MARÍA ESPADA, soprano
SALAMANCA AUDITORIOHOSPEDERÍAFONSECA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

"CARMEN" COMPAÑIA ANTONIO GADES

• | Imprimir |

ENTRADAS AGOTADAS

• Carmen fue el tercer ballet narrativo de Antonio Gades, y el primer trabajo escénico resultante de su fecunda colaboración con el cineasta Carlos Saura.
• Veinticinco años después de un estreno que revolucionó la visión que del flamenco se tenía en el mundo, la Carmen de Antonio Gades sigue cautivando al espectador y se ha convertido en un clásico de la danza y de la escena. Su éxito se ha visto refrendado por más de 68.000 espectadores en países de Europa, Asia y África. A lo largo este año esta previsto su retorno a Japón, así como su presentación en EEUU dentro del Flamenco Festival, entre otros.
• Auspiciada por la Fundación Antonio Gades, la Compañía trabaja bajo la dirección artística de Stella Arauzo, quien durante años bailó con Gades sucediendo a Cristina Hoyos en la interpretación de Carmen.
• Cinco años después de iniciar su último viaje, Antonio Gades y su esencia continúan entre nosotros a través de la poderosa autenticidad de su obra y del convencimiento y trabajo de personas que aman y respetan su legado.
La versión para teatro de Carmen se fue concibiendo casi paralelamente al rodaje de la película de Carlos Saura. El éxito obtenido por esta, que sorprendió incluso a los propios artífices del milagro, animó sin duda a Antonio Gades a realizar la versión de teatro, obra maestra de la danza española, vino a añadirse a su repertorio, que ya contaba entonces con dos obras de enorme peso artístico, Bodas de Sangre y la Suite Flamenca.
El estreno parisino en 1983 supuso un rotundo éxito de crítica y público que situó definitivamente a Antonio Gades en la esfera de los más importantes bailarines y coreógrafos del mundo.
Los motivos que llevaron a Gades a realizar este trabajo de creación los resume en una serie de ideas que expuso en las distintas ruedas de prensa que se celebraron. En suopinión “Carmen no es una mujer frívola ni una devoradora de hombres sino una mujer honesta que cuando ama dice que ama y cuando no ama dice que no ama. Es decir: una mujer libre. No creo que sea eso, una comehombres. Carmen tiene un concepto de clase, no tenía propiedad privada sobre sus sentimientos. Cuando amaba lo decía y cuando dejaba de amar también. Además, tenía tal concepto de la libertad que prefirió morir a perderla. Siempre la trataron frívolamente, y la presentaron como devoradora de hombres. Pero Carmen tiene algo esencial que es muy distinto a todo eso: su concepto de clase y su nobleza.

Al respecto del éxito obtenido en todo el mundo con la versión de teatro, Antonio se refería a la crítica en Francia, que decía que “a Carmen se la llevó Merimée a Francia, pero nosotros la hemos vuelto a traer a España”. Carmen ha sido tratada casi siempre de una manera bastante superficial y frívola y la Carmen es mucho más profunda que eso. El genial bailarín no dudaba en afirmar que Carmen fue una incomprendida, porque cuando se escribió la obra en 1837, esa mujer escandalizó a los puritanos y a los que no podían ver que ella representaba la verdadera emancipación de la mujer. Don José es un fugitivo, un burgués que sale de su clase y que no será fiel a ella. Tiene ese concepto arraigado de la propiedad privada del amor. En palabras de Gades: “Hice Carmen por que no me gustaba esa imagen estereotipada y falsa que tiene, siendo una mujer que cuando ama se entrega sin reservas, que no abandona a su clase aunque se encuentre en las más altas esferas”.
Así mismo Carlos Saura y Antonio Gades, con motivo del estreno de la película explicaban a la prensa qué les había movido a realizar ese trabajo:

¿Por qué Carmen?
El montaje de Carmen es el resultado de nuestra colaboración en la película Bodas de Sangre. La historia de Carmen es la de una obsesión. Como dice Emilio Sanz Soto “Carmen y Don José se devoran por el placer de devorarse. No es la tragedia griega que busca una salvación o una condena. Aquí sólo la muerte nos puede liberar del deseo. La imposibilidad de desviar el destino. Los dados están echados como en los cuentos orientales”.
Es curioso que este personaje tan representativo de España, la “española” por antonomasia, tan definida por su físico, por su atuendo; esa española gitana, cálida y temperamental, tan inmediata y terráquea, de quien los hombres se enamoran y hasta son capaces de dar su vida, sea una invención francesa. Porque de Francia y de la mano de Merimée y Bizet, que tan hondo han calado en nuestro temperamento y en nuestras costumbres, nos llega Carmen.
Engendrada por Merimée, alimentada por la memorable música de Bizet, inseparables ya las dos versiones, han sido la base de nuestro trabajo. Nuestra versión de Carmen es una versión bailada. El baile es aquí protagonista absoluto y quien dice baile dice ritmo, música, movimiento. Nuestra intención ha sido la de encontrar en nuestras raíces, en nuestra idiosincrasia, los elementos de esta Carmen y para ello hemos utilizado el baile y el cante flamenco, sin desdeñar por ello, antes al contrario nos ha servido de contrapuesto, la hermosa partitura de Bizet. Nuestro deseo sería que a través de este montaje pudiéramos transmitirles la alegría y la pasión con que hemos emprendido este trabajo.

FICHA ARTÍSTICA
Inspirado en la obra de Prosper Merimée
Argumento, coreografía y dirección Escenografía Música
Música grabada
Antonio Gades y Carlos Saura
Antonio Saura
Gades, Solera Freire,
Georges Bizet “Carmen”,
Manuel Penella “El gato Montes” y José Ortega Heredia/Federico Garcia Lorca “Verde que te quiero verde”.
Orchestra della Suisse Romande dirigida por Thomas Schippers, con Regina Resnik, Mario del Monaco y Tom Krause
Estreno absoluto en el Théâtre de Paris el 17 de mayo de 1983 Duración: 80 minutos sin intervalo.

REPARTO
Solistas
Carmen Don José Torero Marido
Cuerpo de baile
Bailarinas
Bailarines
Músicos
Cantaores
Guitarristas
Directora artística Director técnico Repetidor y regidor Sonido
Técnico de luces Vestuario y utilería
Fundación Antonio Gades
Stella Arauzo Adrián Galia Jairo Rodríguez Joaquín Mulero
Cristina Carnero, Maite Chico, María Nadal, Carolina Pozuelo, Loli Sabariego, Lucía Campillo y Vanesa Vento
Miguel Lara, Elías Morales, Alberto Ferrero, Ángel Gil y Antonio Ortega.
Enrique Pantoja, Alfredo Tejada , Gabriel Cortés, Joni Cortés y La Bronce
Antonio Solera, Camarón de Pitita
Stella Arauzo Dominique You Antonio García Onieva Juan Miguel Cobos Roger Goffinet
Sofia Perez
María Esteve, Eugenia Eiriz y Josep Torrent

COMPAÑÍA ANTONIO GADES Directora Artística: Stella Arauzo
Meses antes de fallecer, Antonio Gades creó una Fundación encargada de cuidar su patrimonio artístico y que ayudase a difundir su obra, fomentando con ella un mayor conocimiento de la danza española por todo el mundo. Devuelta a los escenarios a instancias de esta Fundación, la Compañía Antonio Gades es ahora la única responsable de poner en escena los ballets del coreógrafo alicantino, manteniendo intactos el espíritu y las directrices originales con las que sus obras fueron concebidas.
Bajo la dirección artística de Stella Arauzo (que a lo largo de muchos años bailo con Gades sucediendo a Cristina Hoyos en la interpretación de Carmen), y técnica de Dominique You (tantos años iluminador y brazo derecho del Maestro), la nueva formación cuenta con varios miembros de la antigua compañía que unidos a los nuevos integrantes aseguran la transmisión de las líneas que caracterizan la obra gadesiana, expresando las más profundas inquietudes del ser humano, dentro de un lenguaje estético depurado y arraigado en las tradiciones y la cultura del pueblo español.
Tras presentarse en el Teatro de Romano con Carmen y en casi constante gira desde entonces, la Compañía Antonio Gades ha recuperado para los escenarios Carmen, Bodas de Sangre, Suite de flamenco y más recientemente Fuenteovejuna. El reconocimiento a su labor se ha visto avalado no solo por el gran número de espectadores que han acudido ya a sus funciones sino también por los premios recibidos tales como el Giraldillo de Oro de la Bienal de Flamenco de Sevilla, el premio Demófilo de la Fundación Machado y el premio del Teatro Rojas de Toledo que llena de especial orgullo a la compañía por ser otorgado por el público.

FUNDACIÓN ANTONIO GADES
La Fundación tiene entre sus finalidades velar por el mantenimiento, el cuidado y la difusión de la danza española en general, y de manera particular, del legado de Antonio Gades. Para lograr sus objetivos la FAG mantiene un archivo que atesora distintos fondos relacionados con la figura de Gades, apoya y supervisa la reconstrucción de sus ballets, edita publicaciones que profundizan en su obra y promueve actividades educativas destinadas a acercar al público en general la danza española y el flamenco. Como depositaria de los derechos de las obras de Antonio Gades, pone a disposición de la nueva Compañía su archivo documental y gráfico así como las escenografías y vestuarios, todos ellos aspectos necesarios para la correcta reconstrucción de los ballets.
La Fundación fue creada por Gades en el año 2004 y es presidida por su hija la actriz María Esteve que trabaja para el cumplimiento de los fines fundacionales, con el apoyo de su viuda Eugenia Eiriz (directora) y de su cercano colaborador Josep Torrent.

ANTONIO GADES Coreografía y dirección
Antonio Gades nace en Elda (Alicante), en noviembre de 1936, en el seno de una familia humilde. En ese mismo año su padre parte voluntario al frente de Madrid en defensa de la República Española y posteriormente toda la familia se traslada a un barrio de la periferia de la capital. A la edad de once años Gades deja de ir a la escuela, a pesar de que le gustaba mucho estudiar, y busca trabajo para ayudar a su familia: primero como recadero en el estudió de un fotógrafo y luego como tipógrafo linotipista en el diario madrileño ABC.
Su primer contacto con la danza se produce casualmente, “por hambre”, a la edad de 15 años. Una andaluza vecina de su casa le había aconsejado que se inscribiera en la academia de la maestra Palitos. Tres meses más tarde es contratado para actuar en un espectáculo de variedades. Aconsejada por Manolo Castellanos, Pilar López acude a ver al joven bailarín, al que incorpora a su compañía y bautiza con el nombre artístico de Antonio Gades. Con Pilar López estudió danza clásica contemporáneamente a todas las disciplinas del baile popular español: la jota navarra, el flamenco andaluz y las danzas de escuela. Nueve años permaneció con la que ya siempre sería considerada por él como “su Maestra”, realizando en 1960 su primera gira por Japón como primer bailarín. En este periodo se produce otro encuentro fundamental: el del mundo del gran poeta andaluz Federico García Lorca, a través de la lectura de una edición clandestina de su Romancero Gitano. Gades comprendió enseguida que su medio de expresión más auténtico iba a ser el flamenco, el baile y el cante andaluz, y que era la Andalucía árida y seca de García Lorca la que a él le gustaba:
no aquella pintoresca creada para el turista.
En 1961, tras dejar la compañía de Pilar López, se traslada a Italia, donde trabaja como bailarín y coreógrafo en el Teatro de la Opera de Roma (coreografía con Antón Dolin para el Bolero de Ravel), en el Festival de Spoleto con Giancarlo Menotti (coreografía para la Carmen de Bizet), y en la Scala de Milan (Carmen y El amor brujo de Falla).
Son estos años sesenta en los que comienza a forjar su personalísimo estilo coreográfico. Para Gades era necesario eliminar todo oropel de mal gusto (las lentejuelas, los virtuosismos que por aquel entonces “prostituían” al flamenco), para tratar de sacar a la luz la esencia de la danza. En la búsqueda de este nuevo punto de vista sobre la coreografía fueron importantes, sin duda, el conocimiento y la atención hacia corrientes artísticas contemporáneas como el movimiento abstracto (Mondrian) y el surrealismo, en la pintura y en la literatura.
En 1974 estrena en Roma Bodas de Sangre, inspirado en el drama de García Lorca, una obra maestra que lo consagró al éxito internacional junto a su ya consolidada compañía., sin embargo, los fusilamiento del 75 en España y un profundo sentido de la responsabilidad moral lo inducen a retirarse de la danza. Sólo la amistad y la persuasión de Alicia Alonso y otros bailarines del Ballet Nacional de Cuba, con los cuales había tenido ocasión de trabajar anteriormente, sirvieron, tres años más tarde, para llevarlo de nuevo a la danza y continuar expresando sus ideas a través de ella. Invitado por la formación cubana, en 1978 inicia una gira por EEUU durante la que interpreta el rol de Hilarión en el ballet Giselle. En ese mismo año, la nueva España nacida tras la llegada de la democracia, le encarga la creación y dirección del Ballet Nacional Español. Gades centra la labor de la formación en la recuperación de la memoria coreográfica española del siglo XX .En 1981, después de un encuentro con el director Carlos Saura, su ballet Bodas de sangre se convierte en película. Gades/Saura se convierte en uno de los mayores difusores del arte flamenco a nivel mundial. El productor Emiliano Piedra propone continuar esta colaboración y, en 1983 nace la película Carmen. El mismo año Gades crea el ballet Carmen para el teatro, directamente inspirado en la narración de Prosper Mérimée. Un camino análogo sigue el ballet Fuego (1989), creado después de la película El amor brujo (1986) siguiendo una libre interpretación de la obra de Manuel de Falla. En 1994 estrena en Genova la que sería su última coreografía Fuenteovejuna.
La disolución en 1998 de la Compañía no significa el alejamiento de los escenarios de Gades, ya que a partir de entonces las reposiciones que de sus ballets realizan otras formaciones.
Fallece el 20 de julio de 2004 tras haber creado una Fundación encargada de velar por la integridad y defensa de su patrimonio artístico. Su inmensa labor ha trascendido el ámbito coreográfico para convertirse en una referencia indiscutible en la historiografía del teatro universal.

STELLA ARAUZO Directora artística
Nace en Madrid donde comienza sus estudios de danza con la maestra Mariemma en cuya compañía hará su debut profesional a la edad de 13 años, pasando posteriormente a los Ballets de Maria Rosa y de Rafael Aguilar. Con 17 años ingresa en la Compañía de Antonio Gades, y el maestro le da el papel de “madre” en Bodas de Sangre. A partir de 1988 interpreta el rol protagonista de Carmen de Antonio Gades, sustituyendo a Cristina Hoyos, un papel que se corresponde perfectamente con su fuerte temperamento e intensidad dramática. En 1989, en el Théâtre du Châtelet, interpreta a Candela, papel protagonista de la obra Fuego, de Antonio Gades. También baila con la Compañía de Rafael Aguilar en el ballet Rango, antes de retornar a la Compañía Antonio Gades en 1994 para volver a encarnar el papel de Carmen, tomando parte además en el montaje de Fuenteovejuna. En los últimos años trabaja con los bailaores granadinos Manolete y Juan Andrés Maya. Monta coreografías como Flamenco libre y El amor brujo en Suecia y participa en la película Callas forever, bajo la dirección de Franco Zeffirelli. También realiza una gira por Europa con el guitarrista Paco Peña y estará presente en La Arena de Verona con la compañía de Camborio. En 2002 será asistente de Mario Maya, comenzando una labor docente que se consolida en la escuela Carmen de las Cuevas de Granada, donde imparte clases magistrales. En 2004 retorna a los escenarios compaginando sus actuaciones en el tablao marbellí Rincón de Chinitas con la dirección artística de la obra La Pasión de Juan Andrés Maya. La Fundación Antonio Gades le encarga en septiembre de 2004 la dirección artística de la Compañía Antonio Gades, formación en la que vuelve a interpretar el rol de Carmen. Bajo su dirección se ha recuperado tanto “Carmen” como “Bodas de sangre y Suite Flamenca” y “Fuenteovejuna”. La fidelidad y conocimiento de la filosofía artística deGades, ha devuelto a la Compañía a las más altas cotas de la danza española.
ADRIÁN GALIA
Hijo de bailaores, nace en el año 1965 en Buenos Aires (Argentina), iniciando sus estudios de baile en la escuela del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Antonio Ruiz Soler. En 1982 forma parte del Ballet Español de Madrid, junto a José Antonio, Merche Esmeralda, El Güito, José Mercé y Emilio de Diego, pasando en los siguientes años por las compañías más prestigiosas entre las que destacan la de Luisillo, y la de Rafael Aguilar. En 1989 participa en las “Galas de Estrellas” junto a Peter Schaufuss, Silvie Guillén, Maya Plisetskaya, Patrick Dupont y Julio Bocca en el Théâtre des Champs Eliysées de París. En 1992 obtiene el primer Premio del I Certamen Internacional de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid y es invitado a la 1a Gala de la Danza de Moscú junto a Maya Plisetskaya, Vladimir Vasiliev y Natalia Makarova. En 1993 ingresa en la compañía de Cristina Hoyos como pareja de la bailaora, primer bailarín y coreógrafo, realizando junto a ella una gira mundial, en la que obtienen importantes criticas en todas sus actuaciones. En 1996 forma su Compañía de Flamencos Adrián Galia, colaborando al año siguiente con Enrique Morente en la presentación de su disco Omega. Rueda en Madrid en 1997 la popular enciclopedia audiovisual Paso a paso los palos del flamenco. En 1999 coreografía partes de la suite flamenca Oripandó para el Ballet Nacional de España y monta con su compañía el espectáculo Pensando flamenco. En 2001 funda Jaspain, primer centro coreográfico de Flamenco en Tokio. En 2004 es invitado por la Fundación Antonio Gades para hacerse cargo del rol de Don José en Carmen, al que siguen el de El novio en Bodas de sangre y El alcalde en Fuenteovejuna. Así mismo baila como solista en la Suite Flamenca.
Carrera de San Jerónimo, no 18 – 2a planta oficina 8 Telf.: +34 91 521 07 14. 28014 Madrid www.antoniogades.com
Compañía residente en Getafe
CARMEN


EL LENGUAJE DE TUS OJOS

• | Imprimir |

PATIO DEL COLEGIO  FONSECA Martes 22 de JULIO 2014  23:00h· Entradas: 18 € EL LENGUAJE DE TUS OJOS

Descubrí a Marivaux allá por los años 90 con un montaje de Miguel Narros (La doble Inconstancia) del que guardo un gratísimo recuerdo. Pero ahí acabó todo, he de reconocer que mis lecturas y mis intereses circularon por otros derroteros y quizás, entre otras cosas, porque a la hora de poner en pie textos clásicos he tenido siempre una doble precaución, una de ellas por la cantidad de personajes que suelen formar parte de los mismos (casi imposible para las compañías privadas) y otra, como por ejemplo en el caso de Marivaux, porque siempre me he distanciado de las obras basadas en enredos amorosos, obras que aun siendo indiscutibles siempre me han resultado un tanto farragosas y como sabemos el autor francés gusta mucho de tratar en sus comedias el tema del amor galante, o mejor dicho el tema de “la fragilidad” en la duración del amor, la infidelidad, la escasa duración del amor como sinónimo de deseo, el mercadeo sentimental y los interés de las relaciones amorosas. Si bien es cierto que también tiene una doble cara que siempre me ha resultado fascinante: por un lado es un autor que nos induce al juego, a la alegría a la fiesta, a la comedia y al enredo pero también a una parte más oscura, más cruel y miserable de nosotros mismos, pero siempre con
salida. Siempre deja resquicio a la ternura y a la dignidad.
Pero ahora ha llegado hasta mi un texto que me ha producido una enorme alegría, se trata de “Le Prince travesti o L ́Ilustre aventurier”, “El Príncipe travestido o el Ilustre aventurero” (1724) en una traducción directa pero mejorable. Un texto para siete actores que permite una puesta en escena contemporánea.
Este texto me ha parecido bello, ingenioso, sorprendente y sobre todo oportuno.
Bello porque tiene un lenguaje elaborado pero se trata de una prosa sencilla, una prosa directa a los sentidos, a la inteligencia y al corazón. Un auténtico placer escrito para ser dicho, sentido y escuchado.


Porque en esta función no se habla de amor sino que los personajes se enamoran, no se habla de corruptelas sino que vemos como los personajes caen rendidos en las tentaciones materiales y pasionales. Y cuando digo sorprendente es porque parecería que los personajes de la función aún sometidos a un texto, a un proceso escrito por el autor tuviesen voluntad de saltárselo, de dar la vuelta al camino trazado y hacer su santa voluntad provocándonos una sensación de modernidad y sorpresa continuas.
Se diría que aún sostenida dentro de una época, donde nos sitúan bien La Princesa y Lelio, hay otros personajes como Arlequín, Federico, Hortensia y Luisita que parece que nos están hablando hoy, mejor aún, nos hablan de su tiempo pero parecería que nos están guiñando un ojo después de cada frase como diciendo: ¡qué poco hemos cambiado!.
Mi intención, tarea nada simple, sería poder trasmitir ese escalofrío que te provocan los clásicos cuando, a pesar del tiempo trascurrido desde que fueron concebidos, siguen hablando al hombre contemporáneo, trascienden en el tiempo y nos hablan de nuestro día a día, de nuestra esencia, de lo que perdura y perdurará a través de los tiempos. Una crítica feroz y divertida llena de comprensión hacia nosotros mismos.
AMELIA OCHANDIANO

SINOPSIS
La Princesa de Barcelona se ha enamorado de Lelio, un hombre misterioso a la cabeza de su ejército, pero temerosa de no cumplir con su deber de casarse con un príncipe insta a Hortensia (amiga suya y confidente) a que investigue los orígenes de su amado y de paso le insinué los sentimientos que tiene hacia él para que éste se anime a declararle su amor. Hortensia se sirve de Arlequín (criado de Lelio) para sus averiguaciones y cuando se encuentra con Lelio para expresarle los sentimientos de la Princesa reconoce en él al hombre que la había salvado de unos asaltadores y del que no ha podido olvidarse. El sentimiento es mutuo. A partir de ese momento Hortensia luchara en contra de sus intereses para ayudar a la Princesa en una unión que considera ventajosa para todos, menos para su corazón.
Por otro lado, el príncipe de Castilla ha pedido la mano de la princesa de Barcelona para poder unir ambos reinos y así poder aliviar las tensiones que durante años mantienen estos dos reinos. Este conflicto querrá ser utilizado por Federico (cortesano al servicio de la Princesa) para trepar en la corte y de paso quitar de en medio a Lelio al que considera su rival.
También Federico se querrá servir de Arlequín para sus maquinaciones quedando este en medio de todos los conflictos, que irá resolviendo con ingenio, con sentido del humor y al lado de su amante, Luisita, más pícara que él si cabe. Las intrigas y sobornos de unos y de otros para conseguir sus deseos ocultos, se irán desarrollando poco a poco en un brillante juego escénico a ritmo de música de Zarzuela hasta que las miradas de todos nos desvelen sus verdaderos sentimientos, que al final son los que decidirán el desenlace.

EQUIPO ARTÍSTICO

VERSIÓN............................................ Amelia Ochandiano
ESCENOGRAFÍA...................................Ricardo Sánchez Cuerda
VESTUARIO................................ Rosa Engel y Ma Luisa Engel
ILUMINACIÓN..............................................Felipe Ramos
COREOGRAFÍA Y DIRECCIÓN............................ Amelia Ochandiano
PRODUCCIÓN.............................. TEATRO DE LA DANZA DE MADRID


Teatro Corsario

• | Imprimir |

Patio del  Colegio FONSECA Martes 15 de Julio 2014  23:00h· Entradas: 18 € Teatro Corsario   ¡CLÁSICOS CÓMICOS Entremeses de burlas

CLÁSICOS CÓMICOS Entremeses de burlas
Sabemos que los entremeses eran absolutamente imprescindibles en los espectáculos teatrales de su tiempo, perfectamente intercalados en las obras largas con más de un propósito; entre otros, descongestionar el ambiente, si procedía, y un rato de diversión extra entre acto y acto, que, por si fuera poco, evitaba el muy temido horror al vacío.
Pero eran mucho más. Permitían a los autores hablar de ciertas cosas con menos tapujos. La licencia para ello venía de su estirpe popular y carnavalesca, que hundía sus raíces en un pasado remoto. Ya en escena, las compañías completaban la obra con nuevos sentidos, casi siempre poco ortodoxos, que solían manifestar mediante una explícita gestualidad. Nada escandalizaba más a los moralistas y enemigos del teatro que estas piezas.
En esta ocasión hemos contado con un puñado de entremeses que cuentan historias de mujeres insatisfechas, casadas con hombres que, o bien son necios o bien demasiado viejos. El punto de vista es el de ellas. Así, nos recuerdan una vez más la triste condición de las mujeres en este y en otros tiempos, sometidas al arbitrio de una sociedad machista. Por otra parte, no podemos por menos que reírnos con las desventuras de los maridos y las estrategias de los amantes para encontrarse con las codiciadas esposas. Los amantes ejercen a veces el oficio de sacristanes, que, no siendo propiamente curas, les hace parecer tales a nuestros ojos. Su abolengo entronca con los medievales goliardos y los curas lujuriosos que Boccaccio plasmó en «El Decamerón» y que también encontramos en autores como el Arcipreste de Hita o Quevedo.
Hemos de ponderar también el carácter rebelde de las mujeres, el cual, quizá por participar del desenfado y de la parodia, podía concluir sin reprimenda ni castigo, es decir, que ellas «se salían con la suya», al contrario de lo que probablemente sucedía en la realidad. Son precisamente estas obras el auténtico reverso de las obras «de honor». Incluso cabe pensar que el público femenino era su principal destinatario. Por otra parte, no podemos referirnos a estas mujeres como «ejemplares». Ni ellas ni ellos lo son. No procede considerar los aspectos éticos de estos personajes. Nuestra posición ha de ser la de compartir las distintas situaciones y la cómica manera que tienen de resolverlas. Los disparates que acontecen se resuelven drásticamente con la espontánea invitación al baile y, en general, con la irrupción de la música, que aquí tiene el poder de acabar con los conflictos y reclamar el aplauso.

