Año 2011
Exposición "Cuadernos Escolares del Centro Museo Pedagógico de la Universidad de Salamanca"
Cuadernos Escolares del Centro Museo Pedagógico de la Universidad de Salamanca
Del 11 de marzo al 1 de mayo de 2011
SALA MENOR DE EXPOSICIONES - HOSPEDERIA FONSECA
Martes-Sabado: 12:00-14:00 y 18:00-21:00
Domingos y festivos: 10:00-14:00
Lunes cerrado
El estudio de los cuadernos de la escuela marca la línea de actuación e investigación más importante del Centro Museo Pedagógico de Salamanca, que posee una colección de unos cuatrocientos cuadernos. Nos informan del currículo, de las materias impartidas, de su importancia y de la evolución del código disciplinar.
Los cuadernos son un testimonio representativo de los cambios fundamentales que se han dado en la evolución del sistema educativo. Son una fuente primaria de gran riqueza que nos acerca a la intrahistoria de las aulas. Las escrituras de la infancia han recogido el acontecer diario de la clase, tanto el currículum formal como aquel que surge de la iniciativa del niño. Por medio de ellos podemos rastrear el pensar y el sentir de la escuela y de sus protagonistas: el maestro y el niño.
Exposición "Imaginary. Una mirada matemática"
Imaginary
Una mirada matemática
Del 27 de enero al 17 de febrero de 2011
Martes-Sabado: 12:00-14:00 y 18:00-21:00
Domingos y festivos: 10:00-14:00
Lunes cerrado
Una exposición interactiva, organizada por la Real Sociedad Matemática Española (RSME) con ocasión de su centenario, que pone de manifiesto diversas interrelaciones entre las matemáticas y el arte. Es una adaptación de la exposición IMAGINARY, desarrollada por el Mathematisches Forschungsinstitut Oberwolfach, Alemania, y es fruto de la participación internacional de matemáticos y artistas. Su leitmotiv es la imagen como lugar de encuentro entre la realidad imaginada y la visualización concreta de los objetos matemáticos abstrac- tos. ¡Sean bienvenidos!
IMAGINARY ofrece diversos programas interactivos de visualización matemática. Estos programas facilitan la exploración autónoma o guiada de un rico universo de bellas formas y pueden ser usados en los centros de enseñanza o por los particulares. Se pueden descargar gratuitamente de www.rsme-imaginary.es
Exposición "Miguel de Unamuno. Dibujos"
Miguel de Unamuno. Dibujos
Del 4 de febrero al 10 de abril de 2011
Patio de Escuelas Menores
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
Miguel de Unamuno. Dibujos
Miguel de Unamuno tuvo una relación constante con el dibujo a lo largo de toda su vida. Prueba de ello son los más de dos centenares de dibujos que se conservan en su archivo, a los que habría que sumar aquellos que entregó a sus amigos, muchas veces retratos que incluso llegaron a ser publicados. Se trata de unos documentos conocidos pero probablemente no valorados en su justa medida, aquella que debe tener en cuenta no tanto su calidad artística como su significado, su empleo para intentar conocer plenamente al personaje.
De los dibujos que han llegado hasta nosotros y que se conservan en la Casa-Museo Unamuno, se ha realizado una amplia selección que recoge todos los temas que con el lapicero o la pluma plasmó en todo tipo de papeles, con la que se ha organizado una exposición que permitirá disfrutar a cualquiera de esta parte del importante legado unamuniano. En ella los dibujos, plasmados en cualquier hoja de papel que se encontrara, son los protagonistas, y a su lado nos encontraremos con otros elementos que los ponen en contexto: plumas, lapiceros, manuscritos y otros objetos cotidianos del autor.
Unamuno dibujó aquello que le era más cercano, lo que puede notarse en la presencia de su familia y de él mismo, pues no son pocos los autorretratos que podemos ver, y junto a ellos aparecen los rostros de sus hijos y su esposa, una de las pocas mujeres que representó. En esa misma línea nos encontramos con el mundo animal, que está muy presente en sus dibujos, y que en su mayor parte se corresponde con aquellos animales con los que tuvo contacto más directo en el campo salmantino y señaladamente en la finca Traguntía, a la cual pertenece una de las pocas series de dibujos que se conservan. Allí aparecen perros, vacas, toros y caballos dibujados de cuerpo entero, de perfil o por partes, junto a algunos insectos. Más rara es la presencia de animales más exóticos como el dromedario, posiblemente ligado a sus estancias en Canarias, o el mono, tampoco demasiado extraño. Finalmente, entre los animales hay que hacer notar la omnipresencia de la rana desde todas las perspectivas imaginables, un anfibio de lo más común que en Salamanca tiene un significado especial y a la que Unamuno se refirió en algunos de sus textos.
Si juzgamos por el número de dibujos que tenemos, el tema que más le interesó a Unamuno fue el de la figura humana. Son muchos los retratos de hombres que podemos ver, buena parte de ellos de perfil, preferencia manifiesta de nuestro autor, aunque también son cuantiosos los realizados de cuerpo entero. Curiosamente son pocas las ocasiones en las que don Miguel nos informa del nombre de la persona representada, no sabemos si no lo hacía porque era algo que no importaba o porque eran personas perfectamente reconocibles.
Los retratos no tiene todos el mismo nivel de detalle, y se nota el esfuerzo realizado con algunos, en los que aparecen pormenorizadas las características físicas del modelo, llegando a señalar bajo el dibujo alguna característica física que no se ve en el mismo, mientras que otros son simples rasguños, esbozos que recogen lo esencial de esa persona, y hay también algunas caricaturas.
De especial interés son los escasos dibujos dedicados a la temática religiosa, que si bien no destacan por su volumen, lo hacen por el detalle y cuidado que pone en la cara de Jesucristo o la carga simbólica de las representaciones de la cruz.
La arquitectura fue también objeto de interés para la pluma de Unamuno, no tanto las vistas generales de calles o edificios, como algunos de los detalles de ornamentación que pudieran tener. Aquí la presencia de Salamanca es abrumadora, pues Unamuno copia detalles de muchos de sus edificios más característicos: el ángel de las Úrsulas, los relieves de la puerta de la biblioteca universitaria o los escudos de la Universidad.
La exposición se cierra repasando algunos de los demás temas que aparecen en los dibujos de Miguel de Unamuno, algunas curiosidades científicas e incluso una tabla de gimnasia, muestra de la diversidad de intereses del filósofo, que casi nunca utilizó esta cualidad y afición suya para completar sus propias obras, excepto en unos pocos casos con los que finaliza la muestra.
Exposición "Guzmán Gombau"
Guzmán Gombau
FOTOGRAFÍA EL VII CENTENARIO DE LA
UNIVERSIDAD DE SALAMANCA (1953-1954
Del 15 de junio al 9 de octubre de 2011
Sala de Exposiciones Patio de Escuelas
Universidad de Salamanca
Liberalización cultural
y apertura internacional
de la Universidad franquista
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
La Universidad de Salamanca llevaba a cabo, a través de las celebraciones
habidas durante 1953 y 1954, la conmemoración de sus setecientos años
de existencia, tomando para ello como referencia el día 8 de mayo de
1254, en que el rey Alfonso X el Sabio promulgaba una real cédula de reorganización
jurídica del Estudio. Siendo así, sin embargo, que la crónica
institucional de nuestra Academia había arrancado cuatro décadas antes,
en 1218 con exactitud, de la mano de la decisión fundacional de su abuelo
Alfonso IX de León. De este modo, las autoridades políticas y universitarias
del régimen eligieron el momento adecuado para acometer una vasta
operación de legitimación académica exterior del Estado nacional, al
mismo tiempo que comenzaban a abrírsele los foros internacionales
de la posguerra. La mirada fotográfica de Guzmán Gombau sobre este
VII Centenario “diferido” de la Universidad de Salamanca ofrece desde
luego un testimonio medido y extraordinario de aquella historia.
«Con emocionada alegría y ansia de renovada grandeza acude esta Universidad
a las fiestas de su VII Centenario […]».
Exposición "América Ocaso"
América Ocaso
François Bucher, Gregory Crewdson, Joan Fontcuberta, Piero Golia, Paul Graham, Isaac Julien, Juan Pérez Agirregoikoa, Andrés Serrano
Del 21 de octubre al 18 de diciembre de 2011
Sala de Exposiciones Patio de Escuelas
Universidad de Salamanca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
Comisarios: Alberto Martín, Agustín Pérez Rubio
Coordinación: Carlos Ordás
Lugar: Sala de Exposiciones Patio de Escuelas.
Universidad de Salamanca
Horario: De martes a sábado de 12:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h. Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h. Lunes cerrado.
Fechas: Del 21 de octubre al 18 de diciembre
Artistas: François Bucher, Gregory Crewdson, Joan Fontcuberta, Piero Golia, Paul Graham, Isaac Julien, Juan Pérez Agirregoikoa, Andrés Serrano
Tomando como referencia y punto de partida el título de una novela del escritor norteamericano Rick Moody, América Ocaso / Purple America (Debate, Madrid, 1998), esta exposición, realizada a partir de obras de la Colección MUSAC, propone un acercamiento, a modo de ensayo visual, a aquello que podría definirse como el colapso y agotamiento del llamado “sueño americano”. El título original de esta novela, Purple America, hace referencia al púrpura, al color del ocaso pero también al color de la realeza. Una tonalidad que la novela recoge en su decadencia, como bien resume el texto de la contraportada de la edición española: “Este color es un vestigio, una mera huella de una era que un día fue y terminó. Las ruinas del sueño americano, las cenizas de lo que un día se llamó el estilo de vida ‘americano’”. Es precisamente la expresión de este residuo, a modo de cenizas, y la exploración de los síntomas de la decadencia de un mito que durante décadas ha alimentado la sociedad contemporánea, el argumento que relaciona las obras reunidas en esta exposición. A través de un juego de miradas tanto externo como interno, de artistas tanto estadounidenses como de fuera del país, las diferentes propuestas tejen un entramado de alusiones y referencias desde el que se visitan temas como la iconización de los mitos o el declive y agotamiento de sus iconos; la diversidad de la sociedad norteamericana y el conflicto racial; la expresión de las patologías del estilo de vida americano; la agresividad de la política exterior de EE.UU. y el carácter invasivo de su cultura; la marginación provocada por las condiciones de vida en el interior profundo de las ciudades; o, por último, el modo en que la construcción de un enemigo exterior no es sino el correlato necesario para contener y exorcizar los propios fantasmas y terrores internos de una sociedad. Aunque durante décadas se ha asistido a las llamadas de aviso sobre las contradicciones y peligros del modelo americano convertido en ideal y autodefinido en múltiples ocasiones como la utopía encarnada en un modelo real, no cabe duda de que la coyuntura generada por los atentados del 11-S actuó como el detonante o confirmación de una definitiva desintegración, ocaso o invalidación. ¿Es este ocaso el telón que pone fin al espectáculo?
Exposición "¡Esto es la guerra! Robert Capa en acción"
Robert Capa
¡Esto es la guerra! Robert Capa en acción
Del 26 de enero al 3 de abril de 2011
Sala Hospedería Fonseca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
Robert Capa (1913-1954) es, sin duda, uno de los fotógrafos más reconocidos del siglo XX. Muchas de sus célebres fotografías han llegado a definir importantes guerras históricas: por ejemplo, el «Soldado caído» de la Guerra Civil española y el desembarco de las tropas estadounidenses en el Día D durante la Segunda Guerra Mundial. Pero lo que convirtió sus imágenes en verdaderos iconos fue su amplia difusión en las revistas gráficas internacionales. Éste era el contexto en el que Capa trabajaba y era conocido, y donde desarrolló sus capacidades como maestro de la fotonarrativa cinemática. Muchas de las revistas europeas y americanas visualmente sofisticadas y políticamente comprometidas de mediados de siglo xx publicaron las fotografías de guerra de Capa, entre ellas Vu, Regards, Match, Picture Post y, por supuesto, Life. A través de copias originales, hojas de contactos, rótulos, cartas personales y muestras de revistas, la exposición se detiene especialmente en el proceso de trabajo de Capa y en la construcción de seis de sus cuatro historias fotográficas: «El soldado caído» (1936); «La guerra chino-japonesa» (1938); «La batalla del río Segre» (1938); «Refugiados de Barcelona» (1939); «Día D» (1944); y «La liberación de Leipzig» (1945).
Capa buscaba transmitir la acción y la intensidad de la guerra, y los grandes medios de comunicación de la época recurrieron a sus imágenes de guerra de manera intensiva y sin precedentes. A lo largo de aquella década, de 1936 a 1945, de ser un joven fotógrafo independiente que vendía sus obras a través de diversas agencias a cualquier revista o periódico que las pagara, Capa pasó a convertirse en fotógrafo oficial de las fuerzas aliadas en la Segunda Guerra Mundial. Esta trayectoria comenzó con su compromiso político para documentar y mostrar al mundo las injusticias de la insurrección militar del general Francisco Franco en España. Sólo un mes después de comenzada aquella guerra, Capa hizo la que sería la imagen más famosa de la Guerra Civil española, la denominada «Soldado caído». Después de su éxito inicial, Capa siguió participando en el conflicto y trabajó con los republicanos antifascistas españoles hasta su derrota a comienzos de 1939. Durante seis meses, en 1938, se dedicó a fotografiar la lucha china contra la invasión japonesa, considerada por muchos como el frente oriental contra el ascenso del fascismo internacional. En 1944 Capa se había consolidado como uno de los más grandes fotoperiodistas y fue contratado por la revista Life para cubrir la Segunda Guerra Mundial.
El coste humano de la guerra está muy presente en las fotografías de Capa. Sus imágenes de guerra se centran no sólo en los soldados y en la batalla, sino también en los civiles: refugiados que huyen de las zonas de destrucción, niños huérfanos y familias separadas por el reclutamiento o la muerte. La enorme fuerza del fotoperiodismo de Capa reside en su compasión hacia el drama y la emoción de los acontecimientos humanos, junto con su extraordinaria capacidad para reconocer los acontecimientos importantes de la época.
Esta exposición ha sido organizada por Richard Whelan y Cynthia Young.
Exposición "Gerda Taro"
Gerda Taro
Del 26 de enero al 3 de abril de 2011
Sala Hospedería Fonseca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
Cuando la Guerra Civil española estalló en 1936, la fotógrafa Gerda Taro se unió a muchos de sus colegas en el apoyo a la causa antifascista. Al igual que Ernest Hemingway, Langston Hughes y su propia pareja, Robert Capa, Taro dedicó su trabajo a la sitiada República Española, un gobierno democráticamente electo, entonces bajo el asedio de la insurgencia militar nacionalista del general Francisco Franco. Durante un año asombrosamente productivo de actividad fotográfica en los frentes de batalla, Taro produjo algunas de las imágenes más dramáticas y más ampliamente publicadas de aquella guerra. Por desgracia, la obra de Taro en España representa la totalidad de su brevísima carrera; en julio de 1937 se convirtió en la primera fotógrafa de guerra muerta en acción.
Gerda Taro nació con el nombre de Gerta Pohorylle, en Stuttgart, Alemania, en 1910. Después de ser detenida por participar en una campaña de protesta antinazi en 1933, huyó a París. Allí conoció a un joven fotógrafo húngaro llamado André Friedmann, para quien trabajó como agente comercial, mientras, al mismo tiempo, desarrollaba sus propias habilidades como fotógrafa. En un intento de superar los desafíos con los que se enfrentaban los inmigrantes en París, ambos jóvenes fotógrafos abandonaron sus nombres y asumieron nuevas identidades, él como Robert Capa, ella como Gerda Taro. En el verano de 1936, Taro y Capa consiguieron llegar al baluarte republicano de Barcelona. Para ellos, la Guerra Civil española ofrecía una oportunidad fotoperiodística, y la defensa republicana era una causa izquierdista por la que sentían una profunda simpatía.
La Guerra Civil española fue la primera guerra moderna difundida en los medios de comunicación, en la que una gran variedad de revistas ilustradas buscaban ávidamente fotografías. El equipo fotográfico formado por Taro y Capa publicó su obra en muchas de estas revistas, en particular en Regards, con sede en París. A medida que Taro desarrolló un estilo característico y una reputación, obtuvo contratos independientes y publicó muchas de sus fotografías con su propia firma. Era conocida por su combinación de valentía y sensibilidad para fotografiar la guerra y sus efectos sobre la población civil. En julio de 1937, Taro fue a Brunete, en las afueras de Madrid, para cubrir los combates para el periódico francés Ce Soir. Durante dos semanas fotografió la batalla por la ciudad, y sus imágenes tuvieron una amplia difusión. Pero, en una apresurada retirada de las fuerzas republicanas, Taro saltó del estribo de un coche y resultó muerta al ser golpeada de refilón por un tanque. A su funeral en París asistieron decenas de miles de personas que le rindieron homenaje como mártir antifascista.
El archivo de Gerda Taro en el International Center of Photography contiene más de 200 copias originales, así como sus negativos de la Guerra Civil española recientemente descubiertos. Setenta años después de su muerte, la recuperación de este conjunto de obras perdidas demuestra claramente la potencia de la visión original de Taro, y nos proporciona un conocimiento nuevo y más profundo sobre los límites redefinidos por las mujeres en los años treinta del siglo xx y sobre el papel del fotoperiodismo en la Guerra Civil española.
La exposición Gerda Taro ha sido organizada por Irme Schaber, Richard Whelan y Kristen Lubben.
Exposición "Constelaciones I"
Constelaciones I
COLECCIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Del 24 de mayo al 24 de julio de 2011
Sala Hospedería Fonseca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
Toda colección, sea de la naturaleza que sea, instaura un juego necesario de conexiones entre los diferentes elementos que la constituyen. Cualquier colección viene a configurarse así como una constelación en la que todos y cada uno de sus elementos están relacionados, en la que existen jerarquías, en la que se establecen distancias y proximidades, así como categorías. Pero sobre todo, en una colección hay síntomas que se manifiestan desde la similitud, el contraste, la afinidad e incluso desde la extrañeza. Actuar sobre una colección de arte a través de una exposición, seleccionando determinadas obras y obviando otras, poniéndolas en relación, equivale a poner de manifiesto dichos síntomas explorando una posible gama de indicios y señales. Esta muestra, realizada a partir de una selección de entre las más de cuatrocientas obras que componen la colección de arte contemporáneo de la Universidad de Salamanca, quiere mostrar precisamente algunas de esas señales e indicios. Y lo hace trazando las líneas de un doble dibujo psíquico y visual, las líneas y el dibujo que aparecen al unir los diferentes elementos que forman parte de esta singular y concreta constelación de obras de arte.
Exposición "Ballets Russes de Diághilev"
Ballets Russes de Diághilev y su influencia en el Art Déco
Del 4 de octubre de 2011 al 29 de enero de 2012
Sala Hospedería Fonseca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
El Museo presenta la exposición "Ballets Russes de Diághilev y su influencia en el Art Déco"
El Museo de Art Nouveau y Art Déco de Salamanca y La Hospedería Fonseca presenta la exposición “Los Ballets Russes de Diághilev y su influencia en el Art Déco”
Para ello contamos con piezas de las colecciones, de los diseños de escenografía y vestuario del Museo Estatal Central del Teatro Bajrushin de Moscú, de los dibujos del Center Rosizo del Ministerio de Cultura de Rusia y de las colecciones privadas de textiles y esculturas criselefantinas de Art Déco Gallery de Moscú, expuestas por primera vez en España.
Se muestran más de 139 piezas originales, entre ellas encontramos:
- Mas de 80 dibujos gouaches coloreados.
- Esculturas en porcelana, mayólica, metal, madera, bronce, ónix y marfil.
- Vestuario original de los artistas con sus correspondientes sombreros.
- Programas y fotografías de algunas representaciones.
- Escenografías, decorados y otros objetos.
La exposición está estructurada en dos espacios: en la sala de exposiciones del Museo Art Nouveau y Art Decó (Casa Lis) y en la sala de exposiciones de la Universidad de Salamanca en la Hospedería Fonseca.
Son comisarios de la exposición, los conservadores de las colecciones: Victoria Zubravskaya, Ksenia Morozova, Ekaterina Ysova y Pedro Pérez Castro, director del Museo de Art Nouveau y Art Déco de Salamanca.
Diághilev consiguió reunir a los más prestigiosos artistas de vanguardia y crear en 1907 la compañía de danza más completa y revolucionaria del siglo XX. El estilo y técnica de los Ballets Russes causó sensación en Europa Occidental gracias a su gran virtuosismo y técnica. Durante las primeras décadas del siglo XX se convirtió en la compañía de ballet de más éxito y una de las corrientes artísticas que más ha influido en la cultura occidental europea.
VI Festival Internacional SMASH de Música Contemporánea 2011
VI Festival Internacional SMASH de Música Contemporánea 2011
del 2 al 11 de diciembre de 2011
Low cost opera
del 2 al 11 de diciembre de 2011
VI Festival Internacional SMASH de Música Contemporánea 2011
Low cost opera
Grupo residente: SMASH ensemble
- Grupos invitados -
Espai Sonor (Valencia)
Ensemble Zahir (Granada)
S’ensemble (Palma de Mallorca)
Ensemble Machetes (Holanda)
- Ciclo de conferencias -
Ramón Lazkano (País Vasco)
Aureliano Cattaneo (Italia)
José Luis Torá (Madrid)
Aki Ito (Japón)
José Ismael Gutiérrez (Gran Canaria)
Alberto Hortigüela (Burgos)
LOW COST OPERA
La sexta edición del VI Festival Internacional SMASH de Música Contemporánea tendrá como tema principal las obras de
cámara con voz solista.
En la actualidad reproducir una ópera se ha vuelto casi imposible para las pequeñas estructuras como los festivales y
grupos de música, los gastos que representa una producción de un “espectáculo” con un protagonista principal (en este
caso la voz) y una orquesta (en este caso un pequeño grupo de cámara) son como dicho anteriormente un gasto enorme.
El VI Festival Internacional SMASH de Música Contemporánea decide solventar las necesidades culturales de la sociedad y
ofrecer en seis días, seis pequeñas óperas de cámara del siglo XX y XXI, siendo así un festival de ópera a bajo coste: LOW
COST OPERA. Igual que una aerolínea de bajo coste; durante el festival se ofrecerá al público los elementos básicos pero
necesarios de un espectáculo de ópera: voz solista, grupo de cámara y una pequeña puesta en escena.
