Guitarrafonia

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Concierto

GUITARRAFONIA

Viernes, 23 de noviembre ·  20.00 horas

Entrada libre hasta completar el aforo

Guitarrafonia es una orquesta de guitarras constituida por alumnos y profesores de diferentes escuelas que pertenecen a la enseñanza artística especializada en música de Portugal. En el año de 2006 fue conformada como un esfuerzo conjunto de tres instituciones: Conservatório de Música São José da Guarda, Conservatório Regional de Castelo Branco y la Academia de Música y Dança de Fundão. Desde su fundación han participado centros educativos como: Conservatório Regional de Viseu "Dr José Azeredo Perdigão", Conservatorio Regional de Ageda, Conservatório de Música de Coimbra, Academia de Música do Orfeão de Ovar, Academia de Música de Santa Maria da Feira y Conservatório de Música David de Sousa.

La Orquesta se ha presentado frecuentemente en diferentes salas de Portugal, destacándose su participación en el concierto de clausura de la muestra Inter-Escolas de Música, en el teatro José Lucio da Silva en la ciudad de Leiria (2009) ; En el Centro de Artes y Espectáculos de Figueira da Foz (2010) ; En el Auditorio del Conservatorio de Música de Coimbra (2011). Cabe destacar su participación en el festival "Elogio da Guitarra" (2011) que se realiza en la ciudad de Guarda y en el Centro Cultural de Belem CCB (Lisboa Octubre 2011). Recientemente participo en la XI edición del festival de jóvenes de Europa "Allegromosso", realizado en la región de Emília-Romagna Italia (17-20 de Mayo 2012) así como su participación en las ediciones de 2011 y 2012 del Festival Internacional de guitarra de Sernancelhe, siendo dirigida en esta última edición por el prestigioso guitarrista Fábio Zanon.
Para este concierto la orquesta cuenta con la batuta del Maestro Rogerio Peixinho.
"Guitarrafonia" ha crecido en el número de elementos así como en la dificultad del repertorio, siendo un proyecto que ha despertado interés en el aspecto musical y pedagógico.

www.facebook.com/Guitarrafonia
http://www.youtube.com/user/guitarrafonia?feature=results_main
www.guitarsernancelhe.eu
Programa:

CARLOS SEIXAS
Tocatta

A. VIVALDI
Konzert in D dur
1. Allegro 2. Largo 3. Allegro

J.S. BACH
Air

LEROY ANDERSSON
The Type Writer

J.LENON/P. McARTNEY
Lady Madonna
Yesterday
Day Triper

PAT METHENEY
Every Summer Night

M. FALLA
El Amor Brujo

Tristan e Isolda

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Opera Abierta

Jueves 29 de noviembre 18.00 Horas Teatro Juan del Enzina

Tristan e Isolda

Tristan und Isolde es una de las óperas más importantes del género por la extraordinaria grandeza de su partitura y por su significado en la evolución de la música de nuestro tiem­po. Se estrenó en 1865 en el Teatro de la Corte de Múnich. El libreto, obra –como es habitual en Wagner– del propio compositor, tiene como punto de partida un poema medieval de Gottfried von Strassburg (hacia 1210) sobre una leyenda de origen céltico que narra los trágicos amores de Tristán e Isolda. Los amores de Wagner con Mathilde Wesendonck (1857-1859) y la lectura de El mundo como voluntad y repre­sentación de Schopenhauer se consideran tradicionalmente circunstancias decisivas en su composición.

Paseando con Unamuno

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DANZA

ARS MOVENDI

Paseando con Unamuno
Un paseo por la vida de Don Miguel de Unamuno de la mano de la danza contemporánea.

TEATRO LICEO

Sábado 17 de noviembre, 21 h
ENTRADAS: 6 €

Don Miguel de Unamuno (Bilbao 1864- Salamanca 1936).
A ti, Don Miguel, por enseñarnos que “Todo acto de bondad, es una demostración de poderío”, gracias por decirnos “Espera, que solo el que espera vive” y advertirnos más tarde “Pero teme el día en que se te convierten en recuerdo las esperanzas”.
Tu voz, reflejo de tu pensamiento y forma de sentirlo, conduce a entender tu existencia, y con ella entendemos mejor la nuestra.
Por eso, caminemos juntos por tu doctrina de la vida y del hombre hasta llegar a saber que “La vida es duda, y la fe sin duda es muerte”.

BAILARINAS:
Alba Arribas Peña
Mª Cruz Cardeñosa Rubio
Teresa Lucas Grasa
Edurne Roncalés Agüera
Beatriz Sáenz Narciso
Manuela Salvado Muñoz

COREOGRAFÍA:
Marta Peiró
DIRECCIÓN:
ARS MOVENDI

COLABORACIONES:
Selección de textos: Antonio Sánchez Zamarreño

Información y venta de entradas:
En la Hospedería Fonseca: de lunes a viernes de 11 a 14 h y de 17 a 20 h.
En el Teatro Liceo, de lunes a viernes de 11'00 a 14'00 horas y los sábados de 12'00 a 14'00 horas. En el teléfono 902 400 222,
en la web www.elcorteingles.es y en cualquier oficina del Corte ingles

Exposición "Memorias heridas, cuerpos rebelados: itinerarios contra el olvido"

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Memorias heridas, cuerpos rebelados: itinerarios contra el olvido.

Poliomielitis y Síndrome Post-Polio en la Península Ibérica

Juan Antonio Rodríguez Sánchez

Bernat Millet

Espacio de Cultura Científica - Hospedería Fonseca

Servicio de Actividades Culturales - Universidad de Salamanca

Del 24 de mayo al 8 de julio de 2012

El Espacio de Cultura Científica es un proyecto financiado por el Ministerio de Educación

en el marco del Programa Campus de Excelencia Internacional

Horario: De martes a sábado de 12:00 a 14:00h. y de 18:00 a 21:00h. Domingos y festivos de 10:00 a 14:00h. Lunes cerrado.

El Espacio de Cultura Científica comienza su andadura con "Memorias heridas, cuerpos rebelados…”, un proyecto de Juan Antonio Rodríguez Sánchez, profesor e investigador de la Universidad de Salamanca junto con el fotógrafo Bernat Millet.

La exposición explora la memoria de la poliomielitis a través de los cuerpos de las personas que sufrieron la enfermedad y sus secuelas y efectos tardíos. La poliomielitis y los tratamientos quirúrgicos y ortopédicos vincularon la historia personal a las cicatrices e hicieron de los cuerpos cartografías de la memoria. Cuando la sociedad europea considera erradicada la poliomielitis, estos cuerpos intervenidos evocan dolor, soledad e injusticia, pero también rebeldía y reivindicación de derechos. Personas que revelan desnudas las secuelas de un pasado, cuerpos que se rebelan ante el olvido y la ignorancia social del síndrome post-polio.

La exposición es la primera de las actividades de un amplio programa, con el título genérico Erradicar, olvidar, negar. Reflexiones sobre la Poliomielitis y el Síndrome Post-Polio, con las que se conmemora el décimo aniversario de obtención del certificado de erradicación de la poliomielitis en la Región Europea. Alejadas de una autocomplaciente visión triunfalista, pretenden promover la toma de conciencia sobre la persistencia de la poliomielitis en el mundo, la posibilidad de conseguir su erradicación a través de la cooperación internacional y, en nuestro entorno inmediato, la realidad de las personas afectadas por el Síndrome Post-Polio.

Juan Antonio Rodríguez Sánchez

Es profesor de la Universidad de Salamanca. Doctor en Medicina y Cirugía, ha desarrollado su labor en el área de conocimiento de Historia de la Ciencia. Aunque ha cultivado las humanidades médicas (principalmente la relación entre medicina, cine y literatura), sus investigaciones se han centrado en los imprecisos límites entre las prácticas médicas oficiales y las consideradas alternativas.

Los proyectos de investigación más recientes se han dirigido a recuperar la historia de la poliomielitis y el síndrome post-polio en la Península Ibérica, junto a otros expertos coordinados por la profesora Rosa Ballester de la Universidad Miguel Hernández. En 2005 el Ministerio de Educación financió "Estudio comparativo de los cambios sociales y profesionales relacionados con la polio en el área transfronteriza hispanoportuguesa desde 1956” y, en 2009, el Ministerio de Ciencia e Innovación lo hizo con “De la experiencia individual al movimiento asociativo: ideologías y activismo en la configuración de los movimientos reivindicativos de las personas afectadas por la poliomielitis y el síndrome post-polio” aún en activo.

Ha sido investigador principal de ambos proyectos y los ha llevado a cabo junto al Grupo de Investigación Hispano-Luso en Historia de la Poliomielitis y el Síndrome Post-Polio, que coordina, y está constituido por investigadores de las universidades portuguesas de Coimbra (Centro de Estudos do Século XX) e Instituto Superior da Maia, y las españolas de Cádiz, León y Salamanca. El grupo ha sido organizador de múltiples eventos, como La memoria paralizada: identidades y vivencias de la poliomielitis y el síndrome post-polio, cuya segunda edición se celebrará en julio de 2012. Los resultados de estas investigaciones han sido presentados en congresos nacionales e internacionales y publicados en importantes revistas de la disciplina, como Asclepio y Dynamis. De estos proyectos han surgido también los capítulos dedicados a España y Portugal (firmado este último por la profesora Inês Guerra) en un libro de ámbito internacional editado en Brasil y coordinado por la profesora Dilene Raimundo do Nascimento: A história da Poliomielite (Garamond, 2010).

 Bernat Millet Altarriba

Nació en Barcelona el 17 de Junio de 1986. De un pueblo llamado La Floresta, ha desarrollado desde la infancia una especial consciencia de la diversidad funcional a través de su madre, que había sufrido la polio. Siempre ha sido un apasionado de la fotografía y ha usado la cámara para momentos que encuentra inspiradores. Es en Londres donde empieza a desarrollar nuevas formas e ideas en fotografía. En 2007 hace un curso preuniversitario en el London College of Communication creando un porfolio que le dará acceso a la carrera de fotografía (“BA Honours in Photography”) en la Middlesex University. Es en este período cuando experimenta con diferentes formatos de cámaras para descubrir en el gran formato un instrumento preciso con resultados impactantes.

La búsqueda de imágenes contundentes le encamina al retrato, en los que la interacción con lo sujetos le permite reflejar preguntas e ideas. En un mundo saturado por imágenes de dolor, rastrea la belleza que hay en él para transmitir una realidad. Esta sensibilidad hacia el sufrimiento y los problemas sociales marca su vocación de viajar para mostrar situaciones que otros medios de información no abarcarían.

Pese a su juventud y aún breve carrera ha participado en exposiciones colectivas en galerías londinenses como la Truman Gallery, la Parlour Gallery y The Print Space Gallery. Finalista en competiciones fotográficas, fue seleccionado entre los finalistas como fotógrafo del año en el Guardian Student Media Awards 2011 y en The Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2011, que ha permitido que su obra fuese expuesta en la prestigiosa National Portrait Gallery de Londres. Su obra fotográfica ha sido publicada en el Sunday Times Magazine Spectrum, Aesthetica Magazine y Aesthetica Creative Works Annual 2012. En España algunos de sus trabajos han aparecido en prensa (ABC).

Este proyecto es el resultado de una búsqueda interior de los sentimientos más profundos, consciente de que las buenas fotografías surgen del corazón y reflejan nuestras pasiones y emociones ante lo que nos rodea. Este trabajo es la culminación de la fuerza entre una madre que le abrió la puerta a su hijo que buscaba la manera de reflejar estos sentimientos al mundo entero.

Exposición "ADfabulatio"

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ADfabulatio

Concha Sáez y  M. Reina Salas

Del 29 de junio al 29 de julio de 2012

Sala de exposiciones Cielo de Salamanca. Patio de Escuelas Menores.
Universidad de Salamanca

Horario: De martes a sábado de 12:00 a 14:00h y de 18:00 a 21:00h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00h. Lunes cerrado

Movimiento dibujado con estructuras y grafías monocromas, resume los medios de
expresión elegidos por Sáez y Salas para presentar el proyecto ADfabulatio: lo que
se funde con la fábula. Se desarrolla un concepto rítmico en el contexto de la sala,
a modo de retrato de cada artista. Las obras se organizan en paralelo, como cuentos
fragmentarios hacia una escenografía común: un espacio final caracterizado por
grafías dibujadas sobre los muros, donde se experimenta cada pulsión de los trazos.
Un lugar de crecimiento a la deriva creado a base de recorridos lineales que
acabarán por dibujar una escena de ficción, un reducto para hechizar la imaginación
y movilizar el pensamiento. Un paisaje desconocido: el lugar de la fábula.
ADfabulatio se ofrece como una oportunidad de fuga para personas, animales
y otros seres animados o inanimados.

Exposición "Isabel Carrero. Yo, piel"

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Exposición "Santos Yubero. Crónica gráfica de medio siglo de vida española (1925-1975)"

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Santos Yubero

CRÓNICA GRÁFICA DE MEDIO SIGLO DE VIDA ESPAÑOLA 1925-1975

Del 29 de junio al 7 de octubre de 2012
Sala de Exposiciones Patio de Escuelas
Universidad de Salamanca

Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado

Martín Santos Yubero (Madrid, 1903-Madrid, 1994) fue uno
de los miembros más relevantes de la segunda generación de
reporteros gráficos madrileños. Ante sus cámaras fue desfilando
un mundo maltrecho y epilogal, que él supo registrar
con talento en la edad eterna de sus fotografías. En ellas nos
muestra, como en un espejo, la imagen ya abolida de la vida
española, entre la dictadura de Primo de Rivera y los años
postreros del franquismo. Pero sus fotografías mejores las
tomó en los días de penitencia de la primera posguerra. En
ellas encontramos la España dolorida que siguió a la Guerra
Civil, las injurias de la menesterosidad, el rostro afligido de un
país arrasado, que pugnaba esforzadamente por sobrevivir.
Un retablo luminoso de medio siglo de vida española que nos
devuelve la realidad de la vida cultural, política y social de
Madrid, verdadero rompeolas de todas las Españas.
Las fotografías que componen la presente exposición han sido
copiadas a partir de los negativos originales, que se guardan
en el Fondo Martín Santos Yubero del Archivo Regional de la
Comunidad de Madrid.

Exposición "Kati Horna (1912-2012). Fotografías de la guerra civil española (1937-1938)"

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    KATI HORNA (1912-2012)

     Fotografías de la guerra civil española (1937-1938)

     Del 17 de abril al  3 de junio 2012
     Sala de Exposiciones Patio de Escuelas

Hace veinte años, en 1992, se inauguraba la exposición Kati Horna. Fotografías de la guerra civil española (1937-1938) en la Sala de Exposiciones de la Universidad de Salamanca situada en Patio de Escuelas. Aquella exposición fue posible gracias a la colaboración entre tres entidades: Filmoteca de Castilla y León (Junta de Castilla y León), Archivo Histórico Nacional – Sección Guerra Civil (Ministerio de Cultura) y el Servicio de Actividades Culturales (Universidad de Salamanca). Aquella muestra supuso el comienzo de la difusión y conocimiento público del importante trabajo desarrollado por la fotógrafa Kati Horna durante la guerra civil española.

Coincidiendo con el veinte aniversario de aquella primera exposición, se cumple este año el 100 aniversario del nacimiento de Kati Horna. Por esta razón, y como homenaje a la fotógrafa, se ha querido volver a presentar (en una doble celebración) aquella exposición en el mismo lugar en el que se dio a conocer por primera vez su obra entre nosotros.

KATI HORNA / 1912-2012

Fotografías de la guerra civil española (1937-1938)

El centenario del nacimiento de la fotógrafa húngara Kati Horna, que se celebra en este año 2012, es el acontecimiento que quiere conmemorar esta exposición, en la que se presenta una selección de 70 fotografías sobre la guerra civil española que esta autora realizó durante su etapa como fotorreportera en España entre 1937 y 1938. Han pasado cien años a lo largo de los cuales esta mujer, definida por quienes la conocieron como una persona «aristocrática por herencia, anarquista por convicción, seductora por naturaleza y vagabunda por vocación», fue dejando sus huellas en el vasto panorama de la fotografía internacional. Registró la vida parisina en 1933, mostrando una clara afición por el mundo de los objetos en su serie sobre El mercado de las pulgas, y la tendencia a una visión irónica del mundo en Los cafés de París. Enviada a España por el Ministerio de Propaganda Exterior, se hizo fotorreportera y cubrió el conflicto en el frente y en la retaguardia, dando prioridad a la vida cotidiana de la población civil. Finalmente, tras una breve estancia en París para huir del ejército nacional, consiguió exiliarse a México con su marido, José Horna, donde continuó trabajando en el retrato y en la fotografía artística durante el resto de su vida.

Las imágenes que aquí se muestran son una selección del conjunto de originales contenido en la conocida caja de hojalata que Kati Horna consiguió salvar después de la guerra. Un importante fondo fotográfico que fue adquirido por el Ministerio de Cultura en 1979, tras el ofrecimiento realizado por la propia fotógrafa.

Entre la abundante producción fotográfica generada durante la guerra civil, y entre la numerosa nómina de destacados fotógrafos que la registraron, tanto su obra como su propia figura ofrecen rasgos nítidamente diferenciales. Lo que singulariza por encima de todo a Kati Horna en relación a otros compañeros fotógrafos que siguieron la guerra civil es su forma de narrar los hechos: una narración sutil del drama humano, que se aleja del registro cruento de los acontecimientos. Nunca se verá en su producción fotográfica un cuerpo destrozado por las bombas. Cuando se trata de expresar el sufrimiento, en lugar del cuerpo humano la fotógrafa prefiere su simulacro: la muñeca o el maniquí (Vigilando después del bombardeo, 1937). De esta forma, Horna desplaza hacia un fuera-de-campo imaginario el dolor y la muerte. Otras veces, la visión de un edificio derrumbado y vaciado de la presencia humana es síntoma de una alteración del lugar donde habitan las personas (Casas bombardeadas en Madrid, 1937). Cambian las costumbres: ya no hay paredes que protejan y garanticen la privacidad de las personas. Los civiles están condenados, entonces, a un tránsito interminable por las carreteras de España en busca de la salvación (Evacuación de Teruel, 1937). La poética del tránsito es la forma que Horna usa para expresar el sentimiento de suspensión e incertidumbre que la guerra provoca. Los momentos del día se convierten en una espera continua (Esperando la ración de comida, 1937 o Mujeres esperando turno, 1937). Por otra parte, es suficiente detener la mirada en la serie de fotos que la fotógrafa tomó en el Centro de acogida mujeres embarazadas en Vélez-Rubio para darse cuenta que a pesar de la guerra siempre queda la esperanza en una vida futura. La otra cara de la realidad revela un sentido inesperado y la obstinación por sobrevivir. Es a partir de estas consideraciones como se invita al espectador de hoy a ver estas fotos: como instantes que Horna consiguió arrebatar a la realidad y que brillan por su humanidad.

Lisa Pelizzon  (Autora de la tesis doctoral Más allá de la foto: la mirada de Kati Horna)

Cronología

1912 “Hace cien años...”

Budapest: el 19 de mayo de este año nace Kati Deutsch en el seno de una rica familia de origen judío.

1918 “La infancia en Budapest”

Hungría sufre cambios políticos muy significativos que influirán en el desarrollo intelectual de una  generación entera. El país se convierte en una república tras la caída del Imperio Austro-Húngaro. El liberal Mihály Károlyi es el nuevo jefe del gobierno. Sin embargo, dimite pronto y asciende al poder una nueva coalición de comunistas y socialistas. La situación política se precipita cuando el ejército contrarrevolucionario invade Budapest: empieza la campaña de terror en contra de los judíos y de los comunistas; nacen los primeros campos de concentración. Para Kati y su familia empieza una época difícil.

1928-1929 “Los años de la inquietud”

Al igual que muchos coetáneos, Kati empieza a interesarse por la política. Decisivo es el encuentro con el pensador, poeta, pintor y animador del Movimiento Activista húngaro Lajos Kassák. De él, Kati aprende a creer en los valores de la paz y del arte como medio revolucionario para cambiar la sociedad. Al igual que Kassák, Kati ve en la fotografía el instrumento poderoso capaz de dar cuenta de los problemas sociales.

1930-1933 “Aprender a ver”

Kati Horna decide ir a Berlín, ciudad donde nace la fórmula moderna del periodismo gráfico. Su formación está marcada por las posibilidades técnicas que los nuevos aparatos fotográficos ofrecen y por las enseñanzas que recibe del grupo Bauhaus, con el que entra en contacto. Kati consigue entrar como asistente en la Agencia Dephot. La agencia experimentaba con un tipo de fotografía que se preocupaba por lo cotidiano e invitaba al fotógrafo a ver la realidad desde puntos de vista nuevos. Empiezan las primeras persecuciones nazis: en mayo Kati asiste a la quema de los libros. Está obligada a huir.

1933 Junio “Una Rolleiflex como regalo”

Kati regresa a Budapest. Para entonces, su padre ha muerto y su madre la anima para que encuentre un trabajo. Kati recibe como regalo su primera Rolleiflex. Se matricula en la prestigiosa escuela de József Pécsi, fotógrafo especialista en retrato y en fotografía publicitaria. En esa circunstancia coincide con Robert Capa, su amigo de infancia. Juntos aprenderán los cimientos del retrato.

1933 Septiembre “La mirada del flâneur”

Al igual que muchos inmigrantes perseguidos por el nazismo, Kati llega a París, que no es solamente un refugio, sino sobre todo el centro neurálgico de la cultura. Empieza a trabajar para Agence Photo, que le encarga su primer reportaje gráfico: El mercado de las pulgas. En un contexto cultural que aún vive el influjo del surrealismo, el mercado de las pulgas es uno de los lugares más frecuentados por la magia que emana. En el mercado reinan los objetos “huérfanos” de sus dueños y yacen amontonados en un poético desorden. En este ambiente, Kati adquiere la mirada del flâneur que a cada paso se sorprende por lo que ve: es la supremacía del simulacro.

1934 Lo insólito cotidiano y la ironía se mezclan en la segunda serie que Agence Photo le encarga: Los cafés de París.

1935

La afición hacia el mundo de los objetos y hacia los cuentos visuales se manifiesta en una serie de historietas satíricas que critican la situación política europea. Con la colaboración del ilustrador alemán Wolfgang Burger, discípulo de Max Ernst, realiza Hitler Eye.

1936: Empieza la guerra civil española

1937    Febrero  “El compromiso ético”

El Ministerio de Propaganda Exterior le encarga a Horna la creación de un álbum de fotografías para la Confederación Nacional del Trabajo de la Federación Anarquista Ibérica. Las fotografías de este período dan testimonio de su gran interés por la vida cotidiana de la población civil.

Marzo  “De Barcelona al frente de Aragón”

El frente de Aragón fue el primer destino de Kati y la zona de España que llegó a conocer mejor, ya que numerosas fotos atestiguan su presencia duradera allí.

Abril

La fotógrafa sigue en Aragón explorando los pueblos en los alrededores de Huesca. Su cámara registra la vida de la población civil, sobre todo de ancianos y niños, protagonistas indiscutibles de sus fotos.

Julio

Las fotos sobre las colectividades de arroz en Silla y el mercado en Játiva celebran el trabajo de los hombres en la retaguardia. Kati empieza a trabajar en la revista semanal de tendencia anarco-sindicalista Umbral. Aquí conoce a su futuro marido, el ilustrador andaluz José Horna.

Agosto

La fotógrafa se dirige hacia el Sur de España: se queda en Vélez Rubio, donde registra la vida en un centro de acogida para mujeres embarazadas, y en Alcázar de San Juan, documentando la vida en un comité de refugiados. Publica por primera vez en la revista anarquista Tierra y Libertad.

Septiembre

Su próximo destino es Madrid. La capital, ante la mirada de la fotógrafa, revela su vulnerabilidad. Los edificios derrumbados son el resultado del vacío provocado por la guerra.

Octubre

Kati vuelve a Valencia, ciudad donde vive y trabaja. Sus fotos de los escaparates de Valencia y de los bombardeos muestran el poderío de los objetos. Los objetos sobreviven al hombre.

Diciembre

La batalla de Teruel es el acontecimiento crucial de este mes. Al igual que Robert Capa, Centelles y el escritor Ernst Hemingway, Kati está presente y documenta lo que ve.

1938    Enero

La fotógrafa se muda a Barcelona. Vagabundea por las calles de la ciudad documentando escenas de teatro callejero y sus encuentros con los niños del Barrio Chino. En algún momento de 1938 se casa con José Horna, quien no será solamente su marido, sino su mejor colaborador en la creación de fotomontajes.

Marzo

Kati presencia los bombardeos de marzo en Barcelona, entre los peores desde el comienzo de la guerra: su mirada se detiene en los esqueletos vacíos de los edificios. Entre enero y marzo, Kati publica sus primeros fotomontajes en Libre Studio de Valencia, una revista de acción cultural al servicio de la CNT. En otoño de este año se registra también su primera publicación en la revista anarquista Mujeres Libres.

1939    “Un barco para Veracruz: empieza el exilio mexicano”

Febrero-Marzo Huida de Kati y José Horna a Francia. Trabajo en Agence Photo.

Octubre Embarcan en el De Grasse para exiliarse a México. La pareja se instala en una casa de la Colonia Roma de la Ciudad de México.

1939 La fotógrafa publica el cuento visual Lo que va al cesto.

1940 Colaboración con la revista Mapa.

1943 Encuentro en la Colonia Roma entre Kati Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo.

1945 La Castañeda, Títeres en la penitenciaria.

1952 La fotógrafa se convierte en “escultora de objetos”. Es conocida la muñeca que crea para su hija Norah.

1956 Perfumes y modas.

1958-1964 Revista de la Universidad de México.

1958-1968 Revista Mujeres: expresión femenina. Kati Horna es jefa del departamento de fotografía. Realiza reportajes gráficos y retratos de la élite cultural mexicana.

1961-1965 Mexico this month.

1962 Colaboración en la revista S.nob y Tiempo. Publica otro cuento visual: Historia de un vampiro, sucedió en Coyoacán.

1963 Muerte de José Horna. Colabora con la revista Revista de revistas. En este período publica dos cuentos visuales: Mujer y Máscara y Una noche en el sanatorio de muñecas.

1986 Donación del archivo Horna al CENIDIAP de Ciudad de México.

2000 El 19 de octubre Kati Horna muere.

Lisa Pelizzon  (Autora de la tesis doctoral Más allá de la foto: la mirada de Kati Horna)

Exposición "Colapso. Un ensayo sobre el fracaso y la ruptura"

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Colapso. Un ensayo sobre el fracaso y la ruptura

Del 2 de marzo al 6 de mayo de 2012

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca

Visita Virtual

“… el sueño era una caída, la vigilia, un encogimiento.”
Albert Camus, La caída.

Artistas:

Ignasi Aballí, Alexander Apóstol, Marc Bijl,
Rineke Dijkstra, Marcel Dzama, Kirsten Geisler,
Andreas Gursky, Candida Höfer, Francesco Jodice,
Sigalit Landau, Abigail Lazkoz, Jorge Macchi,
Tobias Madörin, Hernan Marina, Enrique Marty,
Julie Mehretu, Aernout Mik, Muntean/Rosenblum,
Jorge Pineda, Fernando Renes, Miguel Ángel Rojas,
Allan Sekula, Eulalia Valldosera

Comisarios: Alberto Martín, Agustín Pérez Rubio.
Coordinación de la exposición: Carlos Ordás
Coordinación Colección MUSAC: Koré Escobar

Fechas: 2 de marzo – 6 de mayo, 2012
Lugar: Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca,
Universidad de Salamanca

Horario:
Martes a sábado: 12:00 - 14:00 h. / 18:00 - 21:00 h.
Domingos y festivos: 10:00 - 14:00 h.
Lunes cerrado

Proyecto realizado en colaboración con el MUSAC

El término “colapso” probablemente sea uno de los más utilizados para tratar de definir el contexto global que nos rodea, un término que parece condensar tanto una turbia expectativa ante el futuro como una sensación generalizada de fracaso y pérdida ante el presente. Tomando como punto de partida el juego de sugerencias y evocaciones que puede albergar esta palabra en el contexto de la crisis actual se han reunido una serie de obras procedentes de la colección del MUSAC con una articulación que quiere adoptar la forma de un ensayo visual donde el fragmento adquiera fuerza frente al conjunto, y la subjetividad y la incertidumbre se sobrepongan al orden interpretativo del discurso. En este sentido, tanto la selección de obra como su disposición en el espacio expositivo, buscan conscientemente la construcción de acusados paralelismos, confluencias, contrastes y correspondencias, antes un modo de ver e intercambiar con la experiencia concreta y subjetiva del espectador que un horizonte de juicio y explicación.

Es precisamente a esa experiencia que se deriva de nuestras formas de vida y de nuestras prácticas a la que se dirige Colapso. Esta exposición no habla así de un fracaso o un malestar inespecífico, sino del resultado de una erosión concreta de lo social y lo político que no es reciente, ni coyuntural, aunque pueda parecerlo, sino el fruto de un largo proceso. Las obras reunidas en esta propuesta, realizadas mayoritariamente a lo largo del último decenio, dan perfecta cuenta de la persistencia del malestar y de la erosión con su capacidad para interpelar con rotundidad nuestro presente. Y lo hacen desde uno de los lugares preferentes que ocupa legítimamente la creación artística: desde la construcción de una resistencia sensible. La ruptura con la inercia del fracaso y el malestar que esa resistencia sea capaz de construir, podría estar muy cerca, parafraseando a Slavoj Zizek, del momento en que finalmente conseguimos despertar de un sueño que se ha convertido en pesadilla.

Listado de obra que pueden verse en la exposición

Ignasi Aballí
De la serie Listados, 1997-2005
Impresión digital sobre papel
154 x 105 cm c/u

Alexander Apóstol
De la serie Residente pulido. Ranchos, 2003
Fotografía color
195 x 150 cm

Marc Bijl
Reasons to Believe, 2004

Instalación sonora Medidas variables

Rineke Dijkstra
Olivier Silva serie, 2000-2003
7 fotografías color
126 x 107 cm

Marcel Dzama
Sin título, 1998-2003
Tinta sobre papel
35,5 x 27,5 cm c/u

Kirsten Geisler
Dream of Beauty 3.1, 2003
Vídeo color sin sonido
4’ en bucle

Andreas Gursky
Ohne Titel XIII (Mexico)
Fotografía color
275 X 205 cm

Candida Höfer
Musée du Louvre Paris XVI , 2005
Fotografía color
247 x 200 cm

Francesco Jodice
What We Want-BANGKOK-T24-2003, 2003
Fotografía color.
190 x 150 cm

Sigalit Landau
Barbed Hula, 2000
Vídeo color y sonido
2’

Abigail Lazkoz
De la serie Esconde la mano, 2005
Acrílico y tinta sobre papel
Medidas diversas

Jorge Macchi
Un charco de sangre (poema), 1999
Collage sobre papel
150 x 480 cm

Tobias Madörin
Susten II, 2006
Fotografía color
180 x 224 cm

Hernán Marina
De la serie Buenos Aires by Night , 2001-2005
Impresión fotográfica
Medidas variables

Enrique Marty
La familia (selección), 1999
Instalación, óleo sobre tabla
Medidas variables

Julie Mehretu
Zero Canyon (A Dissimulation), 2006
Tinta y acrílico sobre lienzo
305 x 214 cm

Aernout Mik
Glutinosity, 2001
Vídeo-instalación, vídeo color sin sonido
Medidas variables
14’ 22’’

Muntean/Rosenblum
Untitled (You are part of…), 2003
Acrílico y grafito sobre lienzo
280 x 355 cm

Jorge Pineda
Santos inocentes, 2003
Instalación, plástico, escayola y textil
Medidas variables

Niñas Locas (serie), 2006
Tinta sobre papel
57 x 76 cm

Fernando Renes
Instant Gratification / Satisfacción inmediata, 2006
Animación, vídeo color sin sonido
1’35’’

De la serie Dibujos caseros / Homemade Drawings, 2003
Acuarela sobre papel
Medidas diversas

Miguel Ángel Rojas
Borde de pánico, 2003
Vídeo color y sonido
30’

Allan Sekula
De la serie Black Tide (Marea Negra), 2002-2003
Fotografía color
Medidas diversas

Eulalia Valldosera
El inocente, 2003
Caja de luz
365 x 24 x 10,5 cm

Para mas información visita la  Pag. Web del MUSAC 

Exposición "Brangulí"

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BRANGULÍ

Del 1 de junio al 22 de julio de 2012

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca
De martes a sábado, de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h
Domingos y festivos de 10.00 a 14.00 h

Colaboración con Fundación Teléfonica

Josep Brangulí Soler, fotógrafo barcelonés, nacido en Hospitalet de Llobregat el 14 de septiembre de 1879, es el iniciador de una saga de fotógrafos a la que se sumaron sus hijos Joaquim Brangulí i Claramunt (1913‐1991) y Xavier Brangulí i Claramunt (1918‐1986).
Con esta exposición se plantea la revisión de la obra de este fotógrafo, titular del nombre Brangulí hasta su muerte en 1945.