CLÁSICOS CÓMICOS (Entremeses de burlas) es lo que los propios clásicos llamaban una folla, o sea, un conjunto de piezas breves de carácter satírico, con canciones y bailes, que en esta ocasión gira en torno a divertidas situaciones de esposas desquiciadas, amantes intrépidos y maridos burlados.

- Es un espectáculo constituido por varios entremeses del Siglo de Oro en torno a divertidas situaciones de esposas desquiciadas, amantes intrépidos y maridos burlados. Por una vez, las mujeres «se salen con la suya» y los graciosos conflictos y disparates se resuelven con todos los personajes cantando y bailando.

Entremeses:
LOS LOCOS, anónimo.
EL NIÑO DE LA ROLLONA, de Francisco de Avellaneda.

GUARDADME LAS ESPALDAS, de Pedro Calderón de la Barca.

LOS MUERTOS VIVOS, de Luis Quiñones de Benavente.
LOS TOROS DE ALCALÁ, de Juan de la Hoz y Mota.

SINOPSIS DE ENTREMESES EN «CLÁSICOS CÓMICOS»

LOS LOCOS. Anónimo.
La esposa de Juan Rana le envía a vender unas gallinas, para que no descubra a su amante. Este urde la manera de dejar al marido entre los locos.
EL NIÑO DE LA ROLLONA, de Francisco de Avellaneda.
Una madre quiere casar a su hija y ella no quiere. Acompañado de un padrino, viene a pedirle la mano el pretendiente, pero aparece el increíble hijo de este.
GUARDADME LAS ESPALDAS, de Pedro Calderón de la Barca.
Un vejete, enamorado de la esposa del simple, le convence para que acabe con los amantes de ella. El simple hace guardia a la espera de que le ayuden.
LOS MUERTOS VIVOS, de Luis Quiñones de Benavente.
Un enamorado pretende casarse con la hermana de Juan Rana, pero este no le deja. Para que no les moleste, la pareja hace creer a Juan Rana que está muerto.
LOS TOROS DE ALCALÁ, de Juan de la Hoz y Mota.
Vuelca el carro donde viaja un vejete con su esposa a punto de parir. Junto a ellos se detienen los que van a los toros y se quedan charlando, bebiendo y cantando.

DIRECCIÓN: Jesús Peña
REPARTO:
Juan Rana, Niño de la Rollona, Lorenzo y Cura: Sacristán, Criado, Valiente, Galán y Torero: Loca, Cordelia, Galán, Hermana y Catula: Quiteria, Isabel, Inés, Música y Preñada: Loquero, Padrino, Vejete, Sánchez y Guapo borracho: Loco, Garullo, Galán, Músico y Vejete Maladros: Loca, Ama, Galán, Ana y Ciega:
Luis Miguel García Carlos Pinedo Blanca Izquierdo Anahí van der Blick Julio Lázaro
Borja Semprún Teresa Lázaro

AUTORES:
Pedro Calderón de la Barca Luis Quiñones de Benavente Francisco de Avellaneda Juan de la Hoz y Mota Anónimo
VERSIÓN: Jesús Peña
MÚSICA: Juan Carlos Martín
SONIDO:
Juan Ignacio Arteagabeitia (Atila)
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Javier Martín
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Teatro Corsario
DISEÑO DE VESTUARIO: Lupe Estévez
DISEÑO DE CARTEL: Trama Comunicación y Diseño
ASESORAMIENTO: Germán Vega García-Luengo

REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA: Óscar Balsa
Fernando Hernández
REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Lupe Estévez
María José Prieto Patricia del Amo Raquel Valverde
Inma Muñoz

UNA COPRODUCCIÓN DE: Circe Producciones Teatrales S.L. Fundación Teatro Calderón Festival Olmedo Clásico
ESTRENO: 16 de mayo de 2014 en el Teatro Calderón de Valladolid

HISTORIA DE TEATRO CORSARIO
La compañía TEATRO CORSARIO se forma en 1982. Su larga trayectoria se caracteriza por un especialísimo tratamiento de los clásicos en lengua castellana que la ha situado entre las mejores compañías de verso. Por otro lado, pone en escena novedosos espectáculos de títeres para adultos de ámbito internacional. Actualmente se denomina «TEATRO CORSARIO- CASTILLA Y LEÓN» y coproduce sus espectáculos con la Junta de Castilla y León. Es también Compañía Concertada con el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.
Fernando Urdiales (Premio Castilla y León de las Artes) fue hasta su fallecimiento en 2010 el director de los espectáculos de actores.
Jesús Peña es el director de los nuevos espectáculos de teatro clásico: «El médico de su honra» de Calderón y «Clásicos Cómicos» (Entremeses de burlas). Es también el director de los espectáculos de títeres para adultos.
TEATRO CORSARIO realiza giras por toda España y ha visitado Francia, Gran Bretaña, Alemania, Austria, Italia, Portugal, Bélgica, Holanda, Dinamarca, Polonia, Croacia, México, Colombia, Ecuador, Uruguay, Puerto Rico y Estados Unidos.

ESPECTÁCULOS (en orden cronológico):

DICIÉNDOLO DE NUEVO (1982). Poesía contemporánea. Dirección: Fernando Urdiales.
LA CAZA DEL SNARK (1983) de Lewis Carrol. Dir.: F. Urdiales.
COMEDIAS RÁPIDAS (1984). Textos de Enrique Jardiel Poncela. Dir: F. Urdiales.
LA VOZ HUMANA (1984) de Jean Cocteau. Dir.: Fernando Urdiales y J. I. Miralles.
PARA TERMINAR CON EL JUICIO DE DIOS (1985) de Artaud. Dir.: F. Urdiales.
INSULTOS AL PÚBLICO (1986) de Peter Handke. Dir.: F. Urdiales.
SOBRE RUEDAS (1987). Pasos de Lope de Rueda. Dir.: F. Urdiales.
PASIÓN (1988). La Pasión barroca. Dir.: F. Urdiales.
EL BUQUE (1988) de Luis Riaza. Dir.: F. Urdiales.
EL GRAN TEATRO DEL MUNDO (1990) de Calderón de la Barca. Dir.: F. Urdiales.
ASALTO A UNA CIUDAD (1991) de Lope de Vega/Alfonso Sastre. Dir.: F. Urdiales.
LA VOZ DE LAS COSECHAS (1992). Poesía contemporánea. Dir.: F. Urdiales.
AMAR DESPUÉS DE LA MUERTE (1993) de Calderón de la Barca. Dir.: F. Urdiales.
CLÁSICOS LOCOS (1994). Entremeses barrocos. Dir.: F. Urdiales.
LA MALDICIÓN DE POE* (1994) de Jesús Peña. Sobre cuentos de Poe. Dir.: Jesús Peña.
LA VIDA ES SUEÑO (1995) de Calderón de la Barca. Dir.: F. Urdiales.
COPLAS POR LA MUERTE (1996) de Jorge Manrique, el Arcipreste, etc. Dir.: F. Urdiales.
VAMPYRIA* (1997) de Jesús Peña. El mito de la mujer vampiro. Dir.: Jesús Peña.
EDIPO REY (1998) de Sófocles. Dir.: F. Urdiales.
EL MAYOR HECHIZO, AMOR (2000) de Calderón de la Barca. Dir.: F. Urdiales.
TITUS ANDRONICUS (2001) de William Shakespeare. Dir.: F. Urdiales.
DON GIL DE LAS CALZAS VERDES (2002) de Tirso de Molina. Dir.: F. Urdiales.
CELAMA (2004) de Luis Mateo Díez/Fernando Urdiales. Dir.: F. Urdiales.
LA BARRACA DE COLÓN (2005) de Fernando Urdiales. Dir.: F. Urdiales.
AULLIDOS* (2007) de Jesús Peña. Sobre La Bella Durmiente. Dir.: Jesús Peña.
LOS LOCOS DE VALENCIA (2008) de Lope de Vega. Dir.: F. Urdiales.
EL CUERVO (2009) de Edgar Allan Poe / Francisco Pino. Dir.: Javier Semprún.
EL CABALLERO DE OLMEDO (2009) de Lope de Vega. Dir.: Fernando Urdiales.
LA MALDICIÓN DE POE* (2a versión 2010) de Jesús Peña. Dir.: Jesús Peña.
EL MÉDICO DE SU HONRA (2012) de Calderón de la Barca. Dir.: Jesús Peña.
LIMA LIMÓN (2013). Músical humorístico de pequeño formato. Dir.: Luis Miguel García.

CLÁSICOS CÓMICOS (Entremeses de burlas) (2014). Dir: Jesús Peña.

* Los espectáculos con asterisco pertenecen al repertorio de títeres.

PREMIOS A TEATRO CORSARIO (en orden cronológico):

• Premio Valladolid de Teatro por COPLAS POR LA MUERTE (1997).
• Premio Mejor Espectáculo, Director (Fernando Urdiales) y Actor (Francisco González)
en el Festival Garnacha de Rioja por EDIPO REY (1999).
• Premio El Norte de Castilla a la trayectoria de TEATRO CORSARIO (1999).
• Premio Mejor Espectáculo en la Fira de Titelles de Lleida por VAMPYRIA (2002).
• Premio del Festival de Artes de Rua de Palmela (Portugal) por VAMPYRIA (2003).
• Premio Castilla y León de las Artes a Fernando Urdiales, director de TEATRO
CORSARIO (2004).
• Premio del Jurado del Festival de Ribadavia por CELAMA (2004).
• Premio Zapatilla de la revista teatral Artez al Mejor Espectáculo estrenado en 2004 por
CELAMA (2005).
• Premio Mejor Espectáculo de Sala de la Feria de Teatro en Castilla y León por LA
BARRACA DE COLÓN (2006).
• Candidatura al Premio MAX Revelación por CELAMA (2006).
• Premio Mejor Adaptación Teatral, concedido por la ADE, Asociación de Directores de
Escena de España, por CELAMA (2006).
• Premio Unión de Actores de Castilla y León a Ruth Rivera por su papel en LA BARRACA
DE COLÓN (2006).
• Premio MAX Revelación por LA BARRACA DE COLÓN (2007).
• Premio Umore Azoka de Leioa a la trayectoria artística de TEATRO CORSARIO (2007).
• Premio Piñón de Oro de Artes Escénicas de la Casa de Valladolid en Madrid a la trayectoria de TEATRO CORSARIO (2007).
• Premio Mejor Propuesta Interpretativa en la Fira de Titelles de Lleida por AULLIDOS (2007).
• Premio Mejor Espectáculo para Adultos en la Mostra Internacional de Titelles a la Vall d’Albaida por AULLIDOS (2008).
• Premio del Jurado de la Unión Polaca de Artistas de Escena en el Festival de Torun
(Polonia) y Mención Honorífica en el mismo certamen por su «magistral técnica de animación» por AULLIDOS (2008).
• Premio Adolfo Marsillach «a una labor teatral significativa», concedido a TEATRO
CORSARIO por la Asociación de Directores de Escena de España (2008).
• Premio del Público en el Festival Olmedo Clásico por EL CABALLERO DE OLMEDO (2009).
• Premio de la Unión de Actores de Castilla y León a Rosa Manzano y Luis Miguel García
por su papel en EL CABALLERO DE OLMEDO (2010).
• Doble Premio Mejor Espectáculo (Jurado y Espectadores) en la Fira de Titelles de Lleida
por LA MALDICIÓN DE POE (2010).
• Premio Wind Mejor Espectáculo en el Festival Internacional de Teatro de Pula
(Croacia) por LA MALDICIÓN DE POE (2010).
• Premio Mejor Espectáculo y Mejor Actriz (Rosa Manzano) en el Festival Garnacha de
Rioja por EL CABALLERO DE OLMEDO (2010).
• 2o Premio Festival Don Quijote de París por AULLIDOS (2011).
• Premio de Teatro Provincia de Valladolid a la trayectoria de TEATRO CORSARIO (2012).
• Premio Medina de Rioseco por los 25 años del espectáculo PASIÓN (2013).
• Doble Premio Garnacha de Rioja (Mejor Actor Protagonista a Carlos Pinedo y Premio
del Público) por EL MÉDICO DE SU HONRA (2013).

JORGE DREXLER

• | Imprimir |

PATIO COLEGIO FONSECA MARTES 29 de JULIO 2014  23:00h· Entradas: 18 € JORGE DREXLER    BAILAR EN LA CUEVA

JORGE DREXLER habla sobre BAILAR EN LA CUEVA

¿Qué es Bailar en la Cueva? ¿Por qué "en la cueva"?
"Bailar en la cueva" es una celebración de la danza y la música como determinantes de nuestra identidad humana. Juntarnos alrededor de un fuego a llevar un ritmo en conjunto es algo que probablemente hiciéramos, inclusive, desde antes de tener un lenguaje estructurado. Muchísimos años antes de conocer la agricultura (quizás 30.000 años antes) ya construíamos flautas de hueso. Hoy en día seguimos juntándonos a hacer música y bailar en en todos los círculos sociales de todas las culturas, sin excepción. Alguna ventaja evolutiva debe tener para que lo mantengamos por decenas, quizás cientos de miles de años.
En un plano personal, es un intento de recuperar la relación entre mis canciones y el baile. Es un disco bailable en gran parte. Yo me crie en un país en dictadura, donde no se bailaba porque era igual de mal visto, tanto por el régimen militar, como por el círculo de intelectuales de izquierda en el que crecí. Llegué a poner en una canción "los músicos no bailamos"... Bueno, esa idea, caducó!

¿Cómo fue la grabación? ¿Por qué en Colombia?
Mi abuelo materno vivió muchos años en Colombia y me traía cassettes de Vallenatos de Alejo Durán. Crecí siempre con ganas de ver eso de cerca. Fuimos a Colombia con el equipo de base, Carles "Campi" Campón y Sebastián Merlín, buscando algo que no habíamos encontrado tan claramente en ningún otro país latinoamericano. Algo que tiene que ver con la coexistencia viva y palpitante entre la música de raíz (en el caso de Colombia LAS músicas, porque es un continente musical en sí misma) y la contemporaneidad. Trabajamos guiados por el gran Mario Galeano de Frente Cumbiero que nos presentó una selección de músicos colombianos que se movían en la encrucijada entre la tradición y la electrónica. Nos sentimos como en casa en Bogotá tanto en los aspectos artísticos como humanos. Nos encantó la escena musical actual ahí.
Pero en realidad, el disco es más que una relación con Colombia, es una apertura al continente entero. En los últimos 4 años recorrí América Latina entera varias veces y aprendí a reconocerme en ella. A asumir con enorme alegría que yo, musicalmente, soy también eso. Hay referencias claras a Venezuela ("La luna de Rasquí", dedicada a Simón Díaz), "Bolivia" (la canción), Chile (en la presencia de Ana Tijoux), Perú en las referencias al sonido de Los Destellos y la cumbia peruana, Brasil, con la presencia de Caetano Veloso, Puerto Rico con la producción de Eduardo Cabra "Visitante" de Calle 13 y los arreglos de vientos de Edgar Abraham, a Costa Rica, con la cita de Walter Ferguson y a Colombia, además de todo, por la presencia de Li Saumet y Julián Salazar de Bomba Estéreo. Además de mis referencias habituales rioplatenses, el disco es una especie de diario de viaje de mis últimos años; de nuevos lugares en los que me siento en casa.

¿En qué te inspiraste a la hora de escribir las canciones?
Como la idea era hacer un disco para el cuerpo (además de para la emoción y la razón) nos centramos en el trabajo desde el groove. Trabajamos el ritmo sobre todo con percusionistas colombianos. Gran parte de las canciones surgieron desde la base rítmica. Es un disco en el cual casi siempre, las letras son más sintéticas, más concretas y breves que en los anteriores. En casi todas las canciones dejé fuera la mitad de la letra y la mitad de los acordes. La intención era ampliar el mundo de las emociones y el intelecto en los que ya me muevo más cómodamente y meter las canciones en un plano más físico: escribirlas desde los pies. Me fui a la playa de Somo, en Cantabria, al norte de España donde estuve en soledad, componiendo, una semana en Setiembre. Ahí el disco empezó a tomar forma y surgieron varias de las canciones.

¿Cómo surge la colaboración de Caetano Veloso?
Caetano se encontraba presentando su maravilloso disco "Abraçaço" en Bogotá y fuimos a ver el show. Nos invitó a cenar con él en una noche que no olvidaré y alguien en la cena preguntó: "¿Para cuándo una colaboración entre ustedes dos?" Caetano dijo que le encantaría y yo le dije "¿En serio lo dices?" ¡Y ahí mismo lo invité! Necesitaba en "Bolivia" una voz con la expresividad y la autoridad humana y artística que solamente puede dar Caetano Veloso, uno de mis referentes principales y para mí el mejor exponente vivo de la canción Iberoamericana.
Grabó su voz luego, en Río de Janeiro bajo la supervisión de su hijo Moreno, quien al mandarme la canción me comentó "Gostei muito da sua cumbia tropicalista". Creo que eso la define muy bien.

¿Cuál es tu canción preferida del nuevo disco?
Hay una que no sé si es mi preferida, pero que quiero especialmente por varios motivos: "Bolivia".
Habla de la salida de Alemania de mi padre de 4 años y mis abuelos, en 1939, escapando del horror nazi. En enero de ese año todas las cancillerías latinoamericanas decidieron dejar de dar visados por unos meses a los refugiados que intentaban escapar. Todos los países, menos Bolivia, que fue el único país que recibió a mi familia en un acto de valentía y generosidad. Mi familia vivió en Oruro 8 años. Mi bisabuelo murió en Bolivia, mi tío nació ahí... Cuando hace un año fui a tocar a Bolivia por primera vez, lo hice con mucho agradecimiento y mucha emoción. Inmediatamente después escribí la letra de la canción y la terminé de musicalizar en los días que pasé componiendo aislado en la playa de Somo.

Se está anunciando una larga gira. ¿Cómo serán los conciertos?
La idea es que sean conciertos más expansivos que los anteriores. Para ver de pie, inclusive, durante buena parte del mismo. Llevo mi maravillosa sección de 3 vientos y una base rítmica muy reforzada. Cuidaremos mucho, como en "Mundo Abisal" el paisaje de luz y sonido. Como siempre, además de tocar canciones nuevas, intentaremos llevar las canciones anteriores al mundo sonoro más rítmico de "BAILAR EN LA CUEVA".
Dos horas de comunión a través de la música, el texto y la danza. Nada que nuestra especie no haya estado haciendo desde la Prehistoria.

Desde tu último disco hasta hoy, has protagonizado una película, se ha estrenado un ballet que lleva tu música, has compuesto para cine, has hecho una App innovadora y no has parado de presentarte en España y América con tus conciertos. ¿Qué balance haces de ésta época?
Han sido unos años maravillosos de búsqueda y expansión. De abrir camino en varias direcciones, buscando los límites de las cosas que me gusta hacer. Desde profundizar en mi Twitter @drexlerjorge en la métrica de la poesía breve, hasta hacer de Pregonero del Carnaval de Cádiz, un desafío y un honor enormes, desproporcionados, para un Montevideano.
La aventura de la App "n" me dio, además del trabajo equivalente a un disco entero, la vibrante sensación de estar abriendo un camino absolutamente nuevo, de algo que no se había hecho antes con canciones. "n”, fue un proyecto combinatorio, basado en ideas casi matemáticas, muy cerebral y que requería mucha paciencia y planificación.
De alguna manera "BAILAR EN LA CUEVA" es la búsqueda en sentido opuesto: buscar de manera directa, inmediata, una relación emocional con cosas como el movimiento y la música, que venimos haciendo desde siempre. Canciones sintéticas donde mandan los pies y las emociones más que el cerebro.

La música, según la mayoría de la gente de la industria, está atravesando un momento delicado. ¿Qué opinas sobre esto?
Delicado no es un adjetivo necesariamente malo. Este es un momento de cambio en todo. De cambio de paradigma, en general. La música no puede abstraerse de eso. Desde el punto de vista creativo, no se me ocurre una etapa más interesante para hacer música que ésta. Todas las herramientas están a tu alcance. Si uno consigue mantener el foco bajo la catarata de información y aprender a discriminar y profundizar en las cosas, puede sacar partido de este momento expansivo.
En lo que respecta a la industria musical, siempre que aparece una tecnología nueva hay cambios muy grandes que lleva un tiempo asimilar. En este caso, en un mundo que cada vez más, vive de ideas, se trata sencillamente (aunque no sea nada sencillo) de encontrar una vía legal sensata y realista, para que quienes producen estas ideas puedan cobrar por ello y así dedicarse a seguir generando ideas. La cultura es el perfume de nuestra especie. Cuidemos a los perfumeros.

 BIOGRAFIA

Artistas tan dispares como Mercedes Sosa, Shakira, Omara Portuondo, Ana Belén, Víctor Manuel, Neneh Cherry, Pablo Milanés, Ketama, Miguel Ríos, Ana Torroja, Sole Giménez, David Broza, Rosario, Jovanotti, María Rita, Simone, Zelia Duncan, Paulinho Moska, Jaime Roos, Adriana Varela o Bajofondo Tango Club han grabado canciones de Jorge Drexler en sus discos.

A mediados de 1989 empezó a escribir canciones y en 1992 editó su primer disco, "La luz que sabe robar". Ese mismo año se licenció como médico en la Universidad de la República Oriental del Uruguay.

La edición de su segundo trabajo, "Radar" (1994), cerró su primera etapa en Uruguay, antes de cruzar el charco e instalarse en España donde grabó su tercer álbum "Vaivén" (1996), con colaboraciones de Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute y Javier Álvarez.. A partir de ahí, se establece en Madrid desde donde continúa editando sus discos hasta el día de hoy, acumulando ya 10 discos originales además de varias re-ediciones (ver discografía más abajo).

Sigue mantenido una intensísima agenda de conciertos, presentando sus últimos discos en diferentes formatos en 20 países.

Fue en 2005 cuando Drexler adquirió mayor notoriedad a nivel popular al recibir el OSCAR por la canción "Al otro lado del río", que pertenece a la película "Diarios de motocicleta". Se trata de la primera canción en castellano de la historia que recibe este galardón.

En estos últimos años ha acumulado 3 nominaciones consecutivas a los Grammy Awards, 4 nominaciones consecutivas a los Latin Grammy Awards y 2 veces consecutivas el Premio de la Música Española, entre otros galardones.

En el 2008 salió a la venta su noveno disco “CARA B” grabado en directo durante una gira por 7 ciudades de Cataluña. Además, el director de cine Manel Huerga se sumó al proyecto CARA B rodando un largometraje sobre dicha gira, dando lugar a “Un instante preciso”, documental quefue avalado ya por premios tan importantes como la Biznaga de Plata del Público (categoría Largometrajes-documentales) conseguido en el XXII Festival de Cine de Málaga (España) y la Selección Oficial al London Film Festival y El Festival de Cine de La Habana.

Sus canciones han sido incluidas en otras numerosas películas como “No sos vos, soy yo”, “Retrato de mujer con hombre al fondo”, “Las razones de mis amigos”, “Antigua vida mía”, “Spoils of war”, “Cándida” o “El nido vacío”.

Ha escrito la banda sonora y dos nuevas canciones para la película de James Ivory “The city of your final destination”, protagonizada por Anthony Hopkins, Laura Linney yCharlotte Gainsbourg.. Asimismo, escribió la canción original para "LOPE" dirigida por Andrucha Waddington, con la que obtuvo un premio Goya.

AMAR LA TRAMA fue su último disco en estudio, grabado en directo en 2010, en compañía de una gran banda que incluía instrumentos de metal o marimba, y con los que ofreció más de 70 conciertos en 10 países diferentes. Fue nominado en cuatro categorías a los Latin Grammys y a los Premios de la Música de España.

Como cierre a este álbum y coincidiendo con el 20 aniversario de su primera grabación, ha realizado una gira llamada “Mundo Abisal”, un espectáculo abierto a la experimentación musical y escénica, con el nivel de sofisticación sonora a la que nos tiene acostumbrados. Esta gira recorrió España y toda América, finalizando con 20 shows en Estados Unidos y Canadá.

En este tiempo interpretó a nivel protagonista la última película de Daniel Burman, “La suerte en sus manos”, premiada al Mejor Guión en el Festival de Tribeca (NY). Por este, su primer trabajo como actor, fue nominado como Mejor Actor Revelación en los Premios Sur de Argentina.

En 2012 nos vuelve a sorprender, esta vez escribiendo su primer ballet. Se trata de “Tres Hologramas”, estrenado por el Ballet Nacional Uruguay que dirige Julio Bocca.

29 de noviembre de 2012, una fecha que quedará marcada por ser la bienvenida a n, el nuevo trabajo de Jorge Drexler, saliendo del formato discográfico y produciendo nuevas canciones para que puedan ser intervenibles por el público en sus tablets o smart phones.

Su popularidad crece constantemente, tanto que en 2013 fue elegido como pregonero de los Carnavales de Cádiz.

Ya a finales de año, Drexler acabó de componer sus nuevas canciones, y junto a su equipo de producción (Carles Campón y Sebastián Merlín) viajaron a Bogotá para grabar la base de su nuevo álbum. En compañía de músicos colombianos, y de la mano de Mario Galeano (Frente Cumbiero) registraron gran parte del disco. Dos semanas después volvieron a Madrid y junto a su banda habitual acabaron la grabación de las canciones que componen BAILAR EN LA CUEVA.