Viernes 2 de diciembre
20h30 - Teatro Juan del Enzina
Concierto de Inauguración Taller de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Música de Salamanca.
Voilements (1987) Jean Claude Risset
saxofón y electrónica
Mar i lluna (2004) Ramón Humet
piano y electrónica
Lonh (de lejos) (1996) Kaija Saariaho
soprano y electrónica
Série blanche (2007) Pierre Jodlowski
piano y electrónica
Soleá (2010) Carlos D. Perales
flauta, clarinete, violín, cello, piano y electrónica
Director: Javier Castro
Electrónica: Iñaki Estrada
Sábado 3 de diciembre
19h - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Conferencia
20h30 - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Concierto del Ensemble Zahir (Sevilla)
Polly Nichols’ Sketch (2005) Juan García Rodríguez
Papillons Noirs (2003) Anna Malek
Arquitecturas del límite (2005-2011) José María Sánchez Verdú
Sabah (2011) Eneko Vadillo
Abreviaturas (1997) César Camarero
Atlantis (2003) Juan García Rodríguez
ZAHIR ENSEMBLE
Alfonso Rubio, flauta, flauta en sol, flautín
Carlos Lacruz, clarinete, clarinete bajo
José Manuel Martínez, violín, viola
Dieter Nel, violonchelo
Francisco Soriano, piano
Juan García Rodríguez, director
Domingo 4 de diciembre
19h - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Conferencia
20h30 - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Concierto de Ensemble Machetes (Países Bajos)
El cimarrón (1969-70) Hans Werner Henze
recital para cuatro músicos (1926) Alemania
Ensemble Machetes
Gregor Schulenburg
Mislav Režić
José Garcia
Jussi Lehtipuu
Puesta en escena - Christiaan Mooij
Viernes 9 de diciembre
20h30 - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Concierto de S’ensemble (Palma de Mallorca)
Kitab-7 (1997) José María Sánchez Verdú
narrador y siete músicos
Folksongs (1964) Luciano Berio
I.- Black is the color... (1925-2003) Italia II.- I wonder as I wander III.- Loosin yelav IV.- Rossignolet du bois V.- A la femminisca VI.- La donna ideale VII.- Ballo VIII.- Motettu de tristura IX.- Malurous qu'o uno fenno X.- Lo fiolaire XI.- Azerbaijan love song...
mezzo-soprano y siete músicos
S’ensemble
Director: Francesc Prat
Laura García Olalla - Mezzo-Soprano
Georgia Pivitera - violín
Imanol Martínez Hervias - viola
Myriam García - violonchello
Rafel Caldentey - clarinete
Vicent Salvador - oboe
Pere Sansó - flauta
Jose Pablo Polo - guitarra
Julien Moussiegt - percusión
Sábado 10 de diciembre
19h - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Conferencia
20h30 - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Concierto del Espai Sonor (Valencia)
Homenaje al músico ágrafo (2002)(*) Alberto Hortigüela (1969-)
Saxofón barítono
Sequenza III (1966) Luciano Berio (1925-2003)
Voz femenina
A dark pass (love song I) (2004)(*) Toshio Hosokawa (1955-)
Saxo alto y mezzosoprano
Cassandra’s Dream Song (1970) Brian Ferneyhough (1943)
Flauta
Memory (love song II) (2004)(*) Toshio Hosokawa (1955-)
Saxo alto y mezzosoprano
Mineral Life (2010) Hèctor Parra (1976-)
Percusión
Firefly (love song III) (2004)(*) Toshio Hosokawa (1955-)
Saxo alto y mezzosoprano
Madrigals Book II (1965) Georges Crumb (1929-)
Soprano, flauta y percusión
(*) Obra estreno en España
Ensemble Espai Sonor
Director artístico: Voro García
Soprano: Vanessa García
Flauta: Joaquín Ortega
Saxofón: Ricardo Capellino
Percusión: Sisco Aparici
Domingo 11 de diciembre
12h - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Concierto para niños con SMASH ensemble y las marionetas Bunraku de Pierrot Lunaire.
19h - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Conferencia
20h30 - Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca
Concierto de clausura de SMASH ensemble
Trascendental Studies (2011) - Estreno Mundial - Samuel Cedillo
soprano y guitarra (1981) México
Noeuds (2011) - Estreno Mundial - Aki Ito
soprano, clarinete, violín, guitarra y percusión (1981) Japón
Pierrot Lunaire Op.21 (1912) Arnold Schoenberg
- tres veces siete poemas de Pierrot Lunaire de Albert Giraud - (1874 - 1951) Austria
voz, flauta, clarinete, piano, violín-viola, violonchelo y marionetas
Puesta en escena de Pierrot Lunaire - Iulian Furtuna
Vestuarios y montaje de Pierrot Lunaire - Jean-Philippe Desrousseaux
1.- Borrachera de luna
2.- A Colombina
3.- Pierrot dandy
4.- Luna en el lavadero
5.- Vals de Chopin
6.- Evocación
7.- Luna enferma
8.- Mariposas negras
9.- Súplica
10.- Pierrot ladrón
11.- Misa roja
12.- La canción de la horca
13.- Degollación
14.- Las cruces
15.- Nostalgia
16.- Pierrot cruel
17.- Parodia
18.- La mancha de la luna
19.- La serenata de Pierrot
20.- Partida de Pierrot
21.- Perfumes de Bérgamo
Solistas de SMASH ensemble
Clara Novakova - flauta
Andrea Nagy - clarinete
Carola Schlüter - soprano
Natalia Baquero - piano
Bertrand Chavarría-Aldrete - guitarra
Mélanie Clapiès - violín/viola
Myrtille Hetzel - violonchelo
Jean-Philippe Desrousseaux - marionetista
Iulian Furtuna - marionetista
Gaëlle Trimardeau - marionetista
François-Xavier Guinnepain - luces
Director artístico de SMASH ensemble - Bertrand Chavarría-Aldrete
I Radiorrelatos en Radio Universidad
RADIORELATOS EN RADIO UNIVERSIDAD
I EDICIÓN
Radio Universidad, en colaboración con la Facultad de Comunicación y el Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca, convoca la primera edición de radio-relatos en Radio Universidad.
El objetivo es promover y alentar a nuestros oyentes y a todas aquellas personas interesadas en la escritura, en la creación literaria, unida a la locución y la música, a crear pequeñas obras donde se unan la creación literaria y los efectos sonoros, para producir espacios y secciones susceptibles de ser emitidos por radio.
BASES
Podrán participar en el concurso todas aquellas personas que sean o hayan sido miembros de la comunidad universitaria de la Universidad
de Salamanca.
Cada autor puede presentar un máximo de 5 radio-relatos. La extensión de cada radio-relato no excederá de 250 palabras, título incluido.En él se incluirá necesariamente el nombre de una de las carreras que se cursan en la USAL.
No podrán presentarse obras ya premiadas en otros concursos.
FORMATO
La obra se podrá entregar de dos formas:
- Guión escrito, con todas las indicaciones necesarias para realizar el radio-relato.
- Grabación sonora. Quienes prefieran esta opción, y no tengan medios para realizarlo, pueden hacerlo en Radio Universidad.
FORMA DE ENTREGA Y PLAZOS
El plazo de admisión será hasta el 30 de mayo. Las obras se enviarán vía e-mail a Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo., o bien se entregarán directamente en las instalaciones de Radio Universidad (Aulario San Isidro, s/n, plaza de San Isidro. Salamanca), o en la Facultad de Comunicación, a Silvia Jiménez.
Las obras llevarán los siguientes datos del autor: nombre, dirección, D.N.I. o pasaporte, teléfono de contacto y dirección de correo electrónico.
JURADO
El jurado estará compuesto miembros de Radio universidad, de la Facultad de Comunicación y del Servicio de Actividades Culturales.
PREMIOS
1er premio: GRABADORA OLIMPUS VN-8600PC
2º premio: MP4 Energy 2204 4 GB
Los radio-relatos se emitirán en la programación habitual de Radio Universidad, por lo tanto, todos los participantes tendrán la posibilidad de poder escuchar públicamente sus obras, tanto vía convencional, como en emisión por Internet. (89.0 F.M. y www.usal.es/radiouni).
Taller de Música Contemporánea del Conservatorio Superior
MARTES, 29 DE MARZO.
CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA. 20:30
TALLER DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
Solista: Guillermo Salcedo, fagot
Director: Wolfgang Lischke
PROGRAMA
Rhea (1988) para doce saxofones .........................................Francisco Guerrero
Concierto para fagot y grupo de cámara (1996-2008) .................Agustín Charles
I Mosso Scorrevole
II Tema con variazioni (a Alban Berg in Memoriam)
III Allegretto, quasi fanfarria
Le Lac (para ensemble) (2001)* estreno en España .....................Tristan Murail
NOTAS AL PROGRAMA
Dedicado a Pep Borràs, el Concierto para fagot es una de mis pocas piezas concertantes
escrita en varios movimientos. En esta obra se desarrollan tanto sus características tímbricas
como su tradicional carácter polivalente, el que le lleva, desde Mozart a Stravinsky,
y continuando hasta la actualidad, a desplegar diversos cometidos en los que a
menudo se mezcla lo serio con lo profano. Así, el primer movimiento, Mosso scorrevole,
es el más comprometido del concierto, realizando un juego de combinaciones tímbricas
con el resto del grupo, de gran colorido y complejidad. El segundo movimiento,
Tema con variazioni, in Memoriam Alban Berg, desarrolla su aspecto humorístico con
el uso de diferentes registros tímbricos y eclécticos, en orden al uso que de ellos hace
A. Berg en su música, llevando al oyente a un viaje por diferentes estilos y caracterizaciones.
El último movimiento, Allegretto, quasi fanfarria, es de un tempo trepidante
que se ve culminado por la cadenza del instrumento solista. En suma, el fagot realiza
a lo largo de todo el concierto un viaje tímbrico-musical por los diversos modelos de
comportamiento que le caracterizan, aunque siempre con un gran complejidad virtosística.
(Agustín Charles)
La obra “Le Lac” fue encargada por el Ensemble Klangforum de Viena. El compositor,
Tristan Murail (1947) reseña algunas claves para entender mejor esta obra:
“Al norte de Nueva York se extiende una región de parques y reservas naturales, repletas de
lagos, de colinas y de bosques. Ahí vivo en una casa abierta al exterior, desde donde se pueden
contemplar árboles, un lago, la vida por doquier y la perfecta movilidad de los elementos. Cada
día, cada hora, el lago propone una luz y un estado anímico diferentes. Siempre presente,
siempre cambiante, refleja y magnifica el movimiento incesante de las estaciones y de los climas.
Es un lugar geométrico de pensamientos y de miradas, un modesto símbolo del universo.
A la imagen del lago, la partitura está construida de pocos elementos, infinitamente cambiables:
el análisis acústico de los sonidos de lluvia golpeando el lago, un numero estilizado de truenos, la
llamada de un pájaro no identificado, una melodía de acordes.
Estos elementos son tratados como objetos musicales abstractos. Son modificados, filtrados,
distorsionados, armonizados o “acordados” los unos con los otros. Son utilizados por su puro
valor sonoro y musical, es decir, por su impacto sicológico.
No se trata pues de una tentativa de descripción, de una música programática. Lo que es retenido
por encima de todo es el modelo natural, el juego de lo permanente y lo enfímero, los
movimientos y cambios de humor, la lógica de lo inesperado, el orden y la simplicidad que
anidan en el seno de lo caótico y lo complejo”
Le Lac fue estrenada el 13 de octubre de 2001 por el Ensemble Klangforum de Viena, dirigido
por Emilio Pomarico, en Graz (Austria), dentro del Festival Musikprotokoll 2001.
INTÉRPRETES
Wolfgang Lischke.
Desde su debut en el Festival de Salzburgo en 2006, Wolfgang Lischke ha destacado
como uno de los directores de orquesta más prometedores de nuestra generación.
Wolfgang Lischke, nacido en 1970, estudió Piano y Trombón y, posteriormente, Dirección
de Orquesta en Múnich. Después de haber trabajado en varios pequeños teatros
de ópera, Wolfgang Lischke fue nombrado primer Director Musical Asistente de
la Ópera de Bonn. En el desempeño de su puesto en Bonn, asumió la responsabilidad
musical de prácticamente todo el repertorio trabajado en el teatro.
Lischke muestra especial interés por la interpretación de música contemporánea y, de ahí,
que se trate de una de sus especialidades. A través de Peter Eötvös, a quien Lischke ha
asistido en más de una ocasión, conoció a Karlheinz Stockhausen y ello llevó a que Lischke
también colaborara en repetidas ocasiones con Stockhausen.
Lischke ha sido invitado a colaborar con numerosas orquestas como la Orquesta Sinfónica
de Berlín, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Hilversum, la Orquesta Sinfónica
de la Radio de Viena, la Orquesta Sinfónica de la WDR de Colonia y con ensembles
como l’Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Ensemble Musikfabrik,
Ensemble Recherche y Plural Ensemble.
Guillermo Salcedo Rubio
Este fagotista compagina su labor docente en el Conservatorio Superior de Salamanca
y en el Conservatorio Superior del Liceo con múltiples actuaciones como solista y en
colaboración con el quinteto de viento Miró Ensemble. Formado principalmente en
Alemania, en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” (Berlín) junto al Prof. Klaus Thunemann,
pasa sus dos últimos años de estudio en las filas de la Orquesta Filarmónica
de Berlín como academista.
Colabora con formaciones tan reconocidas como la City of Birmingham Symphony
Orchestra, Mahler Chamber Orquester, Deutsche Kammer Philharmonie Bremen,
Orquesta Sinfónica de Galicia y Sinfónica Toscanini de Roma, entre otras, con directores
como Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, Daniel Baremboim y Pierre Boulez.
En 1996 Guillermo Salcedo debuta como solista acompañado por el Conjunto Vagui
Concenti, en Pamplona, con gran éxito de crítica y público. Posteriormente se suceden
otras actuaciones como solista con la Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona, con Sinfonietta
Köln (Alemania), con la Orquesta de RTVE, con la Orquesta Sinfónica de
Bogotá, etc...Por otra parte, ha recibido varios premios, tanto nacionales como internacionales,
entre los que cabe destacar el Primer Premio galardonado en el 59º certamen
del Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España 2003, el Primer
Premio en la 50ª edición del Internationaler Musikwettbewerb de la ARD de Múnich
(2001), con Miró Ensemble y, en la especialidad de fagot, la mención de Preisträger del
mismo concurso en el siguiente certamen.
Taller de Música Contemporánea
El Taller de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Música de Salamanca
se crea en 1999 para tratar de acercar a los alumnos de este centro al mundo de la música
escrita a partir de la segunda mitad del siglo pasado hasta la compuesta en nuestros días.
Durante estos once años de existencia el Taller ha presentado en, al menos, tres proyectos
por curso, obras tanto de compositores ya consagrados como de jóvenes autores españoles,
la mayoría de ellos alumnos de composición del mismo Conservatorio.
El grupo instrumental es variable y está formado por la mayoría de los alumnos del
Centro coordinados y dirigidos por Alberto Rosado, Javier Castro, César Aliaj y Andrés
Gomis. Su repertorio comprende obras de autores tan representativos de la música
del siglo XX como Varèse, Stravinsky, Boulez, Messiaen, Feldman, Lutoslawsky,
Crumb, Takemitsu, Kúrtag, Romitelli, Scelsi, Grisey, Saarahio, Birtwistle, Rihm, Benjamin,
Ligeti, Matsushita, Lindberg, Hosokawa o Berio y los españoles Halffter, De
Pablo, Rueda, López López, Camarero o Sánchez Verdú que han interpretado bajo la
batuta de los directores: Zsolt Nagy, Wolfgang Lischke, Fabián Panisello, José De Eusebio,
José Luis Temes, Jean-Paul Dessy y Javier Castro.
Smash Ensemble
VIERNES, 1 DE ABRIL.
AUDITORIO FONSECA: 20:30
SMASH ENSEMBLE
Dr. Bertrand Chavarria-Aldrete
PROGRAMA
...si mi fue tornase a es... (1546-1981)
Recuerde el alma dormida (1546).........................Alonso Mudarra (1510-1580)
Texto de Jorge Manrique (Palencia, 1440-1479)
Erótica (1978 – 81) .........................................Francisco Guerrero (1951-1997
Texto de Ibn Quzman (Córdoba, 1078-1160)
Claros y frescos ríos (1546) ...................................Alonso Mudarra (1510-1580)
Texto de Juan Boscán (Barcelona, 1492-1542)
soprano y guitarra (14 minutos)
La fabbrica illuminata (1964) ..................................Luigi Nono (1924 - 1990)
soprano y electrónica (17 minutos)
L’Addio a Trachis II (1987) .....................................Salvatore Sciarrino (*1947)
guitarra (6 minutos)
Zeitungsausschnitte Op.11 (1925-27) ........................Hanns Eisler (1898-1962)
1.- Mariechen
2.- Kinderlied aus dem wedding
3.- Liebeslied eines kleinbürgermädchens - Heiratsannonce
4.- Kriegslied eines kindes
5.- Aus einer enquête
Die Sinde
Mutter und Vater
Der Tod
6.- Liebeslied des grundbesitzers - Heiratsannonce
7.- Aus einer romanbeilage - SCHWEJK von J. Hasek - Predigt des Feldkuraten
8.- Frühlingsrede an einen baum im hinterhaushof
soprano y piano (20 minutos)
SOLISTAS DE SMASH ENSEMBLE
Carola Schlüter soprano
Natalia Baquero piano
Bertrand Chavarría-Aldrete guitarra
NOTAS AL PROGRAMA
...si mi fue tornase a es... (1546-1981)
Alonso Mudarra (1510-1580) España - Francisco Guerrero (1951-1997) España
Cerca de mil años de historia artística española se exponen con la idea de poder dar una
pequeña muestra de una formación común: voz y guitarra. Alonso Mudarra, compositor
y vihuelista español del Renacimiento, realizó grandes innovaciones tanto en la música
instrumental como vocal. En 1546 publicó en Sevilla Tres libros de música en cifra para
vihuela, donde las dos canciones que se tocan aparecían por primera vez. Erótica de Francisco
Guerrero, es una pequeña pero importante obra para el repertorio español. Guerrero,
una de las personalidades más importantes en el panorama español, fue un compositor
que se inspiró de varias fuentes físicas y matemáticas. Para Erótica, utiliza un texto
del poeta andalusí Ibn Quzman. Lo esencial de la obra de Quzman se encuentra en el
Cancionero Andalusí que es también algo parecido a una autobiografía, al hablar de su
vida en varios zéjeles que estan escritos en el dialecto local de aquella época en Córdoba.
Diversas fuentes. La Fabbrica Illuminata (1964). Luigi Nono (1924-1990) Italia
El lugar de trabajo como Cabo San Roque explicita, es hoy en muchos casos, un lugar
de huida de todo ese tiempo que se presta de la propia vida a las funciones que el sistema
requiere con el único fin de mantenerse a sí mismo. Los sonidos de la fábrica no
se integran para establecer un nexo entre el trabajo y la cultura que el obrero debe adquirir
como proceso que le haga salir de su alienación. Cuando la alienación se da por
supuesta, tanto que no se siente, los sonidos entran también a conformar el espacio de
huida en el que se encontraría asimismo el operario.
Así pues, la fabrica se nos mostrará en una coreografía mecánica de pistones que hacen
bailar al acordeón a ritmo de cha cha cha, de electro válvulas que hacen sonar trompetas
de Jericó, y algunos barcos que escupen nubes de harina y anuncian su partida gimiendo
como dinosaurios en celo.
La entrada de sonidos provenientes del ámbito industrial se une con el deseo de experimentar
con la transmisión sonora a distancia. La llegada de la electricidad supondrá
una triple dislocación: respecto a la transmisión de lo sonoro, a su posibilidad
de reproducción y también en lo que se refiere a la escucha. Esta triple
dislocación afectará tanto al registro sonoro como a la disposición corporal del músico
y del oyente.
Texto extraído de Contrapuntos de la Invención de Carmen Pardo Salgado
L’Addio a Trachis II (1987). Salvatore Sciarrino (1947) Italia
Transcripción realizada de M. Pisati de la obra L’addio a Trachis para arpa solista. La
obra tiene una estructura que se basa en la imposibilidad de la nota gracias a la transcripción
hecha para guitarra que con sus características naturales da otras posibilidades
y limitaciones. La versión de guitarra tiene dos maneras de exponer el sonido:
pizzicato y sonido natural, la versión de arpa siempre utiliza la nota natural y por lo
tanto la obra se percibe de otra forma. La versión de guitarra tiene diversos gestos
instrumentales y dinámicos que funcionan de manera original y en acuerdo con el
lenguaje de Sciarrino.
Diversas Fuentes. Zeitungsausschnitte Op.11 (1925-27). Hanns Eisler (1898-1962)
Alemania/Austria
El ciclo de canciones Zeitungsausschnitte (Recortes) de Eisler, utiliza como texto recortes
de periódico. Podemos encontrar, mensajes personales, textos documentales,
anuncios de boda, así como rimas infantiles.
Los “Recortes” han sido utilizados como una reacción a la tradición clásica del siglo
XIX. Los textos no vienen directamente del dolor del corazón, pero si hablan del desempleo
que existe durante la inflación que se vivía en aquellos momentos, así como
eventos de la vida común diaria.
Texto extraído de Kritische Musik, por Martin Hufner
INTÉRPRETES
SMASH ensemble es una representación de la nueva cultura social europea, siendo un
grupo español que se enriquece con músicos de primer nivel procedentes de países como
España, Francia, Escocia, República Checa, Hungria, México y Alemania; una
prueba del alto intercambio socio cultural que existe hoy en día.
SMASH ensemble se ha presentado en Francia, Lituania, Portugal, República Checa,
Italia, Finlandia, México y España, dentro de festivales y temporadas de conciertos como
Musiikin Aika (Finlandia), ContemPuls (República Checa), Saison Opus (Francia),
Festival Internacional de Guitarra de Monterrey (México), Festival ENSEMS
(Valencia), Museo Reina Sofía (Madrid) Festival Nous Sons (Barcelona), Quincena
Musical Donostiarra, Festival de Música de Alicante, Gaida Festival (Vilnius, Lituania),
Ciclo de Música Contemporânea da Guarda (Portugal) o Centre Tchèque de Paris
y Fondation Suisse (París, Francia) entre otros.