Josep Brangulí se inició en la fotografía a finales del siglo XIX y continuó ininterrumpidamente con esta labor hasta su fallecimiento a mediados de la década de los cuarenta del siglo XX. Desarrolló su obra en Cataluña y mayoritariamente en Barcelona. Las revistas ilustradas de la época recogen y publican sus fotografías desde el inicio de su carrera: ¡Cu‐Cut¡, La Hormiga de Oro, La Ilustración Española y Americana, Nuevo Mundo, entre otras.

A partir de 1910, comienza su trabajo regular para la prensa diaria, destacando su colaboración con La Vanguardia, Diario de Barcelona, La Tribuna, La Noche, El Noticiero Universal y Le Miroir du Monde. Desde 1914 será el corresponsal de Prensa Española en Barcelona, publicando sus trabajos en ABC, Blanco y Negro y Campeón.

Pese a su intensa actividad como fotógrafo para la prensa, no podemos calificar a Brangulí únicamente como fotoperiodista, habida cuenta de su extensa labor como fotógrafo industrial, del comercio y la arquitectura, ámbitos en los que sus imágenes aparecen como prácticamente únicas en el panorama fotográfico de este período. A través de sus fotografías describió el paisaje urbano que se generaba con la gran transformación de Barcelona, con la apertura de la Vía Laietana. Desarrolló un amplísimo y singular trabajo de fotografía industrial para, entre otras empresas, Construcciones y Pavimentos, pionera en el encofrado de hormigón, y para entidades corporativas a cuyo cargo estaban las obras públicas de la red de metro o la instalación del alumbrado público en Barcelona. En el apartado comercial fotografió, desde su nacimiento, los diferentes eventos de la Fira de Barcelona así como los trabajos para grandes corporaciones como La Caixa de Pensions. Es por tanto el fotógrafo que documentó las principales transformaciones de Barcelona en un largo período, lleno de novedades y conflictos: desde 1900 hasta 1945 a través de amplias series de reportajes fotográficos.

Su primer gran reportaje fue el de la Semana Trágica de 1909. Los sucesos acaecidos en Barcelona y otras ciudades de Cataluña, entre los días 26 de junio y el 2 de agosto, fueron recogidos por su cámara y publicados en diversas revistas ilustradas tanto nacionales como extranjeras. Brangulí realizó una selección de estas fotografías en un álbum encuadernado con el título La Semana Trágica, que contaba con 38 fotografías originales.
Paralelamente, y también en 1909, comienza su serie de fotografías sobre la apertura de la Vía Layetana. Parte de todo este trabajo se conserva en otro álbum numerado con el 11 de su archivo y titulado La Reforma. Calles y casas desaparecidas, con 19 originales fotográficos.
Brangulí transitó el Ensanche, el Barrio Gótico y la Rivera y de allí al Tibidabo, a Montjuic, al Somorrostro y a la cuenca del Llobregat, donde se asentaba gran parte de la industria. Así nos reveló las innumerables facetas que iban dibujando la ciudad. Realizó este y otros muchos recorridos con una mirada sin fisuras en el tránsito de una construcción urbana a otra industrial, de un acontecimiento a otro. El autor ligó su obra a la vida de Barcelona y al aspecto cambiante de la ciudad, su dinamismo y arquitectura. La propia modernidad de la arquitectura hizo evolucionar a Brangulí desde posiciones similares a las de otros fotógrafos de la época inicial del fotoperiodismo hasta una maestría que le hace sobresalir entre todos sus coetáneos y le hace único en España.

En el capítulo industrial, la edificación de las nuevas factorías fue recogida por su cámara con la misma épica con la que se enfrentaba a los monumentos históricos de la urbe. Su mirada también recoge la situación social y laboral de esos años donde abunda la contratación de mujeres y niños, con el objetivo de reducir los costes de producción. Ni la imagen de un niño en una fábrica, con condiciones ambientales en muchos casos insalubres, ni las salas de contratación laboral femeninas serán obviadas por su cámara.

Cuando trata estos temas coincide en parte con muchos de sus coetáneos: en la documentación de las calles y de los barrios de Barcelona, se asemeja a los esbozos de Adolf Mas, Frederic Ballell, Lucien Roisin o Narcís Cuyás . En la documentación de la construcción de edificios, naves industriales y fábricas, mantiene una posición cercana a las imágenes de Alejandro Merletti sobre las fabricas de sedería de 1908. Sus primeros reportajes importantes, como el de la Semana Trágica, se complementan con la mirada de Josep Maria Sagarra. Es, sin embargo, su gran esfuerzo documental de la década de los años veinte el que nos permite ver el desarrollo de la obra más atemporal de Brangulí y por tanto las señas de su moderna identidad. Más tarde, y como a los demás fotógrafos de su época, la instauración de la II República, y sobre todo la Guerra Civil española, afectará al desarrollo de su obra y de su vida. Las urgencias por documentar los acontecimientos añadirán a su trabajo tintes comunes, esfuerzos compartidos y miedo ante el futuro.

Brangulí no se detuvo tras la Guerra Civil, cuando se generaliza la confiscación de archivos y las represalias en el ámbito de la prensa. Jamás interrumpió su trabajo. Su obra recorre este período, de la misma forma que en etapas anteriores, brindándonos una visión única del mismo: el cambio dramático de la sociedad catalana que transita la República, la Guerra Civil y los primeros años del franquismo, que conllevan la presencia militar, los hombres destacados del nuevo régimen y la llegada de la simbología fascista a las calles de Barcelona.

Durante estos años, documenta los estratos de la sociedad en todos sus escenarios posibles: los oficios y los talleres, la vida en las calles, los acontecimientos y los personajes públicos y privados, lo que hace de este fotógrafo una fuente necesaria para conocer un período fundamental en Cataluña. No es el único en abordar las temáticas ya señaladas, pero no encontramos un autor que haya completado, como Brangulí, la transición desde la fotografía del siglo XIX hasta la de mediado el siglo XX, en tantos ámbitos, tan distintos y tan impecablemente realizados. Una rara excepción en el panorama fotográfico español.

Su actividad comercial, nos señala la sucesión de pequeños encargos con motivos muy diversos, electrificación del alumbrado, obra pública, industria, ferias, medicina, construcción o acontecimientos de toda índole. En cada una de estas situaciones Brangulí procedió de manera muy similar: ejecutando amplias series.

Sus agrupaciones temáticas también tienen una razón de ser que no proviene de la historia del arte más reciente, sino de las necesidades de encontrar fotografías similares para satisfacer un encargo. Brangulí era un pequeño empresario que organizaba el contenido de su archivo de explotación para responder a una petición de la sociedad en la que vivió.

Quequé, "Sesión Golfa con Quequé"

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MONOLOGOS

Sesión Golfa con Quequé

Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · Entradas: 10 €

Quequé es uno de los cómicos más representativos del Club de la Comedia, y, además, salmantino. Presenta su espectáculo unipersonal Sesión Golfa, una recopilación de los mejores monólogos y textos desde sus inicios. Una oportunidad única de ver a uno de los mejores cómicos del momento con una selección de lo mejor de su carrera. Humor, parodia, ironía, comedia, extrañezas, historias personales e improvisación se dan cita en este montaje que supone una vuelta más a los tradicionales espectáculos de monólogos. Se trata de un espectáculo fresco, disparatado y actual que hará que te sientas partícipe de cada una de las historias. Puede que te suene de haberlo visto en televisión, pero seguro que después de verlo en directo tu opinión cambia. ¿A mejor? ¿A peor?...

Teatro Clásico de Sevilla, "El Buscón"

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Las Noches del Fonseca
Martes 17 de Julio  23,00 horas

Entradas 15 €

Teatro Clasico de Sevilla "El Buscon"

TEATRO CLÁSICO DE SEVILLA

El Buscón
(A la sombra de D. Francisco de Quevedo)

LA OBRA

El Buscón es una de las novelas fundamentales de la picaresca española. Su autor Francisco de Quevedo retrata las andanzas, gracias y, sobre todo, desgracias de un joven llamado Pablos que intenta subir desde su mísera escala social y alcanzar el rango de caballero.

En ella el lector se adentra en un mundo divertido, donde los infortunios del protagonista, narrados por él mismo, es lo que le mueve a la risa, encontrándose con un cúmulo de situaciones, personajes, incidentes, espacios…

Dentro de la complejidad propia que presenta la composición de esta novela, resulta una apasionante aventura dramatúrgica acercarla, aunque sólo sea tangencialmente, al universo cerrado de un escenario. ¿Pero cómo?

Somos un país de pícaros, se sigue oyendo cotidianamente. Y lo damos por válido sin entrar en el fondo del asunto. Desde esta premisa también se puede trabajar sobre el texto como un pícaro más: arramplar, construir, refundir, deconstruir, romper, enlazar, pegar, inventar, recopilar…

Todo clásico siempre se ve desde los ojos de la época del espectador que lo lee o contempla. Es su experiencia vital la que le hará observarlo de una u otra forma. Pero siempre desde su tiempo. Es imposible para un espectador actual entrar en la miserable realidad del Siglo de Oro.

Y aunque lo intente llevará en su bagaje la perspectiva de las desventuras actuales, las hambrunas africanas, las migraciones desesperadas, las imágenes de las pateras cruzando el estrecho… La aldea global, la intercomunicación, un mundo al alcance de la mano… También esos sucesos históricos que ha vivido y que le dan otro giro histórico: las torres gemelas, el 11M, la guerra del Golfo… Todo suma, uno no puede sustraerse y sentirse un espectador virginal del siglo XVII. Queramos o no, estamos en nuestro tiempo y desde él observamos el pasado.

El espectador de nuestra propuesta quizá considere prestar atención desde el ayer al hoy, y tal vez se haga algunas preguntas del estilo: ¿Qué queda de la picaresca en nuestra contemporaneidad? ¿Qué paralelismos o divergencias encontramos? Y así disfrutar de un clásico titulado Historia de la vida del Buscón llamado don Pablos.

Alfonso Zurro

ELENCO:

Pablo Gómez-Pando: El Buscón
Manuel Monteagudo
Manuel Rodríguez
Antonio Campos
Juan Motilla
Mª Paz Sayago
Paqui Montoya

EQUIPO:

Dirección y versión libre: Alfonso Zurro
Producción: Juan Motilla y Noelia Díez
Diseño escenografía y vestuario: Curt Allen Wilmer
Diseño Iluminación: Florencio Ortiz
Diseño de música: Jasio Velasco
Ayudante de dirección: Verónica Rodríguez
Fotografía y diseño gráfico: Luis Castilla
Realización de escenografía: Pablo Gozálbez
Realización vestuario: Andrés González
Coordinación: Antonio Zannoni
Ayudante escenografía y vestuario: Eva Moreno
Proyecciones vídeo: La Buena Estrella
Distribución y comunicación: Noelia Díez

Teatro Clásico de Sevilla es una compañía que trae consigo el bagaje y experiencia de muchos profesionales de las artes escénicas que han decidido invertir tiempo y esfuerzo en esta idea. Proceden de diferentes ámbitos, como la Compañía Nacional de Teatro Clásico, “La Jácara”, “Esperpento”, el Instituto del Teatro, la Real Escuela de Arte Dramático, el Centro Andaluz de Teatro, el mundo del cine y la televisión...
Es una iniciativa creada con el fin de cubrir lo que creemos un hueco dentro del panorama actual: el teatro clásico.
Nuestro primer objetivo es acercar piezas clásicas del teatro español a un público cada vez menos acostumbrado a ellas. Nos interesan por su valor artístico y literario, porque conectan con el imaginario colectivo autóctono y con el de más allá de nuestras fronteras, y porque con el paso del tiempo, más que hacerlas envejecer, introducen nuevos y ricos matices en ellas.
Pero además, Teatro Clásico de Sevilla pretende aglutinar a profesionales en el mundo del teatro clásico. Somos una compañía abierta que quiere acoger a actores y directores de diferentes ámbitos artísticos e implicarlos en el arte de la dramaturgia clásica.
Nos interesa cubrir el vacío relativo que existe en este sentido.
Presentamos un repertorio de obras clásicas para dar a conocer la rica producción nacional a un público que no encuentra una propuesta de este tipo en el actual panorama cultural. En este sentido, creemos que nuestra compañía puede contribuir a crear una oferta cultural de calidad.
Fundamentalmente podemos expresar que nuestra compañía tiene dos características diferenciadoras: la intención de mantener un grupo numeroso de trabajadores no habitual en compañías privadas, lo que nos lleva a tomar como salida fundamental la creación de una compañía de REPERTORIO, y la realización de las representaciones en un espacio determinado con cierta continuidad (TEMPORADAS).

ALFONSO ZURRO

Es indispensable hacer referencia también al director de la puesta en escena de la obra: Alfonso Zurro.
Profesionalmente ha sido una persona que siempre ha estado vinculado a Sevilla, desde donde desarrolla su trabajo como autor y director de escena.
Ha realizado dramaturgias sobre textos de Ghelderode, Weiss, Handke, Baroja, Lorca... Como autor, entre sus obras estrenadas destacan: Farsas Maravillosas, Por narices, Bufonerías, Quién mal anda, A solas con Marilyn y El extraordinario vuelo de los ángeles, algunas de las cuales han sido traducidas, publicadas y representadas en francés, inglés, rumano, catalán..., así como en diversos países de Sudamérica.
Ha dirigido más de treinta las puestas en escena, entre las que cabría mencionar: Mockinpott, de Peter Weiss; La casa de Bernarda Alba, de García Lorca; Esperando a Godot, de Samuel Beckett; La lección, de Eugène Ionesco; Pasodoble, de Miguel Romero Esteo; Los borrachos, de Antonio Álamo; Tartufo, de Molière-Fernán Gómez. Y en el campo de la lírica habría que mencionar: La serva padrona, de G. B. Pergolesi, y El rapto en el serrallo, de Mozart.
Entre sus premios, debemos nombrar: Premio Asociación de Directores de Escena de España, de Dirección, por Pasodoble; Premio Ercilla al Mejor Espectáculo, por Los borrachos; Premio Baco al Mejor Espectáculo Andaluz, por La casa de Bernarda Alba; Premio al mejor texto en el FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Jóvenes); Premio a la  Mejor Dirección por Mascarada Canalla, en el Festival de Palma del Río; I Premio Andaluz de Teatro Breve, por méritos en su obra. Y el último, recibido recientemente por la Asociación Escenarios, por “Mejor autor”.

Ballet Flamenco de Andalucía

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Las Noches del Fonseca
Jueves, 5 de julio  de 2012 · 23,00 horas

BALLET FLAMENCO DE ANDALUCÍA

Metáfora

Coreografía Y Dirección Artística:
Rubén Olmo

Entradas: 20 €

Ballet Flamenco de Andalucía
Instituto Andaluz del Flamenco

Metáfora

Andalucía tiene un compromiso con la Cultura. Y con el flamenco. El hilo conductor de la cultura andaluza que nos identifica como andaluces dentro y fuera de nuestras fronteras. Un sentimiento compartido que, desde el año 2010, es Patrimonio Inmaterial de la Humanidad de la Unesco.
Con la declaración de la principal entidad internacional que vela por la cultura, la Consejería de Cultura firmó un compromiso para el mantenimiento del Ballet Flamenco de Andalucía. Y los hilos de la Cultura andaluza se mezclan entre los pasos de baile de un programa que persigue convertirse en un lugar común para creadores de primer nivel, fomenta la participación y el desarrollo profesional de artistas andaluces.

El flamenco ha estado presente siempre en las instituciones públicas andaluzas.
Desde 1994 además goza de una compañía propia, la Compañía Andaluza de Danza que, bajo la tutela de los más grandes coreógrafos, ha paseado el arte jondo por numerosos escenarios nacionales e internacionales. En 2004 pasa a denominarse Ballet Flamenco de Andalucía y desde comienzos de 2011 se integra en el organigrama del Instituto Andaluz del Flamenco.
Un estandarte de la cultura andaluza, del arte jondo y de los valores y el sentir de un pueblo que seguirá hilando nuestro arte más representativo allí donde lleguen los pasos del baile flamenco

Metáfora
Dirección artística y coreografía: Rubén Olmo

ELENCO
Rubén Olmo

Solistas
Patricia Guerrero
Eduardo Leal

Bailarinas
Sara Vázquez
Ana Agraz
Marta Arias
Mónica Iglesias
Maise Márquez
Bailarines
Juan Carlos Cardoso
Ángel Fariña
Fernando Jiménez
Álvaro Paños
Cantaores
Fabiola
Manuel «El Zambullo»
Guitarristas
David Carmona
Manuel de la Luz
Artistas invitadas
Pastora Galván
Percusión
David «Chupete»

PROGRAMA
Primera parte
Suite flamenca

Obertura     Eduardo Leal
Juan Carlos Cardoso
Ángel Fariña
Fernando Jiménez
Álvaro Paños

Alegrías de Coral     Pastora Galván
Coreografía: Rocío Coral     Patricia Guerrero
Homenaje a la     Sara Vázquez
Escuela Sevillana     Ana Agraz
dedicado a Matilde Coral    Marta Arias
Mónica Iglesias
Maise Márquez

En sueño (Taranta)     Patricia Guerrero
Coreografía:        Eduardo Leal    
Rubén Olmo            
Eduardo Leal    

De los reyes         Pastora Galván
Coreografía:
Pastora Galván

Tangos del olvido    Toda la Compañía

Descanso

La danza como metáfora del pensamiento
Rubén Olmo

Segunda parte
Metáfora

Primer movimiento    Solo danza     Toda la Compañía
Segundo movimiento     Esencia    Toda la Compañía
Tercer movimiento     Caminante    
Coreografía:
Rocío Molina

Cuarto movimiento    En cuerpo y alma     Toda la Compañía

La danza flamenca, según Nietzsche y Lorca

«La danza es la metáfora del pensamiento», atinó a enunciar Friedrich Nietzsche, que contraponía el vuelo de los pájaros a la pesadez de los seres humanos irremediablemente amarrados al noray de la realidad concreta. La danza es lo que queda «sobre las últimas cenizas», augura Federico García Lorca en su Poeta en Nueva York. El baile le presta alas al cuerpo y a la mente. Nos aproxima a los ángeles. De ahí que para la escenografía de Metáfora, el primer proyecto que Rubén Olmo concibe y dirige para el Ballet Flamenco de Andalucía, el escenógrafo Juan Ruesga haya ideado dos elementos contrapuestos. De un lado, el ídolo intelectual de una formidable neurona. Y, de otro, el espacio casi religioso de un patio morisco que nos delimita el templo de una tradición que hunde sus raíces en el pasado pero que necesariamente vuela hacia lo porvenir.
Aquí se trata de un claro homenaje a lo que fue y es la danza flamenca, desde la escuela bolera como matriz primigenia a sus coqueteos con las coreografías contemporáneas que le ponen en relación con otros mundos y con otros géneros. Se propone, en gran medida, de un tributo humilde pero intencionado a personalidades históricas como Ángel Pericet, Pilar López o Antonio. Un guiño tan evocador como el vestuario vintage que luce todo el elenco. Atención, a su vez, a las partituras cultas o populares que acompañan a las artistas invitadas —Rocío Molina y Pastora Galván junto con el propio Rubén— y al competente y joven cuerpo de baile. El oído viajará con la vista hacia romances y cantiñas, tangos de Granada, bulerías, valses flamencos, verdiales o zambras. Se trata de una suite tan elegante como dinámica, compuesta con la fuerza del corazón y con el talento de la razón.

Es una alegoría de la vida, un eco del ser humano que se niega a permanecer para siempre en la seguridad de la caverna y explora otros mundos que quizá estén en sí mismo. Nietzsche también afirmó que solo iba a creer en un Dios que supiese bailar. Es el que habita este oratorio flamenco por el que transcurren, como describió Federico García Lorca en su poema «El baile», corazones andaluces buscando viejas espinas.

Rubén Olmo

La carrera artística de Rubén Olmo (Sevilla, 1980) comienza en el Conservatorio de Danza de Sevilla, donde obtiene el título de Danza Española y Danza Clásica. Completa su formación con Manolo Marín, Carmen Montiel y José Galván. Participa en el primer taller coreográfico de la Compañía Andaluza de Danza, dirigida en ese momento por María Pagés, para pasar después a la compañía de Javier Barón, con el espectáculo «El pájaro negro».
En ese mismo año, 1996, se traslada a Madrid y estudia con maestros como Rosa Naranjo, Carmina Ocaña y Aída Gómez. Con diecisiete años, forma parte de la Compañía de Danza Española de Aída Gómez, con el espectáculo Estamos solos, en el que destacó como bailarín solista. Le seguirá El barberillo de Lavapiés, de Ramón Oller. Ese mismo año forma parte del Ballet Nacional de España, dirigido por Aída Gómez, y estrena la coreografía Luz de alma, de Javier Latorre, y La Celestina, coreografiada por Ramón Oller y dirigida por Adolfo Marsillach.
Su carrera continúa en la Compañía de Eva Yerbabuena, como bailarín-repetidor de la obra «La voz del silencio». Colabora además con Ramón Oller, Javier Latorre y Rafael Amargo en varios espectáculos, labor que alterna con su faceta de profesor. Crea su propia compañía y los espectáculos Belmonte, la danza hecha toreo y Pinocchio, que han tenido gran aceptación de crítica y público. Su trayectoria se ha visto reconocida con el Premio de Interpretación de Danza Pilar López o el Giraldillo a la mejor coreografía por «Tranquilo Alboroto». Desde septiembre de 2011 es director artístico y coreógrafo del Ballet Flamenco de Andalucía, con el espectáculo Metáfora.

Histórico
El Ballet Flamenco de Andalucía es el máximo representante institucional de arte jondo, y ha ejercido de embajador del flamenco desde su creación, hace ahora 17 años. En este tiempo, el Ballet se ha convertido en el mejor medio para abrir nuevos mercados para el flamenco, ha pasado por escenarios de todo el mundo y ha formado parte de las agendas culturales de países como Estados Unidos, Argentina, Cuba, Francia, Italia, Hungría o Suiza, además de participar en citas internacionales como la Exposición Aichi, en Japón.
Las producciones llevadas a cabo en este tiempo han llegado a lugares remotos pero también han estado presentes en escenarios andaluces. El Ballet Flamenco de Andalucía ha participado en cuatro temporadas del ciclo «Lorca y Granada en los Jardines del Generalife» con varias producciones basadas en obras del poeta granadino que después han girado por los principales espacio escénicos nacionales e internacionales.
Los 17 años de historia del Ballet vienen jalonados de diferentes reconocimientos, no solo de público y crítica, sino también de especialistas en artes escénicas. De este modo, ha recibido el Premio Nacional de Coreografía por el montaje dirigido por María Pagés El Perro Andaluz, y varias coreografías de Cristina Hoyos, en su etapa como directora, han sido nominadas a los premios Max de Teatro. Entre ellas, destaca Yerma, que recibió el Premio Max como Mejor Intérprete Femenina de Danza a Cristina Hoyos; o Romancero Gitano, que se convirtió en el espectáculo más visto en 2006.
La compañía ha sido una inagotable cantera de talentos, de la que han salido figuras del baile actual como Israel Galván, Isabel Bayón, Rafael Campallo, Belén Maya, Rafaela Carrasco, Fernando Romero, Mercedes Ruiz y María José Franco, entre otros.
Todo ello le han llevado a convertirse en una compañía de referencia cuya producción ha calado entre el público nacional y el público extranjero, y ha fomentado un creciente interés por lo jondo en todo el mundo.

La compañía

Han sido directores:    Mario Maya
María Pagés
José Antonio
Cristina Hoyos

Han sido coreógrafos:    Manolo Marín
Fernando Romero
Javier Latorre
Manuel Santiago
Mario Maya
Rafael Campallo
Javier Barón
Alejandro Granados
Eva Yerbabuena
Isabel Bayón
Antonio Gades

Coreografías:    De lo flamenco, 1994
Coreografía: Mario Maya / A. Rueda
«La Toná» (nana de colores)

Réquiem, 1994
Coreografía: Mario Maya

Homenaje a Albéniz:
Suite Iberia, 1996
Coreografía: Manolo Marín
Flamencos del Altozano
Tientos tangos, 1996
Coreografía: Manolo Marín
El Perro Andaluz. Bulerías, 1997
Coreografía: María Pagés
El Jaleo, 1997
Coreografía: María Pagés

Fernando Romero
La vida breve, 1997
(Suite de la ópera de Manuel de Falla)
Coreografía: José Antonio
Romeras, 1997
Coreografía José Antonio
Imágenes flamencas, 1998
Coreografía: José Antonio

Cosas de payos, 1998
Coreografía: Javier Latorre

Latido flamenco, 1998
Coreografía: Manolete
(Seguiriya, Farruca, Taranto, Tangos)

Colectivo Compañía Andaluza
de Danza (Soléa por bulerías, Alegrías)

Maluno, 1998
Coreografía: Javier Latorre

Golpes da la vida, 1998
Idea Coreográfica José Antonio
Coreografía: José Antonio / Rafael Campallo


Vals patético, 1998
Coreografía: José Antonio

Elegía, homenaje a Antonio, 1999
Coreografía: José Antonio

Un ramito de locura, 1999
Coreografía Javier Barón

Encuentros, 2001
Coreografías: Alejandro Granados / Eva Yerbabuena    Isabel Bayón / Rafael Campallo / José Antonio

Picasso. Paisajes, 2001
Coreografía: José Antonio

Bodas de sangre de Federico García Lorca, 2002
Coreografía Antonio Gades

La leyenda, 2002
Idea original y coreografía: José Antonio

A tiempos y a compás
Coreografía: Cristina Hoyos

Yerma, 2003
Coreografía: Cristina Hoyos

Los caminos de Lorca, 2004
Asesoramiento coreográfico: Cristina Hoyos

Viaje al sur, 2005
Coreografía: Cristina Hoyos

Romancero gitano, 2006
Coreografía: Cristina Hoyos

Poema del cante jondo en el Café de Chinitas, 2009
Coreografía: Cristina Hoyos

El Brujo, "El Bululú"

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Las Noches del Fonseca
Jueves 12 de Julio  23,00 horas

El Bululú

RAFAEL ÁLVAREZ “EL BRUJO”

El Bululú es sencillamente un actor solista. Esta tradición perdida tiene su arraigo en el Siglo de Oro español. Aunque en Italia se ha conservado mejor, las connotaciones son completamente distintas. Hay muchos exponentes actuales de esta modalidad. Especialmente conocido es el Premio Nobel de Literatura, Dario Fo, pero sus ancestros se remontan a la juglaría medieval italiana y al teatro renacentista. Actualmente ha surgido un género de monologuista que tiene más que ver con el show business, el “chou bisnis” norteamericano, similares a los monólogos típicos del televisivo “club de la comedia”. Aunque ajenos al linaje del Bululú, estos cómicos se hallan sometidos al mismo compromiso que todos nosotros: la supervivencia a todos los niveles procurando la felicidad a través de la risa y, en el caso del Bululú, además, tratando de acercar también al público a la magia inmemorial del teatro. Esa es la diferencia. Vivimos en una época que requiere cada vez más méritos de comediante antiguo, como son el arrojo y la persistencia contra viento y marea. El Bululú del Sigo de Oro “va a pie de pueblo en pueblo” y para llevar a cabo su representación necesita del cura, quien recogerá las monedas y procurará comida y alojamiento. ¿Llegaremos de nuevo a este punto? A la desvalorización de las formas propias, a los esquemas que impone la televisión, se une ahora la crisis y el efecto devastador que produce en el teatro. Ni siquiera nosotros (las propias gentes del teatro) nos atrevemos –todavía– a hablar de este asunto públicamente. ¿Qué conspiración nos tapa ahora la boca? Por todo esto, tiene un valor romántico especial esta “rara avis” de nuestra cultura teatral antigua. Bululú ha dejado su rastro en los corrales y en gran parte del ambiente que se respira en los “todavía resistentes” festivales de teatro clásico español. Vengo recorriéndolos desde hace años y mantengo una reiterada fiesta en ellos, una cita fiel con un público que me asiste. Este bululú destila esa sustancia y ofrece mis mejores momentos del repertorio clásico a ese entrañable público. Un bululú del siglo XX y uno que rinde homenaje a “aquellos bufos faranduleros miserables” que “por méritos tan grandes ingresaron anónimos en la inmortalidad”. La cita es de Quevedo (la primera parte, la segunda es mía). ¡¡¡Gracias Bululú!! Y que ustedes lo pasen bien.

Rafael Álvarez “El Brujo”

Rulo y la Contrabanda

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MUSICA

RULO Y LA CONTRABANDA

Sábado, 31 de marzo
Teatro Juan del Enzina · 22.00 h · 15 €

RULO (Raúl Gutiérrez)
La Contrabanda:
Karlos Arancegui (Txarli)        batería
Quique Mavilla            bajo
Dani Baraldés (Pati)             guitarra
Fito (ex compañero en La Fuga)      guitarra.

Rulo y La Contrabanda nos presentan Canciones desnudas, un espectáculo musical pensado para teatros y auditorios en el que se funden música y teatro.
Rulo y sus 4 músicos caracterizados de gánsteres ofrecerán un auténtico show. Interpretarán las canciones más conocidas de su repertorio con gran variedad de instrumentos y sonoridades, y nos deleitarán con una performance. Con la colaboración de dos actores de la compañía Corocotta Teatro, que representan una pequeña trama, dan paso a un original espectáculo que fusiona canciones y teatro.

Para mas información visita su Pag. Web

Seminario de Discurso, Legitimación y Memoria

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Seminario de Discurso, Legitimación y Memoria

http://www.sdlm.info/. Dirigido por Fabio de la Flor

Servando Rocha (editor, doctor, escritor). Historia de un incendio.

Jueves, 9 de febrero.
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Ernesto Castro (ensayista). Indignitas. Elogio del antagonismo social.