Este es un disco más rítmico, incluso bailable en su mayor parte, donde Drexler arriesga más que nunca con el sonido y el concepto global. Es destacable la participación especial de Caetano Veloso, que colabora en la canción "Bolivia". También pasaron por el estudio Ana Tijoux que tiene un rap en el tema elegido como primer single “Universos paralelos”, Bomba Estéreo en “Bailar en la cueva” o la coproducción de Eduardo Cabra de Calle 13 en “Todo cae”.

La Hermosa Jarifa

• | Imprimir |

PATIO DEL COLEGIO FONSECA Jueves 17 de JULIO 2014  23:00h· Entradas: 18 € La Hermosa Jarifa  VERSIÓN Y DIRECCIÓN BORJA RODRÍGUEZ

La Hermosa Jarifa
A partir de HISTORIA DEL ABENCERRAJE Y DE LA HERMOSA JARIFA de Antonio de Villegas, el Romancero Popular, y otras fuentes.

VERSIÓN Y DIRECCIÓN BORJA RODRÍGUEZ

Sinopsis
"tiempo de frontera en España, el moro Abindarráez cruza Andalucía. En su viaje es apresado y reducido por el cristiano Narváez, alcalde de Antequera, y sus hombres. Cuando lo reducen, Abindarráez pide clemencia: su viaje es por amor. Entonces narra la historia de los Abencerrajes en Granada expulsados del reino injustamente por injurias, y muertos algunos en La Matanza de los Abencerrajes-, y su particular historia de amor con la hija del Alcalde de Coín desde la infancia. Narváez da un plazo de tres días a Abindarráez para viajar y celebrar sus bodas con Jarifa, pasado este tiempo, deberá entregarse. Abindarráez, atendiendo a su palabra, en vez de escapar, viaja a Coín, se casa con Jarifa y a los tres días vuelven los amantes para entregarse. Jarifa habla con Narváez explicándole la grandeza de Abindarráez. Atendiendo al asombroso gesto de honradez del moro, el cristiano se rinde a sus pies y los dos se estrechan en un abrazo que será gesto de humanidad, comprensión y entendimiento entre los dos pueblos.
“El Abencerraje no es un bello sueño poético, sino una obra que recoge la resonancia de los más graves planteamientos espirituales de la época, aparecida en tiempos decisivos para la historia de los españoles. La afirmación de un ideal ético de condición civil, con la denuncia implícita de la intolerancia que representa la obra.”

Los textos
Partimos de la obra original de Antonio de Villegas-Medina del Campo 1522-, y ya aquí nos encontramos con una doble opción:
Nuestra elección es no renunciar a ninguna de las dos y dejar que dialoguen entre sí, sumando las voces populares que nos aportan los romances anónimos de la época, con las canciones fronterizas, las referencias textuales posteriores e incluso aventurándonos en la escritura para solucionar alguna elección en la solución de la pieza, pues nos encontramos que cada autor hace la suya, y de esta manera establecemos con nuestra propuesta de contemporaneidad.

Con El Abencerraje se inicia el grupo literario MORISCO, y podemos decir que esta obra fue al “morisco” lo que El Lazarillo a la “picaresca”.

Razón Antropológica
En Occidente trabajamos con códigos que van muriendo rápidamente, a diferencia del la arcaica pero sólida tradición oriental. En sólo un siglo podemos aceptar multitud de corrientes, de lenguajes, de propuestas, tanto de forma como de pensamiento, que van incluso solapándose y que conviven geográficamente. No hace cien años el Arte se revolucionaba en Vanguardias y el Teatro luchaba por salir del corsé, y no hace cincuenta nos acercábamos a la razón del personaje, para acabar deshaciendo lo hecho poco más tarde. En definitiva, el teatro, cuando es pura expresión, necesidad pura, se deshace al tiempo que se hace. Este viaje es cada vez es más rápido, dadas las circunstancias, y queremos aportar nuestra razón antropológica, eso sí, a través de la diversión y la diversidad.

Historia del Abencerraje y de la Hermosa Jarifa nos da juego para hacer el paso, aportar nuestros códigos frescos, con base en la tradición de los textos del XVI; el diálogo entre Flamenco y Romance, entre la formalidad del verso y la libertad del movimiento, de la lucha escénica, de la tradición oral, de la música hecha a pie de calle y de la multitud de prismas que nos ofrece la articulación peculiar de la historia.

Estamos ante un texto que consideramos de gran valor, pues esta vez no es el amor, los celos o la honra, sino que son razones antropológicas las que mueven la acción; dos culturas diferentes que se ven en la encrucijada y en la oportunidad de entenderse. A la lección de generosidad de uno, se sumará en un abrazo la grandeza humana de la palabra del otro. Por último, la intervención de la Hermosa Jarifa en el conflicto, abre la puerta a otro diálogo que aun hoy día está pendiente de solucionar en nuestras sociedades.
BORJA RODRÍGUEZ



Antonio de Villegas
Se sitúa a la altura de los poetas más jóvenes de lo que se ha denominado “primera generación de petrarquista españoles”. Este grupo encabezado por las figuras de mayor edad y prestigio -Juan de Boscán, Garcilaso de la Vega y Diego Hurtado de Mendoza- encontrarían en escritores como Gutiérrez de Cetina, Hernando de Acuña, Gregorio silvestre y Jorge de Montemayor sus mejores continuadores. Antonio de Villegas, unido a este grupo, seguiría la estela de sus contemporáneos, que sin romper definitivamente con la poesía “cancioneril” cultivaron una gran variedad de metros y estilos que hundía sus raíces tanto en la escuela tradicional castellana como en el nuevo modo italiano. 

Antonio de Villegas ingresó en la Universidad de Salamanca, de donde salió bachiller en leyes -según Dámaso de Frías- en torno a 1540. A la luz de las empresas mercantiles en torno al negocio del vino y los numerosos pleitos de la familia para certificar su limpieza de sangre, no es extraño que se decantarse por los estudios de derecho. Sus ideales humanistas tan cercanos a los grupos de poder de la “facción abolista” durante los reinados de Carlos I y Felipe II le permitieron acercarse a trabajos en la corte vallisoletana. Llegó a ser “contino” de su majestad durante un corto periodo de tiempo ya que en torno a 1559 los poderes religiosos fueron cambiando hacia el confesionalismo religioso, doctrina que se imponía en todas las cortes europeas a partir de 1561. Coincidiendo con el traslado del séquito real de Valladolid a Madrid Antonio de Villegas se alejó del entorno del rey donde no volvería a pasar largar temporadas. 1565 es el año de publicación de Inventario, un volumen antológico dedicado a Felipe II, donde quedan compilados 20 años de vida y Literatura;esta obra es una miscelánea de prosa y verso que contiene diferentes poemas (canciones, coplas, Historia de Píramo, Contienda de Ajax...) una novela pastoril en verso y prosa (Ausencia de soledad de amor) y la novela morisca “Historia del Abencerraje y de la Hermosa Jarifa” obra que da mayor celebridad este volumen. Probablemente está inspirada en la crónica anónima del ínclito rey don Fernando que ganó Antequera (1535). La novela cuenta como el moro Abindarráez, prisionero del cristiano Rodrigo de Narváez, recupera su libertad por cumplir su palabra de volver a prisión una vez celebrada sus bodas con Jarifa.

En palabras de Antonio Rey de Hazas, “El Abencerraje es la obra más puramente renacentista de nuestras letras, la que con más claridad y belleza defiende la idea de que los valores humanos son capaces de superar todos los obstáculos, porque más allá de la guerra, la raza, la religión y las costumbres que separan a Rodrigo de Narváez y a Abindarráez, están los valores del hombre, que transforman todos esos abismos en puentes de generosidad, tolerancia y comprensión, para que todo acabe finalmente como sucede; en los ámbitos de paz, la felicidad y la libertad”.
En 1577 aparece la segunda edición de su inventario. Podemos concluir que la vida de Antonio de villegas fue una vida comprometida, con una ideología humanista y una espiritualidad que en un momento representó una alternativa posible. La corte fue pronto derrotada ante un mundo desgranado por las guerras de religión, donde no había cabida para para la libertad, la razón o la tolerancia.

La Música
La música de la producción teatral de la Hermosa Jarifa, ancla su concepción tanto en la época andalusí, donde tuvieron lugar los hechos, como en el presente. La tradición musical medieval íbero-árabe, peculiar de la península y que bebe tanto de fuentes orientales como nativas, va a dominar las secciones de la obra que se desarrollen en el espacio-tiempo granadino nazarí. Esta música ha sido interpretada habitualmente con características de la música árabe oriental, perdiendo sus peculiaridades occidentales. La interpretación en la obra del repertorio andalusí asimilará sus esencias formales y melódico- rítmicas, procurando transmitir una versión de aquella música no idealizada ni transmutada por la imagen mítica que pudiéramos tener de ella. Asimismo, la acción tiene lugar en el presente, escogiendo el flamenco como referente musical. Es una tarea compleja trazar las conexiones del flamenco tal y como lo conocemos con la música medieval íbero-árabe de Al Ándalus. Al margen de ello, elegimos el flamenco por sus cualidades músico-dramáticas y por el lazo innegable que existe en el subconsciente colectivo entre ambas músicas, al margen de una realidad que todavía desconocemos en gran parte.
Para su ejecución se utilizarán instrumentos musicales del presente, descendientes de aquellos medievales cuya existencia está constatada a través de la iconografía musical.

1) Guitarra flamenca
2) Violonchelo
3) Percusión
4) Flauta travesera alta / baja 5) Voz.

ALBERTO PÉREZ CENTELLA -DIRECTOR MUSICAL-
1 La ambición de la concepción musical en esta obra es beber en las fuentes íbero-árabes y nutrirse de ellas, sacando a relucir sus esencias al servicio del texto.
2 Las Cantigas de Santa María muestran todo el elenco de instrumentos de Al Ándalus que luego perduraron en la tradición musical hispana y occidental, evolucionando en instrumentos actuales.

Ballet Flamenco de Andalucia

• | Imprimir |

Patio del Colegio FONSECA Jueves 10 de Julio 2014  23:00h· Entradas: 18 € Ballet Flamenco de Andalucia    En la memoria del cante: 1922

El Ballet Flamenco de Andalucía es el máximo representante institucional de arte jondo, que ha ejercido de embajador del flamenco desde su creación hace ahora 19 años. En este tiempo, el Ballet se ha convertido en el mejor medio para abrir nuevos mercados para el flamenco, ha pasado por escenarios de todo el mundo y formado parte de las agendas culturales de países como Estados Unidos, Argentina, Cuba, Francia, Alemania, Italia, Hungría, Suiza, México; citas internacionales como la Exposición Aichi, en Japón o la participación en los Festivales de New York y Londres.

Las producciones llevadas a cabo en este tiempo han llegado a lugares remotos pero también han estado presentes en escenarios andaluces. El Ballet Flamenco de Andalucía ha estado presente en seis temporadas del ciclo Lorca y Granada en los Jardines del Generalife con varias producciones basadas en obras del poeta granadino que después han girado por los principales espacios escénicos nacionales e internacionales.
Los 19 años de historia del Ballet vienen jalonados de diferentes reconocimientos, no sólo de público y crítica, sino también de especialistas en artes escénicas. De este modo, ha recibido el Premio Nacional de Coreografía, por el montaje dirigido por María Pagés El perro Andaluz y varias coreografías de Cristina Hoyos en su etapa como directora han sido nominadas a los premios Max de Teatro. Entre ellas destaca Yerma, que recibió el Premio Max como Mejor Intérprete Femenina de Danza a Cristina Hoyos; o Romancero Gitano, que se convirtió en el espectáculo más visto en 2006.
La compañía ha sido una inagotable cantera de talentos, de la que han salido figuras del baile actual como Israel Galván, Isabel Bayón, Rafael Campallo, Belén Maya, Fernando Romero, Mercedes Ruiz, María José Franco, Juan José Jaén ‘El Junco’, Patricia Guerrero, o la actual coreógrafa, Rafaela Carrasco, entre otros.
Todo ello le ha llevado a convertirse en una compañía de referencia cuya producción ha calado entre el público nacional y el público extranjero, y ha fomentado un creciente interés por lo jondo en todo el mundo.

El Concurso de Cante Jondo celebrado en Granada en 1922 es sin duda un acontecimiento relevante en la historia del flamenco y que marcaría un antes y un después para este arte.
El certamen, celebrado en la Plaza de los Aljibes de la Alhambra, fue el primero de cante flamenco de ámbito nacional que se celebraba.
Liderado por Manuel de Falla, seguido de Zuloaga, el concurso contó con el impulso de un joven Federico García Lorca y una larga lista de personajes pertenecientes a la intelectualidad de la época. En él se dieron cita no sólo intelectuales españoles sino también personajes influyentes de la escena cultural europea con el propósito de poner de manifiesto la riqueza del arte flamenco, dignificarlo y otorgarle a este arte el reconocimiento cultural que conllevara una preocupación por su renacimiento, conservación y difusión, poniéndolo a la altura de las otras artes consideradas cultas en la época. El jurado estaba presidido por Antonio Chacón y el premio recayó en Diego Bermúdez Cala ‘El Tenazas’, teniendo una mención especial del jurado el entonces adolescente Manolo Caracol.

En la memoria del cante: 1922 es un homenaje a las figuras que allí se dieron cita para ensalzar el cante jondo y que hicieron posible la continuidad de este arte tan andaluz, muestra genuina de nuestra identidad. El espectáculo consiste en una  reflexión de aquel hito del flamenco 90 años después, otorgándole bajo un prisma personal, la visión de lo que allí aconteció y lo que para el flamenco supuso. A lo largo de una hora y cuarto de espectáculo se homenajea a los artistas que marcaron aquel momento crucial para el flamenco, recuperando cantes y piezas de las que fue testigo la Plaza de los Aljibes.

Así, se recupera la soleá de ‘El Tenazas’, la seguiriya de Manuel Torre, la toná de Caracol, la saeta de la Niña de los Peines o la música de Falla. En las coreografías se juega incorporando parte de las grabaciones originales que de la época se conservan pero añadiendo elementos que hacen de este espectáculo una visión personal y contemporánea de una cita que marcó el rumbo del flamenco.

PROGRAMA
• Noches en los Jardines de España (Manuel de Falla)
• Presentación del Jurado
• Rondeña de Ramón Montoya
• Seguiriya de Manuel Torre
• Cuadro de la Zambra (Homenaje a ‘La Gazpacha’)
• Saeta de Pastora Pavón ‘La Niña de los Peines’
• Tonás de Manolo Caracol
• Malagueña de Antonio Chacón
• Cantiñas de Juana Vargas ‘La Macarrona’
• Soleá de Diego Bermúdez ‘El Tenazas’

Así es, si así fue España

• | Imprimir |

PATIO DEL COLEGIO FONSECA Jueves 3 de Julio 2014  23:00h· Entradas: 18 € Así es, si así fue (España: De los Trastámara a los Austrias)

Cuna nos recibe el mundo y tumba nos despide. Personas, estirpes, generaciones, reinos e imperios llegan a la vida de la mano del Destino, Dios o la Fortuna, y asidos por esa misma mano salen de ella. Entre dos silencios, un universo de ruido y hombres. Algunos con fama, riqueza y gloria, y otros sin ella. Algunos con desmedidos apetitos de poder, y otros con un único deseo de justicia. “¡Qué difícil es crear un imperio y qué fácil criticarlo!”, pensarán unos. “¡Qué arduo es someterse y qué sencillo matar a quién se rebela!”, estimarán otros. La existencia desde siempre ha estado sumergida en estas batallas.

Así es, si así fue es una comedia humanística que muestra la sociedad española desde comienzo del siglo XV hasta mediados del XVI. Un recorrido que reúne las más bellas voces de la tradición oral y escrita de la Baja Edad Media, el Renacimiento y los albores del Barroco; y en el que se trasluce el alma de todo un pueblo que, transitando de generación en generación, conocerá el fin de la dinastía de los Trastámara, la llegada de los Austrias y la coronación en Italia de Carlos V.

En la palabra de personajes de muy diversa condición, asistimos a la recreación de una época cuyas semejanzas con la España actual no dejarán de sorprender. Han sido numerosos los materiales utilizados para dibujar este insólito lienzo, desde canciones y refranes hasta crónicas, diarios y cartas, sin olvidar conocidos poemas y textos teatrales. Una imagen del pasado que, como si de un espejo se tratara, nos descubrirá la identidad de nuestro presente. Los poderosos de ayer son los de hoy. Los sometidos de entonces son los de ahora. Los mismos vicios y virtudes. También los mismos deseos, amores y esperanzas.

Como telón de fondo, la creación de una Monarquía universal. Primero, un reino: Castilla. Luego, un estado de reinos: España. Por último, una nación de naciones: El Imperio. Guerra y paz. Pactos, con- tiendas civiles, enfrentamientos, odios, muertes. Reinas legítimas: la Beltraneja; y reinas usurpadoras: Isabel la Católica. Auténticos religiosos: Santa Teresa de Ávila, Fray Luis de León, San Juan de la Cruz; y fanáticos inquisidores: Tomás de Torquemada. Una cultura que se impone con violencia: la cristiana; y otras que, con expulsiones y sometimientos, se apagan: la judía y la árabe. Poetas: Jorge Manrique, Juan de Mena, el Marqués de Santillana; dramaturgos: Fernando de Rojas, Torres Naharro; músicos: Juan de la Encina. Reyes y reinas: Juan II, Enrique IV, Isabel I de Castilla, Fernando II de Aragón, Juana la Loca, Carlos I. Descubridores de mundos: Cristóbal Colón. Cronistas e historiadores: Hernando del Pulgar, Alonso de Palencia. Frailes que denuncian abusos: Bartolomé de las Casas. Música cristiana, andalusí y sefardí. Y lugares, muchos lugares: Burgos, Palencia, Zamora, Salamanca, Valladolid, Sevilla, Granada, Barcelona, Olite, Valencia, Orense, Badajoz, Gante, Bolonia, América...

Un reino, un estado y un imperio se crea con territorios, personas y hechos; y se recrea con las palabras de aquellos que lo vivieron. “Así fueron” decimos al escucharlos, y nos sorprendemos al descubrir que en aquellas mismas voces también somos. En la constante sucesión de vidas hay siempre algo de eterno. Así es, si así fue.
Juan asperilla

“¡Si en doce años no he habido hijos con el mi esposo el rey Don Enrique es porque nunca tuvo amor por mí!”.
Blanca de navarra


un pedazo de historia hecho teatro
Explicar de dónde venimos para comprender quienes somos, asomarnos a nuestro ayer de la mano de los poetas y los músicos que nos precedieron, viajar al pasado para regresar al presente con la mochila repleta de preguntas que nos ayuden a comprender quienes somos, dónde estamos...
Preguntas, más preguntas y, de vez en cuando, alguna respuesta. La maravilla del teatro, la capacidad de viajar más allá del espacio y el tiempo, la maravilla de reconocernos en los demás, de vernos refle- jados encima del escenario, de asombrarnos con lo que nos une más que con lo que nos separa.
Y es que Así es, si así fue es mucho más que un paseo por la historia.
Repito privilegios: el de trabajar un hermoso y potente texto de Juan Asperilla, sensible y riguroso, el de contar con cuatro actores enormes y dos excelentes músicos, el de repetir con un grande de la escena como es Andrea D ́Odorico.

Un texto rico y complejo, que aúna lo mejor de lo culto y de lo popular, suculento juego de espejos en el que no se le hace ascos a nada, lírico y épico, tierno y duro, serio y grotesco, formal y cómico. Como la vida misma. Y como la muerte también.
Verónica Forqué, Joaquín Notario, José Manuel Seda y Juan Fernández. Actores grandes, de los que nos hacen soñar y evadirnos, de los que nos emocionan y nos estremecen. Actores que no nos dejan in- diferentes, de los que llenan con su presencia cualquier lugar.
Repetir con Marcos León siempre es una garantía. El trabajo de investigación con las músicas antiguas, con las populares, con la tra- dición dándose la mano con nuestros días. Y su voz cálida apoyándose siempre en los instrumentos en vivo. Desde pisar el suelo con Juan del Enzina hasta tocar el cielo con San Juan de la Cruz. Y cuerdas, zanfonas, panderos, voces, percusiones...

Andrea D ́Odorico arriesga una vez más embarcándose y embar- cándonos en un teatro de calidad, arrastrándonos a todos con su en- trega y su sabiduría. Una nueva propuesta teatral ilusionante, que fascina desde el primer momento.
Laila ripoll

“Quedó la reina preñada por Don Beltrán de la Cueva que si fuera del rey fecundada quedara virgen y nueva”.
anónimo

Así es, si así fue
(España: De los Trastámara a los Austrias)
EQUIPO ARTÍSTICO
Diseño escenografía
Diseño de iluminación Diseño de vestuario Diseño gráfico Videoescena Música e instrumentos Texto Dirección
Andrea D ́Odorico Mónica Boromello Juan Gómez Cornejo Ana Rodrigo Esperanza Santos Álvaro Luna
Marcos León Juan Asperilla Laila Ripoll
Realización de escenografía Realización de vestuario Transporte Imprenta Audiovisuales Maquinaría Iluminación Sastrería / Peluquería Regiduría y gerencia
Neo escenografía S.L.
Sastrería Cornejo
Transdecor
Huna Comunicación
Óscar White / Ignacio Ruiz Maeso José Rubini / Carlos Barahona Fermín Blanco
Bárbara Quero Gema Monja
REPARTO (por orden alfabético)
Juan Fernández Verónica Forqué Joaquín Notario José Manuel Seda
Músicos MarcosLeón Rodrigo Muñoz
EQUIPO TÉCNICO
EQUIPO DE COMUNICACIÓN
Prensa y Comunicación Toniflix Comunicación Comunicación On-Line y RRSS Tamara Morillo
EQUIPO DE PRODUCCIÓN
Ayudante de Producción Producción
Raquel Merino Andrea D ́Odorico

Microrrelatos 2014, Sección ilustración: Resolución del concurso

• | Imprimir |

FARANDULA

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

Jueves 20 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

FARANDULA

Venerados
 Dirección: Daniel Salguero

 Reparto:

Olga Santisteban
Alberto Nanclares
Eduardo
Andrea Veiga
Pablo Marín
Paloma Barrios
María Lasanta
David José Aguado

Autor original:
Recopilación por Javier Llanos.

Sinopsis:
Los Venerandos son un modelo de diálogos absurdos que siempre parten de la premisa de una personaje, Venerando o Veneranda, que será capaz de transformar cualquier conversación en un discusión en la que el será el absoluto ganador... Se desarrollaron en La Codorniz, la primera etapa dirigida por Miguel Mihura, allá por los años 40 del siglo XX, pero eran originales de Carlos Manzoni (autor italiano).

El Rapto en el Serrallo

• | Imprimir |

El Rapto en el Serrallo

Las historias de cristianos cautivos de musulmanes habían sido habituales durante muchos siglos en toda Europa. En el siglo XVIII, sin embargo, cuando el Imperio otomano había dejado de ser una amenaza y los pensadores de la Ilustración exhibían un agudo sentido crítico, las historias en las que un árabe visitaba Europa o en las que un europeo vivía en territorio musulmán sirvieron para presentar, críticamente, tanto las costumbres turcas como las europeas. Es el caso, por ejemplo, de las Lettres persanes (1721) de Montesquieu o de las Cartas Marruecas (1781) de Cadalso. El rapto en el serrallo (1782) de Mozart es producto de ese ambiente y tiene esa orientación. Por otra parte, desde el punto de vista musical, el estreno de El rapto en el serrallo (1782) en el Burgtheater de Viena respondía a la voluntad del emperador José II de prestigiar el singspiel –un género próximo a la opéra comique francesa, pero en alemán–, muy popular en el mundo germánico. La convergencia de esos dos factores dio como resultado esta ópera alegre, liberal e ilustrada de Mozart que, en su época, fue una de sus obras más populares.

El argumento sitúa la obra en el serrallo –la parte de la casa destinada a las mujeres– del bajá turco Selim. Allí se encuentran cautivas Konstanze, una noble dama española, y su doncella inglesa, Blonde. Y allí se presenta, para liberarlas, Belmonte, el prometido de Konstanze, que ha sido advertido de la situación por Pedrillo, su criado, prisionero también de los turcos. Konstanze y Belmonte, por un lado, y Blonde y Pedrillo, por el otro, forman las dos parejas de enamorados simétricas tan habituales en este tipo de obras. No obstante, dos circunstancias amenazan esta armonía: el bajá Selim se ha enamorado de Konstanze y Osmin, el guardián –«basto, grosero y malvado» según el propio Mozart–, se ha encaprichado de Blonde. No obstante, los dos turcos son personajes antagónicos, pues mientras que Osmin es una caricatura del bárbaro, el bajá Selim es un retrato del soberano ilustrado, generoso, apasionado por la arquitectura y racional. Después de varios incidentes en que Belmonte, simulando ser un arquitecto, trata de introducirse en el palacio, las dos parejas consiguen superar al fin todos los obstáculos y se apresuran a huir, pero Osmin los sorprende. Entonces, y a pesar de que Selim había sido maltratado años atrás por el padre de Belmonte, el bajá los perdona y les concede la libertad, con la única condición de que informen al injusto padre de Belmonte de que él, Selim, cree que reparar una injusticia con una acción generosa es mucho más satisfactorio que vengar una ofensa con otra. El soberano turco –un papel enteramente hablado– se erige así en el modelo de una conducta generosa, honesta y liberal. La ópera termina con un cuarteto en el que los protagonistas agradecen al bajá su liberación y un coro de jenízaros desea larga vida al bajá Selim.

http://youtu.be/ifXBpRRmjhc

Die Entführung aus dem Serail

de Wolfgang Amadeus Mozart

DIRECCIÓN MUSICAL
Ivor Bolton

DIRECCIÓN DE ESCENA
Christof Loy

ESCENOGRAFIA Y VESTUARIO
Herbert Murauer

ILUMINACIÓN
Olaf Winter

REPARTO

KONSTANZE Diana Damrau
BLONDE Olga Peretyatko
BELMONTE Christoph Strehl
PEDRILLO Norbert Ernst
SELIM Christoph Quest
OSMIN Franz-Josef Selig
Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu

CO-PRODUCCIÓN:
Gran Teatre del Liceu (Barcelona)
Théâtre Royal de la Monnaie (Brussels)
Oper Frankfurt

Material complementario generado por las universidades participantes en el curso.