SMASH ensemble es el grupo residente del Festival Internacional SMASH de Música
contemporánea, que alcanzará su sexta edición en 2011. Las próximas citas de SMASH
Taller de Composición del Conservatorio Superior
MARTES, 5 DE ABRIL.
CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA. 20:30
TALLER DE COMPOSICIÓN DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
TALLER DE ESTRENOS
DIRECTOR: JAVIER CASTRO
PROGRAMA (*)
“Estratos” para ensemble................................................Daniel Martínez-Roura
“Amaltea” para grupo ................................................................David Delgado
“Río” para flauta, violín y piano .....................................................Javier Sierro
“Movement” para grupo de cámara.............................................Daniel Fajardo
“Visiones de un instante” ..............................................................Álvaro Martín
I -Otoño urbano
II - Tan solo una campana
III - Tu recuerdo
IV - Versos para el olvido
“Plena luno” para contralto y grupo de cámara .......................David Centenera
“The awakening” para percusión y siete instrumentos..............Rubén González
“Tò phainómenon” para doce saxofones, dos pianos
y dos percusionistas................................................................Carla Armas
(*)Todas las obras son estrenos absolutos.
NOTAS AL PROGRAMA
“Estratos” consta de tres secciones construidas por capas de distinto material rítmicosonoro.
En la primera parte una melodía intenta asomarse por encima de un espacio
sonoro metálico. En la segunda, lo melódico se impone en una construcción canónica
que desemboca, tras unos instantes de aparente caos, en una explosión. En la tercera
parte, vuelve la atmosfera inicial. En ella un canto inconcluso del trombón pone fin a
lo melódico y el espacio sonoro vuelve a su punto de origen, ese sonido lejano del vibráfono
con el que empezó todo. Texto: Daniel Martínez Roura
“Amaltea hace referencia a la constelación de Capricornio que está formada por trece
estrellas. De esta manera dispongo trece secciones distribuidas gracias a la secuencia de
Fibonacci que determina la estructura. Por otro lado, el contenido de la obra se basa
en ideas del Poliestilismo, es decir, hacer uso de citas o alusiones, elementos y procedimientos
propios de estilos pasados en una obra.” (David Delgado)
Movement busca expresar, a través de diferentes parámetros sonoros, los tipos de movimiento
presentes en la naturaleza y su relación interna, clasificándolos en: continuo,
puntual y estático.
“Visiones de un instante” son unas pequeñas piezas inspiradas en Haikus de diferentes
autores (Antonio Cabrera, Mario Benedetti, Francisco Basallote y Jorge Luis Borges,
en este orden). Se intenta plasmar la simplicidad y la importancia del momento, que
transcurre sin permitir su repetición. Frente a este transcurso unidireccional del tiempo
se contrapone otra visión, muy explotada en el mundo cinematográfico, estableciendo
una serie de realciones entre los diferentes movimientos fuera de un
trascurso lineal del tiempo. (Álvaro Martín)
“Plena Luno es un canto de soledad dirigido a la luna llena que se manifiesta a través de
dos lenguajes universales: la música y el esperanto.” (Música y texto: David Centenera)
“The Awakening esta concebida para percusión solista, piano, maderas y cuerdas. La
construcción de la misma, viene definida por el empleo de los diferentes instrumentos
de percusión, por parte del solista, gran caja, marimba, vibrafono, caja, etc...”
(Rubén González)
Todos hemos sentido que existe. La irrealidad, tan consustancial a la vida humana,
puede resultar extraordinariamente sugestiva; pues ya no estamos sometidos a la determinación
material, no estamos sometidos a la tiranía del espacio y el tiempo, sino que
podemos ejercer una forma de libertad creadora, podemos ampliar los márgenes de la
existencia. Tò phainómenon es precisamente eso: lo ficticio, lo irreal, lo que parece y
no es. En esta obra se genera una polivalencia de mundos paralelos, todos ellos posibles,
de tal modo que la ficción llega a resultar más cierta que la propia realidad, pues,
como diría Ortega, “el hombre es el animal fantástico”. (Carla Armas)
INTÉRPRETES
Javier Castro
Javier Castro (Burgos, 1974) completó sus estudios superiores de dirección de Orquesta
en la Universität der Künste de Berlín bajo la tutela del profesor Lutz Köhler. Durante
sus estudios en la capital alemana trabajó como director asistente del coro Karl
Forster al que dirigió en el marco del festival “Potsdamer Schlössernacht” ante varios
miles de espectadores, y participó como director musical en una producción de la ópera
de Salieri “Prima la música, poi le parole” para el teatro Unterm Dach de Berlín. Tras
completar sus estudios fue contratado como correpetidor y asistente en el teatro de
ópera de Hildesheim, donde dirigió funciones del musical “Jesucristo Superstar”, del la
opereta “Der Bettelstudent” y de la ópera “Martha”. Posteriormente trasladó su residencia
a España. Desde 2006 es profesor en el Conservatorio Superior de Salamanca donde
es director artístico de su Orquesta Sinfónica y trabaja con el Taller de Música Contemporánea
y el Taller de Ópera, frente al cual ha dirigido producciones de las óperas
“Don Pasquale” de Donizetti y “La Sonnambula” de Bellini. Desde 2004 es director artístico
del coro ARS NOVA, con el que ha realizado diversos programas de todo tipo
de estilos, destacando la producción de “La pasión según San Juan” de Bach junto a la
orquesta Musica Poetica de Holanda y un escogido elenco de cantantes encabezado
por el tenor Howard Crook. Desde 2005 es también director artístico de la Orquesta
Sinfónica de Burgos, que ofrece una temporada estable de conciertos en la capital castellana
y que ha colaborado con solistas y directores de primer orden. Javier Castro ha
dirigido agrupaciones como la Berliner Philarmonisches Orchester, la Wernigeröder
Kammerorchester, la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid o la Orquesta de la
Comunidad de Madrid en las salas más importantes de España y Alemania.
Javier Krahe, "Toser y cantar"
Javier Krahe
Toser y Cantar
Viernes 11 de febrero 22:00 horas
Auditorio de Fonseca
Entrada 10 €
Javier Krahe
Toser y Cantar
Tres años después de su último disco vuelve el maestro Krahe con más fuerza que nunca. Y por su puesto 12 nuevas canciones grabadas en estudio con toda su banda, Javier López de Guereña (guitarra eletroacústica) , Fernando Anguita (contrabajo) y Andreas Prittwitz (vientos), con las que Krahe vuelve hacer gala con maestría de su ironía, burla y humor. Un lujo imprescindible y accesible en estos tiempos que corren de usar y tirar
Chano Domínguez, "Piano Ibérico"
CHANO DOMINGUEZ
Piano Ibérico
DIAS DE JAZZ
Música 19 de marzo
Auditorio Hospedería Fonseca, 22,00h
Entrada 5 €
Chano Domínguez piano
Daniel Navarro bailaor
Blas Cordoba voz, palmas
Israel Suárez percusión
Piano ibérico’ es un viaje a los orígenes. El nuevo trabajo discográfico de Chano Domínguez está planteado como un homenaje a quienes considera “los primeros pianistas flamencos: Albéniz, Falla, Granados, Mompou”. Aunque, como explica, “no los interpreto tal como los escribieron, sino que hago una recreación”. Y la hace de un modo muy personal. El pianista gaditano versiona las piezas desde su punto de vista, que no es exactamente flamenco, pero tampoco jazz… o es ambas cosas y algo más. Lo que sí es claro es que cuando aborda estas piezas lo hace con una buscada actitud de libertad y con un reconocible sello propio
The Cross Border Project, "De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez"
Fonseca OFF
Martes 19 de julio 23,00 horas
Entradas: 7€
De Fuente Ovejuna
a Ciudad Juárez
a partir de Fuente Ovejuna de Lope de Vega
THE CROSS BORDER PROJECT, NUEVA YORK
The Cross Border Project es una compañía que nace en Nueva York que emplea el teatro como herramienta educativa y de cambio social.
Tiene como objetivos de configuración que sus miembros:
- sean de distintas nacionalidades,
- hablen distintas lenguas.
Como objetivos de creación pretende:
- tratar a través de sus espectáculos temas de relevancia social y política;
- crear sus espectáculos como base de un proyecto pedagógico vinculado a una comunidad;
- desarrollar la interrelación entre el espectáculo teatral y otras disciplinas como las artes plásticasy la fotografía; y
- fomentar proyectos bilingües.
El nombre The Cross Border Project (El Proyecto que Cruza Fronteras) engloba el objetivo del equipo que nace con la vocación de cruzar países y lenguas. De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez es el primer montaje que realiza donde se ha hecho posible la idea de cruzar fronteras, culturas y tiempos históricos. El espectáculo se estrenó el 3 de diciembre de 2010 en el Thalia SpanisTheater de Nueva York, y cuenta con el apoyo del Consulado de España en Nueva York.
El proyecto de The Cross Border Project se sitúa a medio camino entre el teatro social, elteatro comunitario y la investigación de nuevos lenguajes escénicos.
La compañía cuenta con miembros de doce nacionalidades distintas. Jóvenes profesionales de Argentina, Bélgica, Chipre, Colombia, Ecuador, España, Estados Unidos, Francia, México, Perú, Puerto Rico y República Dominicana.
EL ESPECTÁCULO: DE FUENTE OVEJUNA A CIUDAD JUÁREZ
“Some boys take a beautiful girl
and hide her away from the rest of the world.
I wanna be the one who walk in the sun”
Girls just wanna have fun. Cindy Lauper
« Ciudad Juárez, en México está considerada en la actualidad la ciudad más peligrosa del
mundo. Enfrente, está El Paso, la ciudad más segura de Estados Unidos. Las separa una frontera, un border fundamental para las políticas económicas de ambos países, un border por el que lo mexicanos traspasan de manos de los coyotes a los Estados Unidos y un border que es la puerta de la droga.
Desde 1993 han desaparecido más de 3000 mujeres en Ciudad Juárez, fenómeno conocido como feminicidio. La mayoría son trabajadoras de maquiladora, las fábricas que pueblan el estado de Chihuahua. Llegan allí de todo México en busca de trabajo.
En este contexto se pone en escena nuestro Fuente Ovejuna. Me preguntaba por Laurencia, dónde la situaría si existiera ahora, adónde mi voz de mujer del XXI tendría que ir a levantar a las mujeres y hombres de la villa y hacer justicia a la contemporaneidad de Lope. Y la respuesta fue clara: a Ciudad Juárez. Su peligrosidad, las maquilas, la desaparición de mujeres y las actuales huidas de sus ciudadanos hacen de Ciudad Juárez una escandalosa Fuente Ovejuna.
FuenteOvejuna simboliza para mí no sólo el reconocimiento de la voz femenina frente a la opresión, sino la asimilación de la culpa colectiva, del drama social que es saber y callar.
Por eso en nuestra versión las labradoras lopescas se convierten en maquiladoras, los
músicos son tres mariachis con los que el público bebe tequila durante la boda de Frondoso y Laurencia y el Comendador es un narco sin escrúpulos. La figura de los monarcas se sustituye por la voz atronadora de Felipe Calderón, presidente de México, que actúa como deux ex machina que todo lo ve y también todo lo calla.
El origen racial, el lenguaje y la representación del cuerpo de la mujer son elementos
que no hubieran sido tan valorados si el montaje se hubiera realizado originalmente en España, pero el contexto de Nueva York y especialmente la influencia de la Pedagogía Crítica y los estudios de género en la que se enmarcan mis estudios teatrales en Estados Unidos me han hecho prestarle especial atención. No es sólo un montaje teatral, es la representación de una comunidad real, la mexicana y la chicana, cuya voz hay que respetar.
He tomado conciencia de mi blancura y europeización siendo fundamentales las reflexiones de artistas de Juárez y El Paso. Como “girls just wanna have fun”, he trabajado también con un equipo de mujeres de Europa y las Américas que me han ayudado a que el dolor de Juárez se convirtiera en el dolor de todas.
De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez es mi primer montaje profesional y he querido para ello contar con un equipo de profesionales tan jóvenes como yo. Pretendiendo crear un proyecto donde lo pedagógico vaya de la mano de lo teatral. Porque no sólo los niños aprenden.
No he pisado Juárez. No sé cuál es la solución para el problema de la violencia en México; no puedo resolverlo con una obra de teatro, y no digo que las mujeres de Juárez deban levantarse enarmas. Pero puedo, a través de la ficción, transformar una realidad que no me gusta, hacervisible una guerra que omitimos. Dar a conocer una realidad desconocida. Para que un día puedavisitar Juárez y pasear sin miedo. Para que un día podamos pasear por Ciudad Juárez sin miedo.»
Lucía Rodríguez Miranda, directora
SOBRE LA ADAPTACIÓN DEL TEXTO
« De los conflictos que plantea Lope en Fuente Ovejuna, el que más nos interesa hoy es la
rebelión del pueblo ante los abusos del tirano. El ímpetu de Frondoso, la cobardía de Esteban y la indignación de Laurencia son atemporales, pero no sucede lo mismo con la trama secundaria que pone en escena la lucha de poder entre la monarquía y las órdenes militares en la Castilla del sigloXV.
Por eso Lorca prescindió de los Reyes Católicos en su versión para La Barraca, y nosotros,
siguiendo a Federico, también, pero en su lugar hemos querido ceder la palabra a nuestros “monarcas” actuales, responsables y cómplices de las injusticias de los tiranos contemporáneos, estableciendo un nuevo marco histórico para la acción principal a través de técnicas del Teatro del Oprimido, como el Teatro Periódico. Porque por desgracia aún hoy siguen existiendo muchas Fuente Ovejunas, y el caso de Ciudad Juárez es quizá el ejemplo más claro.
Respetando escrupulosamente la métrica, en esta versión hemos minimizado el sabor rural y el localismo del drama con el fin de ganar en universalidad. La ambientación mexicana aparece de manera sutil en el libreto que manejamos, porque hemos preferido dejar que sea la puesta en escena la que nos traslade a ese territorio de frontera.
En el viaje de Andalucía a Chihuahua las encinas se han transformado en sábilas y los estoques en revólveres, y por el camino la nómina de personajes se ha reducido a ocho. Los textos se han redistribuido para crear un drama coral, más de acuerdo con el espíritu de la obra que con la estructura jerárquica de las compañías de título del Siglo de Oro. Finalmente, en esta relocalización Mengo, el gracioso, se ha convertido en un niño.
En sintonía con el equipo de dirección, con esta dramaturgia buscamos devolverle al mensaje de la obra de Lope todo su poder de comunicación con un público que ya no es el de los corrales del Madrid barroco, sino el ciudadano del mundo globalizado del siglo XXI.»
Sergio Adillo, adaptador del texto
CONCEPCIÓN ARTÍSTICA
Nuestro espectáculo está concebido a partir de la técnica de Teatro del Oprimido de
Augusto Boal, siguiendo de cerca los pasos que trazó el propio Boal al montar su Hamlet para la Royal Shakespeare Company. Partimos, pues, de la contraposición entre oprimido y opresor, y durante el proceso de ensayo hemos usado sus juegos para el análisis y la construcción de lospersonajes y los signos escénicos.
El espacio se construye bajo un cielo de zapatos, los de la maquila zapatera imaginaria
en la que trabajan los personajes de nuestro pueblo, los mismos zapatos de las fotografías de los cuerpo de las mujeres asesinadas en Juárez, y tres bancos de madera que se irán colocando en distintas posiciones a fin de recrear los distintos lugares en que transcurre la acción.
Para el vestuario presentamos a los personajes con una indumentaria del México
contemporáneo. Laurencia, Pascuala y Jacinta van ataviadas con el peto de trabajo, pero en la tercera jornada preparan su venganza vistiéndose como las adelitas de la revolución, en su papel de amazonas del siglo XXI.
Para la música contamos con tres mariachis, Flor de Toloache, la única formación de
mariachi femenino de Nueva York, que aprovechan los intermedios musicales de la obra de Lope para trasladarnos a México con narcocorridos como Está de parranda el jefe, boleros como Historia de 8 un amor, rancheras como El rey o El aventurero y sones istmeños como La Llorona. También versionarán un tema de hip hop contemporáneo compuesto por las juarenses Batallones femeninos que sonará durante la escena del levantamiento del pueblo contra el tirano.
EQUIPO
es una coproducción del Thalia Spanish Theatre y The Cross Border Project
con el apoyo del Consulado de España en Nueva York
dirigida por Lucía Rodríguez Miranda
producida por Ángel Gil Orrios y Lucía Rodríguez Miranda
en una adaptación de Sergio Adillo a partir de Fuente Ovejuna de Lope de Vega
Reparto
Maria Parra Peyramaure como Jacinta,
Melinna Bobadilla y Victoria Tapias Guzmán como
Pascuala,
Maria-Itzel Siegrist como Laurencia,
Anthony Cotto como Frondoso,
Laura Santos
Álvarez como Mengo,
Andrés Martínez como Flores,
Sergio Adillo como Comendador
y la colaboración especial de Franco Galecio como Esteban
Música en directo: Mariachi Flor de Toloache
Dirección musical, voz y violín: Mireya Ramos
Guitarra y voz: Shae Fiol
Trompeta: Julie Acosta
Equipo artístico
Fabricio Saquicela: Diseño de luces
Déborah Gros: Espacio sonoro
Lucía Cuba: Diseño de vestuario
Ronald J.Hoffman: Realización de vestuario
Mario Bermúdez Gil: Coreografía
Valentina Riccardi y Eva Filgueira: Fotografías
Pedro Ultreras: Fotografías y vídeo
Abraham Velázquez: Diseño gráfico
Equipo pedagógico
Álex Santiago-Jirau: Profesor de Teatro del Oprimido
Amos Marguiles: Profesor de lucha escénica
Lucía Rodríguez Miranda, directora (España)
Lucía Rodríguez Miranda es gestora y educadora. Acaba de graduarse del Máster en Teatro y Educación en la New Cork University gracias a una Beca Fulbright del Ministerio de Cultura y se incorpora como gestora a la UNESCO, París, dentro del equipo de la Delegación de España del Ministerio de Asuntos Exteriores.
Ha realizado su Licenciatura en la Universidad Carlos III (Madrid) y en La Sorbonne (París) y ha cursado un Máster en Gestión de Artes Escénicas en el ICCMU-Universidad Complutense. Como gestora ha trabajado cuatro años en la producción y comunicación del Festival de Teatro Clásico de Almagro. También ha colaborado en la creación de Unitínere, festival de teatro itinerante de la Universidad Carlos III que recupera la idea de La Barraca lorquiana, organizando talleres y representaciones en pequeñas poblaciones.
Como educadora ha coordinado talleres teatrales con niños y discapacitados en colegios de Madrid, Nueva York y San Francisco y ha dirigido La cabeza del dragón de Valle-Inclán y La doncella, el marinero y el estudiante de García Lorca concebidos como proyectos para aprender español a través del teatro en las universidades de Vassar College y New York University. En el último año ha sido voluntaria del programa Rehabilitation Through the Arts en el centro penitenciario de Woodburne, Nueva York, donde ha enseñado teatro para cambio social, ha presentado tres conferencias sobre la relación entre la educación y el teatro en Austin, San Francisco y Nueva York, habiendo sido también ayudante de producción de la histórica compañía de Luis Valdez, Teatro Campesino, en California.
De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez es el primer proyecto que firma como directora profesional
Sergio Adillo, adaptador y actor (España)
Sergio Adillo combina su carrera como actor con su trabajo como investigador en el ámbito de la literatura y las artes escénicas. A lo largo de su trayectoria ha alternado su formación de Arte Dramático en el Laboratorio Teatral William Layton de Madrid, la Accademia Teatrale de Venecia y el Michael Chekhov Acting Studio de Nueva York con los estudios de Licenciatura, Máster y Doctorado en Filología Hispánica en las universidades de Extremadura, Barcelona y
Montpellier (Francia), y actualmente trabaja como investigador para el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), donde realiza su tesis doctoral sobre la puesta en escena
contemporánea del teatro barroco español bajo la dirección de Luciano García Lorenzo. Ha difundido parte de los resultados de su trabajo en simposios y congresos organizados por las
universidades de Salamanca, Alcalá, Barcelona y Nueva York, y en las jornadas celebradas en torno a los festivales de Olmedo y El Paso (Texas). Por sus conocimientos de métrica, historia de la lengua y literatura del Siglo de Oro ha realizado versiones de obras como El burlador de Sevilla y La vida es sueño para programas pedagógicos, a las que se viene a añadir la dramaturgia De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez basada en la obra de Lope para este espectáculo.
Compañía Rojas Rodríguez, "Cambio de tercio"
Las Noches del Fonseca
Miercoles 27 de Julio 23,00 horas
Coreografía, Dirección Artística e Idea Original:
Rojas & Rodríguez
Entradas: 15 €
Cambio de Tercio
Miércoles 27 de julio
EL ESPECTÁCULO
Cambio de Tercio es el nuevo espectáculo creado por los coreógrafos y directores Rojas y Rodríguez que construye desde su inicio, una escalera de energía
en la que el elenco de cuatro bailarinas junto con los directores de la compañía se van desarrollando y madurando a lo largo de tres piezas diferenciadas. Un mundo coreográfico que nace de dentro de las almas de las bailarinas y de las de sus creadores Rojas y Rodríguez con la intención de sincerarse y mostrarse ante el público con toda la pureza e intensidad que sólo puede provocar la magia del flamenco en el escenario.
Con Cambio de Tercio, Rojas y Rodríguez recuperan esa forma de coreografiar tan suya y especial con la que han conquistado al público, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, haciendo disfrutar al espectador de un estilo clásico español y flamenco mucho más innovador y maduro de lo que se pueda esperar. Se
trata de un viaje a través de la tradición y la renovación constante de un estilo aplaudido y alabado en los cinco continentes.
El espectáculo consta de diez cuadros escénicos de diferente duración en los que se nos presenta la figura del bailarín como materia que se transforma y se viste
para cada baile y cada pieza. Los coreógrafos nos invitan así a un juego de variedad y cambios de tercio, cambios de estilo, cambios de vestuario y de palos de flamenco, dándole así poder escénico y visual a cada representación.