Jueves, 16 de febrero.
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Basurama (aquitectos). Rus, Residuos Urbanos Sólidos.

Jueves, 8 de marzo.
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Moisés Mori (traductor, escritor). Escribir la vida: el relato de Annie Ernaux.

Jueves, 22 de marzo.
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Miguel Herberg (director de cine). Quema de la memoria chilena. Museo-Mausoleo.

Viernes, 23 de marzo.
Aula pendiente. 19:00 horas

Fernando Broncano (catedrático de filosofía de la ciencia). Cultura material para nuevas humanidades

Jueves, 29 de marzo. .
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Asociación de escritores vascos. Narrativas ante el terrorismo.
Aula pendiente

Jueves y viernes, 19 y 20 de abril.

Alberto Conde (traductor, escritor).

Viernes,  27 de abril.
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Alberto Ruiz de Samaniego (director de la Fundación Louis Seoane).

Jueves, 10 de mayo. Espacios expositivos.
Aula Magna. Facultad de Filología 19:00 horas

Teresa Sapey (diseñadora industrial). Conferencia en el Máster de Diseño de Interiores.

Jueves, 17 de mayo.
Aula Magna Facultad de Filología. 19:00 horas

Esther Pizarro (escultora). Conferencia en el Máster de Diseño de Interiores.

Jueves, 24 de mayo.
Sala de Juntas Facultad de Filología. 19:00 horas

Seminario de Discurso, Legitimación y Memoria
http://www.sdlm.info/

Concedidos 2 créditos de libre elección y 3 ECTS por la asistencia a lo largo de
todo el curso académico a 15 charlas/lecturas de entre todas las ofrecidas o
en las que colabore el Servicio de Actividades Culturales

Atalaya Teatro

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Celestina. La Tragicomedia
Versión y adaptación de Ricardo Iniesta sobre la obra de Fernando de Rojas

En esta adaptación, Atalaya ha prescindido del artículo “La” en el título para dar una mayor humanidad, presencia y universalidad al personaje de Celestina, más allá de su pasado como meretriz, al tiempo que rescata el “apellido” Tragicomedia, que fue el que utilizara en su primer título el autor. Y esto es así puesto que “tragicomedia” es un término que define muy claramente la puesta en escena que llevan a cabo, una puesta en escena coral, en la que sobresale el personaje de Celestina. La presencia de la totalidad de los actores es constante, manipulando la escenografía para recrear los diferentes ámbitos poéticos y creando un universo sonoro con las voces.

Reparto

Carmen Gallardo    Celestina
Raúl Vera     Calixto / Pleberio
Silvia Garzón    Melibea
Manuel Asensio    Sempronio / Centurio
Jerónimo Arenal    Pármeno / Sosia
Lidia Mauduit    Elicia / Lucrecia
María Sanz     Areúsa / Tristán / Alisa (en off)

XXI Festival Internacional de Primavera

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XXI FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA
MÚSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI
“ DE LA LUZ Y DEL ESPACIO”

LUNES 5 DE MARZO. CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA 20:30
TALLER DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE SALAMANCA.
Director  Kevin John EDUSEI. Coordinador Alberto ROSADO

MARTES 6 DE MARZO. AUDITORIO FONSECA  20:30
THE  DK PROJEKTION. TALLER DE ELECROACÚSTICA DE HOLANDA
"De la luz y del espacio: Música, video-arte y arquitectura"

MIÉRCOLES 7 DE MARZO. AUDITORIO FONSECA 20:30
“CUARTETO  SIGLO XXI”
Flores CHAVIANO: dirección

JUEVES 8 DE MARZO AUDITORIO FONSECA  20.30
RECITAL DE PIANO:
Diego FERNÁNDEZ MAGDALENO

VIERNES  9  DE MARZO. AUDITORIO FONSECA  20:30
SMASH  ENSEMBLE
Dr. Bertrand CHAVARRÍA-ALDRETE

LUNES 12 DE MARZO. CONSERVATORIO SUPERIOR DE MUSICA 20:30
SOLISTAS DE REPERTORIO CONTEMPORÁNEO DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE SALAMANCA. Dr. Alberto ROSADO

ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA
PRESENTACIÓN-CONCIERTO:
“MUSICOLOGÍA Y MÚSICA CONTEMPORÁNEA”
(INVESTIGACIÓN Y EDICIÓN EN TORNO AL COMPOSITOR LEONARDO BALADA)
LUGAR Y FECHA:
SALÓN DE ACTOS “ÁNGEL RODRÍGUEZ” DE LA FACULTAD DE GEOGRAFÍA E HISTORIA. UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
LUNES, 5 DE MARZO 2012. 17 h.

"¡Viva la ópera!"

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MÚSICA

Valquiria Teatro, "El premio del bien hablar"

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VALQUIRIA TEATRO

 El premio del bien hablar, comedia famosa de Lope de Vega

Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · Entradas: 5 €

La compañía Valquiria Teatro, en colaboración con la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, presenta el montaje El premio del bien hablar, comedia famosa de Lope de Vega, un proyecto teatral basado en la cooperación artística y humana de nuevos profesionales de las artes escénicas, formados en el entorno interdisciplinar de los estudios académicos superiores, y apoyados por la contribución de profesionales de reconocido prestigio en el ámbito escénico nacional e internacional.

El 6 de diciembre de 1861 el Teatro Lope de Vega de Valladolid abría sus puertas al público con una representación de la comedia El premio del bien hablar del autor que le da su nombre. Tras un largo discurrir de éxitos y de veladas mágicas paralelas a la vida de la ciudad, este viejo y querido teatro fue declarado en ruinas y hoy, 150 años después de su inauguración, permanece cerrado, como mudo testigo de la tradición teatral vallisoletana. Por esta razón, como actores y actrices de las primeras promociones de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León decidimos recoger este texto clásico, homenajeando y recordando el día que nació este viejo y querido teatro.

De esta manera, nuestra compañía, formada íntegramente por titulados superiores en Arte Dramático en la ESAD de Castilla y León, gracias a la colaboración del dramaturgo Alberto Conejero y el coreógrafo Ion Garnika, se pone a las órdenes del director Carlos Martínez-Abarca dando forma y vida al montaje El premio del bien hablar, comedia famosa de Lope de Vega. Así, traemos un texto de nuestro Siglo de Oro, por desgracia o ventura poco conocido, hasta nuestros días; lo actualizamos y lo acercamos al público de hoy sin olvidar sus valores y contenidos, tratando de aunar ambos mundos, ambos paradigmas, que no son sino parte de nuestra propia historia.

Valkiria Teatro

REPARTO
Leonarda         Noemí Morante
Don Juan         Álvaro Figuero
Martín             Bruno Calzada
Rufina             Alba Frechilla
Feliciano          Luis Alberto Heras
Don Antonio     Enrique García Conde
Ángela             María Negro
Brígida             Silvia García
Don Pedro        Pablo James Pacheco

EQUIPO ARTÍSTICO Y TÉCNICO
Dirección                       Carlos Martínez - Abarca
Ayudante de dirección     Juan Carlos Sanz
Dramaturgia                   Alberto Conejero
Coreografía                    Ion Garnika
Diseño de iluminación     Diego Palacio
Lucha escénica              Juan Merino
Música                          Bruno Calzada
Escenografía                 Juan Carlos Sanz
Fotografía                     Arklin Producciones S.L.
Diseño gráfico               Taller 1.0 Artemedia

Duración del espectáculo: 1h 35 min.

SINOPSIS
Sevilla, un agosto de comienzos del siglo XVII; a través del Guadalquivir salen y llegan los barcos que comercian con las Indias. Es una ciudad cosmopolita, la más grande y bulliciosa de España; puente al Nuevo Mundo. Allí, don Juan de Castro y Portocarrero se escabulle por el barrio de Santa Cruz, tras una pelea en que se ve envuelto por defender a una mujer de los insultos de un grupo de graciosos. En su atropellado camino se cuela por un balcón abierto donde encuentra, sorprendida, a Leonarda, una dama de familia indiana cuya luminosidad lo dejará encandilado. Afuera, media Sevilla se encuentra tras él para matarlo. Leonarda accede a ocultar a don Juan en su casa, encendida por la pasión que ha despertado en ella. No muy lejos de allí, dos hombres armados irrumpen en una posada buscando a don Juan, pero solo encuentran a doña Ángela, su hermana.

Desde ese momento comienza una trama de peligros, intrigas, amores y celos que tienen que ser ocultados para no romper las leyes del honor, pero que, finalmente, quebrarán los resquicios de las apariencias para dejar paso al caudal de la pasión y la vida. El amor, el sexo, los celos, la honra familiar se entremezclan en el caluroso verano sevillano mientras las flotas de las Indias ultiman sus preparativos para partir.

ACERCA DEL TEXTO
El premio del bien hablar fue escrito por Lope de Vega en 1625 y como tantos otros textos del último Lope, tiene por protagonistas a jóvenes. Resulta estremecedor observar cómo Lope de Vega, en el ocaso de una vida llena de éxitos pero también de enormes padecimientos, y cuando ya se creía arrinconado por las nuevas modas teatrales, es capaz de resurgir de las cenizas y dejarnos su canto de cisne en una colección comedias –La moza de cántaro, El amor enamorado, La noche de San Juan o Las bizarrías de Belisa– que se presentan como una suerte de revisión de su propia juventud.

Es cierto que Lope escribió sobre otros temas en esta última etapa –El castigo sin venganza es de 1631– pero resulta conmovedora la abundancia de estas historias de jóvenes que se encuentran por primera vez con el amor y que se entregan –entre felices y abrumados– a sus placeres, filtradas por la mirada, compasiva y melancólica, de un anciano. Lope escribe con la libertad de quien ya no tiene nada que demostrar; en un maravilloso verso –capaz de combinar lo más popular con pinceladas culteranas– nos presenta los amores de un puñado de jóvenes en una sensual Sevilla, puerta del Nuevo Mundo, escenario propicio para sus primeras pasiones. La versificación, en la que abundan las décimas en detrimento de las redondillas, es también reflejo de un Lope que se detiene gozoso en la descripción de la pasión amorosa por encima de alambicados enredos.

La comedia, que inauguró en 1861 el Teatro Lope de Vega de Valladolid, no ha subido desde entonces a nuestros escenarios. Ciento cincuenta años después, un grupo de jóvenes actores nos permiten reencontrarnos con un Lope que, cuando ya se despedía de las musas, nos dejó en El premio del bien hablar una de las declaraciones más hermosas de amor a la mujer, a la juventud y a la vida.

Alberto Conejero

APUNTES DE DIRECCIÓN
Una joven compañía de teatro llega a un escenario vacío –que bien pudiera ser un viejo teatro abandonado, como el Lope de Vega de Valladolid– y, sirviéndose de la palabra, la acción y unos pocos elementos, lo convierten en la Sevilla de principios del siglo XVII, en la que un grupo de jóvenes tratan de amar y ser amados sorteando y venciendo las rudas y estrictas normas sociales y familiares que les atan. Este escenario vacío se irá poblando con elementos modulares y objetos básicos que recrearán los escasos espacios para la acción que Lope propone, en los que unos y otros se esconden, encuentran y descubren en una ingeniosa trama de engaños mutuos.
La compañía –al completo todo el tiempo en escena– configura los espacios y los cambia a vista del público y simultáneamente a la acción, sin trucos escénicos, haciendo a los espectadores partícipes del juego teatral y apelando así a su imaginación. Esta concepción espacial implica la apertura del lugar de la representación al público, como ocurría en los antiguos corrales, impulsando así de forma natural una de las ideas medulares de nuestro montaje: convertir al público en cómplice de los avatares de todos y cada uno de los personajes. Interpelando directamente a los espectadores en los apartes y monólogos, los personajes los convierten en sus confidentes. El público será así el único amigo que lo sabe todo.

En nuestra propuesta trasladamos la historia que Lope propone con fidelidad al original, tratando de llenar de verdad y actualidad el verso clásico español, pero sin mover a los personajes de su época y circunstancias, aunque renunciemos a una propuesta de reconstrucción naturalista de nuestro siglo XVII.
Los lenguajes espectaculares empleados participan igualmente del diálogo tradición-modernidad: desde la danza y la música, hasta la esgrima y la lucha escénica.
El espacio sonoro es construido por los actores desde el escenario; la música interpretada por ellos, creando un arco entre los sonidos barrocos más ortodoxos y conceptos musicales contemporáneos que rompen la armonía y las estructuras rítmicas tradicionales. El vestuario, por su parte, sin pretensión de reconstruir la época, distingue las calidades de los personajes por su extracción social y su situación económica. Las texturas de los tejidos, su caída y corte, evocarán nuestro Siglo de Oro, pero no lo reconstruirán, tendiendo con deliberada ambigüedad a una cierta descontextualización, acorde con el esquematismo de los elementos espaciales.
Pero lo más importante para nosotros, al margen de la efeméride y de la legítima y permanente necesidad de actualizar respetuosamente nuestra tradición teatral, es formularnos la pregunta de ¿por qué o para qué hacer hoy El premio del bien hablar? Ya que pensamos el teatro como un hecho presente, ¿qué dice este texto al público de hoy, 387 años después de ser escrito? Creemos que este Lope anciano quiere premiar a los jóvenes amantes que bien hablan, es decir, que huyen de la maledicencia y los prejuicios, haciendo especial hincapié en la defensa de la mujer, en contra de la violencia de cualquier tipo ejercida sobre ella, y abogando por el extraño que viene de ultramar y soporta los prejuicios de “los de aquí”. El viejo Lope habla bien de los jóvenes que se mantienen puros y vencen a la mentira.
Lo mejor de lo viejo en boca de lo nuevo.

Carlos Martínez-Abarca

CARLOS MARTÍNEZ-ABARCA (Getxo, 1970)
Estudia Interpretación en el Laboratorio Teatral William Layton. Continúa su formación como actor y director con José Carlos Plaza y Arnold Taraborrelli; realiza cursos y seminarios con Soledad Garre, Will Keen, Eduardo Fuentes y los maestros de la escuela rusa Andrezj Bubien, Elmo Nugannen y Venyammyn Filtsisnsky, entre otros.
De su trayectoria profesional, destaca como director Un día en la muerte de León Sánchez, con la Compañía. Samarkanda (2009); Valeria y los pájaros, de Sanchís Sinisterra, (2008); Fuente Ovejuna, de Lope de Vega, para la Compañía Samarkanda (2007), en codirección con José Carlos Plaza; El viajero inmóvil, basado en poemas de Pablo Neruda (2004), en codirección con Javier Ruiz de Alegría. Ha sido ayudante de dirección de Blanca Portillo en La avería (actualmente en gira) y de José Carlos Plaza en Afterplay, de Brian Friel (2006), Diatriba de amor contra un hombre sentado, de García Márquez (2004), Yerma y Romancero Gitano, de Lorca, habiendo trabajado en esos montajes con Ana Belén, Cristina Hoyos, Emma Suárez, Helio Pedregal o Mar Navarro.
Como actor ha trabajado a las órdenes de directores como José Carlos Plaza, Miguel Narros o Eduardo Fuentes, destacando: La sonrisa etrusca, de José Luis Sampedro (actualmente en gira); Splendid’s, de Genet (CDN, 2007); Yo Claudio, de Robert Graves (2004); protagoniza La historia del zoo, de Albee (2002); La dama no es para la hoguera, de Cristopher Fry (2001); La naranja mecánica, de A. Burgess (1999); Crimen y castigo, de Dostoyevsky (1998), y Espectáculo Pessoa (para la Expo Universal Lisboa, 1998), entre otros.
Como docente, es profesor titular de Interpretación y Jefe del Departamento de Interpretación de la ESAD de Castilla y León desde el curso 2006/07. Ha sido Profesor Invitado (julio 2004) por el Middlebury College, Universidad de Vermont, para el curso de Verso español en acción.

ALBERTO CONEJERO (Jaén, 1978)
Ha publicado y/o estrenado más de una decena de textos dramáticos: Cliff / acantilado (texto ganador del IV Certamen LAM / SGAE, publicado por Fundación Autor en 2011); Húngaros (texto seleccionado para el XI Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea de Chile 2011, Premio Nacional de Teatro Universitario 2000 y publicado en Primer Acto); Oriente (publicado en La ratonera y estrenado bajo el título Desdémona en 2009); Fiebre (Accésit Premio Nacional de Teatro Breve 1999, publicado por la editorial Edisena); El lanzador de cuchillos y Gabriel (publicados en Fundamentos, 1999 y 2000).
Ha estrenado también los libretos para los espectáculos musicales Versa est (2011) y Sicalipsis now! (2010). Ha sido responsable de diversas traducciones y dramaturgias: Carcoma (a partir del Gorgojo de Plauto, estrenada en la Sala Imperdible de Sevilla en el año 2000); Macbeth y La tempestad para Teatro Defondo (gira nacional años 2009 y 2010 respectivamente); Retablo de peregrinos para Las huellas de la Barraca 2010. Es autor también de obra narrativa para público juvenil: El libro loco del Quijote y El beso de Aquiles, publicadas por SM.

ION GARNIKA (Estella, 1962)
Licenciado en Coreografía y Técnicas de Interpretación de la Danza. Se forma en la escuela Mudra de Maurice Béjart en Bruselas. Bailarín de Maurice Béjart y de William Forsythe, con los que colabora en la creación de sus más significativas coreografías. Como coreógrafo ha participado en el Festival Maiatza Dantzan de San Sebastián, Théâtre Contemporain de la Danse de París, Gallus Theater de Frankfurt, Institut del Teatre de Barcelona, Certamen Coreográfico Ricard Moragas de Barcelona, Certamen Coreográfico New York-Burgos, Certamen Coreográfico de Madrid y Festival Internacional Dansamániga de Mallorca. En la actualidad es profesor de la EPD de Castilla y León.

Ultreia Teatro, "Cartas de amor a Stalin"

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Muestra de Artes Escénicas Universitarias

Abril - Mayo 2012

Miercoles 16  de mayo - Teatro

Ultreia Teatro

Cartas de amor a Stalin, de Juan Mayorga
Dirección: Héctor Toledo, Berta Joven

Miércoles, 16 de mayo

REPARTO

Bulgákov    Marco Hernández
Bulgákova    Zoe Martín

Autor        Juan Mayorga
Dirección    Héctor Toledo, Berta Joven

Libertad para escribir o para salir de Rusia. Son las dos alternativas que el dramaturgo Mijaíl Bulgákov le plantea a Stalin en una carta escrita en 1929 porque no soporta más el silencio al que le ha condenado la censura. Cuando por fin recibe una llamada del dictador y se abre una rendija de esperanza, la línea se corta. A partir de entonces no cesará en su empeño de reestablecer la comunicación con Stalin escribiéndole miles de cartas compulsivamente. Bulgákov se convierte así en un escritor dedicado a un solo lector y atormentado por la falta de respuestas. Su mujer, único vínculo del escritor con la realidad, trata de alentarle y de conseguir los papeles que les permitan emigrar mientras la poderosa imagen de Stalin va invadiendo la mente del escritor hasta destruirle.

Titzina Teatre, "Exitus"

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TEATRO

TITZINA TEATRE

Exitus

Autores y dirección: Diego Lorca Pako Merino

Viernes, 23 de marzo
Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · 10 €

Reparto    Diego Lorca , Pako Merino

Un funerario, un hombre en busca de empleo, un directivo de un laboratorio farmacéutico y un abogado entremezclan sus vidas sin que ellos mismos sean conscientes del destino común que los une. Cuatro personas que se enfrentan a la muerte desde puntos de vista tan diversos como el de una profesión, una tragedia o un acto irreversible de la vida.

TITZINA vuelve a recorrer los escenarios con una nueva historia en la que múltiples personajes y escenas se suceden de forma dinámica, poética y con un estilo tragicómico de la mano de los creadores Diego Lorca y Pako Merino.

TITZINA TEATRO

da nombre a la compañía teatral que agrupa tres obras de éxito de público y
prensa del panorama teatral de nuestro país. En sus primeros diez años de vida han estrenado
“Folie a Deux | Sueños de psiquiátrico” (2002), “Entrañas” (2005) y “Exitus” (2009).
En enero de 2009 estrenaron su tercera obra: “EXITUS”, escrita, dirigida e interpretada por
Diego Lorca y Pako Merino. La última creación de Titzina representa una composición de la
calidad y el compromiso de la compañía, que este 2011 cumple 10 años de trayectoria. Desde
que se estrenó, “Exitus” ha realizado 195 actuaciones en gira entre España y Portugal.
Tras ganar con sus anteriores creaciones numerosos premios nacionales, realizar más de 200
funciones con cada espectáculo y pasar por los festivales de teatro más importantes, con
“Exitus” vuelven a recorrer los escenarios con una nueva historia y se atreven (como en sus
anteriores trabajos) a tocar un tema como la muerte. “Exitus” presenta múltiples personajes
todos ellos interpretados por Diego Lorca y Pako Merino, fundadores de la compañía y
creadores del montaje. Los personajes y las escenas se suceden de forma dinámica, poética y
con un estilo tragicómico. Un espectáculo que al igual que todos los trabajos de TITZINA está
apoyado por la crítica, el público y promete no dejar al espectador indiferente.

“Exitus” nos presenta a varios personajes: un funerario, un hombre en busca de empleo, un
directivo de un laboratorio farmacéutico y un abogado, entremezclan sus vidas sin que ellos
mismos sean conscientes del destino común que los une. Cuatro personas que se enfrentan a
la muerte desde puntos de vista tan diversos como el de una profesión, una tragedia o un acto
irreversible de la vida.

TITZINA TEATRO se funda en 2001 por Diego Lorca y Pako Merino. Tras estudiar y trabajar
durante varios años en compañías españolas, se conocen en 1999 en la prestigiosa Escuela
Internacional de Teatro Jacques Lecoq de París. Es a través de la pedagogía de esta escuela
formadora de actores y directores de cine y teatro, que ambos comienzan a definir
conjuntamente su propio estilo teatral.

Titzina Teatro impulsa un teatro de creación, partiendo de la investigación previa. La
búsqueda de los mecanismos creadores de la risa o la emoción, un tratamiento poético y el
juego de los actores, son los motores con los que la compañía marca su acto escénico. Hacen
un teatro poético donde el gesto, la plasticidad corporal y la imagen juegan un papel
predominante sobre la palabra.

Titzina ha editado recientemente con la revista ARTEZ un libro con sus tres obras FOLIE A DEUX
"Sueños de Psiquiátrico" , ENTRAÑAS y ÉXITUS.

EL ARGUMENTO
Un funerario, un hombre en busca de empleo, un directivo de un laboratorio farmacéutico y
un abogado, entremezclan sus vidas sin que ellos mismos sean conscientes del destino común
que los une. Cuatro personas que se enfrentan a la muerte desde puntos de vista tan diversos
como el de una profesión, una tragedia o un acto irreversible de la vida.

TITZINA, tras ganar con sus anteriores creaciones numerosos premios nacionales, realizar más
de 200 funciones con cada espectáculo y pasar por los festivales de teatro más importantes,
vuelve a recorrer los escenarios con una nueva historia en la que múltiples personajes y
escenas se suceden de forma dinámica, poética y con un estilo tragicómico de la mano de los
creadores Diego Lorca y Pako Merino.

Un espectáculo que al igual que todos los trabajos de TITZINA está apoyado por la crítica, el
público y promete no dejar al espectador indiferente.

EXITUS: es un término latino que significa «salida» y se emplea en medicina como
simplificación de la expresión más correcta Exitus Letalis, que significa «salida mortal».

FICHA ARTÍSTICA
Autores, directores e intérpretes: Diego Lorca | Pako Merino
Diseño de iluminación: Miguel Muñoz
Diseño de escenografía: Jordi Soler i Prim
Diseño de sonido: Jonatan Bernabéu
Vestuario: Mireia Roy

Técnicos: Albert Anglada y Jonatan Bernabéu
Duración del espectáculo: 90 minutos (sin descanso)

Para mas información visita su Pag. Web

TeAtravieso, "Pequeño poema infinito"

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Jueves, 17 de mayo

TeAtravieso
Pequeño poema infinito, de José Ruiz
Dirección: Elena Morán

Reparto:
(En orden de aparición)

Federico García Lorca    Pablo Carmona
Salvador Dalí        Rubén Hache
Luis Buñuel        José Ruiz
Margarita Xirgu        María Bande
Gala Eluard Dalí        Inés de Arriba
Vicenta Lorca        Marta Lorenzo

Se dice que el pasado siempre nos acompaña, que nunca terminamos de dejarlo completamente atrás, y que es siempre en los últimos momentos cuando hace más acto de presencia.
Esta noche, un prisionero dejará sitio a sus fantasmas, cediéndoles el protagonismo, en el último acto de su gran historia; una historia llena de finales prematuros.
Los sueños y las pesadillas se darán cita en la misma habitación, dejando a la imaginación como único recurso con el que contener la embestida del pasado.

Ficha técnica:
Luces, sonido, escenografía y vestuario: TeAtravieso
Diseño Gráfico: DUHADU.tk
Produce: Asociación Cultural Teatraco
Colabora: Electra Teatro Universitario

TeAtraco, "Matar a un Ruin señor"

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Muestra de Artes Escénicas Universitarias

Abril - Mayo 2012

Viernes, 18 de mayo- Teatro

TeAtraco

Teatraco
Matar a un Ruin señor
Dramaturgia y dirección: Rubén Hache

Reparto:
(En orden de aparición)
Ruin (bufón)        Fernando Busto
Emisario / Ladrón    Sergio Borrella
Chismosa 1        Mayte Pérez
Chismosa 2        Diana Calzada
Chismosa 3        Susana Estévez
Esposa 1        Elena Morán
Esposa 2        Carmen López
Dios            Adrián Rodríguez

-ÉRASE UNA VEZ...

“¿Un bufón para cobrarle a un moroso? Es como ponerse un guante de seda para hacer un tacto rectal....”.

TeAtraco llega con su nueva comedia Matar a un Ruin señor, una obra que gira en torno a Ruin, personaje al que su propio nombre define, y que se topa con una serie de problemas que ha de resolver para salir adelante. Varios personajes se irán sumando a la trama, e irán poniéndole las cosas cada vez más difíciles. ¿Cómo saldrá de esta?

“El cielo está henchido de flema latente, una calma desciende por la llanura al son de los compases glaciales: ¡sangre!, ¡horror!, ¡vida y canto convergen en la letanía del redimido!...”.

La historia se desarrolla en la Edad Media, lo cual no deja de ser una mera excusa para criticar el modelo socioeconómico actual, pero con otros códigos. Parodias, juegos de palabras y humor absurdo aderezado con toques de clown son el cóctel explosivo que nos propone este grupo de teatro.

Ficha técnica:
Luces y sonido, escenografía y vestuario: TeAtraco
Diseño gráfico: DUHADU.tk
Produce: Asociación Cultural Teatraco
Colabora: Electra Teatro Universitario

"Qué suave contento"

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Qué suave contento


Academia de Música Antigua
de la Universidad de Salamanca

Martes 26 de junio. 20,30 horas

Capilla de la Universidad de Salamanca

Entrada Libre hasta completar el aforo

Marta infante (soprano)
Bernardo García-Bernalt (dirección)

QUÉ SUAVE CONTENTO,
QUÉ DULCE PLACER

El símbolo es, en música, la mediación entre el sonido, la
emoción y el sentido […].
                                                             Eugenio Trías,
El canto de las sirenas. Argumentos musicales, 2007

Qué suave contento, qué dulce placer –si se me permite
decirlo con el villancico a cuatro de Manuel Doyagüe
que se interpreta en este concierto junto a
otros de su género, además de arias y motetes– es convocar
a nuestra música galante para la difusión de las conmemoraciones.
Estas son, desde luego, las del VIII Centenario de
la Universidad de Salamanca, que tendrán lugar sabidamente
en 2018, pero que hace tiempo que venimos anticipándolo
a los cuatro vientos, como merece tan extraordinario
y sin parangón acontecimiento dentro del orbe
universitario hispano. La música, por su parte, la que procede
del fondo de la Capilla con que contó nuestra Universidad
durante la mayor parte del siglo XVIII bajo la dirección
de maestros eminentes y afamados.
El ofrecimiento ahora de nuestra música propia, producida
en un tiempo de la historia del Estudio en que este
atendía musicalmente a sus propias necesidades académicas
de ceremonial y representación, más allá por cierto de
la tutela del cabildo catedralicio en la materia, debe ser tenido
sin reserva como un recordatorio más de la riqueza
artística memorable y plural que atesora nuestra Universidad
a lo largo de sus ochocientos años de vida institucional
ininterrumpida.
Así lo ha entendido verdaderamente la Oficina del VIII
Centenario al asumir la iniciativa de esta emocionante Siesta
de música en la Capilla de San Jerónimo, de la mano y predisposición
de su Academia de Música Antigua y el buen
hacer de su director Bernardo García-Bernalt. Vendrán
pronto, a buen seguro, más actividades en este y otros ámbitos
semejantes, todos cuantos nos permitan rendir homenaje
a nuestro ingente patrimonio cultural histórico. En colaboración
estrecha siempre, como ha sucedido en este caso,
con el Servicio de Actividades Culturales de la Universidad,
porque es esta en su unidad y conjunto quien no deja de ser
al mismo tiempo sujeto y objeto de todas las celebraciones.
Que disfruten pues, queridos amigos, de este concierto iniciático,
de su deslumbrante convite para el mundo de los
sentidos. Y que sea la propia Música –por qué no, nadie
mejor que ella, personificada en asombrosa alegoría en la
primera monodia ariosa de L’Orfeo de Striggio y Monteverdi–
quien formule la oportuna invitación al deleite: Io la
Musica son, ch’ai dolci accenti/ So far tranquillo ogni turbato
core/ Et hor di nobil ira, ed hor d’amore/ Poss’infiammar le
più gelate menti (Yo la Música soy, y con dulces acentos/ sé
calmar los turbados corazones/ y ora de noble ira, ora de
amor/ enardecer puedo las más heladas almas). Que así sea
también hoy.

Salamanca, 26 de junio de 2012
                                                   Manuel Carlos Palomeque
Director de la Oficina del VIII Centenario Salamanca 2018
Universidad de Salamanca

Director: Bernardo García-Bernalt

PROGRAMA

Trío para dos violines y bajo Carl Stamitz (1745-1801)
(op. 16, n.º 61)
Andante non troppo moderato- Allegro fugato

Confuso todo, perturbado Manuel Doyagüe (1755-1842)
(Aria al Santísimo2, 18.ex)
Recitado (Despacio-Allegro-Despacio)- Aria (Despacio)

Memoria de sus prodigios Manuel Doyagüe (1755-1842)
(Villancico a cuatro al Santísimo, 17832)
Estribillo (Allegretto)- Coplas (Andante)- Respuesta (Allegretto)

Cuando el mundo llora Juan Montón (1755-1842)
(Villancico a tres al Santísimo, 17782)
Estribillo (Lento)- Coplas (Lento)- Respuesta (Lento)

Sonata en Fa menor Josep Gallés (1758-1836)

O quam suavis Anónimo
(Motete a cuatro al Santísimo, 18.ex2)

Jilguerillo del valle Felipe Prats (f. 18.2d)
(Villancico a cuatro al Santísimo, 17802)
Estribillo (Allegro)- Coplas (––)- Respuesta (––)

Soberano Jesús Anónimo
(Aria al Santísimo, 17832)
Recitado (Allegro)- Aria (Allegro no tanto)

¿Quién ha visto, quién? Anónimo
(Cuatro al Santísimo, 18.4q2)
Estribillo (Allegro)- Coplas a solo (Andante)- Respuesta (Allegro)
Final L. Boccherini (1743-1805)
(del trío en La mayor op. 54-6, G.118, 17963)

A recoger todos vamos Anónimo
(Villancico al Santísimo sobre un quinteto de Boccherini, 17742)
Estribillo (Allegro multo)-Coplas (Allegro moderato)-Respuesta (Vivo)

1 C. Ganer, Londres, 1785 ca.
2 Archivo de la capilla de música de la Universidad de Salamanca. Transcripción:
Bernardo García-Bernalt.
3 Pleyel, París 1798.