• “Mozart y la Alianza de civilizaciones” Por Pablo-L. Rodríguez (Responsable académico del curso en la Universidad de La Rioja) (Mundoclasico 2010)
  
• “Entrevista a Ivon Bolton” Por Pablo-L. Rodríguez (Responsable académico del curso en la Universidad de La Rioja) (Audioclasica nº 155)
• “Las voces mozartianas y El rapto en el Serrallo“
  Conferencia de José Ramón Tapia organizada por Jose Miguel Goñi (Responsable académico del curso en la Universidad Politécnica de Madrid) (2010)

LABORATORIO DE ÓPERA “POPPEA”

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

LUNES 26 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

LABORATORIO DE ÓPERA

POPPEA
 Dirección
Miguel García Velasco, Antonio Notario, Paz Carrasco, Zoe Martín

Para conocer la ópera desde dentro, nos hemos reunido para bailar, cantar, declamar y, sobre todo, disfrutar… sin complejos, sin miedos, sin prejuicios… Es cultura y diversión. Es ideología y pasión. Es ayer y hoy. Emociones expresadas en la escena con la voz y con el cuerpo. Amor, celos, envidia, humor, odio, pasión, poder... todo en la escena.

Tomando como punto de partida L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, presentamos una muestra del trabajo que venimos realizando durante todo el curso en nuestro “Laboratorio de Ópera”. Se trata de deconstruir la historia de amor que lleva a Nerón a casarse con Popea, repudiando a su mujer Octavia. Una historia de amor y de poder, de celos y odio, de ambición y venganza.

Partiendo de la metodología de la creación colectiva, tomamos la ópera original para trabajar creativamente sobre ella, desarrollando los aspectos con los que nos sentimos más identificados como grupo.

Dirección
Miguel García Velasco, Antonio Notario, Paz Carrasco, Zoe Martín

Dramaturgia
Miguel García Velasco, Zoe Martí

Música
Antonio Notario, Miguel García Velasco, Paz Carrasco

Coreografía
Marta Peirò

Fotografía y vídeo
Belén Pérez, Cristina García

Imagen y sonido
David Martínez

Actores-cantantes-músicos
May Baker, Antonio José Blasco, Irene Carramolino, Paz Carrasco, Carmen Carril, Eva Casaseca, Manuel Curiel, Marian Delgado, Jorge Fonseca, Marta García, Miguel García Velasco, Cristina Liz, Emilio Macías, Ana Martín, Zoe Martín, Antonio Notario, Rosa Núñez, Puerto Palomera, Pilar Quiroga, Esther Vega, Miriam Vicente

DARK PHOENIX

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

VIERNES 23 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

DARK PHOENIX

Rugidos en silencio
 Guión: Antonio José Rodríguez López
Dirección: Cristina Farelo Fernández-Pacheco
Antonio José Rodríguez López

En una sociedad donde los jóvenes tienen que salir de su país en busca de su futuro, conseguir el éxito no es tarea fácil. En este ambiente deteriorado por el poder se desarrolla una trama de envidias y venganzas entre dos amigos de la infancia; el objetivo: LA FAMA.
Rugidos en silencio es un musical reivindicativo totalmente nuevo cuyo final busca no dejar indiferente a nadie.

REPARTO:

Beatriz Villa Beatriz
Jaione Díaz Mazkiaran Julia
José Luis Romero Melián Lucio
José Luis Torreño Galafate Nicolás
Sergio Bengoechea Cabieces Paulo
María Pérez López Nerea
Andrea Tellería Eguiluz Coro, baile e interpretación
Atenea Camarzana Coro, baile e interpretación
Carlos Vidal García-Palao Coro, baile e interpretación

MÚSICOS:

Rocío Pérez Cabrera Piano
Álvaro Herreros Bajo
Jaime Álvarez Batería
Antonio Broekman Guitarra
Rodrigo Antón Guitarra

TEATRAGANTO

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

MARTES 20 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

TeATRAGANTO

Cuando los simios escriben guiones 
Dramaturgia y dirección: Adrián Rodríguez y José Ruiz

“¡Mira! ¡Un mono!”.
En eso podría quedar sintetizada nuestra propuesta, y no se extrañen si en algún momento sienten el impulso irrefrenable de lanzarnos sus excrementos; ese es precisamente nuestro objetivo.
Cuando los simios escriben guiones no es más que un intento por reunir en un mismo trabajo todo tipo de temas con una gran trascendencia: sexo, sexo, sexo, sexo, zombis, traición, sensacionalismo, sexo, y, por supuesto, religión.
Los mejores críticos teatrales de este país todavía no se han atrevido a dar su opinión sobre esta puesta en escena (y nadie confía en que lo hagan), pero tampoco debe fiarse de la palabra de un crítico; venga a comprobar por usted mismo si nuestro nivel de demencia es de su agrado, y, en caso contrario, ¡a ver si tiene cojon#%& de mejorarlo!

REPARTO:

José Ruiz, Adrián Rodríguez, María Bande, Celia Díaz, Sheyla Fernández, Amaia Viñegra, Laura Medel, Carlos Corbacho, Javier Boyero, David Martínez, Carlos Hernández

Jueves, 22 de mayo

FARANDULA
Venerandos

VALKYRIA

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

LUNES 19 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

VALKYRIA

La última jugada, de Fernando Trujillo
Dirección y Dramaturgia: Macarena Rivas

Álvaro, Judith, Héctor y Dante son convocados a una partida de póker. No se conocen, no tienen nada en común. Sólo comparten la partida y lo que les lleva a luchar hasta el final. Cada uno ideará una estrategia, cada uno elige su forma de actuar. Un juego en el que todos podemos estar involucrados y que, al fin y al cabo, hace falta algo más que las propias decisiones para ganar.
Con una sutil reflexión sobre la justicia, nuestros personajes nos mostrarán hasta dónde están dispuestos a llegar. Pero… ¿cómo jugarías tú?

REPARTO:

Carlos Sanz Álvaro
Elisa Diego Judith
Cristhian Faustor Héctor
Pedro Morales Dante
Macarena Rivas Voz de niña

Maquillaje y caracterización
Belén Crisólogo

Iluminación y sonido
Valkyria

Agradecimientos:
A la Iglesia Vieja de Pizarrales (Ayto. Salamanca), por prestarnos lugar de ensayo. A Electra Teatro Universitario, por toda su labor de apoyo, formación y promoción del teatro. A Belén, por su ayuda un año más. Y a todos los que nos ayudáis y aconsejáis para seguir creciendo en esto un poco más.

TeATRACO

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

SABADO 17 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

TeATRACO
3,2,1... ¡IMPRO!

Producida por TeAtraco

¿Alguna vez se han parado a pensar lo que significa escribir un guión?
¡¡Menudo coñazo!!
Que si a ver qué quieres contar... que si comedia o drama... que si es algo demasiado banal, o demasiado profundo... demasiado ambicioso o demasiado cutre... que si está muy visto, o que no se entiende...
Que si lo típico, lo tópico, o lo utópico...
Bueno, y luego está el conseguir que tus actores lo memoricen, que esa es otra. Ustedes no se pueden hacer a la idea de lo que cuesta eso. La capacidad “morcillil” de algunos faranduleros es realmente impresionante.
Y claro, damas y caballeros, ante esta situación, hemos decidido prescindir del guión, «¡Oh, pétrea ruina literaria anquilosada!».
Sí, vamos a improvisar absolutamente todo. Aunque ese “vamos” también les incluye a ustedes. ¿O qué pensaban, que por el hecho de ser espectadores ya no iban a tener que colaborar en nada?
Ustedes, con sus sabias y precisas aportaciones orientarán las distintas escenas, sometiendo a los actores a su implacable voluntad. Ustedes van a propiciar un espectáculo único e irrepetible.
¡Atención, que la mecha está a punto de prender!
3,2,1...

Técnico de luces y sonido
Andrés Cabello

Diseño gráfico
DUHADU

QUIRAL TEATRO

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

VIERNES 16 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

QUIRAL TEATRO 
La Danza de la Muerte. Parte 2, de August Strindberg 

Dirección y dramaturgia: Marco Hernández

El rencor que germina en los matrimonios, la crueldad de la seducción irreflexiva, la dominación de una mente poderosa, la rivalidad que envenena la amistad y la lucha por el ascenso social. Los destinos de cinco personas se entrecruzan movidos por estas fuerzas. Un drama que retrata el deleite del crecimiento personal a través de la destrucción, y la admiración que provoca el egoísmo.
En nuestra puesta en escena procuramos adaptar un texto con varios siglos de antigüedad a las posibilidades y necesidades teatrales de nuestro tiempo. Basándonos en el carácter misógino y esquizofrénico del autor (que llegó a huir durante años por toda Europa al obsesionarse con que una organización feminista atentaba contra su vida) decidimos cambiar de género a todos los personajes de la obra. Mezclamos un texto naturalista con elementos multimedia que ayudarán al espectador a introducirse en las relaciones de estos personajes tan humanos.
La Danza de la Muerte. Parte 2, como todas las obras de August Strindberg, indaga en la lucha de poderes en la sociedad del siglo XIX. Mujer frente a hombre, rico frente a pobre, padre frente a hijo, amante frente a amante... En todos los niveles analiza quién es realmente el más fuerte. Personajes frustrados y exaltados de amor o de odio se enfrentan en un paraje típicamente charro.

REPARTO:
Alejandro del Bosque Julio
Elena Hernández Ale
Coralina Collar La Capitana
Gorka Calvo Alberto
María Meco Laura
Marta Molina La Teniente

EN VERSO

• | Imprimir |

Jueves, 15 de mayo

EN VERSO
Entremeses, de Miguel de Cervantes
“El juez de los divorcios”
“El viejo celoso”
“La cueva de salamanca”

Dirección: Pablo Málaga González

REPARTO:

El juez de los divorcios:

Manuel Andrés Sánchez García El juez
Pauli Hernández Martín El escribano
Lucía Martín Blanco El procurador
Pilar Zatarain Villaseca El vejete
Inmaculada Gonzalo Sánchez Mariana
José María Alonso Jiménez Soldado
Carmina Rodríguez Iglesias Guiomar
Cristina Portales Santos Cirujano
Rocío Cepa Rivero Minjaca
Raquel Quintanilla Medina Ganapan
Olimpia Panero Martín Músico 1
Rafi Curto Valducien Músico 2

El viejo celoso:

Concepción Sánchez Cinos Lorenza
Rosa Pérez García Cristina
Paquita Lahoz Omedes Ortigosa
Saturnino González Sánchez Cañizares
María del Pilar Santos Hernández Compadre
José María Alonso Jiménez Galán
Feli Sánchez Puerto Alguacil
Olimpia Panero Martín Músico 1
Rafi Curto Valducien Músico 2

La cueva de Salamanca:

Marisa Tapia Romero Leonarda
Teresa López Blanco Cristina
José Carlos Pancracio
Manuel Andrés Sánchez García Estudiante
José María Alonso Jiménez Sacristán
José de Castro García Barbero
Pilar Santos Hernández Compadre

Obras teatrales cortas, de estética cómica, popular y costumbrista, los Entremeses de Cervantes están considerados por la crítica moderna como modelos de verdad realista y dramática, como pequeñas obras maestras que ponen de manifiesto una nueva y penetrante actitud del artista ante la realidad y una voluntad de búsqueda y renovación de medios expresivos en el teatro de su época.
El grupo En verso de la Universidad de la Experiencia interpreta hoy tres de estos entremeses:"El juez de los divorcios", "El viejo celoso", y "La cueva de Salamanca". Tres pequeñas joyas entretenidas y divertidas, donde se mezclan la picaresca y la farsa.

RABOS DE LAGARTIJA

• | Imprimir |

Miércoles, 14 de mayo

RABOS DE LAGARTIJA
Farsa de la cabeza del dragón de Ramón del Valle-Inclán
Dirección y música Miguel A. Gª Velasco

REPARTO:
Antonio Blasco Príncipe Pompón y Ciego
Ramón Martín Príncipe Ajonjolí
Antonio Notario General Fierabrás
Miguel A. Prieto Príncipe Verdemar
Paz Carrasco Duende
Rosa Núñez-Hoyo Reina
Carmen López Doncella y Dama
José A. Jugo Rey Mangucián
Carmen Carril Dama y Soldado
Cristina Pescador Mesonera y Dama.
Alejandro Esteban Jardinero, Mozo del mesón, Paje, Soldado
Eduardo Blanco Duendecillo
Inés Blanco Duendecillo
Luis Jaraquemada Bufón
Arsenio López. Espandián
Esther Vegas Geroma
Marian Delgado Infantina
Carlos López Maestro de ceremonias
Genoveva Cruz Duquesa y Dama
Emilio Macías Rey Micomicón
Ana Bernal Perrilla Salom

Escenografía
Belén Pérez Correa (Posada y Macías, Escenografías)

Iluminación
Ángel Posada

El príncipe Verdemar, hijo del rey Mangucián, libera a un duende que está preso en el castillo de su padre. En agradecimiento, el duende acudirá en su auxilio, cuando lo necesite. El joven huye, ante la amenaza del monarca de matar al culpable. En el reino de Micomicón, para aplacar al dragón que quiere destruir el país, debe morir la infantina Blancaflor, hija del rey; pero si alguien acaba con el monstruo se casará con la joven. Verdemar ve a la princesa y se enamora de ella. Decide matar al dragón y pide ayuda al duende.
También en esta farsa Valle-Inclán critica, magistralmente, algunos de los problemas de su época: la monarquía, los malos gobernantes, la corrupción, etc.
La obra se estrenó en 1910. La versión que presenta Rabos de lagartija es una adaptación del texto original.

PILOCOPÍTERO

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

LUNES 12 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

PILOCOPÍTERO

La cuarta pared
Dirección y dramaturgia: Virginia Ledesma

REPARTO:
Javier Martín Pérez
Mikel Larraza Hernández
Sara María López Picos
Elena García González
Álvaro García Muñoz
Víctor Mateos Herrero
Sofía Lacasta Mirela
Carmen Mbasogo Edjang Ezuku
Nicolás Mateo Garrido

Lorena Ruiz regenta una vieja zapatería, no tiene los zapatos más bonitos ni tampoco los más sofisticados de la ciudad, pero la relación calidad-precio es más que razonable.
En esta obra los espectadores no quedarán al margen de cuanto allí pase, serán los encargados de decidir el curso de la trama, incluso pudiendo llegar a ser uno más del reparto.
Se ruega asistir al acto con calcetines limpios y no demasiado raídos. Gracias por su colaboración.

CALAMANDREI

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

VIERNES 9 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

CALAMANDREI

No apagues la luz
Dirección: Federico Bueno de Mata

Carmen es una niña con autismo severo que se refugia en un universo paralelo para evadirse de las complicaciones que acontecen en su entorno familiar. Gracias a esta evasión, Carmen logra ver la vida de otro color, pudiéndose expresar tal y como es y cogiendo la fuerza necesaria para superar sus problemas. 

En la vida real Carmen acude a clases de educación especial, junto a otros pacientes con diversos trastornos, impartidas en un centro municipal dirigido por una psicoterapeuta llamada Nuria. Debido a la crisis y los recortes presupuestarios, el alcalde de la ciudad decide cerrar el centro.
Ante ello, Nuria, una apasionada por su trabajo, oculta esta situación hasta que se hace insostenible. Una vez que el cierre parece inminente, la psicoterapeuta decide hacer partícipes a los pacientes y a sus respectivos familiares de la decisión del Ayuntamiento para, entre todos, encontrar una solución.
Una tragicomedia marcada por la esperanza, en la que se entrelazan de forma ecuánime el dolor y la ilusión y que refleja situaciones reales tales como: la violencia de género, los recortes presupuestarios o el trabajo de ciertos profesionales con pacientes con diversos grados de dependencia. Realidades que convergen en una obra que pretende avivar el debate sobre temas de actualidad en la que

REPARTO:
Seila Sánchez Carmen
Cris Pons Nuria
Inés Blanco Barbie
Alba Martín Holly
Lorena Muñoz Silvia
Rafa Macías Iván
Nacho Leo Joaquín
Fernando Melero Enrique
Seila Gallego Ana
Isabel Domínguez Paula
Inés Blanco Jacinta
Pablo Mezquita Salva

AULA DE TEATRO ELECTRA

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

MARTES 6 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

AULA DE TEATRO ELECTRA
Cuadros de amor y humor al fresco, de José Luis Alonso de Santos
Coordina: Héctor Toledo

Participantes
Junkal Martínez, Olaya Rodríguez, Ángela González, Eva Triguero, Julia Jiménez, Sofía del Carmen, Teresa Valladares, Rocío Pérez, Cristina Liz, Isabel Fernández, Icíar Sastre, Naiara Pérez, Yurena Sánchez, Ángela Romero, Casandra Pablos, Ángela Zambrana, Katherine Guarnizo, Carlos Vega, Marta Zurdo, Guadalupe Turrión, Laura Goenaga, Rocío Sánchez, Laura Medel, Virginia Sáinz, Elena Sastre.

Produce: Asociación Electra Teatro Universitario

Dos náufragos en una isla desierta. No hay nada alrededor que merezca la pena amar y, sin embargo, ambos aman. Al igual que para ellos, el amor centra las vidas de todos los personajes de estos cuadros, a veces impulsándolas, a veces destruyéndolas, pero siempre como una fuerza primaria que condiciona sus destinos.
¿Qué es el amor? ¿Cuánto dura? ¿Es siempre igual? ¿Es hermoso, trágico, absurdo, pasional, justo? Son las preguntas que Alonso de Santos pone sobre la mesa y que nos llevan a cuestionarnos: ¿Es la capacidad de amar algo intrínseco al ser humano? Asunto de capital importancia en los tiempos que corren, en los que se vive más preocupado por la prima de riesgo que por esa persona que se sienta a tu lado. En tiempos de deshumanización, ¿puede el amor recuperarnos como humanos? A ello, con altas dosis de cinismo, pero también de ternura, tratamos de dar respuesta.

El Aula de Teatro Electra nace en el 2011 como un proyecto formativo encaminado a proporcionar una base teatral sólida a sus alumnos. Gracias al apoyo de la Universidad de Salamanca, más de 30 alumnos dedican cuatro meses a aprender teoría y técnica teatral y otros cuatro meses a aplicar lo aprendido en un gran espectáculo conjunto en el que asumen los roles de adaptadores, actores, directores, técnicos y encargados de producción, enfrentándose así al proceso completo de creación. El primer año de existencia, se puso en escena la obra de Sanchís Sinisterra Terror y miseria en el primer franquismo, a la que siguió Cabaret trágico de Jodorowsky. Este año de trabajo sobre el texto de Cuadros de amor y humor al fresco ha resultado en un espectáculo comprometido, resuelto, dinámico y ecléctico en el que se llevan a escena 12 de las 30 piezas que componen la obra original de Alonso de Santos.

GRUPO DE TEATRO DE LA UNIVERSIDAD DE GRANADA

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

SABADO 3 DE MAYO , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

GRUPO DE TEATRO DE LA UNIVERSIDAD DE GRANADA

Lecciones milanesas
Dramaturgia y dirección artística: Sara Molina

Tadeusz Kantor (1915-1990) es una figura crucial de la vanguardia del siglo XX. En 1986 ante un público de estudiantes pronuncia las “Lecciones milanesas”, donde describe su concepción del arte del teatro, su forma de trabajar y la manera en la que aborda el drama, el espacio escénico y el trabajo con los actores. Su producción ensayística está recogida en el texto Teatro de la muerte y otros ensayos.
Su deseo de crear un teatro autónomo, en el que todo lo que ocurre sobre el escenario sea un acontecimiento, ha impulsado este trabajo. Nuestra intención ha sido construir una pieza a la luz del legado de Kantor, dejándonos acompañar, atravesar por él. Ha sido ésta una rica aventura, hecha con elementos de reconstrucción de su Teatro de la muerte (que sigue a pesar del paso del tiempo haciendo frente a un teatro muerto) pero que, sin duda, también está contaminada de nuestra propia experiencia, que ha presionado por construir nuestra autonomía dentro de su incuestionable poder escénico.

Quisiera acercar su figura a aquellos que no le conocen, y para los que sí, construir este momento como una “celebración” que reafirme las palabras del filósofo: “No dependemos de la inmensidad del mundo, la inmensidad del mundo depende de nosotros” (A. Schopenhauer).

Intérpretes
Dianna Camila Luco Corral, Álvaro Holgado García, Salma El Amrani El Marini Gallardo, Pablo Martín Rodríguez, Candela Carrascal López, Andrés Montero Navarro y Emilio Ruiz Navarro

Espacio escénico y vestuario
Sara Molina, inspirados en la obra de Tadeusz Kantor

Iluminación
Sara Molina, Daniel Gutiérrez y Enric Martín

LA TROUPE DE L´ATELIER

• | Imprimir |

MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

MIERCOLES  30  DE ABRIL , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

LA TROUPE DE L´ATELIER

L´homme qui valait 35 millIards, de Nicolas Ancion
Director: Michel van Loo
Coordinadora: Carmen García Cela (Departamento de Filología Francesa)
Actores: Alumnado de francés de la Usal.

Michel Van Loo dirige en la Universidad de Salamanca el XVIº taller de teatro en lengua francesa. En la presente edición, nos presenta una composición inspirada de la novela El hombre que valía 35 milllones publicada por Nicolas Ancion, joven escritor belga, en 2009. De Nicolas Ancion, M. van Loo recoge una trama que narra el secuestro del gran empresario Mittal, último propietario de los altos hornos de Lieja y responsable del desmantelamiento de la industria siderúrgica en el norte europeo. M. van Loo inserta el debate social en una composición que progresa a lo largo de 10 asaltos de un combate de boxeo, así quería Brecht que fuese el teatro. Buscando pretextos para introducirse en la ciudad de Lieja y en su vida cotidiana, M. van Loo convoca a Jacques Brel o a Léo Ferré cuya obra estuvo ligada a la ciudad belga. 

La Troupe de l’Atelier, compuesta por estudiantes universitarios y amantes de la lengua francesa, lleva a las tablas este particular combate.

HYPOKRITA TEATRO

• | Imprimir |

Martes, 29 de abril

HYPOKRITA TEATRO
Historia de una escalera, de Antonio Buero Vallejo
Dirección y dramaturgia: Maribel Iglesias

Historia de una escalera, escrita por Antonio Buero Vallejo, analiza la sociedad española con todas sus mentiras y engaños.
El tema principal de la obra es el paso del tiempo. Del primer al segundo acto han pasado diez años y del segundo al tercer acto, veinte. Las circunstancias de los personajes van cambiando, mientras que su infelicidad permanece.
Otros temas cruciales en la obra son la frustración individual y colectiva, el aniquilamiento y el amor, que actúa como motor liberador. Hypokrita Teatro ve en esta obra la oportunidad de reflejar a través de los personajes los problemas sociales, económicos y políticos que ha tenido y tiene la sociedad española.

REPARTO:

Jesús Martín Cobrador de la luz / Don Juan
Rubén García Don Manuel / Joven bien vestido
Marta Villar Generosa / Carmina hija
Elena Márquez Paca
Alicia Méndez Doña Asunción / Señora bien vestida
Elvira Rivas Elvira
Lucio Adansa Fernando
Blanca Carbajo Carmina
Lucía Fierro Trini
Eva de la Cuesta Rosa
Pablo Salinero Pepe
Luis Romero Urbano
Maxi Fernández Fernando Hijo

COMPAÑÍA DE DANZA-TEATRO ADOS

• | Imprimir |

 MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

MARTES 22 DE ABRIL , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

COMPAÑIA DE DANZA-TEATRO ADOS 

Alicia en el país de las Maravillas Danza-Teatro

La pequeña Alicia se aburre estudiando sus libros sin ilustraciones, ella prefiere que estén llenos de colores e ilustraciones. Su imaginación onírica la lleva por mundos absurdos, sin lógica alguna. Paisajes pintorescos con personajes extravagantes. De la mano de la compañía de danza oriental ADOS, se sumergirán en su mundo.

Dirección: Judith Cascón
Textos: Edith del Campo

Coreógrafas:
Judith Cascón Vicente
Edith del Campo
Silvia Romo Caballero
Antonia Isabel Guerrero
Sara Melchor Calles
Bárbara Buch Vicente
Vanesa Rosado

ARGONAUTAS

• | Imprimir |

 MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

JUEVES 10 DE ABRIL , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

ARGONAUTAS

Adulterios, de Woody Allen
Tres comedias en un acto

Dirección:
Cristina Liz Amaré
Beatriz Sánchez Herráez
Bryan Millanes Rivas

Tres historias que nos hablan del amor, el desamor y la infidelidad. Tituladas “Riverside Drive”, “Old Saybrook” y “Central Park West”, las tres partes están ambientadas en Nueva York, con personajes con vidas totalmente controladas que experimentan un giro de 360º.
Una reunión familiar, una conversación con un mendigo y dos amigas al borde de un ataque de nervios serán los escenarios en los que veremos la complejidad del sentimiento humano. También en dos de ellas podremos encontrar el típico bloqueo del un escritor y la salida que se le da a este.