En Cambio de Tercio se bailarán: CANTIÑAS, SEVILLANAS, FANDANGOS, RUMBAS, BAMBERAS, BULERIAS, TANGUILLOS y SEGUIDILLAS (bailadas con 4 espectaculares batas de cola y mantones). Rojas y Rodríguez y sus 4 bailarinas junto con 6 músicos en directo, regresan con el que ellos consideran su mejor espectáculo juntos. A nivel coreográfico no faltarán los habituales solos, dúos y números de grupo trepidantes y característicos de Rojas y Rodríguez. Uno de los grandes aspectos innovadores de esta producción será la participación activa de los músicos, que interactuarán en escena con el elenco de bailarines durante las coreografías. La vistosidad en este espectáculo está garantizada y la selección cuidada de un vestuario
y una iluminación diseñados exclusivamente para esta ocasión.
Cambio de Tercio es la oportunidad que las bailarinas más talentosas de la compañía fundada por Rojas y Rodríguez han esperado durante años, es el descubrimiento de cuatro nuevas bailarinas solistas. En el espectáculo podrán nutrir su foco transmisor de sentimientos, dándoles así la posibilidad de abarcar nuevas dimensiones en el estilo dancístico propio de cada uno ya que Cambio de Tercio nos regala la posibilidad de disfrutar de un elenco arriesgado y maduro, entregado al espectáculo desde su primera pieza hasta el último compás.
El diseño de iluminación correrá a cargo de David Pérez, mientras que el vestuario será diseñado por Vicente Soler y Carlos Rodríguez.
FICHA ARTÍSTICA
Coreografía, Dirección Artística e Idea Original:
Rojas & Rodríguez
Artistas Principales: Rojas y Rodríguez
Bailarinas: María López
Pilar González
Cristina de Vega
Raquel Tamarit
Músicos: Daniel Jurado (Guitarra)
Gaspar Rodríguez (Guitarra)
Thomas Potiron (Violín)
Enrique Terrón (Percusión)
Caridad Jaén (Cante)
Sandra Carrasco (Cante)
Composición Musical: Gaspar Rodríguez
Daniel Jurado
Thomas Potiron
Enrique Terrón
MEMORIA
La compañía Nuevo Ballet Español nace en 1995 a partir del encuentro de dos jóvenes bailarines madrileños con larga experiencia sobre los escenarios: Ángel Rojas & Carlos Rodríguez. Ambos debutan como profesionales tras formarse con maestros de excepción como José Granero, Luisillo y Rafael Aguilar. Coinciden sus destinos cuando en 1994, reciben el Premio al Mejor Bailarín Sobresaliente del Certamen Nacional de Coreografía, entrando a formar parte, como solistas, de la
compañía de José Antonio Ruiz, los Ballets Españoles. Rojas & Rodríguez desarrollan su pasión e inmenso talento, experimentando nuevas formas del flamenco en la creación e interpretación de los espectáculos que la Compañía Nuevo Ballet Español estrena. El espaldarazo internacional les llega gracias a Flamenco Directo en 1998, una original propuesta que recorre el flamenco
tradicional bajo una concepción moderna. Ambos producen, dirigen y coreografían con éxito y amplia repercusión internacional, un espectáculo anual, logrando el equilibrado punto de encuentro que consigue fusionar sus distintas formas de bailar. A lo largo de 12 años de trayectoria han llevado a escena lo clásico y lo contemporáneo, farrucas, fandangos, alegrías, músicos en directo, vaqueros y batas de cola, sin permitir nunca que el flamenco se diluya: han creado originales espectáculos como Gallo de Pelea, NBE x 5 y Furia en el año 2000, año en que la compañía es galardonada con el Premio UP de la Danza, a la Mejor Compañía de Danza Española y Flamenco.
En el año 2001, la compañía realiza un programa para la televisión pública norteamericana (PBS-Public Broadcasting Station) con una selección de sus mejores coreografías, aumentando la compañía hasta 24 bailarines y 13 músicos. El programa fue emitido durante los meses de febrero y marzo de 2002, bajo el nombre de “FURY”, en más de 18 ciudades americanas, entre ellas Nueva York, Miami, Boston, Chicago y Filadelfia. Ese mismo año son finalistas en el Festival de Televisión de Montecarlo.
Romeo y Julieta destaca a nivel nacional e internacional en el año 2003, una obra de danza-teatro que conjuga varios estilos y afianza a ambos creadores en su particular manera de entender el flamenco y la danza española. La compañía Nuevo Ballet Español recorre medio mundo, hasta que en el 2004, Rojas & Rodríguez coreografían el musical Don Juan, de producción franco-canadiense, recibiendo el Premio al Mejor Espectáculo Musical de Año. Posteriormente hunden sus apasionadas raíces en Tierra, un espectáculo que reivindica la necesidad imperiosa de conseguir un mundo mejor. La creatividad de estos dos excepcionales coreógrafos crece en sus personales interpretaciones, brindadas con entrega y elegancia. En el 2006 se estrena el espectáculo El Alma, un compendio de algunas de sus mejores producciones, donde se funden estilos en su deslumbrante manera de interpretar el flamenco
Durante el 2007 reciben el encargo de realizar su primera coreografía para el Ballet Nacional de España, Dualia con música original de José Nieto y estrenada en el Teatro de la Zarzuela durante el mes de marzo, donde Rojas & Rodríguez intervienen como artistas invitados en los papeles principales. Una vez más esta coreografía recibe una gran acogida por parte de la crítica y del público, demostrando de nuevo lacalidad, belleza y sintonía de Rojas & Rodríguez a la hora de coreografiar.
En 2006 se les otorgó el Premio de Cultura 2006 de la Comunidad de Madrid, en la categoría de Danza, lo que supone un gran reconocimiento al esfuerzo mantenido desde el inicio de sus carreras hasta la actualidad.
Desde finales de 2006, la compañía Rojas & Rodríguez, Nuevo Ballet Español es Compañía Residente de la ciudad de Móstoles. En el año 2007, se les otorga el Premio Ciudad de Móstoles 2007 a la Difusión del Municipio.
En Mayo de 2008, la Comunidad de Madrid encarga a la compañía un espectáculo para conmemorar el Bicentenario de la Guerra de Independencia llamado Baile de Máscaras, una mezcla de danza-flamenco y teatro, con variedad de músicos en directo y un elenco de 12 bailarines.
El estreno de su último espectáculo Sangre, se realizó en Madrid en Febrero de 2008 y desde entonces ha visitado países como Holanda, Bélgica, Portugal, Chipre, Inglaterra (3 semanas en Londres), Macao (China), Alemania (Dusseldorf, Berlin), Francia, Portugal, Grecia, Rusia, Letonia, Polonia, República Checa, Italia, Finlandia y Méjico entre otros…
La compañía Rojas & Rodríguez, Nuevo Ballet Español tiene una gran vocación internacional y ello lo demuestra la trayectoria de todos sus espectáculos durante todos estos años.
En Octubre de 2009 estrenaron su última producción llamada Cambio de Tercio
El Brujo, "Mujeres de Shakespeare"
Las Noches del Fonseca
Viernes 22 de Julio 23,00 horas
Entradas 15 €
Mujeres de Shakespeare
Con Rafael Álvarez El Brujo como actor solista
Dirección: Rafael Álvarez
Cuadro Artístico
De Shakespeare se ha dicho todo. Pero como ya se sabe, Shakespeare se sale. Reserva siempre algún descubrimiento nuevo para el oído atento y curioso de sutilezas. En la exploración del sentido y el juego de su sonido, esta es mi primera comunión. He seguido el rastro de un pontífice de la “bardolatría”, tal vez uno de los pocos vivos todavía hoy. Un sabio que dedicó su vida al estudio de la obra de Shakespeare; el crítico norteamericano Harold Bloom, autor de un libro imprescindible sobre el universo Shakespeare: “La invención de lo humano”.
Yo quería hacer un espectáculo diferente, pero estando de vacaciones en el Caribe me salieron al paso las mujeres de Shakespeare. Me prendé de Rosalinda (Como gustéis) de su ingenio triunfante, de su luz y de sus respuestas. De Catalina (La fiera domada), de Beatriz (Mucho ruido y pocas nueces) y de Julieta, tan sublime que te hace sentir culpable de albergar cualquier sentimiento de ironía (por la edad, se entiende) o de escepticismo frente a la inocente plenitud absoluta del amor romántico. En fin, las amo. Y pienso que no es difícil amarlas si se las conoce. También amó Shakespeare la belleza oscura de su enigmática Dama de los sonetos. ¿Quién era? Desde el Caribe se agrandan los ecos de ese viejo misterio que, parece ser, convirtió a Shakespeare en una autoridad mundial en temas de cuernos. Pero el genio no tiene sexo. Shakespeare exploró la conciencia femenina a sabiendas de su mayor sabiduría, perspicacia y sentido de la realidad, frente al instinto elemental, básico y simplón del macho narcisista. En esta era de cambio de paradigma -y a ver si ya viene de verdad de una vez el cambio- esta reflexión es interesante. Patriarcal, ambivalente, homosexual, bisexual, feminista o femenino, Shakespeare no es fácil de atrapar. Con todas ellas -de las mujeres víctimas de tragedia, sólo Julieta las representa- espero jugar, gozar y reír en las fauces del fin de una época. Saludos a la que viene: Ellas.
Ya se levanta…..¡El Telón!
Rafael Álvarez
Cuadro Artístico
Fotografía Pilar Gallar
Diseño Gráfico Trébol Propuesta Gráfica
Regidor Juan Bastida
Realización de Atrezzo Alicia Lozano
Realización de Vestuario Talleres Moustellier
Director Musical Javier Alejano
Música original compuesta por Javier Alejano
Realización Escenográfica Antigüedades Burgebrach
Diseño de Iluminación Miguel Ángel Camacho
Escenografía Roberto García
Asesoría Literaria Richard Michael
Dirección Rafael Álvarez
Equipo
Directora de Producción Herminia Pascual
Jefe Técnico Oskar Adiego
Distribución Gestión y Producción Bakty, S.L.
Rafael Álvarez EL BRUJO
Nace En Lucena (Córdoba) y pasa gran parte de su infancia en Torredonjimeno (Jaén). Se traslada a Madrid para estudiar Derecho y es en los Colegios Mayores donde toma contacto por primera vez con el mundo del teatro. Es titulado por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Su actividad con el teatro se inicia en el Corral de Comedias del Colegio Mayor Universitario San Juan Evangelista en el año 1970 con el montaje El juego de los insectos, de los hermanos Kappeck, dirigido por José Luis Alonso de Santos. A partir de este momento colabora habitualmente en montajes teatrales de diversas compañías como Tábano, TEI (Teatro Experimental Independiente) y Teatro Libre de Madrid.
En 1988 funda junto con José Luis Alonso de Santos, Gerardo Malla y Jesús Cimarro la productora de teatro Pentación, S.A., y en 1995 funda, junto a M.ª José Norte, su propia productora, Producciones El Brujo, S.L., dedicada a la distribución y la producción de teatro y audiovisuales.
Desde su primera colaboración en 1969 en el montaje La escuela de los bufones, de Michel de Ghelderode, ha participado en numerosos montajes como El juego de los insectos, de los Hermanos Kappeck, y El horroroso crimen de Peñaranda del Campo, de Pío Baroja, ambos dirigidos por José Luis Alonso de Santos. Ha protagonizado La taberna fantástica, de Alfonso Sastre, dirigido por Gerardo Malla; Pares y Nines, de José Luis Alonso de Santos; Lazarillo de Tormes, en versión de Fernando Fernán Gómez; El pícaro: aventuras y desventuras de Lucas Maraña, de Fernando Fernán Gómez; La sombra del Tenorio, de José Luis Alonso de Santos; La dulce Casina, de Plauto, en versión y dirección de Alonso de Santos; Anfitrión, dirigido por José Luis Alonso de Santos; El avaro, de Moliere, coproducción con Fila 7, dirigido por José Carlos Plaza; El contrabajo, de Patrick Süskind, que dirigió él mismo junto a José Pascual; Arcipreste, basado en El Corbacho, de Alfonso Martínez de Toledo, con versión libre de Alberto Miralles y adaptado y dirigido por Rafael Álvarez; San Francisco, juglar de Dios, de Dario Fo, y Una noche con El Brujo, dirigidos por el propio Rafael Álvarez.
Desde el año 1986 compagina su actividad teatral con el cine y con la televisión, participando en películas como El Crack, de José Luis Garci; La taberna fantástica, Don Juan mi querido fantasma, de Antonio Mercero; La leyenda de la doncella, de Juan Pinzas; Alma gitana, de Chus Gutiérrez; Amores que matan, de Juan Manuel Chumilla; La duquesa roja, de Paco Betriu; Niño nadie, de José Luis Borau; Pajarico, de Carlos Saura; y recientemente la adaptación de Fernando Fernán Gómez para el cine Lázaro de Tormes, película galardonada con dos Goyas de la Academia de Cine español.
En televisión destacamos Vísperas, de Manuel Andújar, Juncal, de Jaime de Armiñán; Brigada Central, de Pedro Masó y Maquinavaja.
Ha llevado sus espectáculos por los festivales más importantes de España y los más reconocidos de países como Bélgica, Francia, Portugal, Italia, México, Venezuela...
Como reconocimiento a su carrera, Rafael Álvarez ha recibido numerosos premios, entre los que destacan el Premio Ícaro, concedido por Diario 16, el Premio de Antena 3 a la mejor interpretación teatral (1985), por su trabajo en Lazarillo de Tormes; Premio El Espectador y La Crítica 1986, por La Taberna Fantástica, Premio Asociación de Espectadores Ciudad de Alicante en 1986 y 1994, por Lazarillo de Tormes; Premio Ercilla de Bilbao 1996 a la Mejor Interpretación por La sombra del Tenorio; Premio Meliá Parque al Mejor Actor por Anfitrión; Premio Cadena COPE, Ilustres de Baracaldo 1999 por El Contrabajo; y Premio Canal Sur al Mejor Espectáculo teatral 2000 por Arcipreste.
En diciembre de 2002 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, máximo galardón que concede el Ministerio de Cultura y que SS. MM. los Reyes de España entregaron en septiembre de 2003.
Rafael Álvarez
Ana Belén y Rosa Torres-Pardo, "Musica callada, la vida rima"
Las Noches del Fonseca
Viernes 15 de Julio 23,00 horas
Entradas 15 €
Ana Belén y Rosa Torres-Pardo
Musica callada, la vida rima
La música callada, la soledad sonora…
Un espacio sonoro, no escénico, no visual.
Combinaciones de notas, armonías, silencios y también rumores,
murmullos, susurros y ecos y sobre todo ideas, imágenes
sugeridas, palabras, la palabra…. lo constituirían.
Las manos de Rosa, las teclas del piano, el propio piano
y la cara y boca de Ana, su cuerpo, su voz. Lo palpable.
Un intento de crear un mundo impalpable que trate
de alcanzar el interior menos manipulable del espectador.
Sorprender, provocar extrañamiento, inquietud y sosiego,
evocación, abstracción… en def initiva sensaciones
que exijan un esfuerzo de nuestra imaginación
y la necesidad de que nosotros espectadores seamos los creadores
de nuestras propias imágenes y particulares escenografías.
Creadores de emociones y hacedores de su análisis posterior.
Mozart, Juan de la Cruz, Mompou, Cernuda, Alberti o Chopin
entre otros muchos otros, penetran nuestros oídos placidamente,
sin presiones y sin tiempo… Engranados en un hilo invisible
y poético, como no podía ser menos, de Luis García Montero.
Interpretado por Rosa Torres-Pardo y Ana Belén. Sin calif icativos.
José Carlos Plaza
Ana Belén, voz
Rosa Torres-Pardo, piano
Luís García Montero, guión
José Carlos Plaza, dirección escénica
Luis Cernuda, Reflexiones sobre la música
Fantasía en Do menor - W. A. Mozart
San Juan de la Cruz, Cántico, La noche oscura
Música Callada - F. Mompou (vol 1, nº 1 y 9)
Rafael Alberti, La Paloma
¿Se equivocó la Paloma? - C. Guastavino
R.Alberti, Retornos de Chopin a través de unas manos ya idas
Nocturno en Fa menor - F. Chopin
Nana - Federico Garcia Lorca / Nana- Antón García Abril
Tango- I. Stravinsky / Tango - Youkali - K.Weill
Luis García Montero, El Sur
Tango - Isaac Albéniz
L. García Montero, Lavapiés
Lavapiés - I. Albéniz
Jaime Gil de Biedma, Elegía y recuerdo de la canción francesa
Gershwin-preludio nº 2
Les Feuilles Mortes - Ives Montand
Tristesse - Gabriel Fauré
Fantasía op 80 en Do menor - L. V. Beethoven
José Hierro, Beethoven ante el televisor
Romeo y Julieta - Prokovieff / Petruchka-Stravinsky (extractos)
Danza rumana y Allegro Bárbaro - Bela Bartok
(Adaptaciones musicales por Rosa Torres-Pardo)
UR Teatro, "Macbeth"
Las Noches del Fonseca
Martes 12 de Julio 23,00 horas
Entradas: 15 €
UR Teatro
Macbeth
ficha artística
Autor WILLIAM SHAKESPEARE
Versión y Dirección HELENA PIMENTA
Escenografía y Dirección Audiovisuales JOSE TOMÉ
Diseño Audiovisuales EMILIO VALENZUELA Y EDUARDO MORENO
Iluminación FELIPE RAMOS
Vestuario ALEJANDRO ANDÚJAR
Dirección musical IÑAKI SALVADOR
Dirección coro JUAN PABLO DE JUAN
Interpretación coral CORO DE VOCES GRAVES DE MADRID
Reparto
Macbeth JOSE TOMÉ
Lady Macbeth PEPA PEDROCHE
Duncan / Macduff OSCAR S. ZAFRA
Banquo / médico JAVIER HERNÁNDEZ-SIMÓN
Ross / asesino TITO ASOREY
Malcom BELEN DE SANTIAGO
Lady Macduff / enfermera ANABEL MAURÍN
Ayudante de dirección JAVIER HERNÁNDEZ-SIMÓN
Ayudante de vestuario CARMEN MANCEBO
Ayudante atrezzo ÁFRICA GARCÍA
Maquilladora y peluquería MAYTE BUJEDA
Técnico de audiovisuales y maquinaria IÑIGO LACASA
Técnico de iluminación TOMÁS EZQUERRA
Técnico iluminación rodaje NUÑO PÉREZ ARANDA
Becarios MARTA MOLEDO Y SERGIO HERAS
Realización de escenografía CLEDIN-ART, SFUMATO, UR TEATRO
Realización vestuario CORNEJO
Fotografía DAVID RUANO
Diseño gráfico TATO SANTIAGO
Prensa MARIA DÍAZ
Gestoría ABATE ECONOMISTAS
Distribución CARMEN GARCÍA Y GRACIELA HUESCA
Una producción de UR TEATRO
Dirección de producción SUS DOMÍNGUEZ
Reparto rodaje audiovisuales
Brujas MERCEDES DEL CASTILLO
Soldados Enrique Onetti , Carlos HernÁndez y Luis Miguel RodrÍguez
Niño SACHA TOMÉ
CORO DE VOCES GRAVES DE MADRID
presentación
Una obra de siempre. Una de las más grandes tragedias de Shakespeareque nos proponemos servir al público de hoy con imaginación, rigor y compromiso.
Una nueva mirada, necesariamente profunda, a la historia de este héroe convertido en villano que es Macbeth. Su periplo de ascensión y caída, guiado por una ambición desmedida, nos concierne.
Macbeth, en su alocada carrera contra la incertidumbre que supone el vivir, no sólo se destruye a sí mismo y a cuanto le rodea, sino también, la ilusión que impulsa a la humanidad a ponerse en pié cada día, negociando con dignidad con nuestra vida mortal. Elegir ser un canalla puede parecer más rentable, desde un punto de vista práctico, que elegir ser honesto.
Shakespeare nos abre una ventana a través de la que contemplamos cómo operan los mecanismos del mal y espera que saquemos nuestras propias conclusiones. La siempre poderosa palabra shakespeariana se alía, en esta ocasión, con composiciones de la ópera de Verdi del mismo título, interpretadas por el Coro de Voces Graves de Madrid y,
con otros temas creados por el director musical del espectáculo; Iñaki Salvador, en un diálogo que contribuirá a dar cuenta del contraste de atmósferas, emociones y sentimientos que pueblan esta magnífica obra.
Helena Pimenta
escenografía y dirección audiovisuales
La posibilidad de disponer de una herramienta virtual capaz de atrapar el movimiento y transformar grandes superficies hace más que nunca de la escenografía de este Macbeth un ejercicio de contención capaz de por lo menos intentar atrapar las temperaturas dramáticas y morales que subyacen en la obra, una síntesis de líneas, colores y energías que componen paisajes hipnóticos capaces de alimentar el texto de Shakespeare
José Tomé
projection mapping escenográfico
El objetivo del video en este espectáculo es alcanzar la total integración con el lenguaje teatral. Es una combinación de los recursos clásicos y las nuevas tecnologías aplicadas a la escenografía. Se trata de conseguir profundidad, dinamismo y de recrear una estética capaz de transportarnos a otro tiempo. Juego de escalas y de la percepción por medio de la proyección en dos planos de profundidad y del uso de la gasa.
Lo mundano y lo sobrenatural se integran en un mismo espacio, en el que la lucha entre lo nuevo, lo viejo, la vida y la muerte comparten un baile confuso al son de una misma partitura. El video es participativo y vive con los actores el mismo juego. Los límites entre lo real y lo ficticio son casi inexistentes, recreando el tormento del pensamiento de Macbeth. Éste es el mundo visto a través de sus ojos.
Emilio Valenzuela y Eduardo Moreno.
vestuario
La Primera Guerra Mundial es un hito en Occidente en el cual convergen, terminan y nacen los ideales del hombre del XIX y del XX. El asegurarlo hasta La Segunda Guerra Mundial. El hombre individualizado del XIX muere inconcreto en las trincheras del XX. La indolente ralea victoriana yace en Ekaterinemburgo y Sarajevo y huye de Bucarest, Sofía, Atenas, Lisboa y Madrid. Worth sucumbe a Poiret y éste a Lanvin y éste a Vionet. Los soldados llevan sus guerreras primas de las de sus abuelos, portan bayoneta como ellos, picas como en las cruzadas y máscaras de gas como en una pesadilla futurible. 1914 es nostálgica y visionaria. Es Fortuny y Chanel a la vez. Un hombre moderno, republicano e idealista se topa de bruces con el mismo, su mortal enemigo.