SIESTAS DE MÚSICA EN LA
UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
EN EL SIGLO XVIII

“SIESTA: llaman también el punto de Música, que en las
Iglesias se canta por la tarde. Díxose assí porque en las cathedrales
se canta en la hora de la siesta”.
Diccionario de autoridades (Madrid 1737)
La Universidad de Salamanca contó durante los dos últimos
tercios del siglo XVIII (de 1738 a 1801, exactamente)
con una capilla de música propia, financiada
exclusivamente con fondos del arca universitaria. Las necesidades
de representación institucional, unidas a los deseos
de ruptura del statu quo mantenido desde finales del siglo
XVI con el cabildo catedralicio en materia de música, llevaron
al claustro universitario a tomar la decisión de erigir
una capilla musical que, fundamentalmente, contribuiría al
decoro de las numerosas celebraciones festivas que tenían
lugar en la capilla de San Jerónimo. A lo largo de sus sesenta
y tres años de vida, y con diversas fluctuaciones, la capilla
estuvo formada aproximadamente por una docena de músicos,
la mitad de ellos «de instrumento», primero bajo el
magisterio de Antonio Yanguas, posteriormente de Juan
Antonio Aragüés y, en los últimos ocho años, del organista
Bernardo del Manzano.
Hay constancia documental de que, a lo largo de esta época,
el programa de las festividades más solemnes incluía
habitualmente una peculiar actividad musical paralitúrgica:
la llamada siesta. Se celebraba aquellos días en los que
el Santísimo se dejaba expuesto desde la misa de la mañana,
precediendo al oficio litúrgico de la tarde. Este hecho
encaja perfectamente con el que, a principios del XVIII, fue
el origen de las siestas de música. Su finalidad primigenia
fue la de atraer fieles a las funciones vespertinas, así como
la de solemnizar e invitar a la devoción en las horas de
adoración eucarística. Y todo parece indicar que al menos
el primero de los objetivos se cumplió. La siesta se convirtió
así en el marco idóneo para la realización de cierto tipo
de manifestaciones artísticas –no siempre de carácter estrictamente
religioso– que en ocasiones rebasaban lo puramente
musical.
La tradición estaba plenamente asentada en el siglo XVIII,
habiéndose adaptado a los nuevos usos musicales de las
capillas. Un ejemplo frecuentemente citado lo hallamos
en el diario de la Compañía de Jesús que se conserva en
la bi blioteca universitaria salmantina (BUS ms. 578). En la
relación de las fiestas realizadas con motivo de la canonización
de San Luis Gonzaga y San Estanislao de Kostka leemos
que el 7 de julio de 1727: “Por la tarde (como también
todas las demás) hubo siesta, en que cantaron varios
villancicos y se tocaron excelentes sonatas italianas, con
dos arpas, dos violones, tres violines y dos oboes: hízola la
música de la Universidad”. Las celebraciones habían dejado
de tener un programa estrictamente religioso, incorporando
una música instrumental que no tenía por qué haber
sido escrita originalmente con fines litúrgicos. En cierto
modo, la siesta se acaba convirtiendo a lo largo del XVIII, y
de modo claro en el caso de la Universidad de Salamanca,
en una especie de «concierto sacro», un acto inserto en un
contexto espacio-temporal de carácter paralitúrgico pero
de contenido fundamentalmente musical.
Como ocurre con otras cuestiones relativas a la música, la
documentación unversitaria es muy parca en sus referencias
a las siestas. Se suele dejar constancia de los días en que tenían
lugar: fiestas del Santísimo, rogativas y fiestas gratulatorias
solemnes, fiestas especiales, como la organizada en
1743 por la concesión del rito propio para los Santos Mártires
de Salamanca o en 1798 por la beatificación de Juan
de Ribera, etc. Aparte de estas celebraciones «oficiales» el
Libro de juntas de música da noticia también de la participación
de la capilla universitaria en celebraciones ajenas al
Estudio. De hecho una de las más extensas referencias la
obtenemos a través de las constituciones de la capilla de
música de 1782, que reglamentan la asistencia de la misma
a funciones fuera de la universidad. Por lo que respecta a a
las siestas, en el apartado correspondiente a las faltas y sanciones,
se dice lo siguiente:
El que falta a la siesta habiendo empezado la primera pieza
de cantado pierde por lo correspondiente al segundo punto a
cubrir; pierde el que no llegue quando se a empezado el Villancico
y es el punto tercero […]
La otra [sic] para la siesta deberá ser desde Pascua de Resurrección
hasta San Lucas a las quatro, y el restante tiempo a
las tres en punto aduirtiendo se empieza con obertura. Las
fiestas en las Carmelitas, la Penitencia, San Caietano, como
otras que sean de tan corta dottazión, se empezará la fiesta a
las quatro y media en punto en el verano y en el tiempo restante
a las tres y media en punto: y las que ocurran según su
calidad determinará la capilla en el día la hora que más convenga
(AUSA 835 5v-6r)
Otro dato que ofrece de modo indirecto una información
relevante aparece en la junta de música de 3 de febrero de
1741. Esta sesión tuvo un carácter disciplinario, recogiéndose
en ella varias condiciones que se imponían al tenor Joseph
Alarcón para ser readmitido en la capilla. La segunda
de estas dice:Que en Vísperas, Missa y Completas de las fiestas que haga
tal Capilla ha de cantar lo que se le mande por el que
la gobierna. Y que en las siestas, areas a su gusto (AUSA
916, 54r).
A partir de estas y otras referencias que hemos hallado podemos
sugerir un boceto del desarollo que tendrían las siestas
en la capilla de San Jerónimo. Comenzarían con una
pieza instrumental (obertura), seguida de una obra vocal
(¿una cantada?) y a continuación un villancico. Nada podemos
asegurar sobre cómo seguirían, pero es razonable suponer
que se produciría una alternancia de obras instrumentales,
para coro, solistas, etc. Los músicos de voz elegirían
aquellas arias que querían interpretar y suponemos que el
resto sería organizado por el maestro de capilla. Este esquema
guarda paralelismos con algunas de las descripciones
documentadas en otros centros religiosos coetáneos.
Una parte importante del material musical de la capilla era
susceptible de ser ejecutado en las siestas. El número de villancicos
y cantadas dedicados al Santísimo es proporcionalmente
abrumador: con esta advocación se conservan –si
bien no íntegramente en todos las casos– 20 cantatas simples
y 125 villancicos, 12 de ellos con recitado y aria, lo que
constituye más de la mitad del número de piezas del archivo.
Un interés especial tienen dos obras instrumentales de
este fondo que, con casi total seguridad, formarían parte del
repertorio específico de las siestas: se trata de las transcripciones/
adaptaciones de dos sinfonías de Carl Stamitz (opus
13/16 núm. 4 y 6, París 1777). La hipótesis de que eran
utilizadas como piezas de inicio de la siesta es más que plausible,
viéndose corroborada por las referencias hechas por
Antonio Rafols en el capítulo IX de su Tratado de la sinfonía
(Reus 1801). Este autor constata la progresiva utilización
de las sinfonías como obras de abertura en algunas funciones
religiosas, instando a la contribución de las mismas al
pathos adecuado:
[Las sinfonías deben] preparar los ánimos de los christianos
para el misterio que va a celebrarse en el templo. Esto
lo cumplirían, si (como se cuydaba en las desterradas
aberturas) fuesen ellas una viva imagen del objeto, que
luego será presentado: si se previniese con tiernas y patéticas
consonancias las funciones fúnebres, y con brillantes
las alegres.
La práctica común de que la música instrumental fuera llevada
por los propios músicos, no estando en poder del
maestro junto a los «papeles de la capilla», ha motivado el
que apenas queden vestigios de la misma. Aun así en la documentación
universitaria hay referencias a autores como
el citado Carl Stamitz, Joseph Haydn o Luigi Boccherini,
así como sobre el conocimiento, por parte de músicos de
la capilla, del repertorio italiano anterior (Corelli, Albi -
noni, Vivaldi…).
La propuesta de concierto que presentamos trata de reproducir
una siesta en la Capilla de San Jerónimo en los últimos
años del siglo XVIII. La capilla de música de la Universidad
de Salamanca, cuyo repertorio se sumerge de
lleno en lo que de modo genérico podemos denominar
«estilo galante», comienza en esta época a abordar obras
en las que se perciben indicios de una modificación del
lenguaje, aproximándolo al del clasicismo vienés, aunque
sin acabar de perder los anclajes con el modelo italiano.
En las cantadas se hace una adaptación sui generis de las
convenciones sobre la música dramática que fueron codificadas
por Gluck (uso de recitativos obligados, abandono
del cliché estricto del aria col da capo…), mientras en los
villancicos, una forma que es considerada como autóctona
por algunos tratadistas de la época, se mantiene una estructura
formal que en general se adapta al modelo Estribillo-
Copla-Respuesta.
La mayor parte de las obras del programa propuesto proceden
del fondo universitario. Solo las intervenciones instrumentales
han de provenir de fuentes ajenas al mismo, por
los motivos antes expuestos. La presencia en el archivo de
las dos sinfonías de Stamitz mencionadas justifica histórica
y estilísticamente que la abertura de la siesta se haga con
una obra de este autor. A su vez, el villancico A recoger todos
vamos, construido sobre temas del último movimiento del
quinteto en La mayor n.º 1 del opus 10 de Boccherini (G
265, 1771), nos sirve como justificación para añadir, a modo
de sinfonía introductoria, un movimiento instrumental
tomado de otra obra del mismo autor.
El resultado global es una particular velada musical en la
que se suceden texturas heterogéneas y géneros diversos.
Una celebración en la que lo profano y lo religioso se entremezclan
(incluso en el interior de cada obra), hecho que
causó no pocas polémicas y provocó más de una reglamentación
y prohibición. Es posible que este mestizaje sea uno
más entre los motivos de la decisión que tomó la universidad
en 1801 para hacer desaparecer su capilla:
… atendiendo a que sería muy decoroso a la ilustración de
un cuerpo literario, el primero de la nación, desterrar de su
capilla una música theatral, agena del espíritu de la Iglesia,
contra la qual han declamado tanto los Santos Padres y los
hombres más zelosos de la Iglesia (AUSA 835, 159v).
Bernardo García-Bernalt

ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA
DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

VIOLÍN 1: Farran James
VIOLÍN 2: Kepa Arteche
VIOLONE: Francesc Aguiló
ÓRGANO/CÉMBALO: Carlos García-Bernalt

CORO DE CÁMARA
DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

TIPLES 1: Ana Serrano, Bárbara Gomulka,
Elena Redondo, Noemí Pellejero, Mercedes Martín
TIPLES 2: Carmen del Olmo, Concha Yáñez,
Gloria Ramos, Lourdes Diego
ALTOS: Beatriz Mayoral, Cristina Alario, Concha Delgado,
Elisa Traubinger, Raquel Nieto
TENORES: Ariel Sribman, Carlos Fernández,
Carmelo Hernández, David G. Iglesias, Manuel Curiel,
Pedro Fernández
BAJOS: Alberto Miniño, Alejandro Gago, Álvaro de Dios,
Carlos Conde, Javier García, Jesús Plaza

CORREPETIDOR: Juan José Diego

SOPRANO SOLISTA:
Marta Infante

DIRECTOR:
Bernardo García-Bernalt

ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA
DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
CORO DE CÁMARA

La Academia de Música Antigua de la Universidad de
Salamanca fue creada en 1990 con el objeto de convertirse
en un centro de formación y producción en el
campo de la interpretación musical histórica. Desde entonces,
contando como agrupaciones principales con una orquesta
barroca, un consort de violas da gamba y un coro de
cámara, ha ofrecido centenares de conciertos, cursos y seminarios
de violín, viola y violonchelo barrocos, canto, viola da
gamba, clave, instrumentos de cuerda pulsada, etc. Para ello
cuenta con profesorado de la más alta cualificación. A Pedro
Gandía, Itziar Atutxa y Andoni Mercero se unen nombres
como Enrico Gatti, Sigiswald Kuijken, Jaap ter Linde, Wieland
Kuijken, Vitorio Ghielmi, Wim ten Have, Jacques
Ogg, Wilbert Hazelzet, Juan Carlos de Mulder, Maggie
Urqhart, Marion Middenway, Richard Levitt, Carlos Mena…
hasta más de un centenar de colaboradores.
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca fue creado
en 1984 con el objeto de especializarse en la polifonía
ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando
un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio,
que se ha plasmado en centenares de conciertos,
muchos de los cuales han supuesto el «reestreno» de partituras
inéditas correspondientes a este periodo.
Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son
el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987, el ciclo «Música
da época das descobertas» (Lisboa), la I Muestra de Polifonía
Española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica Internazionale
(Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara
y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid), la Semana de
Música de Canarias, «Música en la España de la expulsión»
(Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva
York), A Música na Catedral de Santiago de Compostela
no século XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca,
XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa),
Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Patrimonio
(Salamanca 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja
San Fernando, ciclo «Plaza Sacra» (Salamanca 2005), Festival
«Florilegio» (Salamanca). FEX del Festival Internacional
de Música y Danza de Granada, X Festival de Música
antigua de Úbeda y Baeza, X edición del festival Clásicos
en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía «Victoria y su
tiempo» (Ávila), etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas
para RTVE, Movieplay y Verso que han recibido
excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de
Goldberg, etc.). Asimismo RNE clásica le ha dedicado varios
programas.
Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacque -
boutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca
«Il Fondamento», la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Or -
questa del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma,
Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la
Orquesta de Cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora
periódicamente con la Orquesta Barroca y el Consort
de Violas da Gamba de la Universidad de Salamanca.
Raquel Andueza, soprano
Nacida en Pamplona, inicia su formación musical a los seis
años. Posteriormente, becada por el Gobierno de Navarra y
el Ayuntamiento de Londres, amplía estudios en la Guildhall
Shool of Music and Drama de Londres, donde en al
año 2000 obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica
y recibe el premio School Singing Prize. En el año
2000 conoce al maestro Richard Levitt, quien ha sido su referente
hasta el presente.
Colabora asiduamente con diversas formaciones: L’Arpeggiata,
Gli Incogniti, La Tempestad, Al Ayre Español, Orquesta
Barroca de Sevilla, Osquesta Barroca de Salamanca,
El Concierto Español, Private Musicke, Conductus Ensemble,
La Real Cámara, Hippocampus, Orquesta y Coro de la
Comunidad de Madrid, B’Rock, More Hispano, Orphénica
Lyra, etc. En 2003 pasa a formar parte del cuarteto vocal
La Colombina; en ese mismo año funda junto al tiorbista
Jesús Fernández Baena un dúo especializado en música italiana
del siglo XVII y en 2010 el grupo La Galanía.
Actúa como solista en los principales festivales y auditorios
de toda Europa (París, Madrid, Barcelona, Bruselas,
Utrecht, Praga, Bucarest, Viena, México, Nápoles, Granada,
Londres), y en 2004 hace su debut en Estados Unidos
en el Sundin Hall de Minneapolis. Ha sido dirigida por directores
como William Christie, Fabio Biondi, Emilio Moreno,
Jacques Ogg, Monica Huggett, Eduardo López-Banzo,
Christina Pluhar, Andoni Sierra, Richard Egarr, Ottavio
Dantone, Ernest Martínez-Izquierdo, Christian Curnyn,
Pablo Heras, Sir Colin Davis, Jordi Casas, etc.
Raquel es invitada para impartir cursos de canto en el Teatro
Real de Madrid, así como en las universidades de Burgos
y Alcalá de Henares.
Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como
Virgin Classics, Glossa, K617, NB Musika, Accentus y
Zig-Zag Territoires. En 2010 crea su propio sello discográfico,
Anima e Corpo, lanzando en enero de 2011 el disco
Yo soy la locura.

Pilocopítero, "Pronombres y determinantes"

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Teatro Universitario

Martes 8 de mayo

Pilocopítero

Pronombres y determinantes
Dramaturgia y dirección: Virginia Ledesma

Ficha artística:
Óscar Rioja Santamaría    Marcelino Zambrana
Cristina Piñeyro Martín    Sofía Carcoso
Daniel Peña Monzón    Alonso Churrasco
Elena González Campal    Carmen Laso
Marina Alonso Begines    Aitana mayo
Mario Corada Muñoz    Roberto Gutiérrez y Voz en off
Carla Alonso Martínez    Lara Castro
Daniel Domínguez Palomo    Víctor Hernández

Ficha técnica:
Diseño de luces        Sara Picanto
Música y espacio sonoro    Asunción Vilanova
Coreografía        Marina Alonso Begines
Control luces y sonido    Sofía de la Cuesta
Escenografía y vestuario    Salud Hernández Varas
Diseño        Tuttidesing Salamanca

Marcelino Zambrana, guardagujas y ferviente sindicalista de CCOO, ve truncada su vida tras ser apresado por un delito que no cometió: se le acusa de haber participado en el asesinato a Carrero.
Una vez indultado vuelve a su Soria natal, y es allí donde se reencuentra con sus amigos.
Marcelino ha cambiado, aquellos que le conocían dudan de quién es, incluso él mismo duda.
Porque no dicen lo mismo pronombres que determinantes, presten atención a según qué conversación.

Daniel Mesguich, "Phasmes"

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TEATRO

Lunes, 4 de junio

DANIEL MESGUICH

Phasmes

Lecture de textes classiques et contemporains (Borgès, Aragon, Baudelaire, Cixous, Camus)
Recital en francés
Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · Entrada libre hasta completar el aforo

Coordinado por Elena Llamas Pombo

Director escénico de teatro y ópera, profesor, actor de cine y teatro, autor y traductor, Daniel Mesguich dirige actualmente el Conservatorio Nacional Superior de Arte Dramático de París. Desde hace treinta años es una figura mayor dentro de la creación y la experimentación teatral francesas.
La Universidad de la Sorbona (Paris III - Sorbonne nouvelle) le dedicó en 2009 un coloquio titulado Reprise et transmission: autour du travail de Daniel Mesguish.

El acto teatral Phasmes es −en palabras del propio Mesguich− un testimonio creado con fragmentos literarios heteróclitos. Su lectura de una selección propia de textos clásicos y contemporáneos, de Borges, Aragón, Baudelaire, Cixous o Camus, es un recital en la medida en que el actor re-cita los textos que más han contado para él como hombre de teatro. La lectura de los clásicos Phasmes conduce a una reflexión sobre la relación íntima del actor con los textos y la posibilidad de hacerlos visibles en la escena, de convertirlos en espectáculo.

Entidades colaboradoras:
Departamento de Filología Francesa. Universidad de Salamanca
Servicio de Actividades Culturales. Universidad de Salamanca
Institut Français de Madrid
Embajada de Francia. Services culturels

Orquesta Barroca

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Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca

Concertino Director: Pedro Gandia

Flauta: Guillermo Peñalver

Clave/Organo: Alfonso Sebastian

Auditorio Fonseca

lunes 28 de Mayo 20,30 horas

ENTRADA Libre hasta completar el aforo
 

Ver programa PDF

Concertino Director: Pedro Gandia

Programa

Giovanni Alberto Ristori (1692-1753) Sinfonia en Re Mayor
   Presto
   Un poco andante
   Presto

Antonio LucioVivaldi (1678-1741) Concierto per il flautino en Do M RV 443
   Allegro
   Largo
   Allegro molto

Georg Friedrich Händel (1685-1759) Concerto grosso en Sol menor op. 6
HWV 319
   A tempo giusto
   Allegro e forte
   Adagio
   Allegro
   Allegro

> PAUSA >

Pietro Antonio Locatelli (1695-1764) Sinfonía en fa menor “Composta per
le esequie della sua Donna che si celebrarono in Roma”
   Largo
   Alla breve ma Moderato
   Grave
   Non Presto
   La Consolazione-Andante

Johann Sebastian Bach (1685-1750) Concierto en Re Mayor nº 5 para
flauta, violín y clave, cuerdas BWV 1050 de los “Six Concerts avec
Plusieurs instruments (Conciertos de Brandemburgo)
   Allegro
   Affettuoso
   Allegro

Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca

Fundada en 1990, la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca es la primera orquesta de cuerda española que se crea en la corriente de interpretación musical histórica.  Como consecuencia de su acercamiento al repertorio barroco y del primer clasicismo desde la óptica de los instrumentos y técnicas originales, la orquesta se ha convertido en la pieza fundamental de un proyecto global de especialización en música antigua que cristalizó en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca.

Ha sido dirigida por especialistas como Wim ten Have, Jacques Ogg, Eduardo López Banzo,  Sigiswald y Wieland Kuijken, Federico M. Sardelli, Emilio Moreno, Andrea Marcon, Kenneth Weiss o Pedro Gandía. Además ha colaborado con agrupaciones como la Capilla Peñaflorida o el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, así como con numerosos solistas vocales e instrumentales.

Ha dado numerosos conciertos en buena parte de España, Italia, Alemania y Gran Bretaña, participando en festivales y ciclos como los Siglos de Oro, el Festival de Peñíscola, el Festival de Almagro, etc.  Cuenta en su haber con diversos “reestrenos” de obras del xvii y xviii, entre los que se puede señalar el Salmo 51 de J. S. Bach, la versión de concierto de la ópera Narciso, de Domenico Scarlatti, o la ópera Don Quijote en Sierra Morena de Francesco Bartolomeo Conti. En el ámbito de la música española, ha realizado un importante trabajo de recuperación de patrimonio, con conciertos dedicados a los Villancicos a Nuestra Señora del Monte, a obras de los archivos de la catedral y Universidad de Salamanca o diversos programas sobre la tonadilla escénica de finales del xviii y principios del xix, etc.

En los últimos años, y bajo la dirección de Pedro Gandía, ha abordado multitud de programas que recorren desde los concerti grossi de Corelli o Muffat hasta el motete  In furore de Vivaldi, pasando por programas centrados en Biber, Bach, Rebel, Haendel, etc.

La orquesta ha realizado diversas grabaciones para Radio Nacional de España (Radio Clásica) y editado dos cedés con el sello Verso.

"La Bohéme"

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ÓPERA ABIERTA

La Bohéme

Teatro Juan del Encina,

Martes 13 de Marzo de 2012, 19:30 horas

La Bohéme, de Giacomo Puccini es una ópera en cuatro actos, compuesta en 1895, con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basada en la obra por fascículos de Henry Murguer: Scenes de la vie de Bohéme (Escenas de la vida bohemia). La ópera se estrenó el 1 de febrero de 1896 en el Teatro Regio de Turín. La Bohéme es un prodigio dramático, aportando a la ópera un nuevo tipo de héroes en un entorno desconocido hasta entonces. París de 1830, dónde jóvenes artistas bohemios: pobres, afligidos y complacidos por los problemas y placeres de la vida cotidiana, viven en una buhardilla del barrio latino.

El poeta Rodolfo, el pintor Marcelo, el músico Schaunard y el filósofo Colline sobreviven en unas condiciones ciertamente miserables. Un día Rodolfo conoce a su vecina, la frágil costurera Mimí, que llama a su puerta para pedirle fuego con el que encender una vela. Ambos se enamoran de inmediato. En el café Momus, Rodolfo les cuenta su romance a sus amigos. Por otro lado, la cantante Musetta decide ignorar a su rico amante, el viejo Alcindoro, para dedicarse a Marcelo. Atormentada por los celos de Rodolfo, Mimí le cuenta a Marcelo que ya no aguanta más esa situación, por otro lado, Rodolfo aparece quejándose del coqueteo de Mimí y que él no puede ayudarla en su enfermedad, incluso las condiciones de sus vidas pueden llegar a empeorarla.A pesar de que se aman, se abandonan. Marcelo y Rodolfo se lamentan de la pérdida de sus amantes en la buhardilla, cuando de repente aparecen ambas muchachas, ya no puede negarse el trágico desenlace de la historia: Mimí muere en los brazos de su amado.

Compañía Marta Carrasco, "No sé si…"

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DANZA

COMPAÑIA MARTA CARRASCO

No sé si…

Creación y dirección Marta Carrasco

Jueves, 15 de marzo
Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · 12 €

Intérpretes    Marta Carrasco
Alberto Velasco
Escenografía    Marta Carrasco
Pau Fernández
Pep Garcia

¿QUÉ ES NO SÉ SI…?

Somos hermanas bivitelinas y vitalicias. ¿Más hermanas que amigas? ¿Más amigas que hermanas? ¿Qué buscas, hermana? ¿El amor, la muerte, la redención, la revancha, la reinterpretación, la metáfora? ¿Buscas en la memoria los recuerdos? ¿Qué cordeles hay que desatar? ¿Cómo usaremos las manos? ¿Llegas grotesca, salvaje o amable? No acabo de… ¿Qué buscas tú, hermana mía? Yo, en realidad, no lo sé. No sé si confundo al mundo y a las gentes que lo habitan. O el mundo me confunde a mí. Quizá la gran magia sería el juego. La perspectiva lúdica. Schiller “el ser humano solo lo es cuando juega, el ser humano solo juega cuando es libre”. ¡Busquémoslo! Herman, las luces se apagan. Juguémoslo todo. Pero una cosa, un secreto, antes de empezar…

Marta Carrasco
Creadora escénica, intérprete, bailarina, coreógrafa, profesora teatral. Después de una trayectoria en diversas compañías de danza, el año 1995 crea su primer solo de danza-teatro, Aiguardent (Aguardiente), un espectáculo sobre la soledad humana, el abismo del alcoholismo, la fragilidad y la debilidad humana. A continuación, surgen por orden cronológico: Blanc d’Ombra; recordant Camille Claudel (Blanco de Sombra; Recordando a Camille Claudel) (1998), un apasionado homenaje a la escultora francesa (1864-1943), Mira’m (Mírame; Se dicen tantas cosas) (2000), un espectáculo dedicado a la belleza y a la imperfección, Eterno? Això sí que no! (¿Eterno? ¡Eso sí que no!) (2003), donde incluye temáticas como la desesperación, la esperanza y textos de Cioran (1911-1995; El circo de la soledad) y de Dostoievski (1821-1881; El sueño de un hombre ridículo). Posteriormente, nace Ga-gá (2005), para hablarnos de la necesidad de la risa, de
los seres especials o defectuosos y de la supervivencia humana en un mundo que ya no causa ninguna risa. J’arrive...! (2006) recuerda que ya hace 10 años que la compañía acumula todo un universo personal sugerente sobre la escena y plantea que resulta imprescindible seguir corriendo, tirar adelante. El año 2008 surge Bin & Go, una propuesta en la que participa el músico Llibert Fortuny que se presenta en el Festival Temporada Alta de Girona 2008. Dies Irae; en el réquiem de Mozart (2009) constituye la última (macro)creación de Carrasco, donde trece intérpretes suben a escena para reflexionar y cuestionar —con altas dosis de riesgo y bellesa— lo sagrado y lo profano, para hablarnos de la religión y la liturgia, de la mujer, de la furia, de la impotencia humana, del miedo y de la vida. Desde el año 1996, con Pesombra, Carrasco acumula más de 25 colaboraciones en montajes escénicos ajenos. Desde su primer premio, el Premio de la Crítica Teatral de Barcelona 1996-97 por Aiguardent y por Pesombra, la creadora ha recibido
más de 20 premios o menciones, así por ejemplo el Premio Nacional de Danza de la Generalitat de Catalunya (2005), el Premio Ciudad de Barcelona (2007) o el Premio Serra d’Or de la Crítica Teatral (2007) al mejor espectáculo teatral, por J’arrive...!

ESPECTÁCULOS
AIGUARDENT (1995)

Aiguardent es el primer solo de Marta Carrasco. Es un viaje por la soledad humana, dominado por la rabia y la inocencia. La dualidad de una mujer sola al límite del abismo que hall en el alcohol un refugio para sus angustias. La fragilidad y debilidad mueven al personaje de Aiguardent a los excesos más opuestos.

BLANC D’OMBRA (Recordando a Camille Claudel) (1998)
“Eres tan hermosa que parece que vayas a morir” (Claude Debussy). Hace treinta años que Camille Claudel vive internada en un sanatorio. Los muebles de su vida hace tiempo que están arrinconados, cubiertos de días en blanco. Blanc d’Ombra es un homenaje a Camille Claudel, escultora francesa (1864-1943). A su persona, a su carácter, a su fuerza y valentía. Blanc d’Ombra es, por encima de todo, Pasión.

MIRA’M (Se dicen tantas cosas) (2000)
“Mirando la gente lo he aprendido todo. Mirar es lo que más hago, en tren, en metro… y me he dado cuenta de que la mirada se está convirtiendo en algo que todo el mundo esquiva”. Mira’m es un trabajo dedicado a la belleza y a la grandeza de la imperfección. Es un viaje por el monstruoso e imperfecto del ser humano, por las pasiones más humanas, profundas e inconfesables.

ETERNO? AIXÒ SÍ QUE NO! (2003)
“Lo que irrita en la desesperación es su legitimidad, su vivencia, su documentación, puro reportaje. Considérese, por el contrario, la esperanza, su generosidad en el error, su manía de fantasear, su rechazo del acontecimiento: una aberración, una ficción. Y es en esa aberración en lo que consiste la vida y de esa ficción de lo que se alimenta”, Emil Cioran, El circo de la soledad. “Soy un hombre ridículo. Ahora dicen que estoy loco. Eso supondría un ascenso de categoría, si no fuera por el hecho de que me siguen considerando tan ridículo como siempre. Pero ya no me enfado. Ahora todos me resultan tan simpáticos. Por alguna extraña razón me resultan particularmente entrañables, porque no saben la verdad; yo sí la sé” (Fiodor Dostoievski, El sueño de un hombre ridículo).

GA-GÁ (2005)
La risa se compone de movimientos convulsivos del diafragma y explosión ruidosa del aire de los pulmones, con vocalización articulada y espasmos faciales. Con la risa, los músculos del tórax y abdomen se relajan y contraen a gran velocidad y se ponen en funcionamiento un total de 400 músculos. Ojos, nariz y boca se lubrican. Se sacude el vientre, vibra el hígado, se estimula el bazo, se libera adrenalina y el cuerpo segrega mediadores químicos como la serotonina o las endorfinas. Cierto día y ya de noche, unos seres especiales por defectuosos se encontraron y fundaron Ga-Gà, un lugar donde vivir, un espacio donde mostrar lo mejor de su arte. Lou, Nunó, Mirandolina, Marguit y Marguet tienen una obsesión, la risa. La risa como oxígeno, la risa como alimento. Todos ellos necesitan de la risa para poder vivir…. Pero, ¿hay motivo para reírse?