Dirección:
Cristina Liz Amaré
Beatriz Sánchez Herráez
Bryan Millanes Rivas

REPARTO:
Víctor Hernández Blanco (Voz en off)
Lara López Escobar
Beatriz Sánchez Herráez
Bryan Millanes Rivas
Darío García Fuenzalida
Helena Guirao Alcon
Cristina Liz Amaré

CATERVA

• | Imprimir |

 MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

MARTES 8 DE ABRIL , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

CATERVA

Lisístrata, de Aristófanes (basado en la traducción de Juan Antonio López Férez)
Dirección y adaptación: Andrés Peláez Broncano

En medio de las guerras del Peloponeso, que enfrentan a atenienses contra espartanos, las mujeres dicen basta.
Lisístrata (nombre parlante: "La que disuelve ejércitos") es la líder de todas ellas y la que encabeza el movimiento que pretende poner fin a las luchas entre vecinos. Su plan: realizar una huelga poco usual pero altamente efectiva, una huelga de sexo. Las mujeres de toda Grecia no volverán a hacer el amor con sus maridos hasta que estos pongan fin a la guerra.
El humor verde y obsceno priorizan en esta obra, una comedia con grandes tintes pacifistas en una época nada agradable para los griegos. En esta y en todas las épocas el humor se presenta como la herramienta más poderosa contra las injusticias y desgracias del momento, y Aristófanes ha sabido aprovechar el humor más básico de todos en su favor.

REPARTO:
Lisístrata Laura Fernández Fernández
Calonica Iria Pedreira Sanjurjo
Mírrina Isabel Varillas Sánchez
Lampito Nicolás García Santos
El Comisario Andrés Brena Hernández
Cinesias Alberto López Redondo
Heraldo espartano Andrés Brena Hernández
Prítanis Nicolás García Santos
Embajador espartano Alberto López Redondo
La Corifeo Camino Argüello Ferrero
El Corifeo Unai Rodríguez Moreno
Coros Iria Pedreira, Isabel Varillas Sánchez, Nicolás García Santos y Carlos González Ribes

FICHA TÉCNICA:
Iluminación y escena Andrés Brena Hernández
Música Andrés Brena Hernández
Vestuario Camino Argüello Ferrero e Isabel Varillas Sánchez
Atrezo Alberto López Redondo, Andrés Brena
Hernández y Andrés Peláez Broncano
Letra musical Unai Rodríguez Moreno, Alberto López Redondo y Andrés Brena Hernández
Coreografía Camino Argüello Ferrero

CALAMANDREI

• | Imprimir |

 MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

LUNES 7 DE ABRIL , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

CALAMANDREI

El inspector
Adaptación de la obra de Nikolái Gogol
Dirección: Federico Bueno de Mata

A principios del siglo XX, en un pueblo de la provincia de Salamanca, un alcalde recibe la información de que su municipio va a ser inspeccionado por un enviado de la capital. Ante las diversas irregularidades de la administración local, el alcalde y su equipo deciden urdir un plan: una vez localizado el inspector le harán creer que el pueblo se encuentra en perfecto estado y que todo está bajo control para que el cargo del alcalde no peligre. Todo parece estar saliendo según el plan previsto y el inspector enviado, Cayetano Quiroga, está encantado con el gobierno, pero una noticia de última hora cambiará el futuro del municipio.

REPARTO:
Antonio Ruiz, el alcalde Pablo Mezquita
Ana Martín, la mujer del alcalde Isabel Domínguez
María Ruiz, la hija del alcalde Victoria Petrichenco
Luján López, la supervisora de escuelas Inés Blanco
Felipe Pérez, el juez local Nacho Leo
Ángel Gómez, el director del hospital Rafael Macías
Juana Ortiz, la jefa de correos Seila Gallego
Lucrecia Cortés, jefa de policía Alba Martín
Gomaz, hacendada local María Ángeles Martín
Espumaz, hacendada local Seila Sánchez
Cayetano Quiroga, el inspector Ángel Valdunciel
Michel, la criada del inspector Alba Martín
Carmen, mercader local Lorena Muñoz
La esposa del Subteniente Noelia Pérez
Mercedes, la criada del alcalde Lorena Muñoz
Camarera de la posada Seila Gallego

TEATRAVIESO

• | Imprimir |

 MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS 

JUEVES 3 DE ABRIL , · 21.00 h · Entradas: 3 €

Para la venta de entradas anticipada, preguntar a los grupos participantes

y una hora antes de cada actuación en la Taquilla del Teatro Juan del Enzina

TEATRAVIESO

Malparados. En el Infierno
Guión y dirección: Kas Borrella

Un asesino en serio, Hitler, Dora la Exploradora... Villanos malos haciendo cosas estúpidamente malas.
De los creadores de Las increíbles aventuras de Nada, ganadora del Premio Max al mejor actor, y Malparados, llega ahora la obra más absurda del año, o eso dicen.

REPARTO:
Carmen López La Muerte, Maléfica
Alexandra Ispierto Hitler, Ana Botella, Villano
Adrián Rodríguez Gandalf, George R.R. Martin
Marta Lorenzo Cruela de Vil, Melliza, Héroe
Teresa Murillo Cámara, Melliza
Susana Estévez Jack Skeleton, Regidora
Rodrigo Marcos Joker, Mercutio
Kas Borrella Kratos, Robin, Benvolio
María Bande Dora, Susan
Celia Díaz Tracy
José Ruiz Asesino en serio

TALLER DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR

• | Imprimir |

Auditorio del Conservatorio Superior de Música XXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA MÚSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI: 31 MARZO - 5 ABRIL 2014     ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR EL AFORO

Jueves, 3 de abril · Conservatorio Superior de Música · 20.30 h
TALLER DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
Dir.: José Luis Estellés
Solista: Alberto Álvarez
Coordinadores: Pedro Cañada, César Aliaj, Javier Castro y Alberto Rosado

PROGRAMA

Javier Torres Maldonado (1968) El suspiro del Ángel* (2006)
(Para tres grupos instrumentales y electrónica)

Igor Stravinsky (1882-1971) Ebony Concerto (1945)
(Para clarinete y big band)

Harrison Birtwistle (1934) Carmen Arcadiae Mechanicae Perpetuum (1977-78)

Magnus Lindberg (1958) Red House* for mixed ensemble (2013)

*Estrenos en España

NTÉRPRETES

José Luis Estellés nace en Bétera (Valencia) en 1964. Reconocido internacionalmente por su extenso repertorio y por sus comunicativas interpretaciones, disfruta de una intensa vida artística que destaca por abordar con un equilibrio nada común su actividad como solista de clarinete y como director orquestal.
Como concertista de clarinete ha sido invitado en Europa, Estados Unidos y Japón. Recientes colaboraciones incluyen los cuartetos Orpheus, Casals, Enesco, Delian, Modigliani, Arriaga, Yokohama y Diotima, la soprano Edita Gruberova y los pianistas Colom, Martínez-Mehner, Nebolsin, Sigfridsson, Díaz-Jerez, Gililov y Donohoe. Como solista invitado ha actuado con directores como Encinar, Pons, Colomer, Foss, González, Griffiths, Kantorow, Mena, Martínez, Kalmar, Tabachnik, Tchitchinadze y Davin, entre otros.
Como director orquestal ha dirigido a las formaciones de Musikene, TAiMAGranada, OJA, JONC, Joven Orquesta Nacional de España, Barcelona 216, Orquesta de Extremadura, Orquesta Sinfónica de Navarra, Orquesta Ciudad de Granada, Bulgarian Symphony Orchestra y London Sinfonietta. Entre otros cedés, ha grabado el estreno mundial de la ópera de Pablo Sorozábal, Juan José.
Ha grabado para Turtle Records, Emergo Classics, Audiovisuals de Sarriá, Anacrusi, Musikene, Verso, Kairos y Naxos.
Ha sido solista de clarinete de la Orquesta Ciudad de Granada desde 1991 y ha colaborado con otras formaciones españolas, de Inglaterra, Bélgica y Alemania.
José Luis Estellés es profesor de clarinete en Musikene. También es profesor colaborador del Rotterdams Conservatorium (Holanda) y de la Sibelius Academy (Finlandia) y ha sido miembro del jurado en los prestigiosos concursos de la ARD (Múnich) y Aeolus (Düsseldorf).
http://www.joseluisestelles.com

Miembros del TaCoS 2014:
Flautas: Eduardo Cuervo, Natalia Martínez, Sarah Parkes y Laura Martín
Oboes: Natalia Higueras y Pablo López.
Clarinetes: Alberto Álvarez, Carlos Gómez, Sergio Sánchez, Paqui Blaya y Rosa Vidal
Fagotes: Alberto Carrero, Melania Rodríguez e Inés Fernández.
Saxofones: Antonio Sola, Alberto Chaves, Alejandro Oliván, Roberto Manjavacas y Diego García.
Trompas: Alberto Fernández, Pablo Casado y Rodrigo Vergel.
Trompetas: Borja Suárez, Andrés Chavete, Alfonso Gómez, Rubén Guadilla, Martin Schordanner y Mario Rodríguez.
Trombones: Carlos de la Fuente, Andrea del Río, Agustín Orozco, Rosa María Gallego, Enrique Cifuentes y Eric Fortanet.
Violines: Adrián Pérez, Luis Barbero y Mollie Narayn.
Violas: Iris Hernández y Teresa Robledo.
Violoncello: Daniel Slack y Alfonso-José Asensio.
Contrabajos: Luciano Varela, Luis Gómez y Mario Cano.
Arpa: Iván Bragado.
Piano: Carlota Arcos, Olga Albasini, Samuel Tirado, José Luis López y Juan Antonio Domínguez.
Percusión: David Dapena, Gabriel López, Alfonso Matesanz y Moisés Santos.
Guitarra: Marina de la Mora.

El Taller de Música Contemporánea del COSCYL-Salamanca se crea en 1999 para tratar de acercar a los alumnos de este centro al mundo de la música escrita a partir de la segunda mitad del siglo XX hasta la compuesta en nuestros días. Durante estos años el Taller ha presentado, al menos, tres proyectos por curso, obras tanto de compositores ya consagrados como de jóvenes autores españoles, la mayoría de ellos alumnos de composición del mismo Conservatorio.
El grupo instrumental es variable y está formado por la mayoría de los alumnos del centro coordinados y dirigidos por Alberto Rosado, Javier Castro y César Aliaj. Su repertorio comprende obras de autores tan representativos de la música del siglo XX como Varèse, Stravinsky, Boulez, Messiaen, Feldman, Lutoslawsky, Crumb, Takemitsu, Kúrtag, Romitelli, Scelsi, Grisey, Saarahio, Birtwistle, Rihm, Benjamin, Ligeti, Matsushita, Lindberg, Hosokawa o Berio y los españoles Halffter, De Pablo, Gombau, Rueda, López López, Camarero o Sánchez Verdú, que han interpretado bajo la batuta de directores como Zsolt Nagy, Wolfgang Lischke, José de Eusebio, José Luis Temes, Jean-Paul Dessy o Javier Castro.

NOTAS AL PROGRAMA

Fieles al estilo de programación de los últimos cursos, TaCoS presenta este año un concierto de gran formato formado por una obra de un clásico del XX, Stravinsky; dos de los grandes compositores actuales, el británico sir Harrison Birtwistle y el finlandés Magnus Lindberg, y uno de los más pretigiosos compositores mexicanos, Javier Torres Maldonado.
En este concierto tenemos la suerte de contar con dos estrenos en España de dos obras muy recientes. Red House la escribió Lindberg el pasado año y se podrá escuchar en España por primera vez. También será la primera escucha en nuestro país El suspiro del Ángel una obra concebida para tres grupos instrumentales mixtos con tratamiento cuadrafónico de la electrónica.
Carmen Arcadiae está basada en un cuadro de Paul Klee basado a su vez en el imaginario canto de un pájaro mecánico. Birtwistle utiliza aquí seis diferentes “mecanismos musicales” sin ninguna forma de transición.
La obra clásica de este recital es el concierto que Stravinsky escribió para la big band de Woody Herman y que años más tarde entró dentro del repertorio de otro gran clarinetista al que el compositor ruso admiraba: Benny Goodman. La obra se inscribe en el periodo neoclásico de Stravinsky, en el que explora, en muchas de sus obras, el mundo del jazz

SOLISTAS DEL CONSERVATORIO SUPERIOR

• | Imprimir |

Auditorio del Conservatorio Superior de Música XXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA MÚSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI: 31 MARZO - 5 ABRIL 2014     ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR EL AFORO

Sábado, 5 de abril · Conservatorio Superior de Música · 18.00 h
SOLISTAS DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
Taller de Música Contemporánea

PROGRAMA

Maurice Ohana (1913-1992) Estudios de interpretación (1983)
n.º 11(Sons confundus) y n.º12 (Imitations-dialogues)
Francisco Javier Gorrindo (piano) y Alfonso Matesanz (percusión)

Mauricio Sotelo (1961) Trío de Magia (1995)

Pierre Jodlowsky (1971) Collapsed (2007)
(saxofón soprano, percusión y electrónica)
Diego García (saxofón) y David Dapena (percusión)

Philippe Hurel (1995) À Batôns rompus (2008)
Cristina Arcos (saxofón) y Pablo Treceño (percusión)

INTÉRPRETES

TaCoS
El Taller de Música Contemporánea del COSCYL-Salamanca se crea en 1999 para tratar de acercar a los alumnos de este centro al mundo de la música escrita a partir de la segunda mitad del siglo XX hasta la compuesta en nuestros días. Durante estos años el Taller ha presentado, al menos, tres proyectos por curso, obras tanto de compositores ya consagrados como de jóvenes autores españoles, la mayoría de ellos alumnos de composición del mismo Conservatorio.

El grupo instrumental es variable y está formado por la mayoría de los alumnos del centro coordinados y dirigidos por Alberto Rosado, Javier Castro y César Aliaj. Su repertorio comprende obras de autores tan representativos de la música del siglo XX como Varèse, Stravinsky, Boulez, Messiaen, Feldman, Lutoslawsky, Crumb, Takemitsu, Kúrtag, Romitelli, Scelsi, Grisey, Saarahio, Birtwistle, Rihm, Benjamin, Ligeti, Matsushita, Lindberg, Hosokawa o Berio y los españoles Halffter, De Pablo, Gombau, Rueda, López López, Camarero o Sánchez Verdú, que han interpretado bajo la batuta de directores como Zsolt Nagy, Wolfgang Lischke, José de Eusebio, José Luis Temes, Jean-Paul Dessy o Javier Castro.

NOTAS AL PROGRAMA

En este concierto presentamos el trabajo realizado en el aula de música de cámara de COSCYL-Salamanca. La formación de saxo y percusión con o sin piano es una de las más utilizadas en los últimos años por compositores de todas las tendencias. El concierto se abre con un clásico, el francés Ohana que utiliza los dos instrumentos tanto en su faceta percusiva como, sobre todo, en su naturaleza resonante. Le sigue la obra de Sotelo, una pieza de máxima exigencia para los tres instrumentistas, tanto que roza lo imposible en varios momentos. En la obra utiliza tanto escalas como ritmos flamencos tratados de modo muy elaborado.
Pierre Jodlowsky es uno de los compositores con más aceptación entre el público joven francés, su música está muy cerca de la música electrónica actual y la música tecno, llena de una fuerza y de un ritmo que no suelen aparecer en la música clásica actual. El nivel de exigencia de la obra tanto para el saxo alto como para la percusión es extremo al igual que el de la última obra del también francés Hurel en la que alterna pasajes sumamente virtuosos, llenos de plasticidad con otros estáticos en los que explora los sonidos multifónicos del saxofón.

FLAMMES & CO. GUITARES DUO

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA XXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA MÚSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI: 31 MARZO - 5 ABRIL 2014     ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR EL AFORO

Viernes, 4 de abril · Teatro Juan del Enzina · 20.30 h
Dúo de guitarra FLAMMES & CO. GUITARES DUO (Francia)
Arnaud Dumond, guitarra clásica
Jean-Baptiste Marino, guitarra flamenca

PROGRAMA
Isaac Albéniz (1860-1909 Asturias (arreglos: Dumond/Marino)
Jean-Baptiste Marino (1964) La Costurera, taranta
Joaquín Rodrigo (1901-1999) Concierto de Aranjuez (arreglos: Dumond/Marino)
Manuel de Falla (1876-1946) Hommage à Debussy
Joaquín Rodrigo (1901-1999 Zapateado
Arnaud Dumond (1952) Adagio & Pasacalle (2013)
Sorpresa de último minuto
Jean-Baptiste Marino Bolero
Días y noches, bulería
Manuel de Falla (1876-1946) Danza de la vida breve (arreglos: Dumond/Marino)

INTÉRPRETES

Arnaud Dumot está considerado como uno de los más grandes músicos innovadores de su país, como demuestra su aparición en numerosas portadas de prestigiosas revistas especializadas del Reino Unido, Francia y Estados Unidos.
Arnaud Dumont nació en París en 1952 y comenzó sus primeros estudios a la edad de diez años, cuando comenzó sus lecciones en piano, guitarra y composición. Estudió bajo el magisterio de destacados intérpretes de la guitarra como I. Yepes, Pujol, J. Williams y Alberto Ponce en la Ecole Normale de Musique de Paris. Muy pronto consiguió renombre y premios internaciones, como el de la Radio France Guitar Competition, en donde consiguió también un premio de composición. También fue el primer músico en ganar el prestigioso Gaudeamus Competition for Interpreters of Contemporary Music. También ganó desde muy joven el International Musical Youth Competition y el Premio de Yamaha para compositores-intérpretes. Muy pronto fue considerado como uno de los guitarristas más destacados de su generación y comenzó a dar conciertos en ciudades como Nueva York, Moscú, Praga, Jerusalén, Ámsterdan y Madrid.

Ha realizado más de cincuenta grabaciones musicales, actuando de solista y en grupo de cámara, con un repertorio que abarca desde el Renacimiento a la música actual. Ha utilizado para ello los instrumentos del laúd y la guitarra manipulada en versión MIDI. Ha realizado una grabación de la Sequenza para guitarra de Luciano Berio que se presentó en la colección de las Sequenzas completas en el Grand Théatre de Ginebra en 2002. Aunque se considera autodidacta, Arnaud ha visitado los famosos cursos de Nadia Boulanger en el Conservatorio Americano de Fontainebleau, los de Maurice Ohana y J.-P. Guezec. Como compositor consiguió igualmente llamar la atención con su Misa In terra Pax y su Requiem. Ambas obras consiguen un efectivo dramatismo gracias a su perfecta sincronización entre el texto y la música. Muchas de sus composiciones han conseguido premios en Europa y América. Recientemente se le ha encargado un Requiem para coro y orquesta y un concierto para guitarra.

Jean-Baptiste Marino es uno de los más grandes guitarristas de flamenco francés.
Empezó con la guitarra clásica estudiando en el Conservatorio Nacional Superior de Saint-Maur en Francia. Decide dedicarse al flamenco al llegar a España, donde será ganador de varios concursos. Trabajara con Lobato, Ketama, Cañizares, Malou, Idir, Takfarinas, J. C. Cáceres y Louis Winsberg, con quien viajará por el mundo creando el grupo Jaleo. Ha vivido en Japón acompañando a la bailaora Cruceta.
Toca en la música de las películas como Gazon Maudit, Las chicas de la sexta planta, L’Emmerdeur, le Cid…
En el 2013 editó su cuarto disco, Feliz contigo.

El dúo Flammes & Co, creado en el año 2006, encuentra un éxito creciente por el mundo: Francia, Suiza, China, Australia y España.
El dúo reorquesta y arregla obras del repertorio clásico de compositores como Falla, Albéniz, Rodrigo, Piazzola, etcétera, dándoles un toque flamenco y guardando el calor expresivo del elemento clásico. Ambos compositores acaban de crear dos nuevas piezas, Bolero y Pasacalle.

NOTAS AL PROGRAMA

Albéniz, Falla, Rodrigo… las obras de los grandes clásicos españoles están retomadas por el Dúo Flammes & Co con el deseo de transcenderlas. Es toda la paradoja del concepto de Dumond y Marino: dar y devolver.
Una materia flamenca empleada en obras preexistentes pero que han sublimado su origen.
El trabajo al revés de como fueron creadas por los compositores, finalmente.
Los dos guitarristas incluyen igualmente improvisaciones.
En Asturias d’Albeniz, J.-B. Marino adivina la bulería escondida detrás. La saeta central sugiere a los artistas una libertad generadora de una expresividad suplementaria.

Marino: J.-B. Marino compone desde el principio sus propias falsetas y temas guardando un toque muy personal.
En Bolero, imagina “coplas” líricas que vuelan aquí y allá, envueltas de un ritmo contorneado.
Dumond: En Adagio & Passacalle, Dumond ha fabricado un juego de ping pong entre las dos guitarras, los dos estilos, las dos sonoridades. El esquema del bajo continuo proviene del compositor barroco Stefano Landi.

ENSEMBLE KURAIA DE BILBAO

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA XXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA MÚSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI: 31 MARZO - 5 ABRIL 2014     ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR EL AFORO

Lunes, 31 de marzo · Teatro Juan del Enzina · 20.30 h

ENSEMBLE KURAIA DE BILBAO
Xabier Calzada, flauta
Eugenio Tobalina, guitarra
Luis Ibiricu, violín/viola
Belén Fernández, violonchelo

Leo Brouwer (1939) Paisajes, retratos y mujeres (1997)
I. Retrato de Wagner con Mathilde
II. Mujer bailando un minuetto
III. La pasión según Dowland

María Eugenia Luc (1958) Red (2006)

Jorge Miguel González (1975) Homenaje a Luis de Pablo (2011)

Enrique Iturriaga (1913) Pequeña Suite (1947, estreno en España)

Sebastián Mariné (1957) Om (1984)

ENSEMBLE KURAIA

El Ensemble Kuraia de Bilbao fue fundado en 1997 por la compositora María Eugenia Luc, su actual directora artística. El grupo tiene como prioridad difundir las obras de los compositores de nuestro tiempo y dotarles de un conjunto profesional de excelente calidad con el cual colaborar estrechamente.
Ensemble Kuraia actúa regularmente en importantes festivales y eventos dedicados a la música contemporánea en Europa y América Latina: Universität der Künste y Hochschule für Musik de Berlín, Quincena Musical, Festival de Alicante, Auditorio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Teatros del Canal (Madrid), Auditorio del Museo Guggenheim Bilbao, Ciclo Fundación BBVA, L’Auditori de Barcelona, Temporada de conciertos Rondó (Milano y Monza, Italia), Centro Nacional de las Artes (México D.F.), FIMCC de Lima (Perú), entre otros.
La crítica ha elogiado en varias ocasiones al conjunto de Bilbao: “Todo con excelente interpretación del Ensemble Kuraia” (Ritmo), “Unos músicos fantásticos” (Diario Información), “Un excelente conjunto” (Doce notas), “Sólido y muy capaz” (El diario Vasco), “De muy alta calidad” (El comercio, Lima).
Ensemble Kuraia es la agrupación residente del festival Klem-Kuraia y del Conservatorio J. C. Arriaga de Bilbao.
Sus proyectos se distinguen por calidad, versatilidad e innovación. Ha impulsado la realización de los DVD documentales Luis de Pablo: tránsito y evolución hacia el siglo XXI y Homenaje a Félix Ibarrondo (programados en varias ocasiones por el canal de televisión autonómico EITB), además de estrenar producciones de óperas de cámara y de obras de teatro musical, entre las cuales destacan algunas obras maestras del siglo XX como La historia del soldado de Stravinski y la ópera del compositor checo Viktor Ullmann Der Kaiser von Atlantis. En 2011 ha grabado el DVD Hamar, con obras de Gabriel Erkoreka, patrocinado por la Fundación BBVA (sello Sintonía).
Ensemble Kuraia realiza encargos a los compositores y desarrolla programas de difusión de la música contemporánea y proyectos pedagógicos en colaboración con el Klangzeitort de Berlín, el Museo Guggenheim de Bilbao y la Universidad del País Vasco (UPV-EHU).
Los conciertos del Ensemble Kuraia han sido transmitidos en directo por RNE-Radio Clásica y emisoras de América Latina. Entre los compositores que han colaborado con Kuraia destacan: Luis de Pablo, Joan Guinjoan, Félix Ibarrondo, José Manuel López López, Luca Belcastro, César Camarero, David del Puerto, Gabriel Erkoreka, Jorge Fernández y Zuriñe Guerenabarrena. Ensemble Kuraia recibe el apoyo de INAEM, Gobierno Vasco, Instituto Vasco Etxepare, Diputación Foral de Bizkaia y AIE.

NOTAS AL PROGRAMA

Leo Brouwer (1939): Paisajes, retratos y mujeres (1997)
La obra es un encargo del grupo alemán TrioConBrio (flauta, viola, guitarra) y se estrenó en 1997. En los tres movimientos que forman la obra, el compositor usa elementos y citas de la música romántica, clásica y renacentista. Los elementos históricos se funden con el lenguaje personal del compositor de forma muy armoniosa, originando así una obra de movimientos muy contrastados.

María Eugenia Luc (1958): Red (2006) para flauta en sol
El nombre Red lo elegí porque es una palabra interesante desde distintos aspectos y que representa a la obra de alguna manera. Es ambigua en cuanto al significado: rojo en inglés, malla o tejido en castellano, y desde el aspecto sonoro es un monosílabo formado por una vocal, enmarcada por dos consonantes de características tímbricas diferentes (ruido). Todo esto explica de alguna forma lo que sucede en la partitura. Es una música intensa y vibrante (como el color rojo), en la que cada uno de sus elementos sonoros constitutivos se relacionan con todos los demás (como los hilos de una red), y donde la organización rítmico-sintáctica intenta plantear un paralelismo entre el discurso verbal y el discurso musical, donde los sonidos tónicos (las notas) se desarrollan enmarcadas por ruidos (que funcionan como las consonantes en el habla). El flautista hace «hablar» al instrumento, lo cual genera una calidez y ductilidad particular, por lo que la flauta en sol es un instrumento más que apropiado.
M. E. Luc

Jorge Miguel González (1975): Homenaje a Luis De Pablo (2011), para violonchelo y guitarra
Esta pieza rinde tributo al inigualable compositor Luis de Pablo, mediante algunos elementos de su propio lenguaje. La utilización del intervalo de tercera, que el maestro nos ha vuelto a descubrir, despojándolo del uso tradicional e incluyéndolo en la sonoridad del lenguaje contemporáneo sin el estigma de las corrientes musicales precedentes, es uno de los elementos fundamentales de la pieza. Todos los demás elementos tienen como finalidad última dejar una obra redonda en su sonoridad y en su forma, pretendiendo ser un espejo de lo que la música depabliana deja como poso en el recuerdo de quien la escucha
J. González

Enrique Iturriaga (1913): Pequeña Suite (1947, estreno en España) para violín y violonchelo
El peruano Enrique Iturriaga es uno de los más relevantes compositores latinoamericanos de su generación. Sus obras han sido galardonadas con importantes premios e interpretadas en todo el continente y en Estados Unidos. La Pequeña Suite es una de las tempranas obras del compositor, donde pone de manifiesto su interés por el uso de elementos de música popular peruana y su fusión con aquellos de la tradición musical universal.