Alejandro Andujar
Helena Pimenta
versión y dirección
Funda en 1987 la Compañía UR Teatro-Antzerkia de la que es directora artística.
Licenciada en Filología Inglesa y Francesa por la Universidad de Salamanca, se dedica profesionalmente desde 1986 a la Dirección de Escena donde ha recibido numerosos premios, entre otros, el Premio Nacional de Teatro 1993 con la compañía UR, Premios de la Asociación de Directores de Escena a la Mejor Dirección en 1996 (Romeo y Julieta) y en 1998 (Trabajos de amor perdidos), Premio del Jurado y de la Crítica al mejor Espectáculo del Festival Internacional de El Cairo 1993 (Sueño de una noche de verano) y Premio Lazarillo 2002 a la mejor trayectoria teatral.
En 1978 funda la compañía ATELIER con la que dirige entre otras obras: El Avaro de Molière (1980), la Cantante Calva y la Lección de Ionesco (1981), Esperando a Godot de Samuel Beckett (1982). Escribe y dirige Cándido (1983), Dantería (1984), Procesados (1986) y Xespir (1987). En 1987 funda la compañía UR Teatro Antzerkia con la que dirige los siguientes espectáculos: Rémora (1988), Antihéroes (1991). En 1992 inicia una trilogía sobre las obras de William Shakespeare: Sueño de una noche de verano (1992), Romeo y Julieta (1995) y Trabajos de amor perdidos (1998); que la ha convertido en una de las especialistas sobre este autor, recibiendo hasta la fecha más de 20 premios nacionales e internacionales y el reconocimiento unánime de público y crítica. En 2001 dirige Sigue la tormenta de Enzo Cormann, en2002 Luces de Bohemia de R. Mª del Valle-Inclán, en 2003 Sonámbulo de Alberti- Juan Mayorga. En 2004 vuelve a Shakespeare con La Tempestad y en el 2005 con Coriolano por encargo de Salamanca 2005 “Plaza Mayor de Europa” con motivo de la celebración del 250 aniversario de dicha plaza y en 2006 El chico de la última fila de Juan Mayorga. En 2007, en motivo de la celebración del 20 aniversario de UR teatro, dirige 2 caballeros de Verona de Shakespeare. En 2008, con motivo del festival “Ellas crean”, dirige la lectura dramatizada de Así que usted comprenderá de Claudio Magris, y con UR teatro dirige Cartas de amor a Stalin de Juan Mayorga. En 2009 reestrena Sueño de una noche de verano de Shakespeare, revisitando el galardonado montaje del año 92.
Asimismo ha dirigido La Cabeza del Bautista de Valle Inclán en el Centro Dramático Gallego (1998), La llanura de Martín Recuerda en el Centro Andaluz de Teatro (1999), La comedia dels errors de William Shakespeare en el Teatro Nacional de Cataluña (2000), la parte escénica de La pasión según San Juan de Bach cantada por el Orfeón Donostiarra y producido por Quincena Musical 2000, La dama boba de Lope de Vega para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2002), Encuentro en Salamanca de Juan Mayorga, para el acto inaugural de la capitalidad cultural europea, Salamanca 2002, La entretenida de Cervantes para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2005), la zarzuela La Gran Vía de Chueca y Valverde para San Isidro 2006 y Macbeth de W. Shakespeare para SARABELA Teatro 2006, A filha rebelde de V. Cruz, Castanheira y Fonseca para el Teatro Nacional D. María de Lisboa (2006), La noche de San Juan de Lope de Vega para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (2008).
Además de su actividad como directora de escena; funda y dirige la Escuela de Teatro de Rentería (1987 – 1993), dirige la programación de la Sala Niessen de Rentería (1987-1995). Imparte cursos, seminarios, clases y talleres de Interpretación, Dirección y Dramaturgia en foros nacionales e internacionales. Profesora de dirección escénica en la RESAD (2004 – 2005), Universidad de Santiago, Escuela de Teatro de Burgos, Centro Dramático de Aragón o la Escuela de Teatro de Barakaldo. Asimismo ha dirigido y realizado programas pedagógicos teatrales dirigidos a alumnos de Enseñanzas Medias, Escuelas de Teatro y Universidades.
Ha sido miembro, entre otros, de los Jurados de los Premios Ciudad de San Sebastián, Calderón de la Barca, María Teresa León, Certamen Coreográfico de Madrid, Premio Nacional de Teatro y Premio Nacional de Literatura dramática.
Jorge Pardo, "Vientos flamencos"
Las Noches del Fonseca
Martes 5 de Julio 23,00 horas
Entradas: 15 €
Vientos Flamencos
Formación:
Jorge Pardo saxo y flauta
Juan Diego guitarra flamenca
Enrique Rodríguez trompeta
Juan Peña “El Chispa” percusión
Belén López baile
Jorge Pardo lanza en la “colección” de música ‘Vientos flamencos 2’ una mirada renovadora a la tradición musical hispánica. Y es que no sólo se ocupa de profundizar en el diálogo entre el jazz y el flamenco del que es destacado precursor, sino que también se inspira en el pasodoble español, joropos y guajiras latinoamericanas y el clásico Isaac Albéniz. El disco contiene, además, temas propios como las bulerías ‘Ya puedo empezar’ y un doble homenaje a Camarón: la soleá ‘Homenaje al Chaqueta’ y ‘Viejo mundo’. El octavo trabajo en solitario del saxo madrileño es un disco con espíritu colaborativon grabado en home studios en el que se escucha a casi una treintena de músicos.
De Camarón a Albéniz. De las soleares a los joropos. De los pasodobles a Tío Borrico. Del jazz al flamenco. La colección de música ‘Vientos flamencos’ en la que Jorge Pardo trabaja desde hace cuatro años ya tiene segunda entrega. El álbum, que ve la luz el 25 de mayo de 2009, ahonda en la música tradicional española desde la perspectiva flamenco‐jazz que identifica al músico madrileño. Aunque también se extiende al otro lado del océano, ocupándose de estilos latinoamericanos como el joropo ‘Membrillo’ de Juan Romero y la guajira ‘Tintando el día’ de Héctor González. Ambos temas pertenecen a la carpeta ‘Qué grandes músicos’.
Y es que el saxofonista madrileño mantiene abiertos varios álbumes que, poco a poco, va nutriendo. Uno de los más significativos es ‘x Camarón’, en el que aquí tienen cabida la soleá
‘Homenaje al Chaqueta’ y una versión muy personal de ‘Viejo mundo’, uno de los cortes más
significativos del disco ‘La leyenda del tiempo’ que, precisamente, cumple este año su trigésimo aniversario. “Este tema es de esos que se ha pegado a mi vida. Lo solíamos tocar con Dolores en los tiempos en los que estuvimos con Camarón. Lo tocamos en la Plaza de Toros Monumental de Barcelona”, explica el músico en el libreto hecho de textos escritos de su puño y letra.
Las inmersiones de Jorge Pardo en el flamenco vienen marcadas con la etiqueta ‘Mis palos’. Y aquí son tres composiciones propias: las bulerías ‘Ya puedo empezar’, la rumba ‘Media ración’ y la soleá ‘Dos siglos’. Suya es también la pieza solista ‘Billones de años’, perteneciente a la carpeta ‘Pensamientos’. El contenido del disco se completa con la versión del pasodoble ‘En el mundo’ y con la de ‘Cádiz’ de Isaac Albéniz que Pardo registró para la película ‘Iberia’ de Carlos Saura junto a Carles Benavent y Tino di Geraldo, sus compañeros de trío.
La segunda entrega de ‘Vientos flamencos’ es una grabación itinerante realizada en los distintos home studios de muchos de los músicos participantes. En total, se escucha casi a una treintena de instrumentistas, entre ellos, guitarristas como Josemi Carmona, Juan Diego, Paquete y Nono García, percusionistas como Rubem Dantas o Tino di Geraldo, el bajo de Benavent, voces como la de Antonio Carbonell, violinistas, pianistas y trompetistas, entre otros.
Jorge Pardo
Como cualquier españolito de a pie, de jovencito, empieza a tocar la guitarra, aunque enseguida se ve atraído por el mundo de los instrumentos de viento. Sus referencias musicales son de infinidad de artistas y diversos estilos. Profesionalmente empieza a tocar en los “garitos” de la ciudad. Diego Carrasco, Jean Luc Vallet, Manuel Soler, Peer Wyboris, David Thomas, Ricardo Miralles, Pedro Iturralde, Vlady Bas, entre otros, son referencias y maestros de su entorno.
Las Grecas, de la mano de Jhonny Galvao, es su primera grabación profesional. Dolores se agrupa en torno a Pedro Ruy Blas con varios músicos de la escena madrileña, se graban 3 LPs y en uno de ellos aparece Paco de Lucía, con el que colabora a través del tiempo en múltiples grabaciones y giras de ámbito mundial.
También en la misma época conoce a Camarón, y graba en ‘La Leyenda del Tiempo’ y otras producciones. Además en los estudios de flamenco Amor de Dioscolabora con toda la nueva generación de artistas “Los jóvenes flamencos” que se cuece en Madrid en esa época. La flauta y el saxo quedan vinculados al mundo del flamenco desde entonces. ‘Las cigarras son quizá sordas’, ‘Veloz hacia su sino’, ‘Diez de Paco’, son algunos de los títulos que graba en los 90 producidos por su hermano Jesús para Nuevos Medios. Participa en los proyectos ‘Vida en Catedrales’ con varias referencias con Tomás San Miguel, ‘Zebra Coast’ con Gil Goldstein, ‘Ur’ con Michaell Bismut, ‘Jazzpaña’ con arreglos de Ariff Mardin y Vince Mendoza. Ya en el nuevo siglo, las grabaciones con D’3, su colección de ‘Vientos Flamencos’, el trío con Carles
Benavent y Tino di Geraldo y ‘Touchstone’ con Chick Corea.
Ha recorrido innumerables festivales y salas de los cinco continentes.
XX Festival Internacional de Primavera
XX FESTIVAL INTERNACIONAL DE PRIMAVERA
MUSICA DE LOS SIGLOS XX Y XXI:
20 AÑOS: "MUSICA DE RESISTENCIA"
UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
La celebración en 2011 de los 20 años de existencia del Festival Internacional de Primavera de Salamanca es una efemérides los suficientemente importante y significativa para ser recordada con un programa especial, que, como en otras ocasiones, combine programaciones de concierto y actividades complementarias, como cursos y exposiciones.
Para esta ocasión, y con motivo de la Exposición titulada "Entartene Musik" (Música degenerada) que se celebrará durante el mes de Marzo de 2011 en la Hospedería Fonseca en torno a la música en la época del Nacionalsocialismo, el Festival lleva como proclama el título de "Música de resistencia", en honor a la creación musical surgida en una época de opresión y como recordatorio al mismo tiempo a la propia resistencia de una música, que por sus contenidos específicos más complejos, se ha logrado mantener viva en Salamanca gracias al apoyo del Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca y al público amante de la música actual.
Por ello, los conciertos han sido asignados a grupos y Ensembles más variados y amplios que en otras ocasiones, aunque guardando la fidelidad a los músicos que nos han visitado con asiduidad y han permanecidos fieles al Festival.
Por otra parte los conciertos iran acompañados de una serie de actividades complementarias, como exposiciones y conferencias que se irán sucediendo a lo largo del mes de marzo de 2011.
PROGRAMA DE CONCIERTOS
LUNES, 28 DE MARZO. AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA 20:30 HORAS
LISBON ENSEMBLE.
Dr. Pedro Pinto Figueiredo
MARTES, 29 DE MARZO. CONSERVATORIO SUPERIOR DE MUSICA 20:30 HORAS
TALLER DE MUSICA CONTEMPORANEA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
DR. Wolfgang Lischke
MIERCOLES: 30 DE MARZO. SALA DE ENSAYOS HOSPEDERIA FONSECA 20:30 HORAS
TALLER DE EXPERIMENTACION AUDIVISUAL DE LA FACULTAD DE
GEOGRAFÍA E HISTORIA:
MONTAJE AUDIVISUAL: “EL SONIDO DE LOS VACÍOS”
Alejandro Gómez Fuentes
Dr. Alejandro Gómez Fuentes, Matilde Olarte, José M. García Laborda
JUEVES, 31 DE MARZO.AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA 20:30 HORAS
SEGOVIA ENSEMBLE
Dr. Flores Chaviano
VIERNES, 1 DE ABRIL.AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA 20:30 HORAS
SMASH ENSEMBLE
Dr. Bertrand Chavarria-Aldrete
LUNES, 4 DE ABRIL.AUDITORIO HOSPEDERIA FONSECA 20:30 HORAS
TRIO NOVA CAMARA: Guitarra, flauta y viola
MARTES, 5 DE ABRIL.CONSERVATORIO SUPERIOR DE MUSICA 20:30 HORAS
TALLER DE COMPOSICION DEL CONSERVATORIO SUPERIOR
Ultreia Teatro, "Cenizas en la azotea"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Domingo 1 de mayo - Teatro
Ultreia Teatro
Cenizas en la azotea de Berta Joven.
Dirección: Ultreia
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FICHA ARTÍSTICA Macarena Rivas Eva Pedro Joven Octavio Esther Hernández Jimena Carmen CortésGloria Judit AyalaClaudia Ibon Lourido Voz de Miguel Autora: Berta Joven Romero
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FICHA TÉCNICA Iluminación Ultreia Sonido Berta Joven Escenografía Ultreia Vestuario Reyes Camacho, Pilar Romero, Ultreia Diseño de cartel Tamar Hernández
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SINOPSIS
Eva apenas ha salido de casa en los últimos cuatro años. Desde su salón escucha La Azotea, un programa de radio sobre música que ha grabado en cintas de casete. En medio de la indiferencia que el resto del mundo le manifiesta, Eva recuerda constantemente a Miguel -su vecino y locutor de La Azotea- que murió en un accidente de moto. Su fascinación por él lleva a Eva a abstraerse de la realidad y a convivir con una obsesión extrema hacia su figura. La llegada de sus dos hermanas, de un lutier como nuevo vecino y de una violonchelista iniciará un proceso de liberación de emociones reprimidas vertebrado por un inevitable sentimiento de culpa y por la guitarra y los vinilos de Miguel.
Trío Nova Camara
LUNES, 4 DE ABRIL.
AUDITORIO FONSECA. 20:30
TRIO NOVA CAMARA
Guitarra, flauta y viola
PROGRAMA
I
Trio ...............................................................................Enrique Muñoz Rubio
I-Andante
II-Lento
III-Vivo
Floreal.........................................................................Jose M. García Laborda*
II
“Son » de primavera..................................................................Flores Chaviano
Tres Danzas.............................................................................Joaquin Turina**
I-Danza ritual
II-Danza de la seducción
III-Generalife.
Tres Tangos ...................................................................................A. Piazzolla**
I-Whisky
I-Zita
II-Escolaso
*Dedicada al trío.
** Arreglos: F. Chaviano.
INTÉRPRETES
Lorena Barile flauta
Nadia Chaviano viola
Jose Antonio García Fuertes guitarra
Flores Chaviano dirección artística
Nadia Chaviano (Viola)
Comenzó sus estudios musicales desde temprana edad dirigida por su padre (Flores Chaviano).
Prosiguió sus estudios de Grado Medio en Segovia y en el Real Conservatorio Superior
de Música de Madrid con Emilio Mateu y Alan Kovacs. Ha colaborado con diferentes
Orquestas Españolas como: La Orquesta de estudiantes de la escuela Reina Sofía
Freixenet, Orquesta Filarmonía de España grabando los programas del Conciertazo de Televisión
Española, Orquesta Sinfónica Europea y del Mediterráneo, Joven Orquesta J. C.
Arriaga de Majadahonda, Orquesta de San Sebastián de los Reyes, Ensemble de Segovia,
entre otras. Ha sido dirigida por los maestros Ros Marbà, Pedro Halffter, Odón Alonso,
Leonardo Balada y Gerhard Goebbel entre otros. Ha actuado en París, Auditorio Nacional
de Música de Madrid, Auditorio de las Rozas (Madrid), Festival de Soria, en los Jardines
de Aranjuez, en el Teatro de la Zarzuela, Portugal y recientemente en el Festival de Música
Sacra de Florencia así como en el Instituto Cervantes de New York. Ha asistido a los cursos
de los maestros, Thuan Do Min y Bruno Giuranna. Actual-mente pertenece al cuarteto
Trova Lírica Cubana, y es profesora de viola en la Escuela Municipal de Música de Rivas-
Vaciamadrid y el Colegio San Patricio de Madrid. Nadia es miembro fundador de este Trío.
Lorena Barile (Flauta)
Nació en San Nicolás de los Arrollos, Argentina. Es Licenciada en Música, especialidad:
Flauta. Becada por la Fundación Antorchas, Fundación del Teatro Colón. Gobierno
de la Provincia de Buenos Aires en Argentina y Oxford Arts Centre-Canadá,
para estudiar con los Maestros Alfredo Iannelli, Julius Baker, Marya Martin, Robert
Langevin, respestivamente; en España continuó su perfeccionamiento con el Maestro
Marco Antonio Pérez. Desde muy temprana edad, su actividad musical como Solista,
integrante de orquesta, de grupos de música de cámara, de docente, tanto en Argentina
como en U.S.A., Francia, Israel, Irlanda, Austria, Polonia, Italia, Brasil, es continua.
Desde el año 2002 reside en Madrid, siendo su debut en el Ciclo para Jóvenes Solistas
del Centro Cultural “Conde Duque”.
Jose Antonio García Fuertes (Guitarra)
Nacido en Llanes (Asturias). Estudió en el Conservatorio Superior de Música de Oviedo,
y posteriormente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Miguel Ángel
Jiménez. Ha tocado en países europeos, así como en Pakistán y Asia central, donde ha
realizado giras desde 2003, actuando como solista con diferentes orquestas: “Orquesta Filarmónica
de Hanoi”, “Orquesta Sinfónica Académica de Kazajstán”, “Orquesta Concertone”,
“Orquesta Filarmónica de Astana”, “Orquesta de cámara de Bishkek”… Su guitarra
ha sido escuchada en importantes salas: Auditorio “Fernando Lopes-Graça”, Ateneo
de Madrid, Palacio Real de Aranjuez, Auditorio de Zaragoza, Teatro de la Ópera de Almaty
(Kazajstán), Filarmonía de Bishkek (Kirguistán), Universidad de Islamabad (Pakis-
tán), Opera House de Hanoi, Sala Kursaal de San Sebastián, etc. Es invitado regularmente
a participar en festivales de música y guitarra, entre los más recientes “Festival Luna lunera”,
Bath International Guitar Festival”… Le han sido otorgados premios y menciones en
diversos concursos internacionales. En 2006 fue distinguido como “Diplomado con Honores”
en la Cátedra “Ecos del Mediterráneo” del “Festival Internacional Andrés Segovia”.
El programa propuesto pone de manifiesto el interés del trio «Nova Cámara» por la divulgacion
de la música compuesta para esta singular formación. Tanto autores clásicos
como actuales han dedicado páginas a este tipo de agrupación. «Nova Cámara» ya ha
realizado un importante recorrido por la geografía española, ofreciendo conciertos en
Barcelona, Ciudad Real, Aranjuez, Melilla... También en los ciclos musicales de Cajamadrid
y en diversos festivales, entre los que cabe destacar «Clásicos en Verano» de la
Comunidad de Madrid o «Jornadas de música contemporánea de Segovia» .Al margen
de la faceta camerística los integrantes de «Nova Cámera» mantienen una intensa actividad
como solistas, colaboraciones con orquestas y docentes de sus respectivos instrumentos
.El programa propone un recorrido por la música de autores españoles e
iberoamericanos, actuales. Enrique Múnoz Rubio, José María Laborda y Flores Chaviano
comparten cartel con grandes nombres como Turina o Piazzolla.
Trifolium, "Luigi Boccherini: música de cámara"
TRIFOLIUM.
Luigi Boccherini: música de cámara
(programa momográfico) Música Clásica Martes 22 de marzo
Auditorio Hospedería Fonseca, 20,30h
Entrada libre
La agrupación Trifolium Integrado por profesionales con amplia experiencia en el campo de la interpretación de la música antigua, pretende dar a conocer el amplio repertorio camerístico del siglo XVIII y principios del XIX desde una perspectiva interpretativa diferente a la habitual en las salas de conciertos.
Más allá de la selección del repertorio, el interés de las interpretaciones se incrementa con el uso de instrumentos originales y la aplicación de unos criterios musicales y técnicas interpretativas de acuerdo con los utilizados en la época.
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PROGRAMA
Andante lento assai Minuetto non presto, con grazia Provensal: Allegro vivo Andante lento Provensal: Allegro vivo e pp come prima Trío Op. 47, nº 2 en Sol mayor Andantino II Cuarteto Op. 33, nº 4 en Si b mayor Andante lentarello Quintetto en Do mayor, Op. 57 nº 6, G 418 Allegretto lento |
Carlos Gallifa violín Pablo Prieto violín Juan Mesana, viola Javier Aguirre violoncello Alfonso Sebastián, clave |
BOCCHERINI – MÚSICA DE CÁMARA
Sé bien que la música se hace
para hablar al corazón del hombre,
y a esto es a lo que procuro ingeniarme:
la música sin afectos y pasiones es insignificante.
Luigi Boccherini (1743-1805), reconocido como uno de los más grandes cellistas de su generación por los públicos de Italia, Viena y París, llega a España en 1768 con una obra aún escasa pero ya significativa que no ha pasado desapercibida ni a Gluck ni a Mozart. Boccherini es un compositor brillante y virtuoso, extrovertido y aún levemente intrascendente, pero en el que empieza a adivinarse esa peculiar melancolía y profundidad, resultado de su contacto con la música y la idiosincrasia españolas, que acompañarán a partir de entonces a su música y que él mismo resumiría al final de su vida en carta a M. J. Chénier de 1799, de la que está extractada la cita que encabeza estas notas.