J’ARRIVE…! (2006)
“J’Arrive…!” en francés quiere decir ya voy, ya llego, ya estoy llegando. Hace más de diez años que estoy corriendo. En J’Arrive…! hay mucho de todo lo que hemos dicho a lo largo de estos diez años, pero dicho desde hoy. J’Arrive…! es un punto y aparte, el final de un ciclo, pero no un punto y final porque nunca se llega. “Se trata de seguir corriendo” (Marta Carrasco).
“¿Tienen alma las mujeres? ¿Tienen alma los indios? ¿Tienen alma los animales? Siempre esta discusión cuando la pregunta, para mí, sería: ¿Quién tiene alma y quién no la tiene? Marta Carrasco tiene, la Carrasco tiene alma. Yo creo en el alma. El cuerpo es, sin duda, una expresión del alma. Como la cara también lo es. Alma, cuerpo, corazón, rotura, vida, ojos tristes, ternura, burla, lucha, entrega, risa, soledad. En diez años… J’Arrive…!” (Carme Portaceli, directora escénica).

BIN & GO (2008)
Encontraréis un escenario donde no se representa un espectáculo. De hecho, hay un escenario porque los protagonistas de esta historia no son entendidos en el arte del bricolaje y han preferido dejarlo todo tal y como estaba. Esos ignorantes de las artes del destornillador y del cepillo son conocidos en su casa con los sobrenombres de Bin y Go. No busquéis segundas lecturas a esta coincidencia semántica porque podríais acabar con la frágil salud mental de los guionistas a quienes se les acudió la idea. El hecho es que tanto Bin como Go hasta hace cuatro días no se conocían, ignoraban sus apellidos. ¿Quién es Bin? Se preguntaba Go, y así viceversa durante días, noches, días de los días laborables, noches de los festivos e incluso
durante alguna jornada de huelga general. El caso es, sin embargo, que un día se conocieron.
Ella muy quieta, soplaba de tanto en tanto por un agujero. Él iba y venía dándose golpes contra una cama blanca… ¿o fue al revés? Ahora no lo sé. Lo cierto es que casi no se miraron –la situación no daba para más- pero cuando un do entretenido se topó con un demiplié sostenido, supieron que después de aquello volverían a verse un poco más allá. Luego hicieron lo que hicieron, quedar para hacer algo. Más bien, para hacer la cosa. Se liaron la manta a la cabeza y ahora la cosa ya está hecha. Y no esperéis lo que no habrá. Así pues, portaros bien, sed obedientes y no olvidéis que esto no es un espectáculo ni vosotros, una
audiencia, que todo ello es un juego de manos que nos recuerda que de tanto en tanto es bueno dejarse engañar.

DIES IRAE; EN EL RÉQUIEM DE MOZART (2009)
Un espectáculo creado y dirigido por Marta Carrasco. La esencia de la puesta en escena es el Réquiem de Mozart. Trece intérpretes desnudan la liturgia y muestran sin concesión la debilidad de la verdad. La inmortalidad de la música desafía cualquier mirada escéptica ante el mundo e invita a decir, hacer y oír el desgarro de la vida.Dies Irae va más allá de una misa de difuntos. Devora y obsesiona. Invoca el aroma de lo profano. No da tregua al público. Es furia, es ira, es impotencia, es miedo. Irreverencia. Es belleza. Es riesgo. Una apuesta por el mayor de los retos.

NO SÉ SI... (2011)
Dos hermanas gemelas son las protagonistas de un paseo por la vida, intenso y lúdico. En esta obra de pequeño formato, Marta Carrasco tiene por comparsa de emociones al actor vallisoletano Alberto Velasco, que ya había participado en el último espectáculo de la creadora catalana (Dies Irae, en el Réquiem de Mozart). Si el filósofo alemán Schiller indicaba que el ser humano sólo lo es cuando juega y que por otra parte sólo juega cuando es libre, el esloveno Žižek la primavera del 2011 afirmaba: «La situación actual es una gran mierda y, precisamente por esto, es necesario recurrir a la comedia. Insisto: cuando las cosas están malogradas, sólo nos queda la risa. Evidentmente, es una risa medio vacía, medio enloquecida.». El espectáculo pide al público la risa y el deseo de querer jugar a la vida, de seguir queriendo jugar, de recordar la infancia (y tal vez su inocencia y autodefensa implícitas) para encontrar fuerzas para tirar adelante.

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS
Premio de la Crítica Teatral de Barcelona 1996-97, danza y coreografía de Aiguardent, espectáculo creado y dirigido, coreográficamente, por Marta Carrasco.
Premio de la Crítica Teatral de Barcelona 1996-97, danza y coreografía de Pesombra, espectáculo dirigido por Magda Puyo, basado en la obra literaria de Joan Salvat-Papasseït.
Nominación en la categoría de Mejor Espectáculo no valenciano del “Premio de Artes Escénicas de Valencia 1998”, por Aiguardent.
Premio Butaca 1999 (Premio del Público) en la categoría de Danza por Blanc d’Ombra (Recordant Camille Claudel), espectáculo en solitario de Marta Carrasco basado en la vida de Camille Claudel.
Premio de Honor 2001 del Festival de Almada (Portugal) por Mira’m (Se dicen tantas cosas), espectáculo creado y dirigido por Marta Carrasco.
Premio Butaca 2001 (Premio del Público) en la categoría de Mejor Espectáculo de Danza por Mira’m (Se dicen tantas cosas).
Premio MAX 2003 de las Artes Escénicas en la categoría de Mejor Intérprete Femenina de Danza por Aiguardent.
Premio MAX 2003 de las Artes Escénicas en la categoría de Mejor Coreografía por Aiguardent.
Premio del Público y del Lector 2003 del periódico El País por Eterno? (Això sí que no!), espectáculo creado y dirigido por Marta Carrasco.
Premio Nacional de Dansa 2005 de la Generalitat de Catalunya.
Finalista de los Premios MAX 2005 de las Artes Escénicas por Eterno (Això sí que no!)
Premio MAX 2006 de las Artes Escénicas en la categoría de Mejor Espectáculo de Danza por Ga-gá, espectáculo creado y dirigido por Marta Carrasco.
Premio MAX 2006 de las Artes Escénicas en la categoría de Mejor Coreografía por Ga-gá.
Premio Butaca 2006 en la categoria de Mejor Espectáculo de Dansa por J’arrive...!, espectáculo creado y dirigido por Marta Carrasco.
Premio Ciutat de Barcelona 2007 por la trayectoria de Marta Carrasco.
Premio Serra d’Or de la Crítica Teatral 2007 al Mejor Espectáculo Teatral por J’arrive...!
Mención Especial 2007 del TAC de Valladolid por J’arrive...!
Nominación en los Premios ACE de la Crítica de Nueva York en la Categoría de Mejor Interpretación Unipersonal.
Primer Premio, Mejor Dirección del XIII Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena Ciudad de Torrejón de Ardoz, abril 2010, con el espectáculo Dies Irae; en el Réquiem de Mozart.
Premio Especial “José María Rodero” del XIII Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena Ciudad de Torrejón de Ardoz, abril 2010, con el espectáculo Dies Irae; en el Réquiem de Mozart.

Premio Homenaje del XI Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC), por ser un referente inagotable de la danza y por el compromíso artístico con la creación (2010).
Finalista de los Premios MAX 2011 de las Artes Escénicas en la categoría de Mejor Espectáculo de Danza por Dies Irae; en el Réquiem de Mozart.

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Compañía Mar Gómez, "Dios menguante"

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DANZA

COMPAÑÍA MAR GOMEZ

Dios menguante

Viernes, 2 de marzo
Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · 12 €

Dirección artística        Mar Gómez
Dirección coreográfica    Xavi Martínez
Intérpretes            Xavi Martínez
Mar Gómez

En esta nueva propuesta, siguiendo la línea de sus anteriores espectáculos, el movimiento, el gesto y el sentido del humor serán los ingredientes básicos utilizados para narrar la historia de un hombre que hace un alto en su camino y la de una mujer a la que nada la detiene. Dos vidas de personalidades opuestas y finalidades dispares que se ponen a prueba mutuamente sin pretenderlo y que encajan los guiños del destino como la vida les ha enseñado, o más bien, como la vida no les ha sabido enseñar. La aventura de encontrarse el uno al otro los llevará por caminos no visitados de rumbos impredecibles. Y todo ello sin moverse de un único espacio árido, solitario, surcado por los hilos deslizantes de un enorme tendal. Una tarea del todo cotidiana, como hacer la colada, se pondrá al servicio de una situación extraordinaria, de un encuentro providencial en el que la confusión y las ganas de estar confuso darán pie a un juego en el que los márgenes de la diversión y del sufrimiento serán permeables y abruptos como un precipicio.

COMPAÑÍA MAR GÓMEZ
Mar Gómez comienza su trayectoria profesional creando su propia compañía en 1992 con un primer espectáculo en el que se reúnen dos piezas premiadas en el Certamen Coreográfico de Madrid (1991) y en el concurso Ricard Moragas de Barcelona (1992). A partir de entonces la bailarina y coreógrafa combina la labor con su compañía con diversas colaboraciones y creaciones de encargo.

Tras ese primer trabajo, A la larga algo te hará (Teatro Adrià Gual, 1993), se sucederán La matanza de Tezas (Teatre Lliure 1994, Premio de la Critica valenciana a la mejor producción); La nostalgia del Pepino (Mercat de les Flors 1995); Levadura madre (L’Espai 1998); Ecce homo... erectus (L’Espai 1999); Hay un pícaro en el corral (Dansa Valencia 2000; Festival Grec de Barcelona 2001). Este espectáculo, coproducido con el Centro Coreográfico de Valencia y el Festival Grec de Barcelona, recibió los premios de la Generalitat Valenciana como mejor espectáculo, mejor dirección coreográfica y mejor intérprete (Maria José Soler). Así mismo, uno de los bailarines obtuvo el Premio Lladró al mejor intérprete del Festival Dansa Valencia 2000.

La caSA DE l’est, coproducida por el Teatro Nacional de Cataluña se estrenó en mayo de 2002 en la sala Tallers del TNC. Actualmente todavía está en gira después de haber tenido más de ochenta representaciones en los principales teatros y Festivales españoles (Madrid en danza, Teatre Auditori de Sant Cugat, Teatro Rosalía de Castro...). Fue nominado a los Premios Butaca de Cataluña. Posteriormente se creó el espectáculo Después te lo cuento, coproducido por el Festival de Sitges 2004, el Forum 2004 de Barcelona y la Cia Mar Gómez. Para este espectáculo se contó con la colaboración especial del director y coreógrafo británico Lindsay Kemp.

En Abril del 2006 la compañía hizo su primera incursión en la dirección de ópera al dirigir El Ganxo, una obra inédita con libreto de Joan Brossa y música de Josep Maria Mestres Quadreny. Coproducida entre la Compañía, el Gran Teatre del Liceu y el Auditorio de Zaragoza, se estrenó en el Foyer del Liceu con gran éxito de crítica y de público. Se contó con la orquesta del Grupo enigma, con Antoni Comas como tenor, Lluís Sintes como barítono y los intérpretes habituales de la compañía.

Dios menguante (2006). Este espectáculo, con tintes de cine neorrealista italiano, una banda sonora en la que predomina la música de Nino Rota y un espacio escénico ideado por Joan Jorba, reúne por primera vez a la propia Mar Gómez junto a Xavier Martínez en un dúo de larga duración. Por su trabajo en él, Mar Gómez ha recibido el MAX a la mejor intérprete femenina de danza 2008.

En 2010, aprovechando, por una parte, del entusiasta acogida del público y, por otra, la cohesión, simplicidad y eficacia de su propuesta estética del espectáculo Dios Menguante, se emprende la creación de Heart Wash, un nuevo proyecto artístico que se estrena en el Festival de Artes de Calle MAC, en el marco de las Fiestas de la Mercè de Barcelona 2010. Heart Wash responde también a la creciente demanda de las propuestas artísticas integradas en espacios exteriores y al deseo de la compañía de añadir a su repertorio una pieza de diferente formato y concepción; una pieza que, sin embargo, mantendrá los principales rasgos estilísticos consolidados: el sentido del humor, la narratividad y la teatralidad.

El último espectáculo de sala Aqui amanece de noche ha sido inaugurado en febrero 2009 y ha sido representado en importantes festivales Mundanzas o Danza Valencia pero también en el circuito estable teatral español.

Paralelamente a los espectáculos de gran formato, la compañía ha ido creando piezas de formato corto con características diferentes a las de los espectáculos tradicionales, con la finalidad de cubrir la demanda que se genera en otros ámbitos de la danza (danza en la calle, inauguraciones, galas, televisión, etc.). De entre estas, cabe destacar las piezas creadas para calle en el Festival Dies de Dansa de Barcelona (Pi, 1996; La ciudad de los gatos perdidos, 1998); las coreografías creadas para las galas de apertura y clausura del Festival Madrid en danza y de celebración del Día Internacional de la danza, representadas en el Teatro Albéniz de Madrid (Dúo de no, 1999; Se hace camino al andar, 2003); la coreografía Helado al vino, creada para el espectáculo de A pedir de boca de Laura Kumin (Festival de Otoño de Madrid 1998); Las colaboraciones con TV3 para el programa Les mil i una y para la creación de la pieza Compte amb l’Arnau, incluida en el espectáculo de la Fira de Teatre Tradicional de Manresa, con diversas emisiones en por TV3 en el programa NIDIA y la creación de Morir no corre prisa para la gala de apertura del concurso Burgos‐New York.

Con todas estas propuestas de formatos diversos, la compañía ha realizado centenares de funciones por todo el territorio español. Las que continúan en gira, siguen teniendo una gran demanda en los marcos más diversos de la exhibición de la danza en España.

A partir del año 2006, la compañía ha firmado un convenio de residencia con el Teatre Modern del Prat del Llobregat. Al convertirse en compañía residente del Prat del Llobregat la Cia ha abierto a nuevos horizontes y ampliado sus actividades para ir más allá del ámbito de la exhibición y emprender también proyectos educativos y sociales vinculados a esta población.

Durante estos años de trayectoria, la compañía ha desarrollado un trabajo con sello propio caracterizado por la fusión del tratamiento del movimiento con componentes tradicionalmente más afines al ámbito teatral como la narratividad, el gesto y el sentido del humor. Se ha establecido así una línea de trabajo continua y característica que ha consolidado a la compañía como una referencia obligada en el paspnorama de la danza contemporánea eañola.

FICHA ARTÍSTICA
DIOS MENGUANTE

Duración: 55min
DIRECCIÓN ARTÍSTICA MAR GÓMEZ
DIRECCIÓN COREOGRÁFICA XAVI MARTÍNEZ

INTÉRPRETES XAVI MARTÍNEZ
MAR GÓMEZ
MAESTRO DE BAILE BLANCA FERRER

REPETIDOR / ASISTENTE LIVIO PANIERI

MÚSICA AUTORES VARIOS
DISEÑO ESCENOGRAFÍA JOAN JORBA
CONSTRUCCIÓN ESCENOGRAFÍA JORBA‐MIRO SCP
ATREZZO JOAN JORBA
DISEÑO VESTUARIO MARIEL SORIA
DISEÑO ILUMINACIÓN SANDRA CABALLERO
TÉCNICO ILUMINACIÓN SANDRA CABALLERO
DISEÑO SONORO MAR GÓMEZ/ XAVI MARTÍNEZ
SONORIZACIÓN JOSEP PUIGDOLLERS
MAQUINARIA JORDI BERCH
DISEÑO GRÁFICO OSCAR DE PAZ
FOTOGRAFÍA OSCAR DE PAZ
VIDEO TANIOS FILMS
PRODUCCIÓN CIA. MAR GOMEZ

El deseo permanente del hombre es el de restaurar y recuperar ese jardín o Paraíso Terrenal perdido… EL FRUTO PROHIBIDO: … debe ser el símbolo de algo extremadamente importante por el que estaban dispuestos a arriesgar sus vidas. Sólo podían arriesgarse a morir por algo que fuera más deseable y estimulante que la vida misma. "No hay nada más práctico que una buena
teoría"Kurt Lew

PERSONAJES

ELLA
Para la caracterización del personaje femenino de Dios Menguante se ha partido del estereotipo de mujer italiana que, a grandes rasgos, reside en el subconsciente colectivo europeo cuando se establece como referencia el cine neorrealista italiano. Los rasgos que la definen esencialmente son la determinación, el temperamento y una capacidad de seducción animal, más vinculada a la persuasión y al desafío que a la fragilidad y la demanda de protección. Aún así, en cualquier caso, una combinación que destila una potente femineidad, alejada, eso sí, del concepto de la mujer como un ser vulnerable y solícito.
En Dios menguante se propone el desarrollo de una historia de personajes. Su psicología, su comportamiento y su evolución están en el centro de la concepción del espectáculo por encima de otros aspectos como la trama. Por esa razón, se ha propuesto un trabajo minucioso de caracterización psicológica tanto mediante los recursos coreográficos como, especialmente, mediante los recursos teatrales y expresivos.
En este sentido podemos decir que la primera aparición en escena de este personaje es paradigmática: cruzando todo el escenario ella sola mientras arrastra una pesada lavadora. La
fuerza y su capacidad para enfrentarse a los desafíos de la vida serán los principios con los
que afrontará las situaciones que se presentaran a lo largo de todo el espectáculo.

ÉL
Para generar el desarrollo de la historia propuesta en Dios menguante, el personaje masculino actúa como contrapunto de su personaje complementario. Si la convicción y la fuerza caracterizan esencialmente al otro personaje, la duda y la inestabilidad marcarán las pautas básicas de comportamiento de éste. Para potenciar este contraste e incrementar su conflicto interno, se ha partido de un personaje con una característica claramente identificable que lo aboca irremisiblemente al conflicto que se le presenta en la historia: se trata de un cura que está frente a un dilema muy humano. El encuentro fortuito con una mujer acabará por desbordarlo y pondrá en marcha un contradictorio proceso que determinará el destino de uno y otro y, en consecuencia el desarrollo de la historia narrada.

ESTÉTICA Y NARRACIÓN
La apuesta estética de este espectáculo es, lógicamente, deudora de las fuentes de inspiración de las que ha surgido. En contraposición con el feísmo que todo aquello cotidiano y aparentemente carente de encanto pudiera tener, la acentuación del carácter evocativo de esos elementos realistas nos conduce a la creación de un particular universo poético en el que la sofisticación no tiene cabida. El espacio escénico pasará a ser ese patio de atrás que nunca queda a la vista, ese lugar casi inhóspito, lejano a la calidez del hogar y a la vez marcadamente doméstico. Su estética quedará pues marcada tan sólo por su funcionalidad, su única razón de ser. Unos hilos de tender, un poste de la luz, un lavadero y una lavadora, enmarcados en un cielo algo inquietante que se alza sobre un suelo yermo, serán los elementos que conformarán un lugar que nunca estuvo pensado más que para que se resolvieran las situaciones cotidianas para las que estaba previsto. Pero ese patio que nunca queda a la vista, ahora sí lo estará: se convertirá en el incongruente escenario de una historia que necesita de esa incongruencia para poder avanzar.
Esta historia se desencadena a partir de la irrupción de un contradictorio personaje en este patio. Allí trabaja una mujer rotunda, paradigma de esa señora impetuosa italiana que el cine nos ha facilitado: una mujer con carácter, de arrebatos, con una capacidad de seducción ajena a los tópicos más ñoños de la feminidad convencional; terrenal pero no frívola; fuerte y descarada pero no por ello falta de sensibilidad y fantasía. Todos estos rasgos que pueden conferir una personalidad casi imperativa, la de alguien con una gran determinación, contrastarán con el temperamento de ese visitante intempestivo: ambiguo, enigmático y con un pensamiento de una lógica inextricable. Del encuentro de estos dos personajes surgirá una historia en la que lo cotidiano navegará junto a lo extraordinario: cualquier cosa puede llegar a darse, siempre y cuando se vea atenuada bajo el almohadón de una aparente normalidad. La cotidianeidad puede convertirse en la coartada perfecta para albergar el comportamiento más rocambolesco. Y a la vez también para perder de vista cual es el verdadero estado de las cosas. De esta manera, camuflados de una improbable normalidad, ambos personajes irán estableciendo una peculiar
relación conducida por el deseo y la confusión hasta que todo dé un giro de ciento ochenta grados. Lo que parecía haberse ido construyendo en una dirección dará un vuelco y tomará el sentido opuesto. Pero, eso sí, con el tren ya en marcha.

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Lunático, "Égloga de Plácida y Vitoriano"

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Muestra de Artes Escénicas Universitarias

Abril - Mayo 2012

lunes, 21 de mayo - Teatro

Lunático

Teatro Lunático
Égloga de Plácida y Vitoriano, de Juan del Enzina
Versión y dirección: Catalina García García-Herreros

Reparto:        
Vitoriano        Pablo Coca Lucas
Flugencia / Venus    Julia Falero Morente
Eritea / Gil (pastor)    Catalina García García-Herreros
Mercurio         Elizabeth Jeffery
Suplicio        Roy Páramo de Llano
Plácida        Erika Rodríguez Horrillo
Pascual (pastor)    Miguel Tomé Caballero
Gran coro        Figurantes

Sobre la Égloga de Plácida y Vitoriano:
Escrita hace quinientos años por Juan del Enzina y estrenada —muy probablemente— en 1513, la Égloga de Plácida y Vitoriano es una comedia —«Y así acaba esta comedia / con gran placer y consuelo»— que contiene una tragedia de amor con final rectificado por oportuna intercesión de los dioses. Esta historia de muerte y de transformación resulta atemporal en su acendrado canto de lo humano, razón por la cual ofrece, al espectador contemporáneo, opciones de relectura y de actualización.
El grupo de teatro Lunático, fiel a su trayectoria de búsqueda y experimentación, ha decidido homenajear al autor que da nombre al reinaugurado Teatro Juan del Enzina, enfrentando la puesta en escena de un texto dramático renacentista que se basta a sí mismo y que, por eso, no necesitaría de nosotros el intento de su escenificación. Hemos sido seducidos, sin embargo, por el reto de representación que ofrece una historia tan antigua y tan vigente como la de un hombre y una mujer que, contra toda razón, descubren que todo es mejor cuando lo comparten con el otro y que, por eso, se aman.
No sabemos qué es el arte. Pero creemos que la experiencia del arte, cuando existe, es algo que tiene que ver con el amor de quien contempla y desea, con ese deseo de ser completado por aquello que se ve. Lo supieron, hace quinientos años, aquella Plácida y aquel Vitoriano cuyos amores siguen hablando, hoy, de esa extraña capacidad para Amar con la cual los seres humanos hemos sido premiados o castigados, o, en cualquier caso, trascendidos y sublimados.

Diseño de luces, espacio sonoro: Catalina García García-Herreros
Dirección de coro, movimiento escénico: Catalina García García-Herreros
Escenografía, utilería y vestuario: Grupo Teatro Lunático
Imagen de cartel: Mujer tendida con los brazos levantados, de Henri de Toulouse-Lautrec (c. 1894-95).
Selección de imagen: Grupo Teatro Lunático
Composición de cartel: Miguel Tomé Caballero
Mesa de control (luces y sonido): Miguel Velasco Hermosa
Asesoría de máscaras: Pablo Coca Lucas
Asesoría de vestuario: Leticia Borrallo Sánchez
Producción: Grupo Teatro Lunático

Krautov, "El imbécil"

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Martes, 15 de mayo
Krautov
El imbécil, de Luigi Pirandello
Dirección: Sergio Morán Sánchez

LUCA FAZIO     Luca Ramondo Sáenz
LEOPOLDO PARONI      Nerea Suárez
EL VIAJANTE DE COMERCIO      Elisa Gómez García
ROSA LAVECCHIA      Adelia Vicente Jorge
PRIMER REDACTOR     Rodrigo Correa Ratón
REDACTORES      Adelia Vicente Jorge,
Elisa Góbez García,
Elena  Herrero Jaen
Néstor Pérez Martín

El Imbécil es una obra corta de un acto único escrita en 1922, cuya versión en español data de 1927. En ella cuenta la historia de Luca Fazio, un hombre enfermo y desahuciado que antes de suicidarse quiere vengar el honor de su amigo Lulú Pulino, que fue tildado de imbécil porque antes de suicidarse no acabó con la vida del rival político de su pueblo.

Fierabrás, "El vuelo de la Gaviota"

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Miércoles 9 de mayo

Fierabrás
El vuelo de la Gaviota
Dramaturgia y dirección: Antonio Morenés Bertrán, Francisco Rubén, Rosa García

Reparto:
Elena    Laura Guijarro Pérez
Padma     Alicia García-Miguel
Nico     Luca Cecchini
Ernesto     Francisco Rubén Rosa García

Cuatro jóvenes comparten piso en una ciudad estudiantil. Todos se encuentran en un momento complejo y fundamental en sus vidas, pues han de definir quiénes son y quiénes quieren llegar a ser: Elena, que mantiene una relación a distancia con su novio, se siente insegura con respecto a él y su futuro; Padma, una chica liberal y luchadora que se caracteriza por una seguridad en sí misma enérgica e inquebrantable; Nico, que se dedica desinhibidamente al hedonismo en todas sus vertientes; y Ernesto, que está terminando su tesis sobre Chéjov y tiene ambiciones literarias. Todos ellos, de personalidades tan marcadamente diferenciadas, irán acercándose hasta encontrarse en puntos impredecibles en los que descubrirán aspectos en común y en disensión, manifestándose como individuos incompletos en perpetuo conflicto con su entorno, y en ocasiones, con ellos mismos.

En Verso, "Soñar a Gabriel y Galán"

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Miércoles, 18 de abril

En Verso
Soñar a Gabriel y Galán
Dirección: Pablo Málaga González

Musa 1                       Concepción Sánchez Cinos    
Musa 2                       Inmaculada Gonzalo Sánchez
Poeta                         Sebastián Martín Muñoz
Mi vaquerillo             Rocío Cepa Rivero
Un don Juan              Pauli Hernández Martín
                                    José Luis Alonso Sánchez
La montaraza            Carmina Rodríguez Iglesias
                                    Andrés Aguilar Sánchez
                                    Cristina Portales Santos
Alma charra                Gumer Iglesias Grande
                                     Saturnino González Sánchez
Noche fecunda          Marisa Tapia Romero
Lo inagotable             Paquita Lahoz Omedes
La Galana                  José De Castro García
Sibarita                       Sebastián Martín Muñoz
Varón                          Teodoro de las Heras Camisón
El desafío                   Mª Pilar Santos Hernández
                                     Teodoro de las Heras Camisón
¿Que tendrá?             Teresa López Blanco
                                     Rafaela Curto Valduciel
                                     Raquel Quintanilla Medina
                                     Mª Luisa García Toribio
Balada de los tres       Feli Sánchez Puerta
                                       Olimpia Panero Martín
                                       Lucía Martín Blanco
Los dichos del Tío       Fabián Jesús Miranda Núñez
Dos nidos                     Pilar Zataraín Villaseco
La flor del espino        Paula García Vacas
El embargo                  Manuel-Andrés Sánchez García

Soñar a Gabriel y Galán
Gabriel y Galán, debido a su sensibilidad y a sus dotes de agudo observador, se dedica a escribir lo que le inspira el entorno en el que se desenvuelve. Poesías de pura raigambre racial, retratan las vidas de los humildes labriegos que trabajan y habitan en la dehesa; de los pobladores de aquellos pequeños núcleos rurales, de los amoríos entre los pastorcillos y las jóvenes zagalillas…
Los argumentos de sus poemas están arrancados del vivir cotidiano en los medios rurales: el viejo que da consejo a la moza casadera; el vaquerillo que llora el desvío de la zagala; el rentero que, mientras empuña la mancera del arado, va calculando las rentas que debe al terrateniente; y “el ama” que al morir va llenando de luto la alquería. Dice algún estudioso del poeta que los versos de Gabriel Galán huelen a tomillo y a cantueso recién cortado; a pan recién sacado del horno, a brazadas de mies que se acaban de segar, a leche recién ordeñada, a sudor campesino…
La observación minuciosa de las gentes pueblerinas de los alrededores le lleva a decir un día a un amigo: “… las gentucas de las aldeas, al par que cosas buenas, tienen miserias y roñas morales que repugnan al estómago más fuerte, se necesita mucha calidad y mucha paciencia para vivir entre ellas…”.
En otra ocasión confiesa a un amigo a través de la correspondencia epistolar: “… yo no tengo más amigos, en sentido estricto de la palabra, que uno de mis criados. Voy dejándome vivir, agua abajo, agua abajo, sin prisa alguna...”.

Ars Movendi, "Dialogos en la Danza"

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Jueves, 26 de abril , 21 horas

Teatro Juan del Enzina

Ars Movendi
Dialogos en la Danza

Entradas: 5 €

Un espectáculo fusión de los diferentes géneros de danza entretejidos con música en vivo y poesía.

Despistaos

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Teatro Juan del Enzina · 22.00 h ·

Entradas: 15 € venta anticipada / 18 € en taquilla

Inicios y primeros álbumes

El grupo comenzó su andadura en 2002, siendo sus primeros componentes Dani Marco (voz) e Isma (bajo). El primero había pasado por grupos alcarreños como Tifón o Zero. Un poco más adelante se unen a la banda More (guitarra) y Anono (batería). En 2003 sale a la venta su primer disco, Despistaos, producido por Dani Marco, y cargado de canciones de rock urbano. Este disco cuenta con numerosas colaboraciones, entre ellas la de Iker Piedrafita (Dikers).

Al tiempo que preparan su segundo disco, se une al grupo Krespo, y hay un primer cambio en la batería, de Anono por El Canario. ¿Y a ti que te importa? se lanza al mercado el 14 de junio de 2004, esta vez con menos influencia del rock urbano y con un estilo más pop rock.

Durante la grabación de su tercer disco, Lejos, El Canario deja el grupo y entra a formar parte de ellos como batería Iñigo Iribarne (anterior batería de Belén Arjona). Su tercer trabajo salió a la venta en 2006. En éste álbum colaboran Fito Cabrales en Es importante y Albertucho en Migas de Pan.

Vivir al revés y primer recopilatorio

Su cuarto álbum, Vivir al revés, se publicó en septiembre de 2007. Fue producido por el productor Jesús N. Gómez (Joaquín Sabina, Luz Casal, Gabinete Caligari, La Frontera, Alex Ubago…). En el disco hay colaboraciones de Kutxi Romero (Marea), Rulo (La Fuga) o Huecco. De este álbum aparecieron dos singles, Cada dos minutos y Los zapatos de un payaso. En 2009 editan la canción Física o química para la serie de televisión del mismo nombre y preparan la salida de su nuevo CD, Lo que hemos vivido, recopilatorio que incluye nuevas versiones de sus temas más conocidos y algunos nuevos, y cuenta con colaboraciones como las de Dani Martín de El Canto del Loco en Hasta que pase la tormenta, Iker de Dikers en Nada de que hablar, Brigi de Koma en El único espectador y María (ganadora de Factor X) y Georgina en El Silencio. El día 12 de diciembre de 2008 reciben el premio a mejor artista revelación, otorgado por los 40 Principales.

Cuando empieza lo mejor

Tras cinco entregas discográficas y cientos de directos y anécdotas a sus espaldas, la banda alcarreño-madrileña publica su quinto álbum de estudio, Cuando empieza lo mejor, con trece nuevas canciones. El disco tiene dos colaboraciones, con Jorge de Maldita Nerea, y Pablo de Lagarto Amarillo.

El 13 de octubre de 2011, el grupo hace uso de nuevas tecnologías para dar su primer concierto a través de internet, en directo. El concierto se retransmite a través de la plataforma on-live eMe.