Sebastián Mariné (1957): Om (1984), para flauta, violín, violonchelo y guitarra
OM es un “mantra” sagrado budista que simboliza el universo entero. Son también las iniciales del muy querido y admirado compositor Olivier Messiaen.
Obra estática, serena y repetitiva como una meditación oriental, está dedicada a Victoria Sarabia.
La guitarra repite siempre la misma melodía plena de dulzura. Está situada un poco aparte, sin contaminar. Y aunque al principio y al final está completamente sola, muchas veces encuentra eco en los demás, que la duplican o imitan casi en secreto.
S. Mariné

Garôa

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Jueves, 6 de marzo, · 20.30 h · Entrada libre hasta completar el aforo Garôa   Música Brasileña

Garôa
Fernando Delarua  guitarra siete cuerdas

Juan Tomas Alvarez guitarra y cavaquinho

Bruno Duque saxo y flauta

Rodrigo da Matta percusión

Garôa se dedica a tocar el primer ritmo brasileño reconocido como tal, el choro, interpretando canciones de grandes compositores como Pixin- guinha, Hermeto Pascoal, Jacob do Bandolim, Altamiro Carrilho, además de composiciones propias.
La banda Garôa se forma a finales del año de 2012 y ha realizado por Madrid más de cuarenta conciertos en el año de 2013. Actualmente desarrolla su nuevo proyecto, Gafieira Madrid, donde se fusiona el ritmo choro con el arte de bailar en pareja. Algo nuevo e inovador en la ciudad.
La banda es reconocida por su estilo peculiar derivado de una refinada fusión del ritmo brasileño con la escuela musical española.


Virxilio Vieitez

• | Imprimir |

SALA DE EXPOSICIONES HOSPEDERÍA FONSECA

Virxilio Vieitez
Del 14 de febrero al 6 de abril de 2014
Horario: de martes a sábado de 12.00 a 14.00 y de 17.30 a 20.30 h. Domingos y festivos de 10.00 a 14.00 h. Lunes cerrado

Con la colaboración de Fundación Telefónica y MARCO

Cuando se inventó la fotografía, nadie podía imaginar lo poco que encajaría su futuro dentro de esquemas y definiciones. Sin embargo, su destino ya estaba salpicado de continuas aportaciones, no sólo en el campo de la tecnología —el factor más previsible—, sino también en su disfrute, en su lenguaje y en su valor. La naturaleza misma de la fotografía implica cierta dosis de ambigüedad que hace difícil encajar una imagen en un contexto definido. Una fotografía puede nacer con una función muy precisa, para después adquirir nuevas connotaciones.

Un excelente ejemplo de esa metamorfosis que la fotografía lleva en su ADN es la obra de Virxilio Vieitez. Un fotógrafo que sabía, o mejor dicho sentía, que era el mejor en su oficio, pero que no se consideraba a sí mismo como autor, y que desde luego no imaginaba que, después de cincuenta años, se habría reconocido en su producción el valor “autorial” y artístico que le ha situado en una encrucijada de géneros y saberes.

Virxilio Vieitez siempre realizó sus fotografías por encargo, recorriendo Terra de Montes a lo largo y a lo ancho para fotografiar a sus clientes a domicilio. Su obra reúne todas las características del fotógrafo rural que documentaba acontecimientos y momentos vitales de las personas y familias de su entorno —desde bautizos hasta bodas, primeras comuniones o funerales—, pero, a diferencia de otros, tenía un talento especial para conferir solemnidad a cada uno de los retratos que realizaba. Su estilo era inconfundible. Poseía una capacidad y una intuición extraordinarias a la hora de plantear la puesta en escena, en la que incluía objetos y sugería poses que a veces rozaban el surrealismo pero que, a pesar de ello, se convertían luego en fragmentos de verdad, fuertemente enlazados con el entorno.

Su papel de fotógrafo de pueblo en aquellos tiempos —de finales de los anos cincuenta a los setenta— gozaba de gran prestigio y encajaba perfectamente en el carácter de un personaje especial como Vieitez: inteligente, rápido, competente, instintivo y consciente de sus facultades. Daba órdenes a sus modelos con una firmeza que no admitía discusión y con una lucidez que garantizaba el resultado. “Yo estudiaba la papeleta y, cuando apretaba el disparador, eso era el tiro seguro”. Virxilio Vieitez no desperdiciaba un disparo, era un profesional más que fiable, una apuesta segura para sus paisanos de la provincia de Pontevedra.

De los primeros retratos de estudio —según dictaban las costumbres de la época— a aquellos que ambientaba al aire libre, sus preferidos; de los reportajes de ceremonias a las fotos de tamaño carné para el DNI —una sucesión interminable de rostros, inmortalizados durante los años en que se hizo obligatorio el carné de identidad—, y hasta los retratos para enviar a los muchos familiares emigrados: Vieitez registraba todo ello confiriendo un carácter hierático a cada pose, y el conjunto de sus imágenes ofrece hoy un excelente testimonio etnográfico que se convierte en memoria de un pueblo y de una época.

Orquesta Barroca 5 Mayo 2014

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA Lunes 5 de Mayo 2014  20:30h· Entradas: 10 € Orquesta barroca de la Universidad de Salamanca  ENRICO ONOFRI, director Entre bromas y veras

Entre las partituras que se conservan de la capilla de música que la Universidad de Salamanca tuvo en el setecientos está la transcripción de dos sinfonías “del Señor Charles Stamitz”, un interesante vestigio de una poco documentada práctica instrumental. A ellas se contraponen en este concierto varias obras coetáneas de Mozart, entre ellas el conocido Divertimento KV 522, una auténtica parodia de los repetitivos arquetipos formales de composición tan abundantes a finales del XVIII, rebosante del buen humor y la genialidad del músico de Salzburgo

CHRISTOPHE COIN

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA Viernes 11 de Abril 2014  20:30h· Entradas: 6 € Christophe Coin   Suites nº 4 y 5 de J.S. Bach

Las suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach no son solamente un miliar del repertorio para este instrumento, sino de toda la música occidental. La recepción de esta colección monumental a partir del pasado siglo evidencia su carácter poliédrico, como sublimación de una obra que se sitúa mucho más allá de su perfección técnica y “arquitectónica”. Christophe Coin ofrece una aproximación a esta música marcada por la fidelidad al texto y su contexto interpretativo, lo que desemboca en una inevitable y perturbadora conmoción de los afectos. 

PROGRAMA

ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA Martes 1 de ABRIL 2014  20:30h· Entradas: 6 € ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA   In memoria aeterna

BERNARDO GARCIA-BERNALT , director

Música exequial en la Salamanca de la Ilustración Ø+Obras de Juan Antonio Aragüés, Francisco Olivares, Diego Llorente y Sola y anónimos del archivo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca.

La Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca propone en este concierto una reconstrucción musical de los ritos exequiales en la Salamanca ilustrada del último cuarto del XVIII. Una música que oscila entre la vinculación a ese estilo grave que Valls denominó “estilo español” y uno mucho más ligero, de antecedentes galantes, con un pie ya en el primer clasicismo, cuyos ecos estaban llegando a una Universidad que en esos años vivía su particular “pugna de facultades” 

HARMONIA DEL PARNÀS

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA Jueves 13 de Marzo 2014  20:30h· Entradas: 10 € Harmonia del Parnás   ¡Hazó, Antón!

MARIAN ROSA MONTAGUT , director
MARIVI BLASCO, soprano
MARTA INFANTE, mezzosoprano

 Desde los inicios de la colonización del Nuevo Mundo, la música jugó un papel fundamental como herramienta evangelizadora. Testimonio de ello son los archivos de las misiones jesuíticas que todavía se conservan en las antiguas reducciones de Chiquitos y Moxos (actual Bolivia). A este repertorio misional, escrito ocasionalmente en lenguas nativas y copiado tanto por misioneros músicos europeos (Zipoli) como por indígenas de la zona, dedicará su programa el conjunto valenciano Harmonia del Parnàs, que también incorpora –como contraste con el mundo misional– piezas selectas del ámbito catedralicio hispanoamericano. 

Programa:

Ciclo Salamanca Barroca 2014

• | Imprimir |

Salamanca barroca, un proyecto que surge de la colaboración entre el Centro Nacional de Difusión Musical y la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, es una oferta de carácter transversal en el ámbito de la interpretación musical “históricamente informada”. Se trata de un un ciclo de conciertos en el que se entrelazan varios ejes. Por una parte la recuperación de patrimonio musical relacionado, de uno u otro modo, con la cultura hispana; por otra los elementos formativos, a través de las agrupaciones emanadas del trabajo académico; y finalmente un modelo de programación que supone una mirada al panorama europeo a través de grupos y solistas de amplia proyección internacional.

Midsummer Night`s Opera Abierta

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Miércoles, 26 de marzo, · 18.00 h ·  Entrada Libre hasta completar el aforo     Opera abierta

A Midsummer Night`s Dream de Benjamin Britten

26 de marzo, 2014 – 18:00h. 

DIRECCIÓN MUSICAL Harry Bicket
DIRECCIÓN DE ESCENA Robert Carsen
ESCENOGRAFIA Y VESTUARIO Michael Levine
ILUMINACIÓN Robert Carsen i Peter van Praet
COREOGRAFIA Matthew Bourne

REPARTO
OBERON David Daniels
TYTANIA Ofèlia Sala
PUCK Emil Wolk
THESEUS Ned Barth
HIPPOLYTA Jean Rigby
LYSANDER Gordon Gietz
DEMETRIUS William Dazeley
HERMIA Deanne Meek
BOTTOM Peter Rose
QUINCE Henry Waddington
FLUTE Christopher Gillett
SNUG Harold Wilson
SNOUT Francisco Vas
STARVELLING Andrew Foster-Williams
COBWEB Francesc Guzmán
PEASEBLOSSOM Francesc Ortega
MUSTARDSEED Sergi Rosell
MOTH Xavier Ros

Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu
Escolania de Montserrat

PRODUCCIÓN Opéra National de Lyon

Curso de Verano 2014

• | Imprimir |

Del  20 al 26 de julio 2014  -  ZAMORA

XIX Curso de música antigua de Castilla y León

Violín / Viola - Enrico Gatti

Violín / Viola- Pedro Gandia

Violín / Viola - Pablo Valetti

Violonchelo - Itziar Atutxa

Viola da gamba - Itziar Atutxa

Clave- Jacques Ogg

Traverso - Wilbert Hazelzet

Canto - Richard Levitt

Canto - David Mason

Ver programa completo

Pincha aquí para hacer la inscripción 

Curso de verano 2014.

• | Imprimir |

Programa y Requisitos por instrumentos

Violín-Viola
Aunque dirigido en principio a estudiantes de grado Superior de violín-viola con instrumento barroco, el curso está también abierto a instrumentistas que quieran acercarse por primera vez al instrumento antiguo o trabajar básicamente el estilo. En ese caso, se recomienda encordar al menos la y mi con cuerdas de tripa y, si es posible, utilizar arco barroco. Los profesores llevarán arcos extra para uso del alumnado. En la selección se valorará el conocimiento previo del instrumento barroco.

Repertorio orientativo propuesto (dado que el repertorio es libre, siempre y cuando pertenezca a los períodos barroco o clásico):
-J.S. Bach: Sonatas para v

iolín/clave, y violín/continuo. Sonatas y Partitas para violín solo.
-Telemann: Fantasías para violín solo. Cuartetos para cuatro violines. Obras para violín de Castello, Fontana, Frescobaldi, Cima, Haendel, Biber, Couperin, Leclair, Corelli, C.Ph. Bach....
-J.S. Bach: Concierto de Brandemburgo nº 6.
-Duos de Leclair
- Transcripciones para viola de las composiciones de Bach: sonatas para viola da gamba/clave, sonatas y tartitas para violín y suites para violonchelo.

Violoncello 

El curso va dirigido a cellistas interesados en el mundo de la música antigua. No sólo se trabajará con el instrumento como solista sino también aspectos de música de cámara y continuo. Si bien el repertorio es libre (dentro de los períodos barroco y clásico), se sugieren a modo de orientación las siguientes obras:
Vivaldi (sonatas), Jacchini (sonatas), Geminiani (sonatas), Bach (suites), Telemann (sonata en Re mayor), Boccherini (sonatas). Para la práctica del continuo se sugieren arias de las cantatas y pasiones de Bach.
Los alumnos deberán tener el instrumento encordado en tripa y estar provistos de arco barroco (la organización dispone de un instrumento con estas características).

Viola da Gamba
El curso está abierto tanto a profesionales y estudiantes avanzados como a aquellos que deseen aproximarse por primera vez a la viola da gamba. En caso de exceso de solicitudes, la selección se hará según el nivel. Este mismo determinará la formación de distintos grupos. En los niveles inferiores se trabajará en la técnica de interpretación de piezas tanto a solo como en consort.
Para el nivel superior el repertorio es libre.

Clave
Curso destinado a profesionales y estudiantes de grado superior de clave.
El repertorio es libre, dentro de la música para clave del período 1500-1800. Se dedicará una atencion especial a J. Sebastián Bach. y sus contemporáneos, precursores y sucesores.

Traverso

El curso está destinado a estudiantes de flauta travesera con nivel del Grado Superior. Está abierto tanto a personas que ya toquen el traverso como a aquellos que se quieran aproximar al instrumento desde la flauta moderna, si bien los primeros tendrán prioridad. Para ello el profesor llevará al curso varios instrumentos de distintas épocas.
El repertorio será libre dentro del periodo comprendido entre 1680 y 1820.

Canto
Destinado a alumnos con un nivel de técnica vocal avanzado, se trabajará básicamente sobre aspectos de interpretación y las cuestiones de técnica tendrán un carácter puntual.
Es necesario también tener experiencia previa en la interpretación de música antigua.
Aparte de su currículum, para su selección, los interesados deberán enviar una grabación del tipo de repertorio señalado, en formato CD y con una duración mínima de 10 minutos.
El repertorio se centrará en Henry Purcell y Haendel, si bien se puede preparar también alguna obra del XVII italiano, Bach o Mozart. El repertorio debe llevarse aprendido de memoria.

Cuestiones Generales

Incorporación a la actividad  Domingo día 20 de Julio de 2014 a partir de las 19:00 horas
en la Residencia Juvenil “Doña Urraca”  (Zamora)  

Villalpando 7 - C.P.: 49005 - Zamora (Zamora)
Teléfono: 980 51 26 71

Finalización del curso Viernes 26 de julio 20,30 horas 

último servicio incluido: desayuno del sabado 27 de julio

Edad: De 18 a 35 años

Lugar:  Residencia Juvenil “Doña Urraca”  (Zamora)

Alojamiento: Habitaciones dobles 
Horas lectivas: 30
Plazas ofertadas
Violin/ Viola    28
Chelo/ Viola da Gamba    10
Clave            10
Traverso        12
Canto            25
          Total    85

Cuotas:
Con carácter general 310 €
Familia numerosa de categoría general: 155 € (50% de descuento)
Familia numerosa de categoría especial: exentos de cuota (100% de descuento)

Entidad bancaria
Banco Santander Central Hispano 0049-1843-41-2610186552 a favor de la Universidad de Salamanca. Es obligatorio indicar el nombre del alumno en el ingreso
Certificados:
Se entregará el correspondiente diploma acreditativo, siempre que el participante haya superado el 80% de asistencia.
Tiene reconocidos tres créditos de libre elección por la Universidad de Salamanca

Objetivos
- La mejora de la técnica individual en el instrumento correspondiente en los parámetros de interpretación con criterios históricos.
- Incentivar la interpretación colectiva en formaciones de cámara y en orquesta.
- Ampliar los horizontes de los participantes en cuanto a repertorio, conocimiento de tratados específicos, etc.
- Ofrecer pautas para la especialización en el área de la “interpretación musical históricamente informada”, incentivando y facilitando la ampliación de los horizontes profesionales al ámbito de las orquestas historicistas.

Pincha aquí para realizar la inscripción

Bases VI Concurso Universos Mínimos Ilustración

• | Imprimir |

1. El Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca, en colaboración con El Corte Inglés y la Fundación General de la Universidad, celebra la 2ª fase del VI Concurso Universitario de creación de microrrelatos “Universos Mínimos” en su sección de Ilustración.

2. Podrán participar todas aquellas personas que sean o hayan sido miembros de la comunidad universitaria de la Universidad de Salamanca.

3. Características de las ilustraciones a presentar
• Tema: microrrelatos ganadores en la 1ª fase del concurso (adjuntados al final de las bases). Además, se ha incluido un microrrelato (nº 13) aportado por la asociación Pyfano (Asociación de Padres, familiares y amigos de niños oncológicos de Castilla y León), que forma parte del concurso en igualdad de condiciones que el resto de los microrrelatos.
• Modalidad: se admite todo tipo imagen: fotografía, dibujo, grabado, etc., tanto en archivo digital como papel.
‐ Archivo digital: resolución mínima de 300 puntos por pulgada y un tamaño mínimo de 1280 x 1024 píxeles. Formato JPEG o TIFF.
‐ Papel: formato máximo 100 x 70 cm.
‐ Nº de obras: cada participante puede enviar un máximo de 11 obras en total, una obra por microrrelatos. Un funcionario de la Universidad actuará como secretario: con voz, pero sin voto. El fallo del jurado será inapelable. Se notificará vía correo electrónico al ganador, a todos los participantes, y a través de los medios de comunicación.

4. Forma y lugar de entrega
Por correo ordinario o en mano (de lunes a viernes en horario de 9:00 a 13:00) en la dirección:
Servicio de Actividades Culturales • C/ Fonseca nº 2 • Salamanca 37002.
Los trabajos no podrán llevar el nombre del participante de manera visible y se presentarán en sobre, bajo título o lema. En su interior se acompañarán de otro sobre cerrado con el mismo título, ‐que solo se abrirá en presencia del jurado y en caso de haber sido seleccionado‐ que contendrá los datos personales del autor o autora (nombre, apellidos, e‐mail, teléfono de contacto, dirección completa y edad), nº del DNI, así como una pequeña descripción de la obra presentada y la técnica utilizada y nº del microrrelatos al que pertenece la ilustración.
- Por correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo..">Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.. Se adjuntarán dos documentos, uno con la ilustración y otro con los datos del autor mencionados en el apartado anterior.



5. Premios
Los premios se consideraran otorgados en firme una vez comunicados por el jurado a sus respectivos ganadores, y aceptados por estos. En caso contrario, serán declarados desiertos. Se seleccionara una ilustración por cada uno de los microrrelatos, y de las 13 obras elegidas, se otorgarán dos premios:
• Primer premio: e book libro electrónico.
• Segundo premio: cámara de fotos. Los premiados y seleccionados pasarán a formar parte de una exposición itinerante en diversas sedes de la comunidad universitaria, así como en el espacio de “El Corte Inglés” de Salamanca.

6. Plazo de entrega
Del 10 al 23 de marzo de 2014.

7. Jurado
La organización designará a un jurado competente, así como las normas de su funcionamiento. El jurado no conocerá, en ningún caso, los nombres de los autores o autoras, tan solo el título.

8. Publicación y difusión
Los trabajos ganadores podrán ser modificados por la organización para incluir los logos de los organizadores, respetando siempre la ilustración original. Los relatos premiados y aquellos que por su interés se seleccionen entre los presentados podrán ser publicados y difundidos por los medios electrónicos o impresos del Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca y por El Corte Inglés, sin perjuicio de la posterior publicación por su autor/a.

9. Obligaciones
Las obras deberán ser originales, no publicadas anteriormente en ningún medio ni premiadas en ningún otro concurso. En caso de plagio, el autor será el único responsable ante cualquier acción legal que el creador legítimo pudiera emprender tras su publicación. El hecho de participar en este certamen implica la plena aceptación de las presentes bases. Todas las incidencias no previstas serán resueltas por la organización en beneficio del concurso. El jurado podrá interpretar libremente los aspectos de las bases que no se hayan previsto o tenido en cuenta en el momento de publicación de las mismas. El participante podrá (antes de la fecha del fallo del concurso) ejercer el derecho a cancelar su participación.


Premios

1er premio Sección A
1. Amor-tajado. Mario García López
Cuando ella le dejó, decidió hacer una pequeña marca por cada día que estuviesen sin verse.
Al final murió desangrado.
Cuando los médicos descubrieron el cadáver lleno de pequeños cortes, no entendieron qué había pasado.

2º premio
2. Las cosas por su nombre.
César Luis Borreguero Gómez
Vi agua brotando de una especie de cascada en la pared. Grifo, dijo la señora, y ahora acompáñame, ordenó. Así lo hice por ese túnel iluminado, pasillo, exclamó ella, y vi como delante de mí derribaba un muro sin problemas. Puerta, explicó, y lo que hago es abrirla. Estas serán entonces sus tierras y posesiones, jardín, dijo con tono cada vez menos paciente, y no es tan grande como crees. Pero sí será un sitio noble, pues no paro de ver banderas sobre ese extraño mástil. Tendedero, y lo que cuelga, ropa. ¿Y ese enorme carruaje sin caballos tirando de él y con extrañas luces? Ambulancia. ¿Y por qué se acercan dos hombres de blanco con una camisa de mangas largas? Son tus escuderos, dijo mientras se apartaba. Ve con ellos, abuelo, te ayudarán a vestirte tu nueva cota de malla.

Ganador Sección B
3. Malinventados. ArinaEsseShorokhova
Y entonces te inventé. Tus miradas, tus gestos, tus movimientos. El sentido oculto de tus palabras. Las cortinas tupidas de tu cuarto, el olor a sándalo, el goteo monótono de la lluvia. Inventé todo un cuento y me lo leía cada noche antes de dormir. Ya sabes cómo me gusta la literatura fantástica.
Seleccionados

4. Odiseas. Natividad Gómez Bautista
Aunque los Ulises vuelvan, las Penélopes seguiremos tejiendo.

5. Sintaxis del desamor.
Aroa Algaba Granero
Él se yuxtaponía a ella, ella se yuxtaponía a él. Sin subordinaciones. (Se) devoraban hasta la coma que los separaba.
Hasta que la coma se hizo muro, inquebrantable. Al querer morderlo, se les rompían las palabras.
De nuevo, dos oraciones simples. Terriblemente flacas.

6. El drama de la hiedra.
María Jesús Bernal Martín
No puedo soltarme. No puedo desamarrarme de ti sin romperme.

7. Crisis. Sofía Bejarano Pérez
Sentados en un banco me dijo que estábamos en crisis. Nos quisimos por encima de nuestras posibilidades y el tiempo nos pasó factura. Habíamos vivido en una burbuja; derrochando amor sin medida. Sin embargo, todo quedó al descubierto mientras oía que no le debía nada y que ya no importaban mis acciones. Había invertido tanto en esa relación, que no daba crédito a sus palabras. Supongo que habría perdido el interés en mí; quizá ya no era su tipo. No pude reprimir las lágrimas y la situación se volvió insostenible. Nos quisimos. ¡Cómo nos quisimos! Pero me desahució de su corazón.

8. Se toca, pero no se mira. Elena Hernández González
Nacieron como criaturas supremas, pero debieron pagar un alto precio a cambio de su perfección: la condena a ser inalcanzables, la maldición del culto distante. Todas ellas acataron este pago, salvo una que, triste por recibir sólo las frías caricias de la adoración deslumbrada, renunció a su condición y se trasformó en una melodía. Desde entonces, quien quiere acercarse a ella, tiene que tocarla: Mus(ic)a.

9. Realidad. Cristina Borrego Alfaraz
Fue tal el puñetazo en el estómago que vomitó sus mariposas de un golpe.

10. Despiece. Lorena Escudero Sánchez
Llegué hasta el hueso, pero él se conformó con mi piel. Sigo buscando.

11. Tedio. Pablo Martín Rodríguez
Hay trece mil quinientas cuatro hojas en el jardín del Edén. Las acabo de contar todas.

12. Títeres. Javier Domingo Martín
De pronto el títere se dio cuenta de que estaba siendo manejado mediante hilos finísimos.
Preso del pánico empezó a revolverse y a luchar contra los tirones que le impedían mover libremente sus miembros. Desesperado, en un último intento, colocó sus dientes sobre la cuerda y mordió con todas sus fuerzas. Entonces, su inerte cuerpo de madera se desplomó contra el suelo para no volverse a levantar.
El hombre lo recogió y fue a buscar otro de los muñecos que había en un pequeño estante.

13. Familia. Miguel San Juan García
El delantero era la estrella del equipo. Era mi padre. Mamá guardaba la portería del equipo contrario.