La sociedad musical española, aislada y excéntrica, saturada de ídolos locales de segundo orden y muy condicionada por una Iglesia poderosa y rica añorante de los ya lejanos y dorados años de los Guerrero, Morales o Victoria, se debatía por aquellos tiempos entre paradojas como la adopción de las ultimas novedades (sobre todo de Francia), mientras se polemizaba sobre el grado de pecaminosidad de la presencia de los violines en los templos, todo ello en el marco de una cultura teórica tan vasta como visceral e inútil y una imprenta musical desastrosa. A pesar de todo ello, la vida musical española, y sobre todo la madrileña, no deja de tener su brillantez: la pléyade de músicos extranjeros que durante el reinado de Felipe V y Fernando VI literalmente invadieron Madrid dejaron un poso firme, y muchos son los franceses e italianos, sobre todo instrumentistas, que aun viven en España enseñando, cantando, tocando y componiendo junto a los españoles en capillas reales, nobles o parroquiales, en teatros serios o populares donde nunca falta la música, y participando en las academias armónicas que tenían lugar, ya en la Real Cámara, ya en casas de alcurnia, con posibles o de simples aficionados, llenando Madrid de las más bellas músicas posibles. Precisamente a finales del siglo XVIII se produce en toda Europa y por ende en España, una ampliación del público destinatario de la música de cámara, que pasa de los salones de la monarquía y la nobleza a los de las nuevas clases burguesas adineradas e ilustradas, cuando no a las del pueblo llano con una cierta capa de refinamiento. La vida social española, profundamente influida por Italia y Francia, imita la vida cortesana y burguesa de aquellos países y especialmente las costumbres francesas de los salones ― tertulias se llamaron aquí ―, en las que no pueden faltar las sesiones filarmónicas o academias de harmonía que tan graciosamente describe Iriarte en su poema La Música ya en 1780.
Ahí es donde aterriza Boccherini, un autor que en el transcurso de esa última etapa de su vida ―relativamente aislado en su Madrid de adopción― terminó por granjearse el aprecio y la admiración de toda Europa: «Si Dios quisiera hablar a los hombres, se serviría de la música de Haydn; si quisiera oír música, escucharía la de Boccherini». En estos términos se expresaba en 1798 Jean-Baptiste Cartier, violinista y compositor francés, en su antología L’art du violon. Ese mismo año, treinta de los cuartetos y quintetos de Boccherini y tres de sus sinfonías enviadas desde Madrid, donde por entonces ocupaba el cargo de compositor de cámara del Infante don Luis fueron publicados por vez primera en París por Pleyel. El público francés supo apreciar el estilo personalísimo de Boccherini desde que visitara la capital francesa en 1767-68 y continuó admirando su genio mucho después de su muerte a la edad de sesenta y dos años, en 1805.
François Fétis constata en su Biographie universelle des musiciens (París, 1835) que tras la muerte de Baillot en 1842 «los jóvenes artistas han dejado de lado esa música preciosa.» Pero en París seguía existiendo un culto clandestino a Boccherini y en 1851 se publica la primera biografía completa del compositor, la Notice sur la vie et les ouvrages de Luigi Boccherini de Louis Picquot. El nombre de Boccherini recuperó su fama de antaño cuando, primero en París, hacia 1874, cierto minueto ―el del Quinteto, op. 11 nº 5― conoció una popularidad sin precedentes, publicado en multitud de formas, desde las simples transcripciones para piano a arreglos para dos mandolinas, acordeón, coro a cappella (con texto en latín) y hasta saxofón. En 1895, la pasión por el minueto de Boccherini llegó a Alemania, donde el cellista Friedrich Grützmacher reunió varias piezas de nuestro autor para constituir un concierto para violoncello en Si bemol mayor. Este pseudo Boccherini aún forma parte del repertorio de los cellistas modernos y, con el minueto de marras, ha contribuido a inmortalizar la imagen del compositor creada por el violinista Giuseppe Puppo a principios del siglo XIX. Según una chanza de Puppo, «Boccherini es la mujer de Haydn», lo que deja entrever que el italiano posee un encanto agradable, pero superficial ―sin relación alguna con el temperamento de la verdadera esposa de Haydn, por cierto―, desprovisto de la profundidad emocional e intelectual del maestro vienés. Flaco favor el del minueto y el de Puppo. Al final, eso es lo que ha quedado del pobre Boccherini y esa fama ha servido para ocultar al verdadero músico.
Puede que el genio de Boccherini sea en efecto de un carácter más dulce que el de sus contemporáneos de más al norte, pero ello no significa que sea inferior. Su situación de relativo aislamiento en Madrid es comparable a la reclusión de Esterháza, donde Haydn estaba, según él mismo decía, «desligado del resto del mundo y obligado por tanto a ser original».
La música de Boccherini, a diferencia de la de sus contemporáneos vieneses Mozart o Haydn ―y con la sola excepción del manoseado minueto― resulta difícil de tararear. A diferencia de aquellos autores, maestros de la caracterización de los temas musicales, perfilados como retratos de personas, Boccherini es más un pintor de paisajes, de ambientes; es un artista eminentemente galante y rococó que gusta de utilizar técnicas pictóricas como el pastel, el sfumato, la sanguina, con los que es capaz de trazar ―con esa mezcla de precisión en el dibujo en indeterminación de las formas del mejor Watteau― esas estampas llenas de encanto y de ese je-ne-sais-quoi típicamente francés que hizo que su música fuera tan apreciada en el país vecino. Pero al mismo tiempo es una música profundamente sentida, como él mismo reivindica en la susodicha carta a Chénier, plena de dulzura y teñida de melancolía, pero también de alegría, humor y agudo ingenio. Es el suyo un estilo que presta mucha atención a crear ambientes más que a perfilar temas: sus partituras están llenas de indicaciones que demandan coloraciones tonales específicas: dolcissimo (dulcísimo), con espressione (con expresión), amoroso, sottovoce (en voz baja), che appena si senta (que apenas se escuche), con sordina, etc. que, sumadas a las indicaciones dinámicas habituales, revelan la fascinación de Boccherini por todos los detalles del timbre. Las texturas están trabajadas con mimo para crear interesantes jerarquías melódicas con diferentes niveles de acompañamiento. En ocasiones, la propia melodía es completamente abandonada en pro de armonías fugitivas… pero siempre todo dentro de un orden: el que imponen las reglas de la conversación educada entre personas de calidad. Todo el mundo tiene su momento para exponer sus ideas, durante el cual el resto escucha atentamente para luego aportar su visión del tema, que puede coincidir o discrepar, pero siempre dentro la cortesía de la conversación galante.
Ese es el verdadero Boccherini: un hombre que pese a los muchos reveses que sufrió en vida ―en particular al final de su existencia, cuando perdió a su mujer y dos de sus hijas y se vio obligado a pasar sus últimos días en la más mísera indigencia― nunca perdió ese buen humor pleno de inteligencia, de sana ironía mezclada con esperanza en el género humano que hace de su música una música «para ser más feliz». Quienes lo critican por superficial, acaso deberían echar un vistazo a su alrededor; entonces se darían cuenta de que, en los tiempos que corren, la música de Boccherini es algo de lo más necesario, y desde luego muy de agradecer. Sin duda, es una gran fortuna para todos nosotros que compositores como él hayan existido.
TeAtraco, "Tenorio 2000"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Jueves 28 de abril - Teatro
TeAtraco
Tenorio 2000
Dramaturgia y dirección: Rubén Hache
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Reparto: María Bande Narrador Rubén Hache Joan Tenorio Adrián Gonzalez El Mejías Susana Estevez La Tenoria Pablo Carmona Padre y Tenorio Original Diana Calzada Madre y Chica2 Marta Lorenzo Chica1 Carmen López Fea Inés de Arriba Inés Trecha Mayte Pérez Camarera Jose Ruiz Chico1 Sergio Borrella Chico2 |
Sinopsis:
Tenorio es un apellido con tradición, con prestancia, un sello de excelencia. Un Tenorio siempre se ha caracterizado por su maestría en artes amatorias, pero, ¿esa tradición continua hasta nuestros días?
TeAtraco llega con una audaz comedia en la que sucesos actuales se mezclan con guiños a la obra de Zorrilla. Todo ello envuelto en la atmósfera universitaria salmantina... ¡pasen y vean!
Asistentes de dirección: José Ruiz y Elena Morán
Ficha técnica:
Luces y sonido: Cristina Arrojo
Camarógrafa: Sara Blanco
Diseño Gráfico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.
Escenografía y vestuario: Teatrazo
Pilocopítero, "El funeral de la vida"
Teatro Universitario
Lunes 30 de Mayo -
Pilocopítero
El funeral de la vida
Autor y dirección: Virginia Ledesma Benito
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Ficha Técnica Música: Virginia Ledesma Vestuario: Antonia Sánchez Coreografías: María De La Iglesia Diseño de iluminación Carmen Linares Escenografía: Susana Cuesta
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Intérpretes María Cubillo Nortia Leticia De La Peña Leinht Marina Alonso Satres Cristina Piñeiro Culsu Elena Gómez Tuchulcha Nacho Gallello Veive Jimena DeMiguel Vanth Samuel Antonio Merino Charun Elías Gómez Extra |
Sinopsis
Sean bienvenidos todos aquellos que desearon en algún momento de sus vidas tener, un pequeño afer, con el lado oscuro de la historia.
En “El Funeral de la Vida”, van a presenciar algo inaudito, algo que nunca antes se había visto en los teatros, nuestros personajes no son comunes, son híbridos, personas malhechas, son seres que nunca quisiera tener cerca en lugares públicos, pero que por el contrario, siempre gusta ver sobre un escenario.
Estos personajes son ni más ni menos, que los etruscos, seres oscuros, ellos nos ayudarán a comprender que no importa de quién te rodees a lo largo de tu vida, porque en el momento final, en la agonía, tan sólo ellos serán tus camaradas.
Pero no todo es malo, nuestros personajes son traviesos, inquietos, juguetones, por este motivo, el momento de agonía junto a ellos siempre es motivo de alegría y jolgorio. Por eso una vez consigan su objetivo podrán disfrutar del gran espectáculo final.
Pauline en la Playa
Pauline en la Playa
Sábado 5 de febrero 22:00 horas
Auditorio de Fonseca
Entrada libre
Pauline en la Playa
Música Sábado 5 de febrero
Auditorio Hospedería Fonseca, 22,00h
Entrada libre
Las hermanas Álvarez regresan a los escenarios y lo hacen con nuevo disco. Física del equipaje (Siesta, 2010 )
Durante 11 años de su carrera Pauline en la Playa no han cesado de experimentar con otros lenguajes musicales extraídos del jazz, la bossa, la música clásica o la electrónica aplicados hábilmente a sus composiciones.
En Física del Equipaje Pauline en la Playa consolida esta fórmula y sigue explorando nuevas sonoridades. El acordeón diatónico, la sección de vientos, el ukelele o la zanfona ponen acentos, comas y respiraciones a un trabajo que se abre a quien lo escucha como una maleta repleta de historias.
Diez paradas en forma de canción para un viaje musical que transita por el pop y el new-folk caminando en ocasiones a ritmo de vals.
Eva Díaz Toca: Batería
David Casillas: Bajo
Andrés Biribay: Teclados, clarinete, saxo tenor.
David Varela: Acordeón diatónico.
Alicia Álvarez: Guitarra y voz
Mar Álvarez: Guitarra y voz
Orquesta Nacional de Jazz, "Mujeres en el jazz"
ORQUESTA NACIONAL DE JAZZ MUJERES EN EL JAZZ DE ESPAÑA
DIAS DE JAZZ
Música 8 de Marzo
Auditorio Hospedería Fonseca, 22,00h
Entrada Libre hasta completar aforo
La Orquesta Nacional de Jazz de España es el órgano o instrumento de expresión de la Fundación Orquesta Nacional de Jazz ( ONJAZZ) ; esta formación ofrece una mirada profunda sobre la creación jazzística nacional e iberoamericana.
Los solistas de ONJAZZ, interpretan en este concierto , un recorrido por su último trabajo discográfico, Mujeres en el jazz, una selecta recopilación de temas especialmente vinculados con la histórica lucha de la mujer por su igualdad de oportunidades. Todo ello especialmente “empaquetado”, para disfrutar y bailar al ritmo del mejor swing jazz
Nuevo Ensemble de Segovia
JUEVES, 31 DE MARZO. AUDITORIO FONSECA 20:30 h.
NUEVO ENSEMBLE DE SEGOVIA
DIRECTOR FLORES CHAVIANO
PROGRAMA
I
Relato........................................................................................Manuel Angulo
Círculos.....................................................................................Enrique Muñoz
La Ciudad (Madrid).................................................................Flores Chaviano
Ecos ............................................................................................Consuelo Díez
“Arioso” ............................................................................Jacobo Durán-Loriga
II
Onda de luz ................................................................Joseé M. García Laborda
Descarga latina .........................................................................Flores Chaviano
Alborada .....................................................................................Danilo Avilés*
Preludio Fuga y Divertimento......................................................Astor Piazzola*
* Estreno en España
NOTAS AL PROGRAMA
“La ciudad” , de Flores Chaviano
Escrita para saxo solo y dedicada a Francisco Cabanillas en un homenaje a Madrid
compuesta en 2010,el año en el que se celebró el centenario de la Gran Vía.El ruido,el
ritmo constante, la nostalgia y la vitalidad de Madrid merecieron esta mirada a una
ciudad que nos acoge a todos, a Madrid y sus gentes mi permanente agradecimiento.
“Ecos (3’ 46”)” de Consuelo Díez
“La obra Ecos fue compuesta en la Primavera de 1988 en Madrid. Su forma general representa
un efecto Doppler provocado por un imaginario desfile procesional, que primero
se intuye, luego se acerca y pasa a nuestro lado, para mas tarde alejarse con los respectivos
ecos que esta situación puede originar. Así, se oirán murmullos y sonidos distantes,
entrecortados, en los que se puede reconocer la idea musical base, troceada, variada, distorsionada,
o a intervalos de tiempo no determinados, constituyendo una insinuación o
recuerdo del diseño original y tomando como soporte la posibilidad de que el sonido
puede variar dependiendo de la distancia, el viento, la cantidad de público, o la amplitud
de las calles o plazas por las que desfila esa ficticia procesión. Ecos fue estrenada en 1988
en Madrid con su instrumentación inicial: Flauta, Trombón y Piano. También existen
versiones para Flauta, Fagot y Piano, que fue editada en vinilo (L.P.) por el grupo Círculo
(1989); para Flauta, Violoncello y Piano y para Flauta, Clarinete y Piano”.
“Preludio Fuga y Divertimento”, de A. Piazzola
Nos presenta a un Piazzolla menos conocido pero siempre vibrante, metido en las formas
clásicas que estudió en profundidad, el tango renovado se aprecia en cada una de
las partes que integran esta obra, el preludio con un continuo en al bajo, alcanza una
profundidad dramática.
“Alborada”, de Danilo Avilés
Es una pieza con fuerte sabor cubano influida por el jazz,el compositor nacido en Cuba,
radica en Nueva York desde hace más de 20 años, su música toda, respira ese dominio
del los ritmos cubanos, con una visión renovada, tratados con maestría.
“Arioso” de Jacobo Durán-Loriga (Madrid, 1958)
“Escribí Arioso en el año 2002 a petición de la Escuela de composición y creación de
Alcoy, para honrar a Tomás Marco en su 60 aniversario. Fue para mí un motivo de
alegría poder hacer un modesto homenaje a alguien tan querido y a quien la música
española, y no sólo la creación contemporánea, debe, debemos, tanto. Pero al tiempo
que me agradó lo referente al agasajo, me sentí algo incómodo por la combinación
instrumental que me proponía: clarinete y piano. Son en realidad mis dos instrumentos,
los que mejor conozco, aún así hubiera preferido junto al clarinete una marimba,
un arpa o un clave, ya que “el piano acompañante” se me atragantó ya en los años de
estudiante. Y así, haciendo de la necesidad virtud, surgió la obra, convertí al piano en
una mezcla de los instrumentos mencionados utilizándolos en su región central. En
cambio, he aprovechado el amplio registro del clarinete para que se presente, ora por
encima, ora por debajo, del teclado, abrazándolo, invirtiendo así los papeles habituales.
Por otra parte, he buscado que el clarinete cante, no con el desparrame lírico del
aria, ni con el ascetismo del recitativo, sino con ese punto intermedio, ni impúdico
ni parco, que suele darse en el arioso. Tomás Marco es persona comedida en palabras,
ademanes y accione; su retrato-homenaje también debía serlo.”
“Descarga Latina “, de Flores Chaviano
“Fue compuesta para el Nuevo Ensemble, está dedicada a ese gran saxofonista cubano que
es Paquito de Rivera, al cumplir 50 años de vida artística. La pieza intenta penetrar en el
mundo del latin jazz, con ritmos cubanos e improvisaciones por parte de los intérpretes”.
“Círculos” , de Enrique Muñoz
“Esta obra proviene de un material previsto originalmente para un cortometraje. El título
se refiere a ideas repetitivos, casi obsesivas, que representan a los personajes del documental
mencionado. Aunque los temas/personajes pasan por todos los instrumentos,
el piano tiene como una idea circular construida por fases y la flauta un tema dubitativo
en base a una tercera menor y mayor, mientras el clarinete bajo, saxo, y marimba toman
como partida el tema más dramático del personaje negativo, el malo del cortometraje.
La organización temporal parte de las distintas secuencias del cortometraje adaptadas a
la versión de concierto. Sin embargo el desarrollo final se basa en el contraste y continuidad
de los gestos musicales/temas desde un punto de vista sonoro”.
“Onda de Luz” , de Jose M. García Laborda
“Esta obra ha surgido de algunas noticias y lecturas recientes percibidas mientras estaba
en el proceso de composición de la misma. Noticias que se refieren al horror que algunas
personas han experimentado en sus vidas. En medio de esas experiencias traumáticas la
presencia o la ausencia de la luz ha sido un elemento fundamental. La primera experiencia
la cuenta Daniel Libeskind en su libro “Construire le futur” , cuando alude al caso
relatado por Yaffa Eliach en su obra “Hasidic Tales of the Holocaust”: una mujer viaja en
un tren al campo de concentración de Stutthof; en el momento en que comienza a perder
la esperanza, una línea de luz entra por una rendija del vagón de mercancías y le devuelve
la esperanza de que se va a salvar, como así sucederá. La segunda experiencia tiene que
ver con la noticia reciente y trepidante del monstruo de la localidad austriaca de Amstetten:
varias de sus víctimas, después de haber estado durante años en un zulo oscuro, no
podían aguantar la luz que les había devuelto a la vida. Esta obra está dedicada a todas
aquellas personas que han salido del horror, del miedo y del dolor y han percibido una
“onda de luz” que ha iluminado su esperanza y les ha devuelto a la vida”.
Nuevo Ensemble de Segovia. Dr. Flores Chaviano
El Nuevo Ensemble de Segovia lleva años difundiendo por toda la geografía española
las obras de los compositores españoles y extranjeros más destacados del panorama actual
y participa de nuevo en Salamanca después de tener un exitoso concierto en el Festival
COMA de Madrid que organiza la Asociación madrileña de Compositores.
Fundado en 1992 por su incansable director y excelente compositor de origen cubano
Flores Chaviano ha presentado numerosos estrenos de compositores españoles en los
Festivales de Música contemporánea más celebrados de España. Flores Chaviano es
también un prestigioso guitarrista que ha dado muestra de su excelente técnica en numerosos
recitales de guitarra. Actualmente es profesor de guitarra en Madrid.
INTÉRPRETES
Ana Isabel Gómez Flauta
Elena de Santos Piano
Chema García Clarinete
Francisco Cabanillas Saxo
Eugenio Uñón Percusión
Lunático, "La vida desatenta"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Miércoles 27 de abril - Teatro
Lunático
La vida desatenta
Dramaturgia y dirección: Catalina García García-Herreros
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La vida desatenta (con Miguel Hernández) (de Catalina García García-Herreros)
No perdono a la vida desatenta. —Miguel Hernández—
—Miguel Hernández—
No dejes que te impidan galopar ni los ladridos de los perros. —Joaquín Sabina— |
Texto dramático original de: Catalina García García-Herreros
Título: La vida desatenta (con Miguel Hernández)
—Coloquio dramático en 31 fragmentos—
Sobre La vida desatenta:
Miguel Hernández no cesa.
Un homónimo de Miguel Hernández se hace actor para cumplir el sueño de interpretar, sobre las tablas, a su personaje-poeta favorito. Contra la desatención de una mujer gélida, aquel alcanza su sueño y, a fuerza de memorizar versos, logra encarnar su anhelado papel. Mientras que la obra teatral protagonizada por ese Miguel Hernández, actor, se ensaya y se representa, asistiremos al pasado reciente y al pasado no tan reciente, en fragmentos que se preguntan por el sentido de los sueños, que indagan en las íntimas motivaciones de las pequeñas batallas, que revelan la inevitabilidad de nuestro humano claroscuro. Teatro dentro del teatro en una obra de teatro que superpone tiempos y espacios para subrayar los contrastes y resaltar las semejanzas pues, salvados los años, las historias siguen siendo las mismas. Por eso la voz, cuando acierta, no puede ser amurallada. La vida desatenta es un homenaje a esa voz que, contra todas las desatenciones que suele prodigar la vida, no cesa, sigue sonando.
Catalina García García-Herreros
Ficha artística:
Dramaturgia y dirección: Catalina García García-Herreros
Diseño de luces: Catalina García García-Herreros
Composición musical -original-: Suso González
Espacio sonoro: Catalina García García-Herreros
Coreografía: Catalina García García-Herreros
Reparto:
Miguel Hernández, el actor Pablo Coca Lucas
Aurora (estudiante) Alba Cruz López
Rebeca (estudiante) Anaïs Egea Albero
Rosario Jiménez (poeta) Julia Falero Morente
Claudette Schulze (empresaria) Maike Lorenz
Nicolás (estudiante) Adrián Ombuena Cabanes
Tomás (esposo de Rosario) Roy Páramo de Llano
Elisa (amiga de Rosario) Erika Rodríguez Horrillo
Guillermo (amigo de Rosario) Miguel Velasco Hermosa
Coro (con las voces de Alba Cruz López, Anaïs Egea Albero, Julia Falero Morente, Adrián Ombuena Cabanes, Erika Rodríguez Horrillo, Miguel Velasco Hermosa)
Ficha técnica:
Mesa de control de luces: Catalina García García-Herreros
Mesa de sonido: Abimaer Arias Guillén
Producción: Catalina García García-Herreros
Escenografía, utilería y vestuario: Grupo Teatro Lunático
Sobre nuestro grupo “Teatro Lunático”:
Desde 2005, año de su fundación, el “Teatro Lunático” de la Facultad de Filología de la Universidad de Salamanca, ha enfilado sus esfuerzos hacia la creación de un teatro experimental, minimalista y comprometido con el análisis y el cuestionamiento de los contextos sociales, políticos, económicos, estéticos, ideológicos y culturales. Más allá de eso, sin embargo, la apuesta del “Teatro Lunático” es una apuesta por el teatro mismo: la búsqueda de lo que el teatro es/significa y puede seguir siendo/diciendo en un ámbito de consumo cultural tan vertiginosamente “virtual” como el que habitamos.