Los días contados

El 7 de febrero de 2012 salió a la venta un CD+DVD en formato acústico con sus canciones mas conocidas y dos temas nuevos: Los días contados y #todosparauna. En el disco hay colaboraciones de María Villalón y Dani Martín.

Coro Universitario

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Sábado, 9 de junio

CONCIERTO CORO UNIVERSITARIO

Auditorio Hospedería Fonseca · 20.30 h · Entrada libre hasta completar aforo

CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

El Coro de la Universidad de Salamanca, uno de los coros universitarios más antiguos de España,  fue fundado en 1950 por el maestro Jesús García-Bernalt, quien lo dirigió hasta 1990.  A lo largo de su dilatada vida ha desarrollado una intensa actividad concertística, que le ha llevado a la práctica totalidad de España y Portugal, así como a buena parte de Europa, recibiendo numerosas distinciones y premios. Asimismo ha grabado programas para radios y televisiones españolas, portuguesas, francesas, mexicanas, alemanas, japonesas, etc. Por otro lado, desarrolla una intensa actividad en el ámbito salmantino, participando además en todos los actos solemnes de la Universidad, lo que lo ha convertido en un elemento fundamental del ceremonial de esta institución.
El repertorio del Coro Universitario es uno de sus elementos característicos. Si bien ha abordado polifonía desde el renacimiento hasta nuestros días, su trabajo fundamental se centra en la música de los últimos  cien años, montando constantemente nuevos programas, explorando repertorios muy poco conocidos y dedicando especial atención a la música española e hispanoamericana. Entre los centenares de programas ofrecidos pueden mencionarse la cantata Música para un Códice Salmantino, de Joaquín Rodrigo,  las Vísperas de S. Rachmaninov, los Catulli Carmina y los Carmina Burana de Orff, el Requiem de M. Duruflè, el oratorio Crucifixion de Sir John Stainer, la colección Swinging Christmas de T. Gabriel, el Bestiari de Manuel Oltra, o los conciertos dedicados a la música infantil española o a la desconocida generación de compositores españoles del “Motu proprio”. Asimismo, ha hecho una intensa labor de difusión de la música salmantina, interpretando numerosas obras de compositores como Gerardo Gombau, Dámaso Ledesma o Bernardo García-Bernalt Huertos entre otros.
Entre sus trabajos de los últimos años están  el salmo sinfónico El Rey David de Arthur Honegger (2004), el Requiem de John Rutter (2005), la Misa en Re Mayor de Dvorak, (Biberach, Alemania 2006), la suite L’homme armée de Karl Jenkins, estrenada en Salamanca en mayo de 2007, los ciclos Five mystical songs de Vaughan Williams (Catedral de Valladolid 2008)  e Indianas de Carlos Guastavino (Salamanca 2008) o la Missa Katharina y Cantica Sancto Benedicto de J. de Haan (abril de 2011). En julio del presente año participó en diversos festivales de música coral y órgano en Gdynia, Pelplin, Pulck y Wladislawowo (Polonia), con un programa dedicado a la música coral ibérica del último cuarto de siglo.
El coro ha colaborado con grupos como la Orquesta de RTVE, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Würzburg, el Ensemble del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, o la Joven Banda Sinfónica de Castilla y León, siendo dirigida por músicos como Odón Alonso, Ralf Klotz, Rudolf Dangel o Johann Mösenbichler. Desde 1990 su director titular es Bernardo García-Bernalt quien, asimismo, dirige la Academia de Música Antigua y el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca.

PROGRAMA

The lamb (1976) John Tavener (1944-)
Song for Athene (1993) John Tavener
Solfeggio (1963) Arvo Pärt (1935-)
Chiisana Sora (1981) Toru Takemitsu (1930-1996)
Black is the color of my true love’s hair (2009) David Lantz III, arr. (1956-)

***

Te recuerdo Amanda (Víctor Jara 1969)* Mario Cánovas. arr.
Alfonsina y el mar (A.Ramírez, F. Luna 1969)* Juan Pablo Rojas, arr.
Rabo de nube (Silvio Rodríguez 1980) César A. Carrillo, arr. (1985)
Locuras (Silvio Rodríguez 1987) Liliana Cangian, arr. (1991)
Serenata para la tierra de uno (M. E. Walsh 1971) Liliana Cangian, arr.

***

The seal lullaby (2008) Eric Whitacre (1970-)
Somewhere over the raimbow (1938) Harold Arlen (1905-1986))
Moon river (1961) Henry Mancini (1924-1994)
West side story (medley) (1957) Leonard Bernstein (1918-1990)
The bare necessities (1964) Terry Gilkyson (1916-1999)

*Valeska Cabrera Silva (directora invitada)
Juan José Diego (piano)
Bernardo García-Bernalt (director)

Coro de Cámara, "Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz"

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Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz

Joseph Haydn (1732-1809)
Versión para pianoforte y voces de S. Neukomm (1804?)

Coro de Cámara de la
Universidad de Salamanca

Juan José Diego (piano)

Director: Bernardo García-Bernalt

Auditorio Fonseca. 1 de abril de 2012. 20:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo

Sería posiblemente en 1786 cuando Joseph Haydn recibió una carta escrita en latín, procedente de Cádiz y firmada por Francisco de Paula María de Micón, marqués de Méritos. En ella le solicitaba la composición de una obra musical destinada a una celebración paralitúrgica muy especial: el ejercicio de las Tres Horas. Tal acto se venía celebrando desde hacía años en la llamada Santa Cueva, un oratorio subterráneo que se había habilitado en 1756 en la iglesia del Rosario, en el centro de la ciudad.  La ceremonia, que tiene antecedentes en la reducciones jesuíticas americanas de mediados del XVII, se celebraba a mediodía del viernes santo y tenía por objeto la meditación sobre las frases que, según la tradición recogida en los  evangelios, Cristo pronunció en la cruz. El encargo estaba desrito con una minuciosidad que el propio Haydn recuerda en el préambulo que antecede a las diversas ediciones y versiones de la obra. Después de una introducción instrumental se pronunciarían siete sermones de unos diez minutos, tras cada uno de los cuales se debía escuchar un adagio o un largo de duración similar, que invitara a la meditación ante la imagen de un crucificado que se levantaba en medio de la iglesia. Palabras y música irían alternando, y se debía acabar con la representación musical del terremoto que siguió a la crucifixión. Todo ello se desarrollaba en un ambiente lúgubre, con las pareces del oratorio cubiertas de colgaduras negras y una sola lámpara en el centro.

Haydn aceptó el encargo y compuso la obra para orquesta. La difusión de la misma fue inmediata, a lo que contribuyeron las diferentes versiones que el propio Haydn abordó. Al año siguiente, en 1787,  publicó un arreglo para cuarteto y autorizó también la publicación de una reducción para teclado. La versión de oratorio –sobre textos de Joseph Friebert corregidos por el barón Gottfried van Swieten y el propio Haydn – fue escrita posiblemente en 1795, y estrenada en Viena en 1796. Por su parte, Sigismund Neukomm, alumno de Haydn y uno de los más activos difusores de su obra, publicaría en Viena en 1804, en la imprenta de Tranquillo Mollo, una reducción de esta última versión, para voces y teclado (tanto el pianoforte como el cémbalo son nombrados en la partitura), con el texto traducido al italiano. Esta peculiar versión es la que escucharemos en el concierto de hoy.

El hecho de que la celebración de las Tres Horas estuviera muy arraigada en la tradición hispana propició una extensa circulación de esta obra. Se encuentran copias de las distintas adaptaciones de la misma en numerosos archivos catedralicios españoles. Así, por ejemplo, la catedral de Salamanca posee manuscrito de una versión para teclado, en la de Zaragoza hay dos copias, una de ellas impresa por Bonifacio Sanmartín de Eslava, que no es sino una edición de la versión de Neukomm, y en  el Palacio Real hay también una peculiar adaptación para cuarteto de cuerdas y voces. No son tampoco raros los homenajes y referencias –muchas veces no reconocidos– a esta obra en otras composiciones: el archivo musical de la universidad de Salamanca guarda un curioso ejemplo. Incluso se realizaron traducciones al castellano de la versión de oratorio, como la del organista Francisco Xavier Cabo, publicada en Valencia en 1821.

Las siete palabras era una obra especialmente querida por Haydn. En una carta que envía a uno de sus editores ingleses ofreciéndole la versión orquestal y explicándole el trabajo dice: “Cada sonata o movimiento está solamente expresado por medio de una música instrumental de tal tipo que provoca la más profunda emoción del alma, incluso en la persona más sencilla. El trabajo entero dura poco más de una hora, pero ha de haber una pequeña pausa tras cada sonata, de modo que uno pueda reflexionar sobre el texto que sigue”. Al hilo de este comentario de Haydn hemos decidido intercalar entre movimiento y movimiento una brevísima intervención que sitúe al oyente en la que será la siguiente palabra. Para ello nos serviremos de un texto coetáneo a la versión de Neukomm, el  Sermón de las siete palabras que habló Jesú-Christo en la Cruz, del franciscano Fray Pantaleón García (Madrid 1804), del que entresacaremos algunas líneas.
Bernardo García-Bernalt

Die worte der erloesers am Kreutze
(Las palabras del redentor en la cruz)
Oratorio de Joseph Haydn (1732-1809)
Versión para teclado y voces de Sigismund Neukomm (1778-1858)
(Viena, T. Mollo, 1804)

L’introduzione. Maestoso adagio
I. Pater, dimitte illis. Largo
II. Amen, dico tibi: hodie mecum eris in Paradiso. Grave e cantabile.
III. Mulier, ecce filius tuus. Grave
IV. Eli, lamma sabacthani!. Largo
Introduzione seconda. Poco largo e cantabile
V. [Siteo]. Adagio
VI. Consumatum est. Lento.
VII. Pater, in manus tuas commendo Spiritum meum. Largo con sordini
Terremoto. Presto e con tutta la forza

CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

SOPRANOS: Ana Serrano, Bárbara Gomulka, Carmen del Olmo, Concha Yáñez, Elena Redondo, Gloria Ramos, Mercedes Martín, Noemí Pellejero.

ALTOS: Beatriz Mayoral, Cristina Alario, Cocha Delgado, Elisa Traubinger, Lourdes Diego, Raquel Nieto.

TENORES: Ariel Sribman,  Carlos Fernández, Carmelo Hernández, David G. Iglesias, Pedro Fernández.

BAJOS: Alberto Miniño, Alejandro Gago, Álvaro de Dios, Carlos Conde, Javier García, Jesús Plaza

NARRADOR: Jesús Plaza
PIANO: Juan José Diego
DIRECTOR: Bernardo García-Bernalt

CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, fue creado en 1984 con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el “reestreno” de partituras inéditas correspondientes a este periodo. Asimismo, en los últimos años es frecuentemente invitado a abordar, junto con distintas orquestas, música de los siglos XIX y XX.

Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987 el ciclo “Música da época das descobertas” (Lisboa), la I Muestra de polifonía española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid), la Semana de Música de Canarias,  “Música en la España de la expulsión” (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York),  A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca, XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa), Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Patrimonio (Salamanca 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja san Fernando, ciclo “Plaza Sacra” (Salamanca 2005), Festival “Florilegio” (Salamanca). FEX del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza , X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía “Victoria y su tiempo” (Ávila), etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo RNE clásica le ha dedicado varios programas.

Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca “Il Fondamento”, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la orquesta de cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca. El Coro ha sido dirigido por músicos como Wim ten Have, Paul Dombrecht, Eduardo López Banzo, Jacques Ogg, Manuel Morais, Gerard Caussé, Juan José Mena, Omri Hadari, Gabriel Garrido, Manel Valdivieso, Luis A. González Marín, Carlos Cuesta,  Federico M. Sardelli etc.

Desde su fundación el coro es dirigido por Bernardo García-Bernalt, director, asimismo, del Coro Universitario y de la Academia de Música Antigua de la Universidad salmantina.

Juan José Diego (piano)
Juan José Diego inició su formación musical en Salamanca con Mª Luz Diego,  y después en el Conservatorio de la misma ciudad con Carmen Herrera y Juan José Perez Torrecillas. Completo más tarde sus estudios en Madrid con Almudena Cano y en numerosos cursos con profesores como Joaquín Achucarro, Ramón Coll, Patricia Montero, Ramsy Yassa, Guillermo González,  Manuel Carra, Rita Wagner, etc.
Desde muy pronto su dedicación se dirigió casi exclusivamente hacia la docencia, primero como profesor de Historia de la Música y después como profesor de Piano en los Conservatorios de Segovia y Salamanca, alternando de forma esporádica esta actividad con su participación en conciertos, especialmente en agrupaciones camerísticas.
Desde hace algunos años es pianista repetidor habitual del Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, al que ha acompañado en varios conciertos.
Interesado también en el mundo del jazz y las nuevas músicas, ha colaborado en grabaciones con músicos como Juan Cerro o el Quinteto Oeste.

TEXTOS

Nao d'amores, "Farsas y Églogas"

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TEATRO

COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO y NAO D’AMORES

Farsas y Églogas, de Lucas Fernández
Dirección : Ana Zamora

Viernes, 9 de marzo
Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · Entrada con invitación

Retirada de invitaciones a partir del Jueves 8 de marzo, de 11 a 14 horas  y de 17 a 20 horas, en la Hospederia Fonseca

Nacido en 1470, el salmantino Lucas Fernández está considerado como uno de los padres del teatro español junto a Juan del Encina, con quien rivalizó y a quien venció en la lucha por conseguir un puesto de cantor en la catedral de su ciudad natal. Se especula con la probabilidad de que ambos poetas tuvieran la oportunidad de asistir, con motivo de las frecuentes visitas entre las cortes castellana y portuguesa, a alguna de las representaciones que Gil Vicente ofreció por aquellos años, lo cual explicaría el desarrollo, de manera continuada, de esta dramaturgia renacentista.
Algunas de sus obras se representaban ya en 1501 y sus Farsas y églogas al modo pastoril fueron publicadas en Salamanca en 1514


La COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO

La COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICOes una unidad de producción del INAEM (Instituto Nacional de la Artes Escénicas y la Música), encuadrado en el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Creada por Adolfo Marsillach en 1986, la Compañía Nacional de Teatro Clásico tiene como misión principal la recuperación, preservación, producción y difusión del patrimonio teatral anterior al siglo XX, con especial atención al Siglo de Oro. Sus objetivos son:

- La consolidación de grandes títulos del repertorio.
- La recuperación de obras menos conocidas del teatro clásico español.
- La cooperación con instituciones y compañías públicas y privadas, nacionales y extranjeras en proyectos comunes.
- Velar por la formación especializada en la representación de los clásicos, en la que ocupará un lugar destacado la prosodia del verso clásico.
- Impulsar iniciativas didácticas que faciliten el entendimiento de su programación artística.

Desde su creación, la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha contado con los siguientes directores:
- Adolfo Marsillach (enero de 1986 a julio de 1989 / enero de 1992 a enero de 1997)
- Rafael Pérez Sierra (agosto de 1989 a diciembre de 1991 / enero 1997 a noviembre de 1999)
- Andrés Amorós (noviembre de 1999 a mayo de 2000)
- José Luis Alonso de Santos (junio de 2000 a septiembre de 2004)
- Eduardo Vasco (septiembre de 2004 a septiembre de 2011)
- Helena Pimenta (desde septiembre de 2011)
Farsas y Églogas, de Lucas Fernández

NAO D´AMORES

En el año 2001 nacía Nao d´amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la música antigua, que bajo la dirección de Ana Zamora, desarrolla una labor de investigación, formación y creación en torno al teatro medieval y renacentista. En el año 2008, a través de un convenio con el Excmo. Ayuntamiento de Segovia, Nao d´amores iniciaba una nueva etapa como Compañía Residente en la Casa del Arco de San Andrés, una torre adosada a una de las puertas de la muralla, espacio en el que actualmente desarrolla sus actividades. Ese mismo año, Ana Zamora y Nao d´amores eran galardonados con el Premio Ojo Crítico de RNE por su “imprescindible viaje a los orígenes de nuestro teatro, guiados por una mirada respetuosa a la vez que imaginativa; culta al tiempo que popular”. En estos diez años de travesía han profundizado sobre diversos núcleos temáticos que abarcan el período comprendido entre el siglo XII y el XVI, una labor que ha desembocado en la presentación seis espectáculos profesionales, que a día de hoy, son todo un referente sobre cómo abordar nuestro teatro primitivo: Comedia llamada Metamorfosea, de Romero de Cepeda (2001); Autos de la Sibila Casandra (2003) y de los Cuatro Tiempos (2004) ambos de Gil Vicente; Misterio del Cristo de los Gascones (2007) a partir de textos del siglo XV; Auto de los Reyes Magos (2008) en coproducción con el Teatro de La Abadía, y Dança da Morte / Dança de la Muerte (2010) en coproducción con el Teatro da Cornucópia, de Lisboa.

Como equipo estable de reconocida trayectoria en la puesta en escena de nuestro teatro primitivo, los componentes de Nao d´amores, han colaborado artísticamente con la Compañía Nacional de Teatro Clásico en los espectáculos Viaje del Parnaso (2005) de Miguel de Cervantes, bajo la dirección de Eduardo Vasco y Tragicomedia de Don Duardos (2006) de Gil Vicente, bajo la dirección de Ana Zamora.
Farsas y Églogas, de Lucas Fernández

ANA ZAMORA (Dramaturgia y Dirección) .
Titulada Superior en Dirección de Escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (1996-2000), ha ampliado su formación con directores como Jacques Nichet, Máximo Castri, Stephan Schuske.
En el año 2001, funda Nao d´amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, el teatro de títeres y la música antigua, que desarrolla una labor de investigación y puesta en escena en torno al Teatro Primitivo. Con esta compañía ha estrenado los siguientes espectáculos: Comedia llamada Metamorfosea de Joaquín Romero de Cepeda (2001), Auto de la Sibila Casandra, de Gil Vicente (2003) y Auto de los Cuatro Tiempos (2004), Gil Vicente, Misterio del Cristo de los Gascones (2007), Auto de los Reyes Magos (2008), en coproducción con el Teatro de la Abadía y Dança da Morte / Dança de la Muerte (2010), en coproducción con Teatro da Cornucópia de Lisboa.

Como directora, ha realizado puestas en escena de textos muy diversos: Ligazón de Ramón del Valle-Inclán en el espectáculo Avaricia, Lujuria y Muerte (2009) para el Centro Dramático Nacional, Hojas del árbol caídas (2008), dramaturgia propia a partir de textos de José de Espronceda, Tragicomedia de Don Duardos de Gil Vicente (2006) para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (espectáculo finalista a la mejor dirección de escena de la temporada en los premios de la ADE), El Amor al Uso de Antonio de Solís (2002) para la Compañía José Estruch, estrenado en el Corral de Comedias de Almagro; Mujer y Teatro un recorrido documental sobre la aportación de la mujer a la dirección de escena en los principios del siglo XX (2001), Antígona de Jean Anouilh (2001), La noche veneciana de Alfred de Musset (1999), Camino de Wolokolamsk 1 de Heiner Müller (1998), Las sirenas de Louis Charles Sirjacq (1998), Historia de una famosa hechicera a partir de un romance anónimo de 1811 extraído de los Archivos de la Inquisición (1996), Solsticio dramaturgia a partir de un estudio etnográfico sobre tradiciones estivales en Castilla (1995). Ha sido Ayudante de Dirección del Equipo Artístico del Teatro de La Abadía, realizando además ayudantías concretas de varios espectáculos: Ubú Rey (2002), de Jarry bajo la dirección de Àlex Rigola, El libertino (2003) de Eric Emmanuel Schmitt con Joaquín Hinojosa y Sobre Horacios y Curiacios (2004) de Bertolt Brecht, dirigida por Hernán Gené, (Premio MAX al Mejor Espectáculo de la Temporada). Ha trabajado para la Compañía Nacional de Teatro Clásico como Ayudante de Dirección del Equipo Artístico de Eduardo Vasco, habiendo realizado además, ayudantías para dos espectáculos: El Castigo sin venganza (2005) y Viaje del Parnaso (2005). A lo largo de su carrera profesional ha recibido numerosos premios entre los que podríamos destacar: Ojo Crítico de Radio Nacional (2008), Mejor Dirección de la Temporada (2008) y Premio José Luis Alonso (2001) ambos de otorgados por la Asociación de Directores de Escena de España, o sus nominaciones como finalista al Premio Valle-Inclán (en sus ediciones 2008 y 2009), a los Premios Max en la categoría de Espectáculo Revelación (2009), Mejor Dirección y Mejor Espectáculo en los Premios Teatro de Rojas de Toledo 2008, y Mejor dirección veterana en los Premios Chivas-Telón 08, estos últimos por Misterio del Cristo de los Gascones.

Farsas y Églogas, de Lucas Fernández

EQUIPO ARTÍSTICO ALICIA LÁZARO (Arreglos y Dirección Musical)

Instrumentista, directora e investigadora de la música española del renacimiento y el barroco, es titulada por el Conservatorio Superior de Música de Ginebra, y estudió en la Schola Cantorum Basiliensis con los profesores Eugen M. Dombois y Hopkinson Smith. Como instrumentista de vihuela, laúd, y guitarra barroca, y formando parte de diferentes grupos, ha realizado conciertos en España, Italia, Francia, Alemania, Portugal, y en Venezuela y Brasil. Como directora, ha trabajado en España, Italia y Suiza con programas dedicados a la música española del XVI y XVII. Desde 1997 dirige la Sección de Investigación Musical de la Fundación Don Juan de Borbón en Segovia, y la Capilla de Música Jerónimo de Carrión, con la que realiza habitualmente programas de música inédita de la catedral de Segovia y otros archivos históricos, y grabaciones discográficas. Con la discográfica VERSO, ha grabado tres CD dedicados a la música del siglo XVII en Segovia: Calendas, el tiempo en las Catedrales, Ecos y Afectos - premio Choc de la Musique en septiembre 2005 - y Ah de los elementos. Para teatro, ha realizado desde su regreso a España la música para: Acis y Galatea, Viento es la dicha de Amor, El libro de Motes y la Escuela de Danzar, Las Alegres Comadres de Windsor, El Burgués Gentilhombre (Festival de Almagro). Con la Compañía Nacional de Teatro Clásico: Viaje del Parnaso, Sainetes, Don Gil de las calzas verdes, Romances del Cid, Tragicomedia de Don Duardos, Del Rey abajo ninguno, Las manos blancas no ofenden y De cuando acá nos vino.
Con la compañía Nao d´amores, con la que colabora desde su fundación como compositora, arreglista, directora musical e intérprete: Comedia llamada Metamorfosea de Joaquín Romero de Cepeda, dos autos de Gil Vicente: el Auto de la Sibila Casandra y el Auto de los Cuatro Tiempos, Misterio del Cristo de los Gascones y Auto de los Reyes Magos, (en coproducción con el Teatro de La Abadía). Entre otros trabajos de investigación, ha publicado la integral de canciones para voz y guitarra barroca de José Marín (s.XVII), y los tres primeros volúmenes de la colección Maestros de Capilla de la Catedral de Segovia (FDJB, Segovia 2004-2008).

DEBORAH MACÍAS (Vestuario)
Nacida en Sevilla, inicia su formación artística en las Escuelas de Arte de Madrid en el año 1992, y posteriormente se titula en la Escuela de Comunicación Gráfica de la capital.
Desde 1996 desarrolla su creatividad como dibujante de animación en distintos estudios, paralelamente a sus estudios en la Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, donde se licencia en Escenografía en 2001. Así pues, durante los años que pasa en la RESAD comienza a implicarse en distintos proyectos, como el vestuario de Las brujas de Salem dirigida por Charo Amador (2000), o el de La zorra Ilustrada de Ignacio Amestoy y bajo la dirección de Pedro Víllora (2000). Además, realiza la escenografía para La devoción de la cruz, dirigida por Carlos Aladro (2001), y diversas asistencias, dentro del ámbito de estudio, tanto en vestuario como en espacios. Perteneciente a la generación más joven de La Abadía, desde el año 2001 trabaja como ayudante en el Departamento Técnico del Teatro, donde desarrolla sus conocimientos en los procesos de creación y lleva a cabo diversas ayudantías artísticas de producciones, véase Defensa de dama y Memoria de un olvido. Cernuda [1902-1963], ambas bajo la dirección de José Luis Gómez, El libertino de Eric-Emmanuel Schmitt, a las órdenes de Joaquín Hinojosa y Comedia sin título dirigido por Luis Miguel Cintra para el Teatro de La Abadía.

Sus últimos proyectos artísticos para el Teatro de La Abadía han sido el espacio de Garcilaso, el cortesano, bajo la dirección de Carlos Aladro (Premio José Luis Alonso de la ADE 2004) y la escenografía de Sobre Horacios y Curiacios de Bertolt Brecht con dirección de Hernán Gené (Premio Max 2004 al “mejor espectáculo”). Colabora habitualmente como diseñadora de vestuario en los espectáculos de la compañía Nao d´amores dirigida por Ana Zamora: Auto de la Sibila Casandra (2003) y Auto de los Cuatro Tiempos (2004) ambos de Gil Vicente y Misterio del Cristo de Los Gascones (2007). También bajo las órdenes de Ana Zamora y para la Compañía Nacional de Teatro Clásico desarrolló el diseño de vestuario de Tragicomedia de Don Duardos (2006) de Gil Vicente. El último trabajo con Nao d´amores ha sido el vestuario para el Auto de los Reyes Magos estrenado en el Teatro de La Abadía en diciembre de 2008.

DAVID FARACO (Escenografía)
Especialista en Teatro de Títeres, se ha formado como actor en distintas escuelas de teatro y ha completado sus estudios en el Laboratorio de Investigación sobre Teatro de Sombras que la Cia. Teatro Giocco Vita dirige en Piacenza (Italia).
Ha trabajado en Solsticio (1995) e Historia de una famosa hechicera (1996), ambas dirigidas por Ana Zamora y desde 1994 es miembro de la Cía. de Títeres Libélula, con la que ha participado en los festivales de teatro de títeres más importantes del mundo (Charleville en Francia, Bienal Internacional de Marionetas de Évora, Portugal; Festival de Riazan, Rusia) y ha realizado giras importantes por América. Entre estos espectáculos destacan El castillo de la perseverancia; Buscando a don Cristóbal y El paladín de Francia (Tercer Premio Teatralia 2000); Mejor espectáculo del Festival de Plovdifv, Bulgaria; Mejor espectáculo del Festival Internacional de Berna, Bulgaria). David Faraco es, además, integrante del equipo organizador del Festival Internacional de Teatro de Títeres Titirimundi desde 1994, y en 2006 pasa a ser Adjunto a la Dirección Artística. Pertenece al equipo artístico estable de la compañía Nao d´amores desde su fundación, habiendo participado como diseñador y constructor de títeres en el Auto de la Sibila Casandra de Gil Vicente. En el Auto de los Cuatro Tiempos y Misterio del Cristo de los Gascones lo ha hecho además como actor y manipulador. En el último montaje de la compañía realizado en coproducción con el Teatro de La Abadía, Auto de los reyes Magos, colabora como asesor de Títeres y Movimiento Escénico. Ha trabajado como Asesor de Títeres para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en los espectáculos Viaje del Parnaso de Cervantes bajo la dirección de Eduardo Vasco, y Tragicomedia de don Duardos de Gil Vicente, con dirección de Ana Zamora.

MIGUEL A. CAMACHO (AAI) (Iluminador)
Licenciado en Geografía e Historia (especialidad en Historia Moderna y Contemporánea) por la Universidad Autónoma de Madrid (1977/81), ha ampliado su formación en numerosos cursos específicos de técnica audiovisual, entre los que podríamos destacar: Curso Intensivo de Vari-Lite, realizado en Los Ángeles, California (1996); Curso de Diseño asistido por ordenador (1993), o Curso de iluminación Inteligente (1993).
Profesor de Iluminación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (R.E.S.A.D.) desde 1997. Director Técnico de la Compañía Nacional de Danza (1997/1998). Ayudante a la Dirección Técnica en el Centro Dramático Nacional. Teatro María Guerrero (1995). Director Técnico en el Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas (1989/1994). Director Técnico de la Compañía Nacional de Teatro Clásico desde 2005. Ha impartido diversos cursos de iluminación por todo el territorio nacional. Ha realizado, entre otros, diseños de iluminación para la Compañía Nacional de Danza (Self, Romeo y Julieta) Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas, (el Cristal de Agua fría, Caricias), Centro Dramático Nacional, (Rey Negro, Los Vivos y los Muertos), Teatro de la Zarzuela, (Las Tonadillas), Centro Andaluz de Teatro (La llanura, Otelo el Moro), Teatro Nacional de Cataluña, (la Comedia de los Errores), Compañía Nacional de Teatro Clásico (Don Juan Tenorio, La dama boba, La entretenida, El Castigo sin venganza, Viaje del Parnaso, Amar después de la muerte, Tragicomedia de don Duardos, Sainetes, El pintor de su deshonra, Las bizarrías de Belisa, La noche de San Juan, La Estrella de Sevilla…) y diversas compañías privadas de teatro: No son todos ruiseñores, La fuerza lastimosa, La bella Aurora de Lope de Vega, Algún amor que no mate de Dulce Chacón y Hamlet de Shakespeare, todas ellas bajo la dirección de Eduardo Vasco. Un Busto al cuerpo de Ernesto Caballero. Dirección Ernesto Caballero. Concierto para 48 voces. Dirigido por José Sámano. Te quiero muñeca…. de Ernesto Caballero. Dirección Ernesto Caballero. Sigue la tormenta de Enzo Corman, dirección: Helena Pimenta. Etc. Como diseñador de iluminación, ha colaborado en todos los espectáculos de la compañía Nao d´amores: Comedia llamada Metamorfosea, de Joaquín Romero de Cepeda (2001), Auto de la Sibila Casandra (2003) y Auto de los Cuatro Tiempos (2004), estos dos últimos de Gil Vicente, Misterio del Cristo de los Gascones y Auto de los Reyes Magos, todos ellos dirigidos por Ana Zamora

PEDRO YAGÜE GUIRAO (Iluminador)
Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Murcia, y formado en el Teatro Universitario, tiene amplia experiencia en diversos ámbitos del oficio escénico.
Ha sido Director Técnico del Teatro de la Abadía de Madrid (2006/07), institución para la cual también trabajó como Jefe del Equipo de Iluminación (1999/06). Es Coordinador Técnico del Festival de Teatro Clásico de Almagro desde el año 2006, habiendo colaborado también como miembro del Equipo Técnico desde el año 1996. Ha trabajado como técnico teatral para numerosas compañías, en montajes de directores como: José Luis Gómez, Andrés Lima, Carles Alfaro, Ana Zamora, Álex Rigola, César Oliva, José Carlos Plaza, J. M Flotats, Gerardo Malla, John Strasberg, Ricart Reguant, Mariano de Paco, Jaime Chávarri...
En los últimos años ha firmado diversos trabajos como Diseñador de Iluminación: “Nubes”, “Visto y no visto”, “Tac- Tac”, “Pequeños Paraísos”, y “Nada, nada” para la Compañía Aracaladanza con dirección de Enrique Cabrera, “Los Diamantes de la corona” (junto a Francisco Leal) con dirección de José Carlos Plaza y “La Calesera” con dirección de Carles Alfaro, ambas producción del Teatro de la Zarzuela de Madrid, “El condenado por desconfiado” con dirección de Carlos Aladro y producción de la CNTC, “La charca inútil” dirigida por Roberto Cerdá y producción de K´Producciones, “Urtain” (junto a Valentín Álvarez) y “Hamelin”, ambas para la Compañía Animalario, bajo la dirección de Andrés Lima, “La Tierra” con dirección de Javier García Yagüe, producción del CDN, “Don Juan, el Burlador de Sevilla” (junto a Francisco Leal) con Dirección de Emilio Hernández, “Macbethladymacbeth” (junto a Carles Alfaro) producción del Teatro Español, “Ñaque, o de piojos y de actores” dirigida por José Sanchis Sinisterra, “La Señorita de Trevélez”, “Mala Sangre”, “Danny y Roberta”, “Ella se va” y “El olor del Popocorn” todas ellas dirigidas por Mariano de Paco, “Nada es casual III” de Rosa Manteiga y Alberto Jiménez en la Sala Cuata Pared, “La Ilusión”, “Terrorismo” y “Garcilaso, el cortesano” (junto a José Manuel Guerra) dirigidas por Carlos Aladro con producción del Teatro de la Abadía, “La vida es sueño” y “El astrólogo fingido” bajo la dirección de Gabriel Garbisu, “Sobre Horacios y Curiacios” con dirección de Hernán Gené en el Teatro de la Abadía, “Viznar o la muerte de un poeta” (junto a Paco Azorín) bajo la dirección de César Oliva. En el año 2007 recibía el Premio “Rogelio de Egusquiza de Iluminación” por su diseño para “La Ilusión” con dirección de Carlos Aladro y producción del Teatro de la Abadía. Ha sido finalista al “Premio Max de Iluminación 2008”, por “Pequeños Paraísos” con dirección de Enrique Cabrera y producción de la Compañía Aracaladanza. Este año ha recibido el “Premio Max de Iluminación 2010” por “Urtain”, coproducción del CDN. y la compañía Animalario, con dirección de Andrés Lima.