Bye Bye Lullaby

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sabado 5 de abril, · 22.00 h · Entradas: 5 € Bye Bye  Lullaby

Bye Bye Lullaby es una banda formada en Salamanca a finales del año 2011. En octubre de 2012 presentan su primer disco, California, producido por Raúl Marques (Miguel Ríos, DePedro...) y masterizado por JJ Golden en los Estudios Golden Mastering de Ventura, California (Chris Isaak, Calexico...). Este trabajo incluye diez cortes en los que Esther Valverde y Dani Serrano han querido registrar las vivencias y sensaciones de su paso por el oeste de Estados Unidos, y su sonido se mueve en un amplio espectro en el que se diluyen géneros como el folk, el country-rock o el jazz. En poco más de un año han dado cerca de cuarenta conciertos, han pasado por salas como Clamores, Siroco, Caracol, El Corrillo, la Plaza Mayor de Salamanca... y han compartido escenario con grupos de la talla de Corizonas, DePedro o Celtas Cortos. Para este concierto presentarán además algunos temas nuevos como adelanto de lo que será su segundo LP.

Lucía Scansetti

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Viernes, 14 de febrero, · 22.00 h · Entradas: 5 € Lucía Scansetti

Dulzura y fuerza que se detienen en el tiempo demostrando que la sencillez embriagadora de una sola voz es todo lo que se necesita para escuchar y empatizar con el sentimiento más íntimo de esta nueva artista.

Su primer disco verá la luz próximamente a través del sello independiente Reno Records. Compuesto por canciones en las que la artista explorará todo su imaginario a través de delicados sonidos, paisajes oníricos y una voz que, a pesar de su juventud, demuestra una madurez, calidez y serenidad propias de una artista con un gran bagaje musical.

Así pues, hay Liga y relevo en el femme folk estatal. Una bomba de relojería que se debate entre la dulzura pop y la sinuosidad del folclore americano.

Más información en: http://www.youtube.com/user/LuciaScansettiMusic

Miss Caffeina

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sábado 22 de febrero,  · 22.00 h · Entradas: 10 € Miss Caffeina

Alberto Jiménez Voz
Sergio Sastre Guitarra-teclado-coros
Álvaro Navarro Guitarra
Antonio Poza Bajo y coros
Coki Giménez Batería

Miss Caffeina, banda de pop madrileña que comenzó a rodar hace cinco años, presenta su primer LP titulado Imposibilidad del fenómeno, tras cuatro EPs a sus espaldas: Destrucción Creativa, En Marte, Carrusel y Magnética (este último con colaboraciones de la talla de Pereza o Zahara). Con once canciones que versan sobre la soledad, el amor, la oscuridad, el destino y las emociones, este disco supone la consolidación de Miss Caffeina como una de los grupos revelación del momento. En ellos late el pulso pop y las maneras del rock.

 Más información en: http://www.misscaffeina.com/

Ciclo CINE Estómago

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA JUEVES, 27   de Febrero · 20.00 h.  CICLO DE CINE BRASILEÑO    Entrada libre hasta completar el aforo  En Colaboracion con el Centro de Estudios Brasileños de la USAL

Dave Dagomsa

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sábado 1 de marzo,  · 22.00 h · Entradas: 5 € DAVID DAGOMSA

"Artista internacional salmantino, cantante, guitarrista, productor… Dave Dagomsa lleva una larga trayectoria en la escena de Salamanca en una infinidad de proyectos y formaciones.

En 2011 presentó su Ep producido en Kaunas (Lituania) por el productor y cantante Linas Adomaitis siendo premiado por la Junta de Castilla y León con el 1er premio en la categoría de música Rock y Nuevas Tendencias.

Tras instalarse en los estudios Arcane Planet de Salamanca, establece su centro de operaciones en la capital charra en 2012 produciendo a una infinidad de bandas de la ciudad (Estrogenuinas, Mr. Ce, Bye Bye Lullaby, Kritter, Canteo, Chicos de la Lluvia…).

Actualmente Dave Dagomsa esta a punto de presentar "All Nylon" el LP. Un primer trabajo completo compuesto por 9 temas y presentado en formato digital y CD. Se trata de un álbum autoproducido que verá la luz a principios de marzo de 2014 y que será presentado en Salamanca de forma oficial para después proceder a la presentación del mismo de forma nacional e internacional.

Dave Dagomsa no es un artista al que le guste girar en solitario, así pues actualmente se encuentra apoyado por su nueva banda: Los Sexy Axilas de los que se vale para defender el nuevo álbum en directo.

BACH STUDIUM (II)

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA Domingo, 9 de marzo · 20.00 h,  · Entrada con invitación  BACH STUDIUM (II)  Coro de voces blancas del Conservatorio Profesional de Salamanca Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca Dirección: Alfonso Sebastián

 RECOGIDA DE INVITACIONES:

A partir del miércoles, 5 de marzo, de 11 a 14 h en la Hospedería Fonseca

MÚSICA
Domingo, 9 de marzo · 20.00 h
BACH STUDIUM (II)
Coro de voces blancas del Conservatorio Profesional de Salamanca
Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca
Dirección: Alfonso Sebastián

Entrada con invitación

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)
Christ lag in Todesbanden, BWV 4
Cantata para el Domingo de Pascua

BACH COLLEGIUM – SALAMANCA
Dirección: Alfonso Sebastián

Comentarios: Ricardo Piñero y Bernardo García-Bernalt

BACH STUDIUM, proyecto que hoy aquí se presenta, nace del entusiasmo desinteresado de todos cuantos en él participan. Pocos polos podían ser capaces de atraer a tanta buena gente como Johann Sebastian Bach y su música: la Universidad de Salamanca, generosa anfitriona de este proyecto, siempre acogedora, aporta su Coro de Cámara, sus espacios y su personal, así como la traducción de los textos merced a la colaboración del Departamento de alemán de su Facultad de Traducción e Interpretación. Los dos conservatorios de la ciudad nutren con sus profesores el conjunto instrumental; además, el Conservatorio Superior aporta alumnos de la especialidad de canto para los papeles solistas; por su parte, el Conservatorio Profesional participa con la impagable presencia de su Coro de Voces Blancas, que hará que la melodía del coral de Lutero brille, engastada en la música de Bach.
La innegable vocación pedagógica de este encuentro hará, por último, que contemos con dos excepcionales invitados de honor: Ricardo Piñero
y Bernardo Garcia Bernalt.

BACH STUDIUM (III)

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA Viernes, 13 de Junio · 19.00 h,  · Entrada con invitación  BACH STUDIUM (II)    BACH COLLEGIUM – SALAMANCA Mezzosoprano: Marta Infante Dirección: Alfonso Sebastián

 RECOGIDA DE INVITACIONES:

A partir del Lunes, 9 de Junio, de 11 a 14 h en la Hospedería Fonseca

BACH STUDIUM (III)

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)
Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust, BWV 170
Cantata para el domingo sexto después de la Trinidad

Auditorio Fonseca
Viernes, 13 de junio de 2014 – 19:00 horas
 
BACH COLLEGIUM – SALAMANCA

Mezzosoprano: Marta Infante
Dirección: Alfonso Sebastián

Comentarios: Carlos Fortea & José Máximo Leza

Musica est insigne donum Dei et theologiæ proxima
M. Lutero, Tischreden
(Eisleben, 1566)

FICHA DE LA OBRA

Vergnügte Ruh’, beliebte Seelenlust, BWV 170.
Festividad: Cantata para el 6º Domingo después de la Trinidad.
Estreno: Leipzig, 28 de julio de 1726.
Texto: Georg Christian Lehms (Gottgefälliges Kirchen-Opffer, 1711).
Melodía del coral: Durch Adams Fall ist ganz verderbt.
Epístola: Rom 6:3-11 (La muerte de Cristo nos ha salvado del pecado)
Evangelio: Mt 5:20-26 (El sermón de la montaña)

Agradecimientos
Conservatorio profesional de música de Salamanca
Conservatorio superior de música de Salamanca
Facultad de Traducción y Documentación (Departamento de Traducción e Interpretación, Sección de alemán)
Daniel Vega Cernuda
TEXTOS
(Traducción: Irene Sánchez Pérez)

1. Aria

Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust,
Dich kann man nicht bei Höllensünden,
Wohl aber Himmelseintracht finden;
Du stärkst allein die schwache Brust.
Drum sollen lauter Tugendgaben
In meinem Herzen Wohnung haben. Placentero descanso, adorado gozo del alma,
no te encuentras en los pecados infernales,
sino en la armonía celestial.
Solo tú fortaleces el débil pecho.
Por eso todos los dones de la virtud
tendrán morada en mi corazón.

2. Recitativo

Die Welt, das Sündenhaus,
Bricht nur in Höllenlieder aus
Und sucht durch Hass und Neid
Des Satans Bild an sich zu tragen.
Ihr Mund ist voller Ottergift,
Der oft die Unschuld tödlich trifft,
Und will allein von Racha sagen.
Gerechter Gott, wie weit
Ist doch der Mensch von dir entfernet;
Du liebst, jedoch sein Mund
Macht Fluch und Feindschaft kund
Und will den Nächsten nur mit Füßen treten.
Ach! diese Schuld ist schwerlich zu [verbeten. El mundo, casa de los pecados,
solo brota de las canciones infernales,
y busca con el odio y la envidia
emular la imagen de Satanás.
Su boca, llena de veneno de víbora,
hiere de muerte a la inocencia
y solo quiere ofender.
Justo Dios, qué lejos
está de ti el hombre.
Tú lo amas, pero su boca
maldice y enemista
y solo quiere pisotear al prójimo.
¡Ah! Esa culpa es difícil de expiar.

3. Aria

Wie jammern mich doch die verkehrten [Herzen,
Die dir, mein Gott, so sehr zuwider sein;
Ich zittre recht und fühle tausend [Schmerzen,
Wenn sie sich nur an Rach und Hass [erfreun.
Gerechter Gott, was magst du doch [gedenken,
Wenn sie allein mit rechten [Satansränken
Dein scharfes Strafgebot so frech [verlacht.
Ach! ohne Zweifel hast du so gedacht:
Wie jammern mich doch die verkehrten [Herzen! Cómo me desazonan los corazones [descarriados
que a Ti, mi Dios, tanto contrarían.
Tiemblo y siento mil dolores

cuando ellos solo celebran la venganza y el [odio.
Justo Dios, ¿qué pensarás

cuando, con astutas intrigas satánicas,
se ríen con descaro de Tus claros [preceptos?
¡Ah! Sin duda habrás pensado:
¡Cómo me desazonan los corazones [descarriados!

4. Recitativo

Wer sollte sich demnach
Wohl hier zu leben wünschen,
Wenn man nur Hass und Ungemach
Vor seine Liebe sieht?
Doch, weil ich auch den Feind
Wie meinen besten Freund
Nach Gottes Vorschrift lieben soll,
So flieht mein Herze Zorn und Groll
Und wünscht allein bei Gott zu leben,
Der selbst die Liebe heißt.
Ach, eintrachtvoller Geist,
Wenn wird er dir doch nur sein
Himmelszion geben? Así pues, ¿quién desearía
vivir aquí
si solo el odio y la desgracia
ocultan Su amor?
Pero, según el mandato de Dios,
debo amar al enemigo
como si fuese mi mejor amigo.
Así, mi corazón huye de la ira y la cólera
y solo anhela vivir junto a Dios,
que es el mismo amor.
Ah, espíritu lleno de armonía,
¿cuándo te concederá Él
su Sión celestial?

5. Aria

Mir ekelt mehr zu leben,
Drum nimm mich, Jesu, hin!
Mir graut vor allen Sünden,
Lass mich dies Wohnhaus finden,
Wo selbst ich ruhig bin. Me repugna seguir viviendo,
¡por eso llévame contigo, Jesús!
Me horrorizo ante todos los pecados.
Haz que encuentre esa morada
donde también yo halle descanso.

MARTA INFANTE, mezzosoprano

BACH COLLEGIUM – SALAMANCA
Román Álvarez, oboe d’amore
Karolina Michalska, Marc Oliu, Celia Sánchez & Sergio Suárez, violines
Juan Mesana & Clara García, violas
Javier Aguirre, violoncello
Ángel Nicolás Martín, contrabajo
David Palanca, clave
Alfonso Sebastián, órgano y dirección

REMIENDO TEATRO

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sábado, 22 de marzo,  · 22.00 h · Entradas: 12 € REMIENDO TEATRO     NN12

Texto: Gracia Morales
Dirección: Juan Alberto Salvatierra

REPARTO:
Carolina Bustamante
Jorge Molina
Antonio Romero
Gracia Morales

En NN12 asistimos a un proceso de investigación forense mediante el cual se identifican los restos de una mujer hallados en una fosa común. La acción se desarrolla en un lugar y un tiempo indeterminados: podría ser cualquier país donde una situación de guerra o de dictadura haya producido lo que llamamos “desaparecidos”.

N.N. proviene de la expresión latina Nomen Nescio (literalmente “desconozco el nombre”). Es el término utilizado por la medicina y la antropología forense para designar los cuerpos de personas cuya identidad se desconoce.

En escena encontramos a cuatro personajes: la forense que investiga el caso; NN, la muerta sin nombre, presencia que los otros personajes no ven y que nos irá desvelando la historia; Esteban, un joven en busca de su pasado, y Ernesto, de quien iremos conociendo, paulatinamente, su relación con NN.

 Más información en: http://www.remiendoteatro.com/nn12/

Haruna Takebe

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Lunes, 24 de marzo, · 20.30 h ·  Entrada Libre hasta completar el aforo Haruna Takebe    Concierto de Piano /Letanías de Japón

La pianista japonesa Haruna Takebe se formó en Japón y posteriormente amplió sus estudios en Europa.

Su actividad profesional como concertista incluye la interpretación habitual de conciertos para piano y orquesta (con la Symfonie Orchester Berlin en la Berlin- Philharmonie o la Takamatsu Symphony Orchestra) así como colaboraciones con miembros de la Orquesta Filarmónica Checa.

En 2009 se traslada a Espana, y aquí se ha convertido ya en una asidua de los escenarios tanto en recitales como solista como en diversas formaciones de cámara con miembros de la Real Firharmonia de Galicia (Santiago de Compostela) y de la Orquesta Sinfónica de Galicia (A Coruña). Esta intensa actividad incluye un dúo estable con la soprano Miki Mori para abordar el repertorio de la canción española, colaboraciones permanentes con agrupaciones como Airas Ensemble, Artemis Ensemble o Vertixe Sonora Ensenble, así como varios estrenos de obras de compositores españoles (en eventos como el Festival Musicadhoy, Madrid).

Hoy presenta Letanías de Japón, un concierto de piano cuyo repertorio incluye música de los compositores japoneses más representativos del siglo XX y de la actualidad. Presenta como elemento común un marcado espíritu nipón a través de composiciones hechas desde la perspectiva observadora y reflexiva que manifiesta la dualidad característica de este país: el Japón tradicional -el del la filosofía zen y la plena (con)vivencia de la naturaleza- y el Japón moderno -el de la electrónica y las macrociudades-. Dos modos de vida y dos velocidades que coexisten e interactúan. Escasos metros separan un rascacielos de un santuario sintoísta, o la serenidad de un templo budista de los pachinko. La música de Letanías de Japón propone la meditación a través tanto del silencio como del sonido del caos.

LETANÍAS DO XAPÓN

programa:
Toshi Ichiyanagi
Premonition (de Inter Konzert) Toru Takemitsu
Rain Tree Sketch II
Toshio Hosokawa
Haiku
Toshio Hosokawa
Mai
Maki Ishii
Black Intention III
Toru Takemitsu
Litany (I. Adagio)
Toshi Ichiyanagi
Piano Media

Ciclo CINE BRASILEÑO

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA JUEVES, 27   de marzo · 20.00 h.  CICLO DE CINE BRASILEÑO    Entrada libre hasta completar el aforo  En Colaboracion con el Centro de Estudios Brasileños de la USAL

SECOND

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Viernes, 28 de marzo, · 22.00 h · Entradas: 10 € SECOND

Sean Frutos: Voz principal
Jorge Guirao: Guitarra
Francisco Guirao: Bateria
Nando Robles: Bajo
Javier Lorenzo: Guitarra

Montaña Rusa, el nuevo trabajo musical de la banda española SECOND,
Grabado en Los Ángeles y con la producción de Sebastian Krys, el nuevo trabajo musical del grupo contiene el mejor repertorio de su carrera, y con el que dan un giro musical, de sonido, y de imagen.
Temas como 2502, Las serpientes, Extenuación, caramelos envenenados, , Lobotomizados, Antiyo, La barrera sensorial, , entre otros, forman parte de este nuevo trabajo que en total contará con 11 canciones.

 Más información en: http://www.second.es/

XXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA XXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA MÚSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI: 31 MARZO - 5 ABRIL 2014     ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR EL AFORO

A MODO DE PRESENTACION

En el año emblemático de 1992, cuando el Festival Internacional de Primavera de Música de los siglos XX y XXI comenzó su andadura bajo los auspicios y patrocinio de la Universidad de Salamanca y de Caja Duero, se presentó un programa de obras musicales acorde con los acontecimientos que durante ese año se iban a conmemorar con motivo del V Centenario del Descubrimiento de América. Por eso, esa primera edición llevaba por título Foro Iberoamericano de Música del siglo XX y en él se presentaban obras de compositores iberoamericanos como H. Villa-Lobos, G. Tamez, E. Cordero, A. Piazzola, F. Mignone y Ernesto Nazare, entre otros.

La buena acogida del evento propició la futura singladura de este Festival que ya va por su vigésimo tercera edición, aunque en las actuales circunstancias la Universidad ha aumido la organización y patrocinio de este interesante proyecto, al que se ha sumado ahora la inestimable colaboración del Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, con sede en Salamanca, y con el apoyo de sus profesores del Taller de Música Contemporánea.

Para esta nueva edición del Festival hemos escogido de cabecera un título que recuerda aquel evento de 1992, ahora bajo el epígrafe Paisaje sonoro iberoamericano, tomado del título que el Ensemble Kuraia ha escogido para su programa. Con ello recordamos los lazos que nos unen con compositores portugueses y con otros músicos de allende los mares de los que escucharemos algunas de sus obras más destacadas, como la argentina María Eugeni Luc, el mexicano Javier Torres Maldonado, el cubano Leo Brower o el peruano Enrique Iturriaga.

La participación internacional ha quedado asignada en esta ocasión a la pianista portuguesa Luisa Tender, que nos presentará un magnífico recital de piano con obras de compositores portugueses, algunos ya grandes clásicos del siglo XX –como Fernando Lopes-Graça y Luis de Freitas Branco– y otros más recientes que están a la vanguardia de la música actual portuguesa. Siempre hemos querido mantener en este Festival los lazos con la música portuguesa, tan cercana geográficamente y, sin embargo, tan alejada de nuestros auditorios. El otro grupo internacional proviene de Francia y nos trae a la escucha un interesante concierto alternativo de músicas clásicas y flamencas a cargo del dúo formado por Arnaud Dumond, guitarra clásica, y Jean-Baptiste Marino, guitarra flamenca, que alternarán obras propias con otras del repertorio clásico moderno.

Por su parte, el Conservatorio Superior en sus dos conciertos nos oferta un programa muy interesante, como siempre, en el que se alternan obras de la música más rabiosamente actual, escrita por los grandes compositores europeos de la actualidad (Magnus Lindberg, Harrison Birttwistler, Pierre Jodlowsky o Philippe Hurel), junto a obras del gran repertorio clásico (I. Stravinsky) y de otros compositores vivos como Javier Torres Maldonado y Mauricio Sotelo.

Se ofrece, pues, un programa variado y atractivo, con estrenos absolutos incluidos, presentado por grandes intérpretes, que esperamos sea del agrado del público asiduo al Festival Internacional de Primavera y consiga el disfrute de todos los que quieran acercarse a la música contemporánea.

LUNES : 31 DE MARZO. TEATRO JUAN DEL ENZINA: 20:30

GRUPO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA DE BILBAO
ENSEMBLE KURAIA DE BILBAO
Xabier Calzada : Flauta
Eugenio Tobalina: Guitarra
Luis Ibiricu: Violín/ Viola
Belén Fernández: Violonchelo

MIERCOLES , 2 DE ABRIL.: TEATRO JUAN DEL ENZINA 20:30
RECITAL DE PIANO: LUISA TENDER (PORTUGAL)

JUEVES , 3 DE A BRIL: CONSERVATORIO SUPERIOR DE MUSICA
TALLER DE MUSICA CONTEMPORANEA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
Dir. JOSE LUIS ESTELLÉS .Coordinador Alberto Rosado

VIERNES , 4 DE A BRIL: TEATRO JUAN DEL ENZINA 20:30
DÚO DE GUITARRA : Arnaud Dumont/ Vincent Le Gall ( FRANCIA )

SABADO 5 DE A BRIL. CONSERVATORIO SUPERIOR DE MUSICA: 20:30
CONSERVATORIO SUPERIOR DE MUSICA:18:00
SOLISTAS DEL CONSERVATORIO SUPERIOR

MUESTRA DE ARTES ESCÉNICA UNIVERSITARIA 2014

• | Imprimir |

T DE TEATRE

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sábado, 26 de abril, · 22.00 h · Entradas: 12 € T DE TEATRE    AVENTURA

REPARTO:
Mamen Duch
Marta Pérez
Carme Pla
Albert Ribalta
Jordi Rico
Àgata Roca

Aventura! cuenta la historia de seis socios de Barcelona que tienen una empresa que no va mal pero que, al recibir una oferta de compra por parte de una empresa china, deciden dejarse de tonterías y vender por lo que pueda pasar. El problema es que no venden la empresa, sino que acaban vendiendo a una de sus socias. […]

Este proyecto ha nacido junto a T de Teatre. Con Delicadas nos encontramos y Aventura! es nuestra segunda aventura. Espero que mucha gente diga que hemos hecho una comedia y otros una tragedia, y otros una tragicomedia. Espero que esta obra sirva para que la gente hable mucho después de la función. Que sirva para abrir las vías de la comunicación y el sentido de comunidad.

En Aventura! los personajes están atenazados por el miedo y acaban haciendo algo que “nunca harían”. Creo que nuestra mayor fragilidad es el miedo, y esta obra intenta reducirlo poniendo delante de los ojos un fantasma colectivo: “el de convertirnos en esclavos”.
Alfredo Sanzol

 Más información en :http://www.tdeteatre.com/

Big Band 11 mayo 2014

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Domingo, 11 de mayo, · 20.00 h · Entrada libre hasta completar el aforo Big Band de la Universidad de Salamanca Artista invitado: Pepe Rivero

La Big Band de la Universidad de Salamanca surge como iniciativa de un grupo de estudiantes de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Salamanca y aficionados al jazz. Su objetivo fundamental es crear un ámbito donde se pueda dar cabida a los estudiantes interesados por este tipo de música, facilitándoles no sólo un contexto de interpretación, sino también un programa de formación. A lo largo de estos años son numerosos los prestigiosos músicos del panorama del jazz que han contribuido al enriquecimiento musical de esta orquesta. Entre ellos cabe mencionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Pepe Rivero, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgini, German Kucich o Miguel Blanco.

 Más información en: 

Andrés Sudón

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sábado, 31 de Mayo, · 22.00 h · Entradas: 10 € Andrés Sudón

 El sábado 31 de mayo presento en Salamanca mi nuevo disco, Consciencia. Para mí, es el concierto más importante de este año, no sólo porque es la presentación de mi nuevo trabajo en mi ciudad, sino también por celebrarse en el Teatro Juan del Enzina, un icono de la cultura local en el que no he actuado desde antes de su reforma. En el escenario me acompañarán los músicos que han tocado en el álbum: Óscar Martín (violonchelo), Alberto Navales (guitarra eléctrica), Antonio de Pinto (guitarras acústicas), Manu Clavijo (violín), Albert Angela (bajo) y Marta Plumilla (coros y bailes). Después de un tiempo ajeno a la actividad cultural de la ciudad donde más cosas he hecho, éste es el regreso que yo he soñado; lo espero con impaciencia.

Andrés Sudón

 Más información en: https://www.facebook.com/andres.sudon

CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA CONCIERTO DE FINAL DE CURSO

• | Imprimir |

AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA Sábado, 21 de junio · 20.00 h Entrada Libre hasta completar el aforo CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA CONCIERTO DE FINAL DE CURSO     Por todo, y a pesar de todo… Medio siglo de música y poesía en España e Iberoamérica Dirección: Bernardo García-Bernalt

CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
CONCIERTO DE FINAL DE CURSO

El Coro de la Universidad de Salamanca, uno de los coros universitarios más antiguos de España, fue fundado en 1950 por el maestro Jesús García-Bernalt, quien lo dirigió hasta 1990. A lo largo de su dilatada vida ha desarrollado una amplia actividad concertística, que le ha llevado a la práctica totalidad de España y Portugal, así como a buena parte de Europa, recibiendo numerosas distinciones y premios. Asimismo ha grabado programas para radios y televisiones españolas, portuguesas, francesas, mexicanas, alemanas, japonesas, etc. Por otro lado, el coro tiene una fuerte presencia en el ámbito salmantino, participando además en todos los actos solemnes de la Universidad, lo que lo ha convertido en un elemento fundamental del ceremonial de esta institución.