Agradecimientos:
A nuestros padres, dadores universales, por la inagotable generosidad. A los maestros. A los poetas, por la inspiración y los epígrafes. A la “Iglesia Vieja de Pizarrales” y a la sonrisa de Mercedes, por abrigar nuestros fines de semana laborables. A “Participación Ciudadana” por la llave mágica y por hacer posibles los primeros pasos de estos personajes en un escenario “de verdad”. A los conserjes de la Facultad de Filología, por la eterna y palaciega P1 en horario de comedor. Al Servicio de Actividades Culturales por las puertas abiertas. A los lunáticos de antes (es decir, los de siempre: Miki, Toño, Esteban, Alberto, Andreína, Daniela, Diego, Andrea, Cote, Lucía, Estela, Shirin, Juan y Tomé) y a los lunáticos de ahora (es decir, los que, contra todos los elementos del azar, seguimos siendo y los que llegan con todo el entusiasmo nuevo), a los lunáticos que viajan y regresan, a los que simplemente viajan y a los que nunca se van. (Soy la Luna y ¡os quiero!). A la intemporal sala de becarios y a sus pertinaces habitantes (“compañeros del alma, compañeros”), por las pausas que regalan aire. A la Facultad de Filología (“there is no place like home”). A los libros, a las pequeñísimas flores que llenan de luces la última aridez del invierno. A los relojes que no marcan las horas. A mi hermana, por la fuerza y por el ejemplo. A Usted, siempre. A los amigos todos. A los sueños que son vida en las tablas y a las tablas que hacen tangibles los sueños.
CGG-H
Lisbon Ensemble
LUNES, 28 DE MARZO.
AUDITORIO FONSECA. 20:30
LISBON ENSEMBLE.
Dr. Pedro Pinto Figueiredo
PROGRAMA
Arpége.....................................................................................Franco Donatoni
Travessa da Espera .....................................................................Manuel Durão
Baisale Racdesám.........................................................Ernesto Donoso Collado
Le Chant de L’Oiseau-Lyre...................................................João Pedro Oliveira
Ressonâncias- Memórias ..................................................António de Sousa Dias
NOTAS AL PROGRAMA
Arpège (Franco Donatoni)
Obra escrita en 1986 a petición de Philippe Albèra y del Ensemble Contrechamps, a
quien está dedicada. Donatoni habla así de su obra: «en esta pequeña pieza para seis
instrumentos algunos acordes son manipulados y transformados disponiéndose inmediatamente
en arpegios, hasta llegar a a la máxima densidad y la progresiva desfiguración
que alcanza el silencio conclusivo.»
Travessa da espera (Manuel Durão)
Fue compuesta durante la licenciatura en Composición en la Escola Superior de Música
de Lisboa, en 2006, bajo la supervisión del profesor João Madureira. Travessa da espera
forma parte de la toponimia del Bairro Alto lisboeta. Un nombre y un local nocturno,
donde surgen ideas y sueños; un bonito recuerdo de las aulas y del arte en el centro de
Lisboa, de la antigua Escola Superior de Música en el edificio de los caminos de hierro
de Benguela, y de los áticos del Conservatório Nacional.
Le Chant de l`Oiseau-Lyre (João Pedro Oliveira)
Obra compuesta en 2002 y creada en memoria del compositor portugués Jorge Peixinho.
Utiliza en su construcción diversas técnicas instrumentales inspiradas o derivadas
de los trabajos de dicho compositor.
Ressonâncias-Memórias (António de Sousa Dias)
La obra parte de dos principios interdependientes. El primero es tomar la obra como
una interfaz de una colección de objetos musicales, una base de datos, por así decirlo,
sin utilizar necesariamente unas intenciones de desarrollo u otro tipo semejante de retórica
musical. El segundo principio se basa en las premisas de construcción-remisión,
y se expresa en la presentación de situaciones no necesariamente narrativas. El uso reiterado
de separadores de situaciones sugiriendo una coexistencia múltiple en el espacio,
o la transición brusca entre lugares e iteración sonora, procuran inducir una dinámica
y una tensión constante, y, al mismo tiempo, intentan aludir a la noción de
resonancia como elemento activo en nuestra formulación de lo real, un “frente de ondas”
de la/s memoria/s.
Baisale racdesàm (Ernesto Donoso Collado)
Es una pieza creada en 2008 y estructurada en tres pequeñas partes que giran alrededor
de la idea de un baile de máscaras (el propio título aparece ya “enmascarado”…): En
la primera parte, “El gran Salón”, se intenta representar el espacio de forma abstracta
y desde diferentes perspectivas. En la segunda parte, “Presentación de invitados”, el
tiempo se transforma en duración a través de la inmovilidad de los intérpretes, y se presentan
al espectador los cuatro invitados (entes sonoros) que van a formar parte del
baile. En la tercera y última parte, “El baile”, los cuatro invitados se funden en un baile
creado a partir de la idea de “espacio cubista” (dualidad observador/observado), precipitándose
hacia un final enmascarado con cierto sabor cinematográfico.
INTERPRETES
LISBON ENSEMBLE 20/21
Grupo de Música Contemporánea
Dirección: Maestro Pedro Pinto Figueiredo
El Lisbon Ensemble 20/21 es un grupo versátil de música contemporánea con una base
de nueve músicos: cuarteto de cuerdas más contrabajo, piano, flauta, clarinete y percusión;
que fue fundado a finales de 2003.
Nació de la voluntad de un grupo de músicos de aproximarse a los lenguajes y estéticas
más contemporáneas atraídos por el desafío y el desarrollo como instrumentistas, así
como de la necesidad de interpretación de nuevos repertorios. Desde su formación inicial,
el grupo cuenta con João Pedro Fonseca (flauta), Óscar Viana (oboe), Nuno Antunes
(clarinete), Sérgio Ventura (fagot), Filipe Coelho (trompeta), José Correia (trompa),
António Santos (trombón) y Miguel Leiria (contrabajo). Actualmente se han
incorporado ocho nuevos componentes, manteniendo una cierta flexibilidad en su
constitución que le permite poder adaptarse a diferentes repertorios.
Este proyecto aparece en una altura en la que es necesario apoyar el aumento del repertorio
para ensemble y para grupos instrumentales con medios electroacústicos, dada
la evolución significativa de las tecnologías ligadas al sonido. Es por ello que esta agrupación
ha aceptado, siempre que le ha sido posible, desafíos donde la componente tecnológica
en tiempo real o diferido esté desarrollada en la propia composición.
El Lisbon Ensemble 20/21 ha actuado en todo el territorio portugués, promoviendo
así la descentralización cultural y apostando por la creación de nuevos públicos; habiendo
actuado en festivales de música regionales como el de Leiria, Paços de Brandão
y Entroncamento.
El grupo inició su actividad interpretativa en el Teatro Maria Matos de Lisboa en 2003,
y en el Teatro Aberto, dentro del “Festival Música Viva”, en 2004, manteniendo desde
entonces una participación regular en el mismo.
A partir de 2007, el Lisbon Ensemble 20/21 se ha proyectado hacia el exterior con el
objetivo de divulgar su trabajo y el de compositores portugueses y de países de habla
portuguesa.
Uno de los objetivos del grupo a corto plazo es el estimular la creación musical y servir
como medio de divulgación para la música contemporánea lusa. Con este objetivo en
mente, el Lisbon Ensemble 20/21 ha estrenado diversas obras de compositores portugueses,
entre ellas: “Quinteto”, de Pedro Rocha; “Homenagem a Ligeti”, de José Mesquita
Lopes; o “Reflexos sobre a Pele”, de João Quinteiro; y espera próximamente extender
esta iniciativa a compositores brasileños y españoles.
Director Pedro Pinto Figueiredo.
Flautas Marina Camponês
Oboe/Corno inglés Oscar Viana.
Clarinetes Filipe Dias.
Piano Joana Gama.
Percusión Marco Fernandes.
Violín Otto Pereira.
Viola Joana Cipriano.
Cello Angela Carneiro.
Director: Pedro Pinto Figueiredo
Nació en Lisboa. Después de terminar el Curso Geral de Composição de la Escola de Música
do Conservatório Nacional de Lisboa, concluyó el Bacharelato em Composição en la
Escola Superior de Música de Lisboa.
Estudió con el profesor y compositor Christopher Bochmann y con el compositor portugués
Emmanuel Nunes, con quien trabajó en Paris, siendo becado por la Fundação
Calouste Gulbenkian para estudiar en esta ciudad, donde también realizó diversos cursos
en el IRCAM. En este momento está cursando el Doutoramento em Composição de
la Universidade de Évora.
De su producción musical destacan obras como “Germinal”, para octeto de viento y
piano; “Wake”, para clarinete; “Myshi”, Para flauta; y “Scindite”, para clarinete bajo,
contralto y orquesta de cuerdas.
Ha tenido como prioridad en su búsqueda musical personal el uso de las nuevas tecnologías,
principalmente en relación al tratamiento del sonido en tiempo real y su espacialización.
Estrenó con la Orchestre Radio-Lyrique de Paris en 2002 la obra “Ser”, para orquesta de
cuerdas, en el festival de música contemporánea de Dunkerque.
En 1997 inició sus estudios de dirección de orquesta en el conservatorio de Dijon con
el director Jean Sebastian Béreau, habiendo conquistado en 2002 la medalla de oro del
concurso de finalistas del respectivo conservatorio. Trabajó también la dirección de
música contemporánea con el director Peter Rundel, colaborando con el mismo en la
grabación de “Duktus” y “Epures de la serpen vert”, así como en la ópera “Das Marchen”,
de Emmanuel Nunes. En 2009 estrenó en la Casa da Música como director asistente
la obra “La Douce”, de Emmanuel Nunes.
Fue director de la Orquestra do Conservatório da Metropolitana (Lisboa), habiendo dirigido
también la Orquestra Sinfónica Juvenil y la Orquestra Jovens Músicos. Ha sido responsable
de las Prácticas de Dirección de Orquesta en la ESART, y es responsable de
la dirección de las Prácticas Internacionales de Orquesta de Leiria, en su 7ª edición.
Fue miembro de la Dirección Pedagógica de la Escola de Música do Orfeão de Leiria,
donde impartió las asignaturas de análisis y técnicas de composición, y dirigió el Coro
de Cámara de la escuela.
Es docente en la ANSO (Academia Nacional Superior de Orquesta), donde imparte
análisis y orquestación, perteneciendo actualmente al Consejo Directivo, y es docente
aún en la Escola de Música de Linda-a-Velha, donde imparte análisis y técnicas de composición,
y dirige un Taller de Música Contemporánea.
En 2002 inició los proyectos Orquestra A2M – Arquivo da Memória Musical, y en
2003, el grupo de música contemporánea Lisbon Ensemble 20/21.
En 2003 se estrena como director en Portugal con la Orquesta Filarmonia das Beiras,
habiendo dirigido desde entonces varias agrupaciones y orquestas, destacando la Nova
Orquesta de Lisboa, la OrquestrUtópica, la Orquesta Gulbenkian y el Remix Ensemble.
La Troupe de l'Atelier,"La pie sur le gibet"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Jueves 14 de abril - Teatro
La Troupe de l'Atelier
La pie sur le gibet de Michel de Ghelderode
Dirección: Michel van Loo
Coordinación: Carmen García Cela
|
Participantes:
Ayuda Hernández, María De Oliveira, Ana Español, Leandro Fernández Moreno, Jorge García Méndez, Katherine del Carmen Gil Polo, Andrea González Fernández, Ana Jiménez Velayos, Ángela Marrón González, Susana Mena Timón, Marina Nocelo Fernández, Eva Soage Otero, Javier Suela Fletes, Daniel |
La representación teatral que el Departamento de Filología Francesa presenta a la “Semana universitaria de artes escénicas 2011”, es el resultado de una nueva edición del taller de teatro que desde hace más de una década dirige el Director de teatro belga Michel Van Loo. Michel Van Loo nos ofrece este curso un trabajo sobre Michel de Ghelderode, un clásico del teatro belga de expresión francesa, centrado en una farsa titulada La urraca sobre la horca (La pie sur le gibet), compuesta en 1935. Michel Van Loo prefiere la palabra francesa “juego” para referirse a la “actuación” teatral, porque, como suele repetirlo, el teatro no es un recital literario aderezado con vestuario, sino preparación del cuerpo a la acogida del lenguaje y de la expresión.
Con esta declaración de intenciones, Michel Van Loo se acerca a la farsa de Michel de Ghelderode que, antes de llegar a la palabra y al gesto, solicita el ojo del lector-espectador para aclimatarlo al cuadro titulado La urraca sobre la horca, pintado por Brueghel el Viejo un año antes de su muerte, en 1568. Michel de Ghelderode anima el cuadro de Brueghel, reanudando su diálogo con la tradición pictórica flamenca y recabando en la imagen pictórica un paisaje –el de Flandes–, un ambiente –el de las celebraciones campesinas de la Kermesse y del carnaval–, un momento histórico –el de la dominación española en Flandes durante el siglo XVI.
Un detalle plástico distingue, sin embargo, el cuadro de la obra teatral: Michel de Ghelderode pinta la horca ¡de color de rosa! El dramaturgo recrea un día de tregua en el que la horca no ahorcará y se ampara en la distancia temporal, para observar con ojo crítico los conflictos políticos, sociales, judiciales de su propio tiempo. En ciertos aspectos, Michel de Ghelderode no deja de recordarnos a Valle Inclán –así lo entiende Michel Van Loo. Ambos están habitados por el esperpento, un lenguaje en el que, a buen seguro, se reconocen tanto españoles como belgas.
La Troupe de l’Atelier, compuesta por estudiantes universitarios, da vida a la farsa rindiendo homenaje a la lengua francesa y a sus creadores teatrales.
El Departamento de Filología Francesa desea manifestar su agradecimiento a Wallonie Bruxelles International, a la Embajada de Bélgica en Madrid, al Théâtre de la Guimbarde y al Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca por el respaldo que, año tras año, vienen ofreciendo a su Taller de Teatro.
La Bien Querida
La bien Querida
Concierto Martes 17 de mayo 2011
Auditorio de la Hospederia Fonseca 22,00 horas
Entrada 5 €
En el disco Romancero, Ana Fernández-Villaverde llegó a lo más alto en el panorama Indie-pop del país, gracias a las buenas críticas recibidas, y a las diversas nominaciones a disco del año, así como los premios conseguidos como Mejor Álbum y Artista Revelación.
La Bien Querida da continuidad a su estilo y a su poesía cantada con la presentación de su nuevo álbum Fiesta
Fiesta es un disco abierto, repleto de diversas influencias, que utiliza cualquier medio a su alcance para emocionar, recopilando estilos e influencias para dar luz a esa obra magna cantada en castellano que aúne todo lo que hoy es la música de esta lengua: aquí tenemos toques de flamenco, rumbas y rancheras, los acentos árabes o ese punto eléctronico. Pero detrás siempre está ese pop pluscuamperfecto marca de la casa, la habilidad de Ana para imponer su personalidad por encima de cualquier juego de estilo, sus melodías inolvidables que habitan en nuestras memorias como gorros de tupida lana, y esas historias que pueblan sus letras y que son tratados incontestables de amor universal.
“Fiesta” es diverso, amplio, abierto, exigente, accesible pero complejo, lleno de emociones de todos los colores.
John Abercrombie & Marc Copland
JOHN ABERCROMBIE & MARC COPLAND
DIAS DE JAZZ
Música Sábado 12
Auditorio Hospedería Fonseca, 22,00h
Entrada 5 €
JOHN ABERCROMBIE Guitarra
MARC COPLAND Piano
Copland al piano y Abercrombie en la guitarra; armónicamente innovadores y coloristas con sus respectivos instrumentos, unen fuerza y creatividad logrando un tándem que resulte ser algo más que la suma de las partes. Cuando un pianista y un guitarrista tocan juntos lo normal es que cada músico se dedique a crear el ritmo y el entorno para los solos del otro. Pero con Abercrombie y Copland la relación es más profunda, mucho más completa y compleja.
Javier Ruibal
Javier Ruibal
Jueves 24 de Febrero
Auditorio Hospedería Fonseca, 22,00h
Entrada 5 €
Compositor, arreglista, guitarrista y cantante. Autodidacta y heterodoxo. Músico de frontera..
Música y textos cuidados con la rigurosidad y esmero que le caracterizan. Buena factura en sus arreglos y una ejecución con la guitarra con mucha personalidad y fuerza. Las cualidades de su voz le permiten transitar con libertad y desahogo por las sonoridades del flamenco, la música del Magreb, de India y del
Caribe en un ir y venir constante y armonioso que nos invita a creer con firmeza en que la fusión de las músicas y las sangres nos traerá un nuevo lugar de encuentro para la felicidad, un nuevo planeta que está aún en formación.
Inercia Teatro, "El gran jefe"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Sábado 30 de abril - Teatro
Inercia Teatro
El gran jefe
Adaptación y dirección: Héctor Toledo
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Reparto: Adrián Lázaro: Kaiser Virginia Guechoum: Reed / Phil Alexandra Ispierto: Claire Héctor Toledo: Wiseman / Papa
Adaptación y Dirección: Héctor Toledo Diseño de Vestuario: Madeinme Artesanía Comunicación y Prensa: Ruta 42 Producción y distribución: Inercia Teatro.
Con la colaboración de: Sebi Galeano: Asesor técnico. Fotógrafo. Doc Pastor: Fotógrafo. |
Sinopsis
Kaiser Lupowitz es el detective privado más odiado y acabado de toda la ciudad. Pero eso no impide que Heather Butkiss, una rubia que dice ser modelo de lencería, irrumpa en su despacho para pedirle que busque a alguien. A Dios. Pero Dios está desaparecido. Es más, nadie está muy seguro de que en realidad exista y por supuesto a nadie le interesa demasiado que se resuelva el enigma. Para colmo de males, Heather en realidad se llama Claire y no es modelo, sino estudiante de filosofía, y no para de mentir. Todo sería mucho más fácil para Kaiser si ella no oliera tan bien, pero ahora ya no hay marcha atrás. Hay una investigación en marcha, se están moviendo muchos hilos, y él está en el centro de todo. ¿Conseguirá encontrarlo?
Información adicional:
Basada en el relato homónimo del escritor y director de cine Woody Allen, “El Gran Jefe” combina todos los tópicos del más clásico cine negro, con el incisivo humor del genio neoyorkino, aderezado, en este caso con las particulares vueltas de tuerca que Inercia teatro, con una amplia experiencia de trabajo en comedias, aporta.
El resultado es una comedia que explota los temas clásicos del cine de Allen: Dios, el sexo, la muerte, pero de un modo ligero, ágil y fresco, capaz de cumplir las exigencias de todo tipo de público, desde los que buscan el humor más simpático hasta los que buscan el más cínico.
Con un montaje técnicamente muy sencillo, pero tremendamente dinámico en su desarrollo, con sólo dos actores y dos actrices, Inercia Teatro nos transporta al oscuro y absurdo universo de Kaiser, una caricatura de detective obsesionado con las mujeres, en su búsqueda de un Dios que nadie ha visto nunca y que nadie parece querer encontrar.
Enrico Pieranunzi
Enrico Pieranunzi
DIAS DE JAZZ
Música Jueves 3 de Marzo
Auditorio Hospedería Fonseca, 22,00h
Entrada 5 €
ENRICO PIERANUNZI Piano
Enrico Pieranunzi. Pianista, compositor y arreglista, ha grabado más de setenta discos a su nombre, desde piano solo o en trío y desde dúos a quintetos. Su último trabajo, publicado por el sello Camjazz, está dedicado a la obra de Domenico Scarlatti y en él combina la improvisación jazzística con la música clásica.
Endanza, "La escalera de un sueño"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Miércoles 13 de abril - Danza
Endanza
Coreografía: 'La escalera de un sueño'
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BAILARINES: Agorreta Lumbreras Luis Arribas Peña Alba Cardeñosa Rubio Mari Cruz Lucas Grasa Teresa Roncalés Agüera Edurne Salvado Muñoz Manuela
MÚSICA: Varios autores
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SINOPSIS “LA ESCALERA DE UN SUEÑO”
Todos perseguimos un sueño… es el mero reflejo de lo que queremos ser, vivir y conocer.
La fuerza, la energía, la ilusión, nos impulsan a seguir el camino nunca fácil para vivir nuestros deseos más íntimos: los sueños.
"El sonido de los vacíos"
MIERCOLES: 30 DE MARZO. SALA DE ENSAYOS HOSPEDERIA DEL FONSECA. 20:30
TALLER DE EXPERIMENTACIÓN AUDIVISUAL
DE LA FACULTAD DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
PROGRAMA
MONTAJE AUDIVISUAL: “EL SONIDO DE LOS VACÍOS”.
Alejandro Gómez Fuentes.
Coordinación:Alejandro Gómez Fuentes, Matilde Olarte, Jose M. García Laborda.
Intérpretes
Emilio Hernández Tuba
Raúl Hernández Marimba
Laura Toureño Piano-organo
Stefan Navarro Trombón
Álvaro Carvajal Castro Clarinete
Lucía Llul Piano
Raúl Díaz de Dios Acordeón
Montaje electrónico Nacho Muñoz Tapia y Pedro Vázquez
“El montaje audivisual “El sonido de los vacíos” es una composición hecha a partir de diversas
piezas musicales, cinematográficas y textos literarios; todas ellas guardan una relación con
la Solución Final al problema judío (Endlösung der Judenfrage).
El hilo conductor es la profunda impresión que deja la maquinaria de la muerte en que se
convirtió la Alemania Nazi. Montaje fílmico bastante complejo, con un hecho histórico como
telón de fondo.
Ante nosotros desfilan obras de Luigi Nono, Hanns Eisler, José María Sánchez-Verdú, John
Cage, Alexander Sokurov, Alain Renais, etc. Estas obras se estratifican con textos de Maurice
Blanchot, Marina Tsvetáieva, Paul Ricoeur, Eugeni Yevtushenko.