JAVIER GARCÍA ÁVILA (Coreografía)
Formado en Danza Española, Escuela Bolera y Danza Clásica, en 1996 comienza a estudiar Danza Histórica y pasa a formar parte de la Asociación de Danza Histórica Esquivel y de la Compañía La Españoleta. Su especialidad es la danza tradicional y desde 1980 pertenece a Coros y Danzas de Madrid-Ballet Folclórico de Madrid, como profesor de la escuela y bailarín. Aquí ha podido adquirir de fuentes directas conocimientos de todo el folklore español y ha participado en numerosos festivales internacionales en EEUU, Egipto, Filipinas, Irak, etc. y también en casi todos los festivales nacionales de folklore.
Desde 1986 forma parte del Ballet Español de María Rosa, donde ha sido dirigido por coreógrafos como Antonio, José Antonio, Pedro Azorín, Juanjo Linares, Victoria Eugenia, Antonio Alonso o Cristina Hernando, y del que también es adjunto a la dirección. Ha formado parte también de las compañías Teatro de Danza Española, bajo la dirección de Luisillo, e Ibérica de Danza, con dirección de Manuel Segovia y Violeta Ruiz. En su faceta pedagógica ha impartido Danza Tradicional en diversos conservatorios y escuelas de danza. Como coreógrafo destaca su jota Reino de Aragón para el Ballet de Emilio Hernández, así como los números musicales de la obra de teatro El Desván a cargo de la Compañía En-Salle C. T. y la danza tradicional de La Plaza, de la Compañía de Joaquín Ruiz. También su coreografía Van por el aire, con música de Eliseo Parra, finalista del Certamen Nacional de Danza española y Flamenco celebrado en el Teatro Albéniz de Madrid. Así mismo ha creado cuatro producciones completas para su propia compañía Razas: Goya: un genio entre dos pueblos, De la seguidilla al bolero: danzas de España, Salón de reinos y Bailando nuestras lenguas, y ha aportado la idea coreográfica y la dirección artística de los últimos espectáculos del Ballet Folclórico de Madrid: Raíces (junto a la Compañía Gíbaro de Puerto Rico), Por el Sur, Por los Caminos de Santiago, Cultradición y Son 60. En el año 2008, colabora como coreógrafo en el Auto de los Reyes Magos, coproducción de Nao d´amores y Teatro de la Abadía, bajo la dirección de Ana Zamora.

VICENTE FUENTES (Asesor de verso español)
Profesor de voz y lenguaje. Asesor de verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Dirige la formación de la C.N.T.C (la compañía La Joven). Titulado en Arte Dramático por la RESAD, Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Traductor del libro The voice and the actor de Cicely Berry para la editorial Alba. Doctor por la Universidad de Alcalá, departamento de Filología Hispánica.
En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar estudios teatrales en Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La voz humana u objetiva. Completa su formación teatral en Stratford con Cicely Berry, directora vocal de la Royal Shakespeare Company. Miembro fundador del Roy Hart International Center. Participa en las producciones más importantes de este grupo desarrollando el trabajo de la voz humana según la visión del maestro Roy Hart. En 1987 asiste a los cursos de patología vocal con el profesor Guy Cornut de la Universidad de Lyon. Trabaja sobre los comportamientos laríngeos de ciertos sonidos multifónicos. En 1990 regresa al quehacer teatral español y desde esta fecha forma parte de la RESAD como catedrático en el Departamento de Voz y Lenguaje. Parte de su actividad teatral está ligada al Teatro de La Abadía, donde con frecuencia imparte talleres de formación y colabora en sus producciones teatrales. Es colaborador habitual de la compañía Nao d´amores, habiendo trabajado como asesor de verso en el Auto de los Reyes Magos, bajo la dirección de Ana Zamora.

Para mas información visita su Pag. Web 

Musical "Grease"

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Muestra de Artes Escénicas Universitarias

Abril - Mayo 2012

Sábado, 28 de abril    
Colegio Mayor “Juan Luis Vives” de la Universidad Autónoma de Madrid
Musical  Grease
Director artístico y musical: Francesco  Ercolani
Coreografía:             Paloma Rodríguez Suárez

ELENCO

Sandy                                                                                    Elva Souto Fernández
Danny                                                                                    Adrián Galicia Arnaiz
Rizzo                                                                                      Laura Criado Contreras
Kenikie                                                                                   Àngel Manuel Gómez Sicilia
Jennie Casino                                                                         Cristina Serrano Naranjo
Johnny Casino                                                                        Fernando Solís Juárez
Ángel de la guarda / Vince Fontaine                                          Gonzalo Arrivi Duarte
Putzie                                                                                     José Manuel Ortiz Cirugeda
Marty                                                                                     Teresa Méndez Álvaro
Jane                                                                                       Teresa Rodríguez López – Salazar
Cha Cha Di Gregorio                                                                 Carolina Falcato Córdoba
Soony                                                                                     Julián Vicente Page
Frenchy                                                                                  Silvia Callejas González
Doody                                                                                    Raúl Gómez Tejada
Directora / Entrenadora                                                           Lara González del Río Gabaldón
Camarera                                                                                Irene Serrenes Fuente
Malo                                                                                        David Gil de Gómez Pérez
Patty                                                                                       Blanca Cañizares Conde
Christie                                                                                   Laura Rodríguez Mingo
Musculitos                                                                               Ernesto González Curbelo

ELENCO ORQUESTA

Guitarra eléctrica                                                                        Andrés Frediani
Guitarra eléctrica                                                                        Marcos Arévalo Pérez
Bajo eléctrico                                                                              Alfonso Pazos Borge
Batería                                                                                       Jesús Rouco Ramiro
Teclados                                                                                     Ana Belén Guijarro Salas
Saxofón                                                                                      José Carlos Cruzata Revé

GÉNESIS DEL PROYECTO - AGRADECIMIENTOS

El montaje del musical “Grease” en este curso académico por parte del coro del Colegio Mayor “Juan Luis Vives” de la Universidad Autónoma de Madrid, es una pieza más del proyecto colectivo con el que este centro quiere celebrar su veinte aniversario en el seno de esta institución docente e investigadora madrileña. La mejor manera que encontramos de mostrar cómo somos y lo que hemos hecho todos estos años, ha sido volcándonos en las actividades que siempre nos han identificado, dedicarles más trabajo y más medios y sacarlas a la calle.

Los colegiales actuales del coro, los que algún día formaron parte de él, los amigos de unos y otros, y su incansable director Francesco Ercolani, dieron rápidamente un paso al frente y se comprometieron a contribuir a la efemérides con un musical. Sin las horas que han robado al estudio y a sus compromisos profesionales nada hubiera sido posible.
Sin el compromiso de la Dirección del Colegio, y el apoyo de nuestra Universidad a través de los vicerrectorados de Campus y Atención a la Comunidad y de Cooperación y Extensión Universitaria, tampoco.

Salir de Madrid no hubiera sido posible sin que la Asociación Nacional de Colegios Mayores y Residencias Universitarias de Titularidad Pública, dentro del marco de su programa de intercambio de actividades, subvencionara nuestro traslado.
Y representar el musical en esta bella ciudad, y en este singular teatro “Juan de la Enzina”, ha sido finalmente posible gracias a que existe una Universidad centenaria y acogedora, la de Salamanca, que ha tenido la gentileza de  invitarnos e incluir nuestro espectáculo dentro de la programación de la Muestra de Artes Escénicas de este año. Debemos confesar que contar con la complicidad y colaboración de Juan Carlos Hernández y Manuel Heras, directores de los servicios de Residencias y Actividades Culturales ha hecho todo muy fácil

Calamandrei, "Mejor loco que mal acompañado"

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Muestra de Artes Escénicas Universitarias

Abril - Mayo 2012

Viernes 20 de abril - Teatro

Calamandrei

Mejor loco que mal acompañado

Dirección: Federico Bueno de Mata

Dramaturgia: Sebastián Duarte Paredes/Jacobo Cristellys Sancho

REPARTO
Mariana    Seila Sánchez
Borja    Ángel Valdunciel
Sonsoles    Inés Blanco
Cayetano    Carlitos López
Alonso    Nacho Leo
Carmina    Lorena Muñoz
Fermín    Piñón Paredes
Sofía     Victoria Petrichenko
Práxedes    Mª Ángeles Martín
Luisa    Almudena Gallardo
Inspector Chamorro    Fernando Melero
Claudia    Carlota Candeias
Jimena    Isabel Domínguez
Martina    Dominika Viola

Mejor loco que mal acompañado constituye un homenaje a la obra de Jardiel Poncela Eloísa está debajo del almendro, incorporando a la obra el humor y los temas sociales del siglo XXI.
La historia comienza en una peluquería de barrio, un escenario que sirve para realizar una crítica a la sociedad actual, abordando temas como la crisis económica, las nuevas tecnologías, la xenofobia o la homosexualidad a través de una visión estereotipada de la clase alta y la clase obrera. Así mismo, este escenario sirve para presentar a la pareja protagonista en torno a la cual gira esta tragicomedia marcada por la locura: Mariana y Borja.
Mariana, una joven de clase alta que habita en una casa llena de personas desequilibradas: un padre que lleva veinte años postrado en una cama a causa de una depresión, una tía esquizofrénica, unas sirvientas hiperactivas y cleptómanas y su tía Sonsoles, con la que comparte la atracción fatal y el morbo por el misterio.

Esta obsesión por los sucesos misteriosos es lo que lleva a Mariana a conocer a Borja, un enigmático y adinerado joven que tiene un interés desmesurado en llevar a Mariana a su casa para confesarle un sorprendente secreto, y que siempre va acompañado por su tío Cayetano, un médico que ejerce prácticas profesionales enigmáticas.
Todo este misterio irá en aumento y estará fomentado en todo momento gracias a la investigación policial que llevará a cabo el Inspector Chamorro y dos policías infiltradas como sirvientas en los hogares de los dos jóvenes con el fin de desenmascarar el secreto que oculta Borja, precipitándonos al final frenético de una historia marcada desde el principio por la estridencia y la locura.

Big Band

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MÚSICA - JAZZ

Domingo, 6 de mayo

BIG BAND UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Teatro Juan del Enzina · 20.30 h · Entrada libre hasta completar aforo

La Big Band de la Universidad de Salamanca surge hace cinco años como iniciativa de un grupo de estudiantes de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Salamanca y aficionados al jazz. Su objetivo fundamental es crear un ámbito donde se pueda dar cabida a los estudiantes interesados por este tipo de música, facilitándoles no solo un contexto de interpretación, sino también un programa de formación. A lo largo de estos años son numerosos los prestigiosos músicos del panorama del jazz que han contribuido al enriquecimiento musical de esta orquesta. Entre ellos cabe mencionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Pepe Rivero, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgini, German Kucich o Miguel Blanco.

Aula de Teatro Electra, "Terror y Miseria en el Primer Franquismo"

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Lunes, 14 de mayo

Aula de Teatro Electra
Terror y Miseria en el Primer Franquismo, de José Sanchís Sinisterra
Adaptación: Aula de Teatro Electra

Ficha artística:
Coordinador: Héctor Toledo / Cía. Inercia Teatro
Escenas:
Primavera 39
Dirigida por José Ruiz
Interpretada por Celia Rogado y Cristina Negreira
Plato único
Dirigida por Darío Gómez
Interpretada por Aroa Algaba, David Ordinas y Luis Santana
El anillo
Dirigida por Óscar Gil
Interpretada por Sara Majada y Victoria Valladares
Filas Prietas
Dirigida por Elena Morán
Interpretada por Darío Gómez, Elisa Duranti, Isabel Fernández del     Campo, María Hernández, Marta Lorenzo, Nerea Jara, Daniel Fondón, Víctor Hernández
Intimidad
Dirigida por Marco Hernández
Interpretada por Paula López y Zoe Martín
Dos Exilios
Dirigida por Tamara González
Interpretada por Jon Lasa y Víctor Hernández
El Topo
Dirigida por Rubén Hache
Interpretada por Clara Pérez y Óscar Gil
Atajo
Dirigida por Zoe Martín
Interpretada por Manuel Cantador y Pablo Carmona

Homenajeando al dramaturgo alemán Bertold Brecht que en los años 30 escribió Terror y Miseria del III Reicht para denunciar los abusos y horrores del régimen nazi, el valenciano Sanchís Sinisterra comenzó a escribir en 1979 Terror y Miseria del Primer Franquismo con el objetivo de poner en negro sobre blanco lo que había sido aquella etapa de la dictadura militar en España. Aquellos primeros 15 años de franquismo, los más duros del régimen, marcaron profundamente a Sinisterra, que completó la obra ya en el año 1999. En ella nos encontramos escenas duras, durísimas, que componen el mural de lo que fueron aquellos años, en un intento por recuperar la memoria histórica y reparar el dolor de las víctimas, que constituye una constante en la obra del valenciano. Escenas cotidianas, cargadas de simbolismo, sutileza y emoción. Trágicas en ocasiones, y en otras ocasiones hasta cómicas. La nueva burguesía, los topos, las juventudes de Falange, la Iglesia… nadie escapa de ser dibujado en este brutal retrato.

La asociación Electra Teatro Universitario se funda en 2008 con el objetivo de promover la actividad teatral en el ámbito de la Universidad de Salamanca. En 2011 funda el Aula de Teatro Universitario, cuya dirección se encarga a la compañía Inercia Teatro. El objetivo es dar una formación básica a los alumnos que les permita abordar un proceso creativo de puesta en escena en su totalidad.
Cada una de las ocho escenas de las que consta el espectáculo ha sido desarrollada con libertad por un grupo de trabajo distinto, con un director distinto bajo la supervisión del coordinador del aula. El resultado es un collage ecléctico que suma las visiones y los esfuerzos de más de 30 personas que se han embarcado en este proyecto, para muchos de los cuales este montaje es su primera aproximación a las artes escénicas 

Ars Movendi, "Paseando con Unamuno"

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Jueves, 3 de mayo

Ars Movendi
Paseando con Unamuno
Un paseo por la vida de don Miguel de Unamuno de la mano de la danza contemporánea.
Coreografía y Dirección: Ars Movendi

Don Miguel de Unamuno (Bilbao 1864- Salamanca 1936).
A ti, don Miguel, por enseñarnos que “todo acto de bondad es una demostración de poderío”, gracias por decirnos “Espera, que solo el que espera vive”, y advertirnos más tarde: “Pero teme el día en que se te convierten en recuerdo las esperanzas”.
Tu voz, reflejo de tu pensamiento y forma de sentirlo, conduce a entender tu existencia, y con ella entendemos mejor la nuestra.
Por eso, caminemos juntos por tu doctrina de la vida y del hombre hasta llegar a saber que “la vida es duda, y la fe sin duda es muerte”.

BAILARINAS:
Alba Arribas Peña
Teresa Lucas Grasa
Edurne Roncalés Agüera
Beatriz Sáenz Narciso
Manuela Salvado Muñoz
Irene Vaquero Gutiérrez

COLABORACIONES:
Selección de textos: Antonio Sánchez Zamarreño
Voz en off

Ars Movendi, "Anoche en el Bretón"

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DANZA    
Ars Movendi
Anoche en el Bretón
Dirección: Adriana Bustos, Marta Peiró, Cristina Ramírez

Viernes, 17 de febrero
Teatro Juan del Enzina · 21.00 h · 6 €

Este espectáculo se crea a partir  de la llegada a Salamanca de la exposición Ballets Russes de Diaghilev y su influencia en el Art Decó.

Llegaron a nuestras manos las crónicas de El Adelanto sobre la intervención de los Ballets Russes en el Teatro Bretón la noche del 3 de abril de 1918. La actuación en nuestra ciudad formaba parte de la gira por provincias de la compañía y esta supuso todo un acontecimiento social; el periodista ya anunciaba el día anterior: “El espectáculo llevará al Bretón a lo más distinguido de la sociedad salmantina”.

El programa de esa noche se limitó a creaciones poco comprometidas (debemos suponer que las constantes llamadas a la limpieza moral del espectáculo por parte de las fuerzas vivas y materializadas en los medios locales influyeran en esa decisión).

Carnaval
Las sylphides
El espectro de la rosa
Danzas de la ópera el príncipe Igor

La orquestra fue dirigida por el maestro Turina. Su pequeña parada en Salamanca no pasó desapercibida y sirvió para abrir a la modernidad, al menos por un  día, los ojos de los salmantinos que acudieron al Bretón esa noche del 3 de abril de 1918.

En nuestro empeño por difundir el arte de la danza en nuestra ciudad, proponemos un espectáculo ameno y didáctico para todo tipo de público, rememorando aquella noche y dándole una nueva visión, tanto estética como coreográfica.

Amós Lora Sexteto

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MÚSICA - FLAMENCO

Amós Lora Sexteto

Teatro Juan del Enzina ·Viernes, 11 de mayo · 21.00 h · Entradas: 15 €

Baile: El Carpeta

Amós Lora (Madrid, 1999)

 Empieza a tocar la guitarra a los tres años, bajo la dirección de su padre, Manuel Lora. Desde los seis años sigue también la enseñanza de la escuela de Caño Roto de la mano de El Entri.

 A los ocho años conoce a Tomatito, quien desde el primer momento se vuelca con el niño y le enseña sus falsetas y sus temas. Desde el año 2010 recibe también la enseñanza de Diego del Morao. Él es otra importantísima referencia en la trayectoria de Amós.

 Otro gran guitarrista como es Carlos de Jacoba le enseña a acompañar el cante. Paralelamente enriquece su formación y conocimientos en el barrio de Pescadería en Almería, donde se va impregnando del arte de los gitanos de ese barrio, que ha dado tantos y tan buenos artistas.

 Además del flamenco es un enamorado del jazz, música que estudia habitualmente de forma autodidacta. Coltrain, Miles Davis, Chick Corea, Pat Metheny también dejan su huella en la guitarra de Amós.

 A los cuatro años ya hace sus primeras apariciones en público. Con siete años es presentado en concierto por Jesús de Rosario en Casa Patas, lugar emblemático del ambiente flamenco de Madrid, donde posteriormente vuelve a tocar en 2009. Con nueve años forma el trío Joven Guitarra Flamenca, con Aquilino Jiménez y Jony Jiménez, con los que ha tocado en varios conciertos, entre los que cabe destacar el de la Casa de las Conchas de Salamanca o en el Teatro Torrente Ballester. También graba el spot publicitario de torosturismo.com.

 En el año 2010 participa en el espectáculo Encuentro Flamenco junto a El Piraña, David de Jacoba, José Maya y Carlos de Jacoba. También actúa en la gala benéfica Quejío solidario compartiendo cartel con El Carpeta, Antonio Rey, Pedro el granaíno…

 En enero de 2011 toca en directo en el Teatro Quintero de Sevilla para el programa de televisión de Jesús Quintero que emite Canal Sur. En febrero toca con distintas formaciones de jazz en La Habana, entre otras el grupo del nieto de Bebo Valdés.

 Participa también en el festival "Primavera Flamenca 2011", y actúa en directo para el programa La ventana de Gemma Nierga. En agosto toca en el Festival Nacional de Teatro de Castilla y León.

 En febrero y marzo de 2012 actúa en Barcelona en el tablao El Cordobés junto a El Carpeta y Abraham Motos. En el espectáculo también participan El Farru, la Tana, David Cerreduela, Antonio Villar, Manuel Tañé y El Coco.

 En mayo 2012 comienza la gira de presentación del disco con la colaboración especial al baile de Manuel Fernández Montoya, El Carpeta.

Amarcord, "Amor sin reposo"

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MÚSICA

Amarcord

Amor sin reposo. De Leipzig al mundo: Música vocal romántica de Leipzig y canciones populares internacionales

Martes, 28 de febrero
Auditorio Fonseca · 21.00 h · Entrada con invitacion

Interpretes:
Wolfram Lattke    tenor
Martin Lattke        tenor
Frank Ozimek        barítono
Daniel Knauft        bajo
Holger Krause        bajo

Un sonido incomparable, homogeneidad asombrosa y seguridad en su estilo musical son las características especiales de Amarcord. Su repertorio abarca desde canciones de la Edad Media, pasando por madrigales y misas del Renacimiento, composiciones y ciclos de obras del romanticismo europeo y del siglo xx, hasta arreglos a capella de canciones populares recogidas por todo el mundo, y conocidas melodías del soul y el jazz. Aunque los programas a capella puros son el núcleo de su actividad concertística, llevan a cabo con regularidad proyectos con renombrados ensembles y artistas.
El conjunto vocal ha recibido premios en numerosos concursos internacionales y da regularmente conciertos en los más importantes festivales de música. El Festival Internacional fundado por Amarcord en 1997, dedicado a la música vocal a capella, bajo la dirección artística de este grupo se ha convertido en uno de los festivales más importantes de su estilo.
Numerosas grabaciones documentan las diversas facetas de su repertorio. En febrero de 2010, Amarcord presentó su primera producción de CD con acompañamiento de orquesta: una versión reconstruida de la Pasión según san Mateo de Johann Sebastian Bach, con la colaboración de Dominique Horowitz y la Academia de Colonia. 

Biografía  amarcord

Wolfram Lattke        Tenor        
Martin Lattke            Tenor
Frank Ozimek        Barítono        
Daniel Knauft        Bajo
Holger Krause        Bajo

Un sonido incomparable, homogeneidad asombrosa, seguridad en su estilo musical y una buena porción de encanto y gracia son las características especiales de amarcord. Su repertorio, extraordinariamente amplio y rico en facetas, abarca desde canciones de la Edad Media, pasando por madrigales y misas del Renacimiento, composiciones y ciclos de obras del Romanticismo europeo y del siglo XX, hasta arreglos a capella de canciones populares recogidas por todo el mundo y conocidas melodías del soul y el jazz.

Abiertos a lo nuevo, los cantantes consideran esencial el cultivo y apoyo a la música contemporánea. Así, han compuesto obras para amarcord, entre otros, Bernd Franke, Steffen Schleiermacher, Ivan Moody, James MacMillan, Sidney M. Boquiren, Siegfried Thiele y Dimitri Terzakis. Aunque los programas a capella puros son el núcleo de su actividad concertística, llevan a cabo con regularidad proyectos con renombrados ensembles y artistas como la orquesta Gewandhausorchester de Leipzig, la Lautten Compagney, la Capella Sagittariana, el Cuarteto de Cuerda de Leipzig, los KlazzBrothers, la pianista Ragna Schirmer, el virtuoso del bandoneón Per Arne Glorvigen y el violinista Daniel Hope.

El conjunto vocal ha recibido premios en numerosos concursos internacionales (Tolosa/ España, Tampere/ Finlandia, Pohlheim/ Alemania, 1ª Olimpiada de Coros en Linz/ Austria). En el año 2002, este ensemble ganó el Concurso Alemán de Música, después de haber sido becado dos años antes y seleccionado por la Consejería Federal Alemana para conciertos de artistas jóvenes (Bundesauswahl Konzerte junger Künstler des Deutschen Musikrates). Además de la orquesta Gewandhausorchester y el coro Thomanenchor, amarcord se cuenta entre los representantes más relevantes de la tan musical ciudad de Leipzig, tanto a nivel nacional como internacional. El grupo da regularmente conciertos en los más importantes festivales de música. Numerosas giras llevaron a los cantantes a dar conciertos en más de cincuenta países en casi todos los continentes de nuestro planeta. En colaboración con el Goethe-Institut, han actuado en Australia, Sudeste Asiático, Próximo Oriente, Rusia, África y América Central.

El Festival Internacional fundado por amarcord en 1997, dedicado a la música vocal a capella (www.a-capella-festival.de), bajo la dirección artística de este grupo se ha convertido en uno de los festivales más importantes de su estilo. Las estrellas de esta rama del sector, como The Real Group, The King’s Singers, Take 6 o el Hilliard Ensemble, visitan regularmente Leipzig en primavera.

Numerosos CDs documentan de modo impresionante las diversas facetas de su repertorio. El CD editado en 2009, “Rastlose Liebe – ein Spaziergang durch das romantische Leipzig” [Amor inquieto – un paseo por el Leipzig romántico], ha recibido los premios ECHO Klassik y el Supersonic Award de Luxemburgo, y además fue nominado a principios de 2010 para el premio más importante de la crítica discográfica europea, el MIDEM Classical Award. Además, este CD ha sido merecedor – como ya lo fueran anteriormente “Nun komm der Heiden Heiland”, “Incessament” y “Hear the voice” – del renombrado premio Contemporary A Cappella Recording Award, el “Óscar de la a capella”.

En febrero de 2010, amarcord presentó su primera producción de CD con acompañamiento de orquesta: una versión reconstruida de la “Pasión según san Mateo” de Johann Sebastian Bach, con la colaboración de Dominique Horowitz y la Academia de Colonia. Con la Capella Sagittariana de Dresde han publicado hasta la fecha dos CDs sobre Heinrich Schütz y su entorno musical.

www.amarcord.de

PROGRAMA

Robert Schumann (1810 – 1856)

Die Minnesänger (Los trovadores)

Rastlose Liebe (Amor sin reposo)

Die Lotosblume (La flor de loto)

Frühlingsglocken (Campanas de primavera)

en Sechs Lieder für vierstimmigen Männerchor op. 33

(6 lieder para coro masculino a cuatro voces op. 33)

Carl Steinacker (1785 – 1815)

An den Mond (A la luna)

Sehnsucht (Añoranza)

en Sieben Gesänge für Vier Männerstimmen op. 11

(Siete cantos para cuatro voces masculinas op. 11)

August Mühling (1786 – 1847)

An’s Liebchen (A la amada)

en Zwölf Lieder für Vier Männerstimmen op. 36

(Doce lieder para cuatro voces masculinas op. 36)

Adolf Eduard Marschner (1810-1853)

Ständchen  (Serenata)

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 – 1847)

Sommerlied (Canción de verano)

Liebe und Wein (Amor y vino)

en Sechs Lieder für vierstimmigen Männerchor op. 50

(Seis lieder para coro masculino a cuatro voces op. 50)

Im Süden (En el sur)

Zigeunerlied (Canción gitana)

en Vier Lieder für vierstimmigen Männerchor (1873)

(Cuatro lieder para coro masculino a cuatro voces, 1873)

Carl Friedrich Zöllner (1800-1860)

Der Speisezettel (El menú)

Ein Scherz für Männerstimmen (1841)

(Diversión para voces masculinas, 1841)

Intermedio

In einem kühlen Grunde

(En una fresca vega)

Canciones populares internacionales anunciadas in situ

Luis Pastor

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Las Noches del Fonseca
Jueves 19 de Julio  23,00 horas

Entradas 18 €

Luis Pastor

EL MUNDO DE LA CULTURA SE UNE EN TORNO A LUIS PASTOR EN EL VÍDEO DE LA CANCIÓN ¿QUÉ FUE DE LOS CANTAUTORES? PARA REIVINDICAR SU VIGENCIA EN LA SOCIEDAD ACTUAL

Más de cien profesionales relevantes del mundo de la cultura y el espectáculo se han unido en torno a Luis Pastor y aparecen en el vídeo de la canción ¿Qué fue de los cantautores? para reivindicar la figura del cantautor y su vigencia en la sociedad actual.

Cada uno de estos más de cien artistas (exactamente 106) protagoniza un verso de la canción que da título al nuevo álbum de Luis Pastor, que se ha publicaso el 6 de marzo de 2012, en un vídeo en el que aparecen músicos (Miguel Ríos, Rosendo, Pedro Guerra, Ismael Serrano, Carmen Linares, El Chojin, Negri, Javier Álvarez, Pablo Guerrero, Frank-T, Paco Ibáñez, El Langui, Martirio, Elisa Serna), bailaoras (María Pagés), actrices (María Botto, Ana Fernández, Vicky Peña, Nieve de Medina, Maite Blasco, Melani Olivares, Pilar Bardem, Loles León), actores (Álvaro de Luna, Pepón Nieto, Sergio Peris-Mencheta, Edu Soto, Juan Diego Botto, Nicolás Dueñas, José Sacristán, Juan Diego), escritores y poetas (Luis García Montero, Almudena Grandes, Eduardo Mendicutti, Benjamín Prado, Marcos Ana), periodistas (Juan Cruz, José Ribagorda), directores de cine (Alfonso Ungría, Azuzena Rodríguez, Montxo Armendáriz), humoristas (Millán Salcedo)…

El vídeo de ¿Qué fue de los cantautores? ha sido producido, dirigido y realizado por Lucía Álvarez y Lourdes Guerra y se rodó en 15 días. “Al principio pensábamos en utilizar algunas imágenes de archivo, pero Lucía [Álvarez] tuvo la idea de actualizarlo y que cada artista protagonizase un verso de la canción”, dice Lourdes Guerra. “Rodamos con cámaras de hace diez años, de casa en casa, de prestado, sin ayudas y con algún consejo de profesionales como la directora Azuzena Rodríguez. Hemos querido reflejar la historia de la canción, la resistencia de ahora, sin centrarnos el tinte político de los 70”. Lourdes Guerra afirma que comenzaron a trabajar con la idea de que solo apareciesen 15 o 20 personas. “Fue como una explosión y, de repente, dos días después, se habían apuntado 50. Llegamos a 106 y su entrega ha sido total. Venían sin saber qué tenían que hacer. Estamos emocionadas”.