Coro Universitario. Concierto de fin de curso

Por todo y a pesar de todo
Un siglo de música y poesía en España e Iberoamérica

Nocturno de la ventana F. G. Lorca/E. Solé

Madrigalillo (1971) F. G. Lorca/M. Oltra (1922-)
Eco (1965) F. G. Lorca/M. Oltra (1922-)
Tres epitafios (op. 17) M. de Cervantes/R. Halffter (1900-1987)
Para la sepultura de Don Quijote
Para la sepultura de Dulcinea
Para la sepultura de Sancho Panza

Nerea izango zen (1974) J. A. Arze/M. Laboa/J. Busto (1949-)
Ficando sós (1993) M. Antonio/ J. Domínguez (1965-)
Bestiari (selección) P. Quart/M. Oltra (1922-)
Colcinella
Musclo
Bacil
Mosques i mosquits

En los surcos del amor (1960) C. Guastavino (1912-2000)

Se equivocó la paloma (1941) R. Alberti /C. Guastavino (1912-2000)

El mar muerto (1993) R. Alberti/D. Andreo (1949-)

Córtame una rosa blanca P.García Cabrera/ D. Andreo

Indianas (1967. Selección)
Gala del día (poema de A. Vázquez) A. Vázquez/ C. Guastavino
Quien fuera como el jazmín L. Benarós/ C. Guastavino
Chañarcito L. Benarós/ C. Guastavino

Serenata para la tierra de uno (1971) M. E. Walsh/ L. Cangiano (1951-1997)

Corazón coraza (1986) M. Benedetti/Beatriz Corona (1962-)
Rabo de nube (1985) S. Rodríguez/C.A. Carrillo
Locuras (1991) S. Rodríguez/L. Cangiano (1951-1997)

Crece desde el pie (1984) A. Zitarrosa/L. Saba (1961-)

Daniel Nieto (piano)
Bernardo García-Bernalt (director)

CUARTETO QUIROGA

• | Imprimir |

Cuarteto Quiroga  AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA LUNES, 6 de OCTUBRE, · 20.30 h · Entrada con invitación

Patrocinado por la Fundación Ana Díaz Medina 

Recogida de Inviatciones a partír de las 19,00 horas  del mismo dia del concierto en la Hospedería Fonseca

Aitor Hevia violín
Cibrán Sierra vioíin
Josep Puchades viola
Helena Poggio violonchelo

Cuarteto Quiroga

CUARTETO QUIROGA
El Cuarteto Quiroga, cuarteto residente responsable de la colección palatina de Stradivarius del Palacio Real de Madrid, está considerado hoy como uno de los grupos más singulares y activos de la nueva generación europea, internacionalmente reconocido entre crítica y público por la fuerte personalidad de su carácter como grupo y por sus interpretaciones audaces y renovadoras.
El grupo nació con la voluntad de rendir homenaje al gran violinista gallego Manuel Quiroga. Formado con R. Schmidt, W. Levin y H. Beyerle (cuartetos Hagen, LaSalle y Alban Berg) en la Escuela Reina Sofía, la Musikhochschule de Basilea y la ECMA, su personalidad musical también ha estado influida por maestros como G. Kurtag, F. Rados, A. Keller, E. Feltz y J. Meissl. Galardonado en los más prestigiosos concursos internacionales para cuarteto (Bordeaux, Borciani, Beijing, Genève, Paris, etc.), es habitual de las salas más prestigiosas del escenario camerístico internacional (Wigmore Hall London, Philarmonie Berlin, Frick Collection New York, Invalides Paris, Auditorio Nacional Madrid, Heidelberger Frühling, National Gallery Washington DC, Concertgebouw Amsterdam, Da Camera Los Angeles, Martinu Hall Praga, Nybrokajen Estocolmo, etc.) y ha recibido el Premio Ojo Crítico de RNE en 2007 y la Medalla de Oro del Palau de Barcelona. Comparte escenariocon músicos de la talla de J. Perianes, V. Mendelssohn, A. Meunier, J. Menuhin, D. Kadouch, D. Mariño, E. Bagaria, C. Trepat, y miembros de los cuartetos Alban Berg, Meta4, Casals, Doric, Galatea y Ardeo, entre otros.
Fuertemente implicados con la enseñanza de la música de cámara, son profesores en el Curso Internacional de Llanes, responsables de la Cátedra de Cuarteto del Conservatorio Superior de Música de Aragón e invitados regularmente a impartir clases en la JONDE y en conservatorios superiores y universidades de toda Europa.
Su primer disco, Statements, cosechó el aplauso unánime de la crítica especializada y fue galardonado con el Premio al Mejor Álbum 2012 por la Unión Fonográfica Independiente. Su último trabajo, (R)evolutions, dedicado a la música temprana de la segunda escuela de Viena, está siendo recibido con las mejores críticas y las más altas distinciones por la prensa especializada europea y norteamericana. En España ha sido distinguido con el sello “Excepcional” de la revista Scherzo y como “disco para la historia” por la revista Ritmo.
El Cuarteto Quiroga tiene su residencia oficial en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid. Cibrán Sierra y los demás miembros del cuarteto desean expresar su gratitud a los herederos de Paola Modiano por su generosa cesión del violín Nicola Amati “Arnold Rosé” de 1682.

FUNDACIÓN ANA DÍAZ MEDINA
La Fundación Ana Díaz Medina se creó en 2013, en memoria de la docente de su nombre, que ejerció como profesora titular de Historia Moderna en la Universidad de Salamanca entre 1965 y 2009. Fue también Directora del Centro de Estudios de la Mujer entre 2002 y 2006. Dicha Fundación persigue fines de carácter científico, educativo y de difusión dentro del ámbito universitario y cultural en general.

PROGRAMA

Joseph Haydn (1732-1809)
Cuarteto op.20, n.3 en sol menor (1772)
I. Allegro con spirito
II. Menuetto. Allegretto - Trio
III. Poco adagio
IV. Allegro molto

Arvo Pärt (1935-)
Fratres, para cuarteto de cuerda (1989)

---descanso---

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Cuarteto K.465 en Do Mayor "de las disonancias" (1785)
I. Adagio - Allegro
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegro
IV. Allegro molto

MEDEA MUSIC GROUP

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Sábado, 25 de OCTUBRE, · 22.00 h · Entradas: 10 € MEDEA MUSIC GROUP

QUIÉNES SON MEDEA
Es una banda Pop-Rock, originaria de Madrid, formada por Laura Criado (voz), Carlos Silva (guitarras), Alfonso Pazos (bajo), Jesús Rouco (batería) y Francesco Ercolani (hammonds y teclados). El sonido inicial de MEDEA® deriva de las influencias de grandes artistas como R.E.M., Pink Floyd, Led Zeppelín, pero de cara a este disco ha adaptado a su estilo los hammonds y nuevas guitarras, buscando otras tendencias musicales.

Las letras, que a menudo evocan elementos naturales, se centran tanto en temáticas personales como en cierta reivindicación social, abarcando temas como la soledad del artista y la lucha por la libre expresión de los sentimientos… siempre adornando las palabras con recursos poéticos y literarios.

El disco “ANTÍTESIS” es una producción guiada por Jesús Yanes, quien ha sabido plasmar la estética del grupo a través de un sonido especial que lo hace singular y exclusivo.

El álbum, de estudio, consta de 12 temas en los que predominan sonoridades oscuras y cargadas de misterio. Es un viaje sensitivo a través de imágenes que estimulan la fantasía y a la vez entretienen el oyente, quien se ve sorprendido tanto con la variedad de cadencias como con el texto, cuya importancia es primordial. El primer single elegido, “Indiferente”, es un tema que atrae porque el texto es profundo y a la vez fácil, sencillo. La voz es sugerente y expresiva y los hammonds son exclusivos.

Los otros dos temas que aparecen en el CD promocional, “Creo” y “Un nombre en el viento”, representan una muestra de los distintos tipos de sonido que el grupo abarca musicalmente. “Creo”, seguramente más cercano a estilos actuales, se caracteriza por una pegadiza melodía que unida a un complejo desarrollo instrumental lo hacen autentico. “Un hombre en el viento”, representa la búsqueda de un sonido más innovador, la experimentación rítmica en la fusión de tango y reggae en clave moderna y los coros que acompañan la voz principal evocando sensaciones nuevas y fascinantes.

MEDEA® ficha por la productora Bonargent y lanza su primer disco en 2014 con la compañía 18 CHULOS, contando además con la la oficina de marketing y promoción ALTA FIDELIDAD. Todo bajo la dirección artística de Jesús Yanes y su productora El Jardín Paramétrico.

 Mas informacion en:http://medeamusicgroup.com/

La Belloch

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA VIERNES, 31 de OCTUBRE, · 22.00 h · Entradas: 10 € LA BELLOCH    VERANO EN DICIEMBRE

Verano en diciembre es la historia de una familia, marcada por la ausencia del padre en la que conviven cuatro generaciones de mujeres que buscan desesperadamente separarse, pero permanecen necesariamente unidas.
Es un reflejo de los conflictos generacionales de cualquier familia que se quiere y se reprocha a partes iguales.
Es sencillamente un trocito de realidad del universo femenino de un hogar plagado de humor, ternura, dolor y secretos donde proteger... daña y cuidar...anula.

Es una reflexión sobre la decrepitud y la toma de decisiones vitales.
Es la pugna en la familia entre volar o no moverse, hacerse cargo o delegar.
En definitiva es el anhelo vital de un verano idílico que derrita este crudo e infinito diciembre.
En palabras de Claudio Tolcachir: Al leer Verano en diciembre sentí que ese universo maravilloso de esa abuela inolvidable estaba habitado también por tanta vida y tanta experiencia generacional, donde ser madre o hija se convierte en rol mutable y los personajes accionan desde el miedo con una amorosa humanidad

.
La autora escribió Verano en diciembre durante su estancia en Buenos Aires gracias a la beca de ampliación de estudios artísticos en el extranjero del Ministerio de Cultura y ha sido galardonada con el premio Calde- rón de la Barca 2012.
El jurado de esta convocatoria decidió por mayoría otorgar el premio a nuestra autora por tratar temas como los conflictos generacionales, la decrepitud y la muerte, dentro de un universo femenino en el que rigen otras leyes, todo ello desde una perspectiva donde la ironía cristaliza en una propuesta teatral muy directa. Consid- eran que la obra es valiosa por crear un microcosmos reflejo de la contemporaneidad y resaltan la capacidad de la autora para la creación de personajes bien definidos alejados de tópicos y estereotipos .

La Belloch nace en 2012 como resultado de la unión de las compañías de teatro Arte-Sanas y Des- piece Teatro. Ambas compañías llevaban trabajando desde 2006 y 2010 respectivamente habiendo puesto en escena diversos espectáculos. La compañía trabaja siempre con textos originales propios, y se hace cargo de la producción de forma integral, incluyendo la composición expresa de música para los espectáculos.
La Belloch cuenta actualmente en su repertorio con:
-La penúltima de Carolina África Martín, estrenada en Madrid en 2011 y ganadora de la convocatoria de Theatre Europa y el Ministerio de Cultura en la edición de 3 noches españolas en Berlín 2011. La obra obtiene también el Premio del Jurado en el V Festival Encinart, de Enciso, La Rioja.
-Zombi Zombi de Virginia Frutos, espectáculo en proceso de creación que ha sido mostrado en Ciudad de México y en La Rioja y que llegó a la final absoluta del TALENT MADRID 2013.
-Verano en diciembre de Carolina África, galardonada con el premio Calderón de la Barca 2012.
Durante 2012 la compañía lanza la iniciativa al teatro por los rulos con la que convierten el espacio de una
peluquería en sala de teatro íntimo. (alteatroporlosrulos.wordpress.com)
La compañía inaugura en Madrid en abril de 2013 el espacio de Investigación y Creación escénica La Belloch. 

 Más información en http://www.labellochteatro.com/

EL MÁGICO PRODIGIOSO

• | Imprimir |

Sinopsis

Cipriano, un filósofo pagano obsesionado con llegar a conocer la verdad última de las cosas recibe la visita del Demonio con el que entabla una encendida discusión intelectual. El diablo, tras ser derrotado en la pugna dialéctica, hace que su contrincante se enamore perdidamente de Justina, una joven cristiana. Cegado por la pasión, Cipriano ofrece su alma a cambio del amor de la joven sellando con su sangre un pacto con el demonio; sin embargo el pacto finalmente no llegará a cumplirse debido a que la firmeza de Justina logra frustrar los propósitos del Maligno al ejercer su libre albedrío.
Basada en la vida de San Cipriano y Santa Justina de Antioquía, la obra es mucho más que una historia de santos, pues suscita innumerables cuestiones de índole filosófica y moral en una deliciosa comedia donde no faltan los lances propios del género de capa y espada que Calderón cultivó con tanta maestría. Galanes, damas, criados, graciosos aparecen sobre el tablado en esta obra paradigmática del teatro barroco “tan grande como el Fausto”, según Federico.
La puesta en escena potencia el carácter de comedia fantástica de la obra, en la que nada es lo que parece y la realidad se transforma frente a los ojos del espectador en un juego de apariencias. Al estar representada por mujeres, la obra mantiene intacto su carácter simbólico en determinados momentos y en otros, el juego teatral está servido al contemplar la visión de la masculinidad que ofrecen las propias actrices.
El personaje de Cipriano interpretado por una mujer adquiere en el Siglo XXI toda la dimensión con que fue escrito por Calderón en su época, ya que la mujer representa mejor que nadie la búsqueda insaciable de conocimientos en las distintas esferas, el ansia de perfeccionamiento y el anhelo de trascendencia.

Ficha artística
Reparto (en orden de intervención)
Ione Irazábal
Cipriano
Carmen Valiente
Moscón
Esther Acevedo
Clarín
Vanessa Vega
El demonio-Justina
María Herrero
Livia-Lelio
Susana Abaitua
Justina-El demonio
Pepa Durá
Lisandro
Versión Ernesto Caballero
Asesoría de Verso Karmele Aramburu
Espacio Sonoro María Herrero
Asesoría de movimiento Esther Acevedo
Espacio Escénico y Vestuario Karina Garantivá, Fernando Arzuaga, Ana Montes Vestuario Almudena Ruiz
Iluminación y asesoría técnica Francisco Ariza
Gerente de compañía Laura Moreno
Prensa y comunicación Alfonso Álvarez-Dardet
Fotografías Making-Off Primas de Riesgo José Carlos Nievas
Diseño de Cartel Carlos García
Producción ejecutiva y distribución Sandra Avella
Ayudantes de dirección Eva Egido, Víctor Velasco
Dirección
Karina Garantivá

 Más información en http://www.primasderiesgo.com/

LADY PEPPER & THE COOLTRANCE

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA VIERNES, 14 de NOVIEMBRE, · 22.00 h · Entradas: 5 € LADY PEPPER & THE COOLTRANCE

Lady Pepper & The CoolTrance es una banda de jóvenes músicos afincados en Madrid y unidos por su pasión por estilos como el funk, jazz, soul y blues, reflejado en las originales versiones de temas míticos que tocan, y sobre todo en los temas propios, inspirados por todos ellos y destilados en sus composiciones, que formarán parte de su primer EP, presentado en marzo de 2014.

Pepa Solana: voz.
Lucas de Mulder: guitarra.
Ricardo Padilla: teclados.
Michael Goyanes: batería.
Carlos Gómez: bajo.

Desde su formación en 2013 han tocado en numerosos escenarios madrileños o la XII edición del Festival Jazz El Viajero de Logroño, buscando ese sonido crudo y directo de grupos como The Meters, Sly & The Family Stones, James Brown o Aretha Franklin. Versiones como “Ain’t no sunhine” o “California Soul”, y temas originales como “Disco Woman” o “Piece of Love” -éste último con más de 3.000 reproducciones en youtube del vídeo realizado por Jaime Massieu durante la grabación del mismo en estudio-

conquistan en sus directos, donde talento, maestría y diversión, excelentemente combinados, sumergen a todo público en ese “CoolTrance” y buen rollo que desprenden todos y cada uno de sus componentes. Desde la impresionante voz de Lady Pepper, pasando por los magníficos solos de Lucas de Mulder a la guitarra y Ricardo Padilla en el teclado, hasta los potentes ritmos marcados por Carlos Gómez al bajo y Michael Goyanes a la batería. Calidad musical, dedicación y energía, que traspasa hasta pantallas y auriculares sumando también fans y visitas en las redes sociales, son sus principales compañeras en este nuevo camino al éxito

 Mas informacion en:https://www.facebook.com/TheCoolTrance/info

ELEFANTES

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA VIERNES, 21 de NOVIEMBRE, · 22.00 h · Entradas: 10 € ELEFANTES

El rinoceronte (Nuevo disco en 2014)
El rinoceronte es el primer disco de estudio de Elefantes en 9 años, el regreso del grupo de Shuarma. Composiciones como Equilibrios, 10.000 formas o Escuchar al viento se antojan como infalibles compañeras de viaje. También estaría Aún más alto para subir la cumbres inalcanzables. Es ésta una canción que llega con una guitarra acústica, sutil, que se despide de igual modo después de estallar. "Equilibrios" se presenta cargada de logros y consecuencias.

Los acordes son sencillos y constantes, pero esenciales para que la canción engrase esta melodía encargada de representar "El rinoceronte" en calidad de single. Sin duda, bastaría con atender, o así es como se siente en Escuchar al viento.

Por otro lado, el disco tiene una rica densidad que desliga a Elefantes del Pop más ligero de antaño. No obstante, la voz de Shuarma se presta a la regresión. Uno termina notando que en Descargas eléctricas los chicos se pusieron al servicio de la idea principal de la canción. Un corte edificado desde las bases sostenidas por un sintetizador y por el ritmo que sugiere bajo la superficie del cante.

Momentos, más melancólica, parte del piano para proteger una canción sincera y perfecta. Un canto de esperanza al borde de un caos controlado por los productores Santos & Fluren hacia los infiernos recreados en los estudios Blind Records de Barcelona. En cambio, No me busques empieza con la distorsión de la guitarra, amenazante y cortante, hasta oscurecerse en En cajas, una composición "muy Elefantes" con aires flamencos, que va más por los derroteros de Triana.

Acercándose al final, Ya no hay nada más que hacer recrearía la música solitaria de los años 60 y 70. El sueño podría continuar esa soledad. Un golpe en la boca del estómago que prepara el final con Rinoceronte, acabando la canción así, sin más. Dejando seco el cuerpo con la canción más oscura de todo el álbum. Corta y directa.

La vuelta a la vida de Elefantes es una realidad. Shuarma, Jordi Ramiro, Julio Cascán y Hugo Toscano están aquí para hacer la existencia un poco más amable.

Big Band 30 Nov. 2014

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA Domingo, 30 de noviembre, · 20.00 h · BIG BAND UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Entradas : 3 E

La Big Band de la Universidad de Salamanca surge como iniciativa de un grupo de estudiantes de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Salamanca y aficionados al jazz. Su objetivo fundamental es crear un ámbito donde se pueda dar cabida a los estudiantes interesados por este tipo de música, facilitándoles no sólo un contexto de interpretación, sino también un programa de formación. A lo largo de estos años son numerosos los prestigiosos músicos del panorama del jazz que han contribuido al enriquecimiento musical de esta orquesta. Entre ellos cabe mencionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Pepe Rivero, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgini, German Kucich o Miguel Blanco.

JUGADORES

• | Imprimir |

TEATRO JUAN DEL ENZINA VIERNES, 12 de DICIEMBRE, · 22.00 h · Entradas: 10 € PRODUCCIONES TEATRALES CONTEMPORANEAS   JUGADORES

Producciones Teatrales Contemporáneas, S.L.
Jugadores

Escrita y dirigida por: Pau Miró
Intérpretes (por orden de intervención):
un barbero: Jesús Castejón
un actor: Luis Bermejo
un enterrador: Ginés García Millán
un profesor: Miguel Rellán
Escenografía Enric Planas/ Vestuario Elisa Sanz/ Iluminación Juan
Gómez-Cornejo / Espacio sonoro Jordi Collet “Sila”/ Ayudante de
dirección Juan José Andreu/ Diseño Gráfico Alberto Valle “Hawork”/
Producción ejecutiva Olvido Orovio/Dirección de producción Ana Jelin
duración 1h. 20’ sin pausa

En un piso antiguo, en torno a una mesa, bajo una lámpara, cuatro hombres,
un barbero, un enterrador, un actor y un profesor de matemáticas juegan
una partida de cartas. Este piso es un refugio en el que se aceptan todos
los fracasos, se permiten. El fracaso es la regla, no la excepción. El dinero
ha desaparecido, también cualquier posibilidad de éxito personal. A punto
de tocar fondo, los cuatro personajes deciden arriesgarse. En este
momento el juego se vuelve peligroso.

Cuatro hombres que se acercan a los 60 años.
Un barbero, un enterrador, un actor y un profesor de matemáticas.
En el fondo son jugadores: ruletas, cartas, deudas, excesos, fracasos...
Unas vidas de mierda enfocadas a aquellas milésimas de segundo
en las que la carta que decide una partida da la vuelta.
Cada personaje tiene su historia,
casi podríamos decir que cada personaje tiene un “cuento” por narrar.
Entre los cuatro, sin embargo, cuentan una historia en común:
Cuatro hombres que se sienten desplazados.
El mundo ha cambiado y no lo entienden.
Han cambiado los valores, las reglas, y no encuentran su lugar.
El dinero ha desaparecido y no regresa.
También las prerrogativas.
Los alicientes.
Descolocados,
andan arrastrando los pies,
parecen fantasmas
o cadáveres,
o sonámbulos,
o parece que estén en estado de coma...
o, si me lo permiten,
parece que tengan un blanco.
(aquel momento en el que el actor/actriz está sobre el escenario y se olvida del texto)
Es como si estos personajes hubieran olvidado el texto
y estuvieran esperando a que volviera.
Han perdido el pulso del mundo,
y sólo tienen una manera de recuperarlo,
tal vez demasiado arriesgada,
seguramente demasiado peligrosa.
Y alocada.
Y también desesperada.
Al fin y al cabo,
sin embargo,
la única manera.
Lo más probable es que no salga bien,
pero ¿quién sabe?
Rojas o negras,
¿quién sabe?
De todos modos,
si existe alguna oportunidad de “ganar la partida”
es gracias a los cuatro actores que cuentan esta historia,
este cuento cargado de cuentos.
Los Jugadores
Pau Miró

Es una reflexión sobre la decrepitud y la toma de decisiones vitales.
Es la pugna en la familia entre volar o no moverse, hacerse cargo o delegar.
En definitiva es el anhelo vital de un verano idílico que derrita este crudo e infinito diciembre.
En palabras de Claudio Tolcachir: Al leer Verano en diciembre sentí que ese universo maravilloso de esa abuela inolvidable estaba habitado también por tanta vida y tanta experiencia generacional, donde ser madre o hija se convierte en rol mutable y los personajes accionan desde el miedo con una amorosa humanidad.
La autora escribió Verano en diciembre durante su estancia en Buenos Aires gracias a la beca de ampliación de estudios artísticos en el extranjero del Ministerio de Cultura y ha sido galardonada con el premio Calde- rón de la Barca 2012.
El jurado de esta convocatoria decidió por mayoría otorgar el premio a nuestra autora por tratar temas como los conflictos generacionales, la decrepitud y la muerte, dentro de un universo femenino en el que rigen otras leyes, todo ello desde una perspectiva donde la ironía cristaliza en una propuesta teatral muy directa. Consid- eran que la obra es valiosa por crear un microcosmos reflejo de la contemporaneidad y resaltan la capacidad de la autora para la creación de personajes bien definidos alejados de tópicos y estereotipos .

Más información en http://www.ptcteatro.com/produccion_detalle.php?nid=71

Cursos año 2014 Información General

• | Imprimir |

Cursos en Salamanca
29 y 30 de Marzo de 2014
Violin	Pedro Gandía
Viola	Andoni Mercero
Violonchelo	Itziar Atutxa
Viola da Gamba	Itziar Atutxa
12 y 13 de Abril de 2014
Violonchelo	Christopher Coin
Viola da Gamba	Christopher Coin

Formulario de Preinscripción a los cursos

La Academia de Música Antigua, constituye un ámbito global de articulación y promoción de actividades en el campo de la “interpretación musical histórica”. Creada con el objeto de facilitar los mecanismos de especialización en repertorio renacentista y barroco a los jóvenes músicos españoles, se ha convertido a lo largo de sus diecisiete años de vida en un referente de este tipo de trabajo en España.
Junto a un programa anual de cursos de especialización, La academia acoge distintas agrupaciones musicales especializadas: Coro de Cámara, Consort de Violas de Gamba y Orquesta Barroca entre otras.

Lugar de realización:

Los cursos tendrán lugar en la Hospedería Fonseca (C/ Fonseca nº 2, Salamanca).

Inscripciones:

Las personas interesadas en participar en un curso deberán formalizar su matrícula con, al menos, 10 días de antelación al comienzo del mismo, rellenando el boletín de inscripción en la página web del Servicio de Actividades Culturales: http://sac.usal.es/
Seleccionar la pestaña Academia de Música Antigua.
El link directo es: http://sac.usal.es/index.php?option=com_rsform&formId=3
Una vez confirmada su admisión* se deberá efectuar el ingreso correspondiente en el número de cuenta de la Universidad de Salamanca:

Precios de matrícula (alojamiento y manutención por cuenta de los participantes):

• Ordinaria: 60 €.
• Alumnos de la Universidad de Salamanca y de los Conservatorios profesional y superior de Salamanca: 40 €
• Los miembros de la Orquesta barroca, Consort de violas da gamba y Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca están exentos de abonar derechos de matrícula, si bien deben formalizar igualmente su inscripción en el plazo indicado.

Certificado:

Al finalizar cada curso se entregará, en su caso, el correspondiente certificado de asistencia.

Proyectos:

Los profesores realizarán la selección de los participantes en los proyectos de orquesta. A los seleccionados se les facilitará alojamiento y manutención durante los días de duración del proyecto.

Becas:

La Orquesta barroca de la Universidad de Salamanca tiene un programa de becas para alumnos de violín (6 becas), viola (3 becas ), violoncello (2 becas) y viola da gamba (4 becas). Éstas cubren los gastos de matrícula, alojamiento y manutención para el programa de cursos (excepto el curso de verano). La adjudicación se hará previo informe de los profesores correspondientes y los alumnos becados adquieren el compromiso de asistir a todas las actividades programadas para su instrumento a lo largo del año (cursos en Salamanca y proyectos de orquesta). La solicitud de la beca se hará según modelo adjunto, que se enviará a por correo postal a la Academia, adjuntando un curriculum vitae.

Para más información contactar con:

Academia de Música Antigua. Universidad de Salamanca.
Hospedería de Fonseca 2ª planta.
C/ Fonseca 2. 37002 Salamanca.
Tel. 923 29 44 80 . Fax. 923 29 46 96.
e-Mail: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.