La canción ¿Qué fue de los cantautores? recorre medio siglo de la canción de autor en España sin dejar títere con cabeza, con el orgullo del resistente (“De los muchos que empezamos, de los pocos que quedamos, de los que aún resistimos, de los que no claudicamos, aquí seguimos. Cada uno en su trinchera, haciendo de la poesía nuestro pan de cada día”) y poniendo los puntos sobre las íes en forma de verdades como puños. Sin nostalgias ni amarguras, asumiendo el rol y siempre mirando al frente con esperanza, pero llamando al pan, pan, y al vino, vino. Enlazando el spoken word con el romancero tradicional, el siglo XXI con el XVI, Luis Pastor da un repaso, en todos los sentidos, a la historia de la canción de autor desde sus comienzos en los 60 (“Éramos tan libertarios, casi revolucionarios, ingenuos como valientes, barbilampiños sonrientes…”) hasta hoy (“… Hay cantautor para rato. Cantautor a tus canciones, Zapatero a tus zapatos”) en una canción lúcida, realista sin perder el sentido del humor y verdadera crónica social de un tiempo y de un país tantas veces ingrato e injusto con su cultura.

¿Qué fue de los cantautores? es también un recuerdo, un homenaje y un agradecimiento a los que se fueron, como queda patente en la dedicatoria del álbum: “A todos los compañeros cantautores que ya no están, pero que nos dejaron su ejemplo, su compromiso y sus canciones: Ovidi Montllor, Carlos Cano, Chicho Sánchez Ferlosio, Hilario Camacho, Imanol, Labordeta, Quintín Cabrera, Mikel Laboa…”. Para combatir el olvido.

Han participado en el vídeo de ¿Qué fue de los cantautores?:
Álvaro de Luna, Ana Gracia, Andrés Sudón, Beatriz Bergamín, Bernardo Fuster, María Pagés, Pedro Guerra, Carmen Peire, Pepón Nieto, Carmen Linares, Fernando Chinarro, Edu Soto, Jorge Roelas, Nieve de Medina, Luis Mendo, María Botto, Ana Fernández, Antonio Hernández, Alfonso Ungría, Ismael Serrano, José Carballal, Lidia San José, El Chojin, Elena Villarroel, Luis García Montero, Sergio Peris-Mencheta, Raúl Rodríguez, Carlos Olalla, Irene Pardo, Eduardo Velasco, Lourdes Guerra, Álvaro Laguna, Resu Morales, Manolo Pastor, Jesús García Sánchez, Vicky Peña, Juan Diego Botto, Negri, Eduardo Mendicutti, Antonio Guerrero, María Isasi, Dani Fernán, Azuzena Rodríguez, Rebeca Tébar, José Ribagorda, Pilar del Río, Javier Álvarez López, Chete Lera, José Luis García Pérez, Almudena Grandes, Boti García Rodrigo, Osvi Grecco, Julián G. de la Lastra, Rafa Castejón, Fernando Lucini, Benjamín Prado, Puy Oria, Javier Álvarez, Cristina Plazas, Pablo Guerrero, Arantza Rentería, Paco Ibáñez, Frank-T, Hernán Grecco, Maica Barroso, Montxo Armendáriz, Javier Ceballo, Carolina Lapausa, Muerdo, Juanma Cifuentes, Petete, Sofía Torroja, Enrique Alcides, Paco Villar, Marta Solaz, Juan Millares, Pedro Pastor, El Langui, Millán Salcedo, Antonio Gómez, Manuel Morón, Maite Blasco, Marcos Ana, María Rozalén, José M. Cervino, Martirio, Lucía Álvarez, Mariano Venancio, Melani Olivares, José Sacristán, José Manuel Seda, Miguel Ríos, Nicolás Dueñas, Marcela Ferrari, Juanjo Cucalón, Elisa Serna, Juan Vinuesa, Manuel Baqueiro, Rosendo, Markos Bayón, Juan Cruz, Nina Blanco, Juan Diego, Pilar Bardem, Loles León.

BIG BAND UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

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Domingo, 16 de diciembre

BIG BAND UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Teatro Juan del Enzina · 20.00 h · Entrada libre hasta completar aforo

BIG BAND UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Dirección: Alberto Palomares

La Big Band de la Universidad de Salamanca surge como iniciativa de un grupo de estudiantes de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Salamanca aficionados al jazz. Su objetivo fundamental es crear un ámbito donde se pueda dar cabida a los estudiantes interesados por este tipo de música, facilitándoles no solo un contexto de interpretación, sino también un programa de formación. A lo largo de estos años son numerosos los prestigiosos músicos del panorama del jazz que han contribuido al enriquecimiento musical de esta orquesta. Entre ellos cabe mencionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Pepe Rivero, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgini, German Kucich o Miguel Blanco.

Ver programa completo (.PDF)

Vida y muerte de La Pepa

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LECTURA DRAMATIZADA

Martes, 4 de diciembre

SONORA TEXTUAL Vida y muerte de La Pepa

Teatro Juan del Enzina · 22.00 h · Entrada libre hasta completar aforo

En su deseo de rendir homenaje a la Constitución de 1812, Sonora Textual ofrece la presentación, en lectura dramatizada, de un documento audiovisual que cuenta de forma amena, mediante diálogos, narraciones, textos originales y proyección de diapositivas, el contexto socio-político en que tuvo lugar el nacimiento y la breve vida de la Constitución más moderna y liberal que conoció Europa en los albores del siglo xix: Vida  y muerte de La Pepa.

Sinopsis

En Londres, en septiembre de 1815, un año después del regreso a España de Fernando VII, se reúnen en Holland House, la residencia del tercer barón de Holland, político, historiador, hispanista, y amigo y protector de numerosos liberales españoles, una serie de personas de ideas avanzadas y amantes de lo español para hablar de la situación por la que acaba de atravesar el país. A la reunión son invitados dos destacados liberales españoles que viven exiliados en Londres: el escritor y pensador José María Blanco White y el político asturiano Álvaro Flórez Estrada. En la conversación que mantienen los asistentes a la reunión –entre los que figuran el historiador John Allen, el primer ministro británico Robert Jenkinson, la escritora Jane Austen, el poeta Lord Byron o la aristócrata Dorothea Cristophorona, princesa de Lieven– se analizan los cuatro años que transcurrieron desde la salida de la familia real española a Bayona en 1808 hasta la promulgación de la Constitución en 1812.

Reparto

Vida y muerte de La Pepa es un texto original de  Miguel Valiente Roncalés.

La lectura del texto dramatizado corre a cargo por el grupo Sonora Textual (actores y actrices habituales de las obras de Ficción Sonora de RNE).

César Gil (periodista, profesor y actor)

Lourdes Guerras (periodista y actriz)

Alfonso Latorre (guionista y actor)

Amparo López (actriz)

Javier Lostalé (periodista, presentador de radio y poeta)

Juan Megías (actor)

Pedro Meyer (periodista, presentador de radio y TV y actor)

Pedro H. Muñoz (periodista y actor)

José Antonio Ramírez (periodista, locutor y actor)

Javier Segade (periodista y actor)

Miguel Valiente (profesor, traductor, guionista y actor)

Estómago

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TEATRO
Viernes, 30 de noviembre · Sábado, 1 de diciembre

Dirección: Óscar José Martín

Teatro Juan del Enzina · 22.00 h · 15 €

Estómago es una invasión en cuatro escenas en la que se describe una metamorfosis íntima, el enfrentamiento del yo contra el yo: dos personajes encarnados en un único cuerpo se desdoblan para enfrentarse en una lucha dialéctica en la que la fuerza del mal se convierte en el impulso definitivo hacia la recuperación. El espacio como piel de la ficción y la luz como respiración constituyen los elementos litúrgicos que materializan el proceso de renuncia del dolor, la aceptación definitiva del pacto vital.

Asoaxe

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Intérpretes:

Dopazo ( guitarra melódica y voz)
Michi ( guitarra rítmica y voz)
Javier Cheda (bajo)
Joaquín Enríquez ( acordeón)

Bossanova, tango, bolero, canción de autor, portuguesa, sudamericana, pop, gallega... es el repertorio que Asoaxe ofrecerá en el concierto.

Santi Rodríguez

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MONÓLOGO    COMEDIA EN CURSO

Venta anticipada: 10 € · Taquilla: 12 €.

Cuando nací mi madre no sabía si quedarse conmigo o con la placenta. A partir de ahí mi vida empezó a ser un culmen (nunca he sabido muy bien qué significa esta palabra… quizá el diccionario pueda serme de ayuda algún día) de acontecimientos que, a primera vista, podían ser desfavorables.
Mi abuela me enseñó, además de a hacer trampas en los solitarios de cartas, a ver el lado bueno de todo. Por muy negativo que nos pueda parecer algo, siempre se puede encontrar alguna cosa que merezca la pena.
En lo que se oirá durante el espectáculo se relata, a grandes rasgos, lo que es mi existencia vital hasta nuestros días (los de ustedes también que no me gusta ser acaparador como el mueble). Actualmente vivo luchando contra todos los nuevos engendros que existen en torno a las nuevas tecnologías

Mariem Hassan

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Mariem Hassan es la voz más representativa de la música del Sáhara Occidental. De alguna forma se la considera su embajadora. Con la ayuda de dos guitarras eléctricas -sustitutas de la tidinit, un rústico laud- y de dos tebales (tambores) tocados por mujeres, ha sintetizado el espíritu del haul y, sin perder un ápice de su frescura, situarlo en el siglo XXI.

Sus conciertos son poderosos. El público descubre a una artista sólida y decidida a cantar acerca de sus deseos y las necesidades de su pueblo. Mariem canta en hasanía, el idioma de esa esquina del desierto que es su patria. Su voz intensa nos lleva por caminos misteriosos en los que la lucha y la tragedia se dan la mano con ternura y sentimientos íntimos. 

Diferentes danzas enriquecen un repertorio basado en temas tradicionales y espirituales, además de temas modernos. El grupo ha sido capaz de desarrollar un sonido en el que hay espacio para el blues, el reggae y ecos de la música actual.

En los años setenta, Mariem unió fuerzas con El Uali. Con este grupo realizó una gira por varios países para participar en los eventos culturales de alto impacto político. Sobre esta base de apoyo canta desde hace más de treinta años.
Mariem Hassan había grabado y participado en diferentes cedés colectivos. Deseos (Nubenegra, 2005) es su verdadero álbum en solitario. En 2008 se estrenó una película documental, Mariem Hassan, la voz del Sahara (55 \\\'), y se presentó en el festival FISAHARA. Shouka (Nubenegra, 2010) es su flamante cedé, un ambicioso trabajo.

En el año 2012 Mariem Hassan imprime un giro a su propuesta musical. Los acontecimientos de los últimos meses, conocidos como la “Primavera Árabe”, y la incombustible lucha del pueblo saharaui por la independencia, marcan la temática de sus nuevas canciones. Paralelamente, su música, manteniendo firmes sus bases en el haul, se acerca al blues, al jazz y a sonidos contemporáneos como nunca lo había hecho un artista del Sáhara Occidental.
El Aaiún Egdat (Arde El Aaiún), que así se llama su nuevo CD, plasma esa visión actual y renovada. En él, la diva saharaui está acompañada por Vadiya Mint El Hanevi a los tebales y coros, por Luís Giménez a la guitarra eléctrica, mbira y armónica, por Hugo Westerdahl al bajo, y por Gabriel Flores al saxo y flautas.
A estos tres músicos les une su amor y conocimiento de la música saharaui. El alicantino -de Villena- Luís Giménez, conoció las gamas saharauis hace ya años en los campamentos de refugiados, hasta el punto que realizó un documental sobre el haul: “Los mares del desierto”. El mexicano Gabriel Flores es el director externo de Enamus, la escuela de música saharaui, inaugurada el pasado noviembre en el campamento de refugiados “27 de febrero”. El canario Hugo Westerdahl ha visto pasar por su estudio Axis a un sin número de músicos y cantantes saharauis que allí han grabado para
Nubenegra. Su interés por el haul queda patente en el CD “Western Sahara”, dedicado al recordado guitarrista Baba Salama.
Con esta misma formación arrancó la gira ARDE EL AAIÚN · EL AAIÚN ON FIRE con sendos conciertos en Clamores Jaaz (Madrid) y World Village Festival (Helsinki). El album ha sido extraordinariamente recibido en las radios europeas. WMCE (Worl Music Charts Europe): nº 1 en Julio y Julio, 2 en Agosto, 10 en Septiembre, 19 en Octubre. Un récord. El Aaiún Egdat es, ante todo, una obra muy abierta, tanto en su temática como en su expresión. El haul sigue siendo el motor fundamental. Las piezas más candentes, como la que presta título al disco, o las dos referidas al campamento de Gdeim Izik, a la Primavera Árabe o La victoria, están firmadas por prestigiosos poetas del exilio saharaui, como Beibuh, Bachir Ali o Lamín Allal. La lacerante voz de Mariem Hassan señala la gravedad del momento con toda la emoción que su garganta y su corazón son capaces de transmitir. Otros temas nos presentan a una Mariem mucho más dulce. Nunca la habíamos oído cantar como lo hace en “Ana saharauia” (Soy saharaui), auténtica declaración de principios. O como en “Descansen en paz”, con la jaima teñida de jazz bajo la luz cálida de la luna del desierto. Y muy dinámica, enarbolando “La melfa” que dos años atrás quisieron mancillarle en Madrid. Punto y aparte merece “El legado” en la que la tradición y la modernidad libran una incruenta batalla que, sin duda, dará que hablar. Tras las Jornadas Saharauis y su concierto en el Juan del Enzina, el 15, tiene previsto viajar a Senegal para participar en el Festival Du Sahel, de la que es cabeza de cartel junto a Ismael Lo.
Web: www.mariemhassan.com Mariem, de nuevo, comprometida y genial. Manuel Domínguez.

Certamen de Tunas

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II Certamen Internacional de Tunas de Salamanca

"18 años de Tuna Femenina en la Universidad de Salamanca"

Tunas Participantes:

Tuna Femenina derecho de Alicante

Tuniña de Eindhoven ( Holanda)

Tuna Universitaria de Plasencia

Tuna Alfonse X el Sabio

Tuna Universitaria de Cuenca

Tuna de Farmacia de Barcelona

Viernes 9 de noviembre

19,30 horas Ronda en el Patio de Escuelas

Sábado 10 de noviembre

17,30 horas Actuaciones en el teatro Juan del Enzina

Entradas: 3 €

En la Hospedería Fonseca de lunes a viernes de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas.
Una Hora antes de la función  en el Teatro Juan del Enzina

Bye Bye Lullaby

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El sonido de Bye Bye Lullaby se mueve dentro un amplio espectro en el que se diluyen géneros como el folk, el country-rock, el jazz o la bossa. Este grupo salmantino acaba de grabar su primer disco, California, en el que han querido buscar nuevas fórmulas que les permitieran expandir su natural y envolvente sonido, y que ha resultado ser fruto de las distintas influencias sugeridas a lo largo de un inspirador viaje por el oeste de Estados Unidos. La banda está formada por Esther Valverde, Dani H. Serrano, Juan Modesto, Javi Amado y Darío Dagomsa.

Han depositado la producción musical de este primer álbum en el prestigioso multiinstrumentista Raúl Marques (Miguel Ríos, Depedro, Olivenza…) y cuentan además con la colaboración especial de María Valverde (Olga Román, Sergio Alcover, ECYA…).

Rober Bodegas

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MONÓLOGO    COMEDIA EN CURSO

Venta anticipada: 5 € · Taquilla: 8 €

Roberto Fernández más conocido como Rober Bodegas, es un cómico español. Adquirió popularidad con su participación en el programa de La 1, El rey de la comedia, y fue guionista y colaborador del magazine de laSexta Sé lo que hicisteis... hasta marzo de 2011.

Su timidez ante las cámaras no fue un obstáculo para presentarse a los cástings de El rey de la comedia, siendo seleccionado junto a otros 19 finalistas de un total de 2000 aspirantes. Su acento gallego y sus bromas sobre yogures o comedores universitarios camelaron al público, que lo eligió como vencedor de la primera edición del concurso.2 Fue gracias a este tirón mediático la razón de que Estrella Galicia lo usara como imagen (MAPIE), protagonizando varios anuncios que se emiten en la Televisión de Galicia y en algunas cadenas nacionales (Spots de Rober Bodegas para Estrella Galicia).
A raíz de su victoria en El rey de la comedia, en 2007 estrenó su segundo espectáculo, Vamos a dejarnos de hostias, y en 2008 el tercero, El día en el que empecé a odiar los yogures y otras desgracias. Además, en 2008 fue fichado por laSexta para su programa estrella, Sé lo que hicisteis..., como guionista y, en principio, durante los meses de verano, colaborador sustituyendo a Dani Mateo.3 En marzo de 2011, Rober Bodegas finalmente dejó Sé lo q
A pesar de su trabajo de lunes a viernes en Sé lo que hicisteis..., mantiene una gira de actuaciones en solitario y participa en la comedia teatral Contamos contigo junto a Quico Cadaval, Cándido Pazó y Paula Carballeira, además de colaborar en La Voz de Galicia.
Actualmente, trabaja junto a Ángel Martín y Alberto Casado, en el sitio http://www.solocomedia.com

En el espectáculo titulado “El día que empecé a oidar los yogures y otras desgracias” es un recopliatorio de algunos de los mejores textos que Rober ha escrito, muchos de ellos inéditos. Se trata de un monólogo en el que ironiza sobre los anuncios de todos esos productos milagrosos que nos vende la publicidad como milagros divinos. El humorista se hace preguntas como quién cuenta los más de diez millones de L.Caseit Inmunitas de cada Actimel o el valor de los Donuts light. Todo ello presentado con esa gracia especial que Dios concedió a los gallegos.

Artista: Rober Bodegas
Título del espectáculo: El día que empecé a odiar los yogures
Duración: 90 minutos

Orquesta Barroca, Concierto de Inauguración curso 2012-13

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Lunes, 15 de octubre

Concierto inauguración curso 2012-2013
ORQUESTA BARROCA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Dirección: Pedro Gandía Martín

Soprano: Raquel Carmarinha

Auditorio Hospedería Fonseca · 20.30 h · Entrada con invitación

 Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca

Fundada en 1990, la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca es la primera orquesta de cuerda española que se crea en la corriente de interpretación musical histórica. Como consecuencia de su acercamiento al repertorio barroco y del primer clasicismo desde la óptica de los instrumentos y técnicas originales, la orquesta se ha convertido en la pieza fundamental de un proyecto global de especialización en música antigua que cristalizó en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca.

Ha sido dirigida por especialistas como Wim ten Have, Jacques Ogg, Eduardo López Banzo, Sigiswald y Wieland Kuijken, Federico M. Sardelli, Emilio Moreno, Andrea Marcon, Kenneth Weiss o Pedro Gandía. Además ha colaborado con agrupaciones como la Capilla Peñaflorida o el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, así como con numerosos solistas vocales e instrumentales.

PROGRAMA
Henry Purcell (1659-1795)
- Suite instrumental de «Dioclesian» Z 627
First Musick-Ouverture-First Act Tune-Second Act Tune-Third Act tune-
Country dance-Canaries
The Plaint, de “The Fairy Queen” Z 629

Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
Amor è qual vento, de “Orlando” HWV 31

Charles Avison (1709-1770)
- Concerto Grosso V “in seven parts, done from the lessons
of Domenico Scarlatti”
Largo-Allegro-Andante moderato-Allegro

– Pausa –
Henry Purcell
Fantazia: Three parts on a ground, para tres violines y B.C. Z 731

Georg Friedrich Haendel
Arias de “Ariodante”HWV 33
Apri le luci,
Il mio crudel martoro
Il primo ardor

Francesco Saverio Geminiani (1687-1762)
- Concerto Grosso “La Follia”, sobre la Op.V de Corelli (London, 1714)
Adagio-Allegro-Adagio-Vivace-Allegro-Andante-Allegro-Adagio-Allegro

Descargar Programa en PDF 

Ángel Martín y Ricardo Castella

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MONÓLOGO    COMEDIA EN CURSO

Venta anticipada: 10 € · Taquilla: 12 €
    
¿Alguna vez te has planteado dejarlo todo para dedicarte a lo que de verdad te gusta? Esta es la historia de dos idiotas que, además de planteárselo... ¡lo hacen! En un espectáculo que maneja realidad y ficción, decidirán dejarlo todo y hacer realidad su sueño de adolescencia: dedicarse a la música. Escribir canciones.

Ángel Martín y Ricardo Castella presentan un espectáculo-concierto con texto y canciones originales, donde tocan y cantan en directo. Una telecomedia musical para teatro en la que hacer realidad tus sueños es posible y donde, si estiras los brazos, puedes tocar el cielo con tus deditos.

En Versus

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Miércoles, 31 de octubre
EN VERSUS (Grupo de teatro de la Universidad de la Experiencia USAL)
D. Juan Tenorio, de José Zorrilla
Versión y dirección: Pablo Málaga González

Teatro Juan del Enzina · 20.30 h · Entrada libre hasta completar aforo

Mucho se ha escrito y hablado sobre la inmortal obra de Zoriila, Don Juan Tenorio. El autor recoge toda una tradición “donjuanesca” y la adereza con elementos religiosos y románticos. Consigue hacer de su personaje un arquetipo humano cuyas características difícilmente pueden ser imitables sin caer en la versión o el plagio. Don Juan Tenorio se convierte en referencia de un modelo de hombre enfrentado a la muerte y al amor, a la castidad y a la pasión.

Versión y dirección
Pablo Málaga
Escenografía y selección musical
Pablo Málaga, Jesús Miranda
Realización escenografía
Jesús Miranda, José Luis Alonso, Saturnino González, José de Castro, José María Peña
Diseño gráfico
Jesús Miranda

Reparto

D. Juan Tenorio Manuel-Andrés Sánchez García
D. Luis Mejía Jesús Barros Martín.
D. Gonzalo de Ulloa Tedoro de las Heras Camisón
D. Diego Tenorio Andrés Aguilar Sánchez
D.ª Inés de Ulloa Concepción Sánchez Cinos
Brígida Paquita Lahoz Omedes
Abadesa Pilar Zatarain Villaseco
Capitán Centellas José de Castro García
D. Rafael de Avellaneda José Luis Alonso Sánchez
D.ª Ana de Pantoja Inmaculada Gonzalo Sánchez
Pascual Rocío Cepa Rivero
Lucía Paula Hernández Martín
Cristófano Buttarelli José María Peña Martínez
Marcos Ciutti Jesús Miranda Núñez
Escultor Saturnino González Sánchez
Gastón Marisa Tapia Romero
Tornera Lucía Martín Blanco
Alguaciles Maruja Torres Montes
Pauli García Vacas
Teresa López Blanco
Eufemia García Suárez

Caballeros, Carmina Rodríguez Iglesias
sevillanos, Cristina Portales Santos
encubiertos, curiosos, M.ª Pilar Santos Hernández
estatuas, ángeles, Olimpia Panero Martín
sombras y pueblo Gumer Iglesias Grande
Feli Sánchez Puerto
Amor Galena Pérez

Javiera Parra y los Imposibles

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Reconocido como uno de los grupos chilenos más importantes del panorama musical, Javiera y Los Imposibles llevan más de 15 años recogiendo éxitos de crítica y público.

El grupo, liderado por Javiera Parra, ha reunido a lo largo de su trayectoria a los músicos chilenos más destacados, y tiene en su haber seis discos publicados. El último de ellos, El árbol de la vida, es un tributo a la artista chilena más internacional, Violeta Parra, mediante la modernización de sonidos y una mirada actual de su repertorio. Es también el tributo de Javiera a su abuela

PROYECTO ORAL. Una experiencia inmersiva en los sonidos del español

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Damià Jordà. Beca Medialab Usal 2012

Espacio de Arte Experimental, Hospedería Fonseca

Del 26 de septiembre al 28 de octubre de 2012

De martes a sábado, de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h. Domingos y festivos de 10.00 a 14.00 h

En colaboración con el Servicio de Innovación y Producción Digital y Medialab Usal

Les invitamos a un viaje con los oídos, a recorrer el mundo a través de nuestra lengua universal. Una experiencia inmersiva en la riqueza del castellano, en su dicción, sus acentos y, por qué no decirlo, sus imperfecciones. Veinticinco ciudades, 25 formas diferentes de utilizar nuestro idioma, percibidas a partir de 25 fragmentos de clásicos literarios escritos en castellano.

En esta obra está prohibido no tocar, y sobre todo, no escuchar.

El Proyecto Oral surge tras la creación de la Beca Medialab Usal, que proponía un proyecto de arte multimedia cuya temática se centrara en el Español como lengua universal, enmarcado dentro del programa de actividades “Hablando Eñe”.

A lo largo de tres meses, Damià Jordà, beneficiario de la beca, ha desarrollado un proceso de trabajo cuya primera etapa se centraba en la generación de una base de datos de acentos del castellano, a partir de grabaciones de alumnos de intercambio que desarrollaban sus estudios en Salamanca, generando al mismo tiempo una experiencia social y estableciendo un vínculo más con estos estudiantes que llegan a la Universidad de Salamanca a perfeccionar su español.

El proyecto culmina en una instalación interactiva, un mapa sonoro en el que poder descubrir de forma práctica y didáctica las ubicaciones de cada uno de los diferentes matices de nuestra lengua. Además, este “muestrario” de voces se establece sobre fragmentos de textos literarios representativos del español, con autores clásicos y contemporáneos, españoles y americanos, que ofrecen al usuario la posibilidad e identificar los acentos con los autores más conocidos de cada uno de los países representados.

En el apartado técnico, la instalación se caracteriza por utilizar la cada vez más popular herramienta Arduino; una plataforma de hardware libre, de fácil acceso y completamente abierta, especialmente diseñada para facilitar el trabajo con electrónica e interactividad a artistas y creadores. La programación se ha desarrollado con el lenguaje Max 6, un estándar internacional especialmente pensado para este tipo de proyectos, también de código abierto y soportado en una amplia comunidad de usuarios, caracterizado por un interfaz de programación de flujo de datos, de carácter visual, mucho más accesible que los clásicos lenguajes en “script”.

Pueden encontrar más información en:

http://medialab.usal.es/blog/oralproyecto/

Una vuelta al mundo de la linterna mágica

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Espacio de Cultura Científica – Hospedería Fonseca

Del 27 de septiembre al 18 de noviembre

De martes a sábado, de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h. Domingos y festivos de 10.00 a 14.00 h

Aunque la linterna mágica fue un medio audiovisual que se desarrolló plenamente entre los siglos XVII y XIX, su estudio ha estado fuera de la planificación académica de la historia de los medios de comunicación. Quizás su amplitud cronológica y la controvertida interpretación que la adscribe al término “precine” son razones que explican que sea todavía hoy un medio de comunicación social en la sombra. Precisamente el objetivo de la presente exposición es arrojar luz sobre su trascendencia cultural, a partir de un viaje por la historia de la linterna mágica articulado en torno a cuatro actos y veinticuatro escenas.

Esta exposición, producida por el Espacio de Cultura Científica de la Universidad de Salamanca, se inspira en el proyecto Los ecos de una lámpara maravillosa. La linterna mágica en su contexto mediático (2010), producido por el Servicio de Innovación y Producción Digital y Ediciones de la Universidad de Salamanca, que obtuvo en 2010 una Ayuda para el desarrollo y la realización de proyectos culturales (Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, ICAA). Su autor es Francisco Javier Frutos, profesor titular en la Universidad de Salamanca –Área de Comunicación Audiovisual y Publicidad, Facultad de Ciencias Sociales–, integrante del Observatorio de Contenidos Audiovisuales (http://campus.usal.es/~oca) y cuya línea de investigación pone énfasis en las aplicaciones didácticas y de gestión resultado de la interacción entre los contenidos audiovisuales y el patrimonio cultural (http://diarium.usal.es/frutos).

En colaboración con:

Biblioteca General Histórica. Universidad de Salamanca

Consejería de Educación. Junta de Castilla y León

Domus Artium 2012 – DA2

Ediciones Universidad de Salamanca

Escuela de Magisterio de Zamora. Universidad de Salamanca

Film Studies. School of Arts and Humanities. Oxford Brookes University

Filmoteca Española

Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA)

Millington-Barnard, University of Mississippi

Museo Pedagógico. Universidad de Salamanca

Museu del Cinema. Col.lecció Tomàs Mallol (Girona)

Museum of the History of Science. University of Oxford

Observatorio de Contenidos Audiovisuales. Universidad de Salamanca

Patrimonio del antiguo Instituto Provincial de Badajoz (hoy IES Bárbara de Braganza)

Servicio de Innovación y Producción Digital. Universidad de Salamanca

Antológica de jóvenes artistas de la Fundación Antonio Gala

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+X10

Sala de exposiciones Hospedería Fonseca

De martes a sábado, de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h. Domingos y festivos de 10.00 a 14.00 h

En colaboración con la Fundación Antonio Gala

 Del 3 de octubre al 4 de noviembre

“… este es el fin de la Fundación: convivir. Y enriquecerse y multiplicarse con la convivencia. Habitar en una perpetua fecundación cruzada. El arte es una forma de amar -sobre todo para mí-, de conocer, de entregarte, de acariciar, de aprender, de aprender… No es un refugio frente a nada. Ver la vida artísticamente no es cegarse a ella, sino verla más clara. El artista no vive para expresarse: se expresa para vivir más y, de rechazo, contagiar más vida a los demás. Crear no consuela de nada, no cura, sino reabre las heridas. Es una llaga nueva por la que, como por un ojo, se ha de ver todo de nuevo; por la que, como por una boca, se ha de cantar todo de nuevo; por la que, como con un pincel, se ha de pintar todo de nuevo…”.

Antonio Gala

Fragmento del texto del comisario de la exposición, Andrés Peláez

Cincuenta obras de otros cincuenta artistas que han pasado a lo largo de los últimos diez años por la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores integran la exposición que inaugura una serie de las que serán programadas para los próximos años dentro del programa “Convivir en el Arte”. La selección llevada a cabo por miembros del Patronato y Dirección de la Fundación es garantía del rigor que preside esta muestra. Se ha querido con ella dar a conocer las últimas tendencias de las artes plásticas de todo el territorio nacional a través de las obras de sus más jóvenes artistas. Ninguna de ellos superaba entonces los veinticinco años. Y este puede ser el único dato que los constituye en grupo, además de su paso por la Fundación en Córdoba, el generacional, porque sus modos, sus vivencias, sus formas de hacer difieren tan hondamente como su formación y sus influencias. Y ello se traduce en variedad y en multiforme expresión.

Andrés Peláez

Santos Yubero

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CRÓNICA GRÁFICA DE MEDIO SIGLO DE VIDA ESPAÑOLA 1925-1975

Sala de Exposiciones Patio de Escuelas

29 de junio - 7 de octubre de 2012

Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado

Martín Santos Yubero (Madrid, 1903-Madrid, 1994) fue uno de los miembros más relevantes de la segunda generación de reporteros gráficos madrileños. Ante sus cámaras fue desfilando un mundo maltrecho y epilogal, que él supo registrar con talento en la edad eterna de sus fotografías. En ellas nos muestra, como en un espejo, la imagen ya abolida de la vida española, entre la dictadura de Primo de Rivera y los años postreros del franquismo. Pero sus fotografías mejores las tomó en los días de penitencia de la primera posguerra. En ellas encontramos la España dolorida que siguió a la Guerra Civil, las injurias de la menesterosidad, el rostro afligido de un país arrasado, que pugnaba esforzadamente por sobrevivir.

Un retablo luminoso de medio siglo de vida española que nos

devuelve la realidad de la vida cultural, política y social de
Madrid, verdadero rompeolas de todas las Españas.
Las fotografías que componen la presente exposición han sido
copiadas a partir de los negativos originales, que se guardan
en el Fondo Martín Santos Yubero del Archivo Regional de la
Comunidad de Madrid.