Al mismo tiempo se escucha en algunos momentos música en vivo de Jose M. García Laborda,
interpretada por alumnos de la Universidad.
Una “Tragedia de la escucha y de la mirada “ que conduce al historiador, siguiendo a Benjamin,
a construir la Historia a partir de los elementos de la superestructura”
Alejandro Gómez Fuentes
Coro Connecticut State University
CORO CONNECTICUT STATE UNIVERSITY
Música Domingo 20
Auditorio Hospedería Fonseca, 20,00h
Entrada libre
Los University Singers, de la Universidad de Central Connecticut , es un grupo de 19 cantantes seleccionados por audición. La mayoría de los estudiantes que integran este grupo estudian en el departamento de música de la universidad, pero varios de ellos provienen de otras escuelas y departamentos de la misma universidad. El repertorio de los University Singers es variado y abarca piezas de música coral de diferentes siglos.
En sus dieciocho años de existencia los University Singers han dado giras de conciertos en Alemania (1994), Puerto Rico (1996), Hungría (2000), Francia (2006) y China (2009). Han sido invitados a cantar en congresos, festivales y otros eventos , han organizado conciertos y talleres de dirección coral en las escuelas de Connecticut. En los últimos tres años han colaborado con prestigiosos grupos corales de Connecticut, como el grupo Voce, dirigido por Mark Singleton.
Dirección: Pamela J. Perry
Dr. Pamela J. Perry es catedrática de música en Central Connecticut State University , donde imparte cursos de posgrado y pregrado en la sección de música coral y dirige el grupo CCSU University Singers.
Ha publicado artículos sobre la educación de música coral en el Choral Journal y la International Journal of Women Composers. Ha recibido importantes premios de educación musical y de dirección coral.
Coro de Cámara, "El Cantoral de Salinas"
Concierto Coro de Cámara Universidad de Salamanca
Jueves 19 de mayo 2011 ---20,30 horas
Capilla de la Universidad- Edificio Histórico
Entrada Libre hasta completar el aforo
Un libro de canto del nuevo rezado
El Cantoral de Salinas.
Prácticas musicales en la capilla de San Jerónimo
Coro de cámara de la Universidad de Salamanca
Juan José Diego (órgano)
Bernardo García-Bernalt (dirección)
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, dirigido por Bernardo García-Bernalt, ofrece un concierto en la Capilla de la Universidad de Salamanca mañana, jueves 19 e mayo, a las 20:30 h., con motivo de la vuelta a Salamanca del Cantoral de Salinas, manuscrito del siglo XVI que se encontraba en un proceso de restauración desde 2006 por parte del Instituto del Patrimonio Cultural de España.
El concierto lleva por título “El Cantoral de Salinas, prácticas musicales en la Capilla de San Jerónimo” y constará de varias piezas corales, tanto de canto llano, tomadas del propio antifonario, como de piezas polifónicas procedentes del fondo de la capilla de música de la Universidad. La entrada es libre hasta completar el aforo.
Por otra parte, desde el día siguiente y hasta el 6 de junio, el Cantoral podrá ser contemplado por todos los visitantes del Edificio de las Escuelas Mayores en el Salón de Claustros, acompañado de paneles explicativos. La ubicación definitiva de este importante manuscrito será en el coro de la capilla.
PROGRAMA
El Cantoral de Salinas.
Prácticas musicales en la capilla de San Jerónimo
I. A versos(himnos para las fiestas de la universidad)
“¿Por ventura el canto de los Hymnos, que tantos años ha practicado la Iglesia, no
es en los más alegre, y en algunos con tanto excesso, que al que no tiene práctica del
Coro, o no está habituado a oirlo, regocijan de modo que le incitan a baylar?”
Eustaquio Cerbellón. Madrid 1726.
Diálogo Armónico sobre el Theatro crítico universal
- Ave maris stella(1, 2 y 3)
(Himno de vísperas para la fiesta de la Inmaculada Concepción)
- Iste Confessor(1, 2 y 3)
(Himno de vísperas para la fiesta de San Jerónimo)
- Tibi Christe(1 y 4)
(Himno de vísperas para la fiesta de la aparición de San Miguel)
- Doctor egregie Paule(1 y 3)
(Himno de vísperas para la fiesta de la conversión de San Pablo)
II. La vigilia para las honras de difuntos
“La Junta pensó desde luego en proponer a la Universidad que se desterrase para
siempre la Música instrumental y de canto figurado, subrogando a ella un canto
llano grave y serio con órgano y dos bajones”
Claustro de primicerio de 12 de enero de 1801
- Lectio I. Parce mihi(5)
- Responsorio. Credo quod redemptor meus vivit(1 y 6)
- Lectio II: Taedet animam meam(7)
- Responsorio. Qui Lazarum resucitasti(1)
- Lectio III. Manus tuae Domine(5)
- Responsorio. Domine quando veneris(8)
III. La fiesta de Corpus
“Parte de la Música se queda este día en el coro, cantando y tocando que llaman
siesta hasta la hora de las Completas […] al tiempo de enzerrar el Santísimo
tienen siempre un villancico de mucha Composición”
Bernardino Francos Valdés. 1720
Zeremonial sagrado y político de la Universidad de Salamanca
- Te lucis ante terminum(1)
(Himno de completas)
- Lauda Sion Salvatorem(1)
(Secuencia)
- Memoria de sus prodigios(9) M. Doyagüe (1755-1842)
(Villancico al Santísimo)
1. Cantoral de Salinas (1584-1738 ca.).
2. Hernando de Cabezón (1578). Obras de Música para tecla, arpa y vihuela, de Antonio de Ca-
beçón, Músico de la cámara y capilla del Rey Don Philippe nuestro señor. Recopiladas y puestas
en cifra por Hernando de Cabeçón su hijo, Ansí mesmo músico de cámara y capilla de su Ma-
gestad. Madrid, Francisco Sánchez.
3. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 243.
4. Luys Venegas de Henestrosa (1557). Libro de cifra nueva para tecla, harpa y vihuela, en el que
se enseña breuemente cantar canto llano, y canto de órgano, y algunos auisos de contrapunto”.
Alcalá: Ioan de Brocar.
5. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 245.
6. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 252.
7. Entonación según Montanos, Francisco de. (1610) Arte de canto llano. Salamanca: Francisco
de Cea. En la biblioteca universitaria se conserva una edición posterior de esta obra corre-
gida por Sebastián López de Velasco (Madrid: Imprenta Real, 1648. BG/29166).
8. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 244.
9. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 202.
CORO DE CÁMARA
DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, que el pasado curso
cumplió sus 25 años de vida, fue fundado por miembros del Coro Uni-
versitario, con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los
siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de di-
fusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de con-
ciertos, muchos de los cuales han supuesto el “reestreno” de partituras inédi-
tas correspondientes a este periodo. Asimismo, en los últimos años es
frecuentemente invitado a abordar, junto con distintas orquestas, música de
los siglos XIX y XX.
Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro
Nacional de Polifonía de 1987 el ciclo “Música da época das descobertas” (Lis-
boa), la I Muestra de polifonía española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica
Internazionale (Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Au-
ditorio Nacional de Madrid), la Semana de Música de Canarias, “Música en
la España de la expulsión” (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de
Nueva York), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século
XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca, XVIII Jornadas Gulben-
kian de Música Antigua (Lisboa), Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Pa-
trimonio (Salamanca 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja san Fer-
nando, ciclo “Plaza Sacra” (Salamanca 2005), Festival “Florilegio”
(Salamanca). FEX del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, X
Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza , X edición del festival Clásicos
en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía “Victoria y su tiempo” (Ávila), etc.
Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y
Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas
de Goldberg, etc.). Asimismo RNE clásica le ha dedicado varios programas.
Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolou-
se, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca “Il Fondamento”, la Orquesta Sinfó-
nica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma,
Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la orquesta de cáma-
ra Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta
barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca. El
Coro ha sido dirigido por músicos como Wim ten Have, Paul Dombrecht,
Eduardo López Banzo, Jacques Ogg, Manuel Morais, Gerard Caussé, Juan José
Mena, Omri Hadari, Gabriel Garrido, Manel Valdivieso, Luis A. González Ma-
rín, Carlos Cuesta, Federico M. Sardelli etc.
Desde su fundación el coro es dirigido por Bernardo García-Bernalt,
director, asimismo, del Coro Universitario y de la Academia de Música Anti-
gua de la Universidad salmantina.
***
Tiples: Bárbara Gomulka, Carmen del Olmo,Mercedes Martín, Noemí Pellejero,
Concha Yáñez, Gloria Ramos.
Altos: Beatriz Mayoral, Carlota Hernández, Concha Delgado, Elisa Traubinger,
Lourdes Diego, Raquel Nieto.
Tenores:Carlos Fernández, Carmelo Hernández, David González-Iglesias,Javier
González-Tablas, Pedro Fernández.
Bajos: Alberto Miniño, Alejandro Gago, Álvaro de Dios, Carlos Conde, Javier
García., Jesús Plaza.
Coro de Cámara, "Desterrar esa música teatral…"
Concierto Coro de Cámara Universidad de Salamanca
Viernes 24 de junio. 20:30 horas
Auditorio Fonseca
Entrada Libre hasta completar el aforo
Desterrar esa música teatral…
Música sacra para la universidad salmantina de principios del XIX
Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca
Juan José Diego (órgano)
Bernardo García-Bernalt (dirección)
Programa
Desterrar esa música teatral…
Música sacra para la universidad salmantina de principios del XIX
I. Polifonía exequial
La vigilia de difuntos
- Parce mihi Domine (Lección) (1)
- Credo quod redemptor meus vivit (Responsorio) (2 y 3)
- Manus tuae Domine (Lección). (1)
Motetes de difuntos (4)
- Domine secundum actum meum
- Miseremini mei
- Hei mihi Domine
- Peccantem me quotidie (¿F. Olivares? 1778-1854)
- Domine, quando veneris (¿C. Patiño? 1600-1675)
II. La octava de Corpus
Misa ”Pange lingua” (1806) (5) P. Aranaz y Vides (1740-1820)
- Kyrie
- Gloria
- Secuencia: Lauda Sion Salvatorem (2)
- Credo
- Motete: O Quam Suavis (6)
- Sanctus
- Benedictus
- Cantabile para el órgano al alzar en la Misa (7) J. Lidón (1748-1827)
- Agnus Dei
- Pange lingua more hispano a versos (7 y 8)
- Memoria de sus prodigios (6) M. Doyagüe (1755-1842)
(Villancico al Santísimo)
|
1. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 245. Transcripción B. G. Bernalt
2. Cantoral de Salinas (1584-1738 ca.). Transcripción B. G. Bernalt (BUS ms. 2794)
3. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 252. Transcripción B. G. Bernalt
4. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 244. Transcripción B. G. Bernalt
5. . Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 144. Transcripción B. G. Bernalt
6. Fondo de música de la capilla de la Universidad de Salamanca AUSA FM 202. Transcripción B. G. Bernalt.
7. Manuscrito musical del Archivo de la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy de Salamanca, sgn. 1507. Transcripción D. García Fraile.
8. Vicente Pérez Martínez: Prontuario de cantollano. Madrid: Imprenta Real, 1799, tomo I.
CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, que el pasado curso cumplió sus 25 años de vida, fue fundado por miembros del Coro Universitario, con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el “reestreno” de partituras inéditas correspondientes a este periodo. Asimismo, en los últimos años es frecuentemente invitado a abordar, junto con distintas orquestas, música de los siglos XIX y XX.
Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987 el ciclo “Música da época das descobertas” (Lisboa), la I Muestra de polifonía española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid), la Semana de Música de Canarias, “Música en la España de la expulsión” (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca, XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa), Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Patrimonio (Salamanca 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja san Fernando, ciclo “Plaza Sacra” (Salamanca 2005), Festival “Florilegio” (Salamanca). FEX del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza , X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía “Victoria y su tiempo” (Ávila), etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo RNE clásica le ha dedicado varios programas.
Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca “Il Fondamento”, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la orquesta de cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca. El Coro ha sido dirigido por músicos como Wim ten Have, Paul Dombrecht, Eduardo López Banzo, Jacques Ogg, Manuel Morais, Gerard Caussé, Juan José Mena, Omri Hadari, Gabriel Garrido, Manel Valdivieso, Luis A. González Marín, Carlos Cuesta, Federico M. Sardelli etc.
Desde su fundación el coro es dirigido por Bernardo García-Bernalt, director, asimismo, del Coro Universitario y de la Academia de Música Antigua de la Universidad salmantina.
Coro Universitario, Concierto Fin de Curso 2010-11
CONCIERTO Fin de Curso 2010-2011
CORO UNIVERSITARIO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Dirección: Bernardo García-Bernalt Alonso
Esther Diego (piano)
Sabado 11 de Junio 2011
20:00 horas
Auditorio Fonseca
Entrada libre
CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de la Universidad de Salamanca, uno de los coros universitarios más antiguos de España, fue fundado en 1950 por el maestro Jesús García-Bernalt, quien lo dirigió hasta 1990. A lo largo de su dilatada vida ha desarrollado una intensa actividad concertística, que le ha llevado a la práctica totalidad de España y Portugal, así como a buena parte de Europa, recibiendo numerosas distinciones y premios. Asimismo ha grabado programas para radios y televisiones españolas, portuguesas, francesas, mexicanas, alemanas, japonesas, etc. Por otro lado, desarrolla una intensa actividad en el ámbito salmantino, participando además en todos los actos solemnes de la Universidad, lo que lo ha convertido en un elemento fundamental del ceremonial de esta institución.
El repertorio del Coro Universitario es uno de sus elementos característicos. Si bien ha abordado polifonía desde el renacimiento hasta nuestros días, su trabajo fundamental se centra en la música de los últimos cien años, montando constantemente nuevos programas, explorando repertorios muy poco conocidos y dedicando especial atención a la música española e hispanoamericana. Entre los centenares de programas ofrecidos pueden mencionarse la cantata Música para un Códice Salmantino, de Joaquín Rodrigo, las Vísperas de S. Rachmaninov, los Catulli Carmina y los Carmina Burana de Orff, el Requiem de M. Duruflè, el oratorio Crucifixion de Sir John Stainer, la colección Swinging Christmas de T. Gabriel, el Bestiari de Manuel Oltra, o los conciertos dedicados a la música infantil española o a la desconocida generación de compositores españoles del “Motu proprio”. Asimismo, ha hecho una intensa labor de difusión de la música salmantina, interpretando numerosas obras de compositores como Gerardo Gombau, Dámaso Ledesma o Bernardo García-Bernalt Huertos entre otros.
Entre sus trabajos de los últimos cinco años están el salmo sinfónico El Rey David de Arthur Honegger (2004), el Requiem de John Rutter (2005), la Misa en Re Mayor de Dvorak, (Biberach, Alemania 2006), la suite L’homme armée de Karl Jenkins, estrenada en Salamanca en mayo de 2007, los ciclos Five mystical songs de Vaugham Williams (Catedral de Valladolid 2008) e Indianas de Carlos Guastavino (Salamanca 2008) o el Missa Katharina y Cantica Sancto Benedicto de J. de Haan (abril de 2011).
El coro ha colaborado con grupos como la Orquesta de RTVE, el Ensemble del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, o la Joven Banda sinfónica de Castilla y León, siendo dirigida por músicos como Odón Alonso, Ralf Klotz, Rudolf Dangel o Johann Mösenbichler. Desde 1990 su director titular es Bernardo García-Bernalt quien, asimismo, dirige la Academia de Música Antigua y el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca.
Programa
Polifonía religiosa
- Jubilate Deo - Lászlo Hálmos (1909-1907)
- Vexilla Regis (1935) - A. Catalá (1891-1978)
- In monte Oliveti - J. I. Prieto (1900-1980)
- Joseph filii David (1999) - J. Busto (1949-)
- Puer natus in Bethlehem (2005) - J. Domínguez (1965-)
- Aleluya (1986) - E. Solé (1956-)
- Sit down, sister - arm. Josly
Música y poesía
- Eco (1965) - F. G. Lorca/M. Oltra (1922-)
- Nocturno de la ventana - F. G. Lorca (1898.1936)/E. Solé
- Nerea izango zen - M. Laboa (1934-2008) /J. Busto (1949- )
- Serenata para la tierra de uno (1971) - M. E. Walsh(1930-2011) /L. Cangiano (1951-1997)
Así cantan los chicos - J. Guridi (1886-1961)
(Tres escenas infantiles)
- Molto moderato
- Andante con moto
- Allegro giusto
Tres canciones de cuna
- Balulalow - Richard Allain (1983)
- Guli, guli (1993) - Janis Lucens/Frank Hermans
- Esti dal (1938) - Zoltán Kodály
¿Hablar?… ¡Cantar!
- Quando conveniunt - C. Orff (1895-1892)
- Geographical fugue - Ernst Toch (1887-1964)
Piano: Esther Diego
Director: Bernardo García-Bernalt
Calamandrei, "Cuatro corazones con freno y marcha atrás"
Muestra de Artes Escénicas Universitarias
Abril - Mayo 2011
Viernes 29 de abril - Teatro
Calamandrei
Cuatro corazones con freno y marcha atrás de Jardiel Poncela.
Dirección: Federico Bueno de Mata
REPARTO:
Emiliano Piñón Paredes
Hortensia Inés Blanco Hernández
Doctor Bremón Angel Valdunciel
Valentina Seila Sánchez Gil
Ricardo J.Ignacio Leo Castela
Corujedo Vladeimir Blahá
Margarita y Luisa Victoria Petrychenko
Adela, Meighan y Florencia Laura Vegas López
Juana Almudena Gallardo Rodríguez
María y Heliodoro Marion Koechlin
Elisa María Gómez Santos
José y Federico Fernando Melero
Fernando Amador Fernández Nieto
Sinopsis
Cuatro corazones con freno y marcha atrás es una tragicomedia que se enmarca dentro del denominado “teatro del absurdo” en el que se plantea el tema de la inmortalidad. Todo gira entorno al invento del Doctor Bremón, inventor de unas sales que paralizan la edad de quien las beba – corazón con freno-; las cuales son ingeridas por cinco personajes. Tras ingerir el elixir de la eterna juventud, los protagonistas cree haber encontrado la solución a todos sus problemas y haber alcanzado la felicidad absoluta. Sin embargo, lo que parece ser algo maravilloso se convierte en una existencia insoportable que los sumirá en la desesperación y el tedio.
Este hastio emocional les llevará a exiliarse a una isla desierta sumidos en el aburrimiento. Todo lo anterior se soluciona gracias a un nuevo invento que les permite cumplir años hacia atrás y concluir la vida en el nacimiento.
Cuatro de los personajes aceptan una segunda pócima pero, en un momento determinado coinciden en edad con sus nietos, con los que comparte flirteos y equívocos generacionales.
Jardiel basa su concepto del humor en el encadenamiento de situaciones inverosímiles, a partir de una situación inicial de iguales características, realizado, no obstante, con lógica rigurosa y en la dosificación de chistes lingüísticos y comicidad de las situaciones. El resultado es un humor de raíz intelectual, abstracto, cuyo principal elemento es el absurdo lógico.
Big Band
Domingo 8 de mayo. 20,30 horas.
Auditorio Hospedería Fonseca
Entrada libre hasta completar el aforo
Big Band de la Universidad de Salamanca
La Big Band Universidad de Salamanca ofrecerá un nuevo concierto el próximo 2 de marzo. Como en ocasiones anteriores, en él se abordará un repertorio que cruza desde el bebop o el funcky al latin jazz, pasando por temas y estilos propios las swing o las hot bands.
La Big Band Universidad de Salamanca comenzó su andadura como orquesta de jazz en el año 2000. En la actualidad está compuesta aproximadamente por unos veinte músicos reclutados de entre alumnos y profesores de la propia Universidad y Conservatorios de Música de la ciudad. Son numerosos los músicos del panorama del jazz español e internacional los que han contribuido al enriquecimiento musical de este grupo entre los que cabe mecionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgina, German Kucich, Iñaki Sandoval, Miguel A. Blanco o Iñaki Askunze.
Big Band
Miércoles 2 de marzo. 20,30 horas.
Auditorio Hospedería Fonseca
Entrada libre hasta completar el aforo
Big Band de la Universidad de Salamanca
La Big Band Universidad de Salamanca ofrecerá un nuevo concierto el próximo 2 de marzo. Como en ocasiones anteriores, en él se abordará un repertorio que cruza desde el bebop o el funcky al latin jazz, pasando por temas y estilos propios las swing o las hot bands.
La Big Band Universidad de Salamanca comenzó su andadura como orquesta de jazz en el año 2000. En la actualidad está compuesta aproximadamente por unos veinte músicos reclutados de entre alumnos y profesores de la propia Universidad y Conservatorios de Música de la ciudad. Son numerosos los músicos del panorama del jazz español e internacional los que han contribuido al enriquecimiento musical de este grupo entre los que cabe mecionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgina, German Kucich, Iñaki Sandoval, Miguel A. Blanco o Iñaki Askunze.
Astrud
Astrud
Sábado 19 de febrero 22:00 horas
Auditorio de Fonseca
Entrada libre
En el álbum lo nuevo Manolo y Genís se redefinen y se replantean, juegan a los espejos y a las formas (otro “Cambio de forma”), y dan un salto al abismo musical acompañándose del conjunto instrumental COL·LECTIU BROSSA para revisar muchos de sus temas más conocidos, con la ayuda de violín, chelo, vibráfono, acordeón y zanfona, y por supuesto, de la voz de Manolo y el sintetizador de Genís.
Manolo Martinez Merino voz
Genis Segarra Rubies sintetizador y voz
Gregori Ferrer Olagorta acordeón
Marc Casas Castañé marimba, vibráfono
Aleix Puig Caminal violín
Adrià Grandia Moreno zanfona
Oleguer Aymamí Busqué cello
Para mas información
Alba Guerrero
Concierto de Flamenco
Auditorio de la Hospederia Fonseca 20,00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
Cantaora: Alba Guerrero,
A la guitarra: Paco Garfia
Auditorio de la Hospederia Fonseca, Salamanca.
Alba Guerrero estrena 7 días. Un espectáculo de cante flamenco basado en los nombres de los días de la semana. La procedencia de estos nombres nos remite a la Astrología y a la Mitología; con esta base como hilo conductor, se forja un espectáculo donde cada día está relacionado con un cante y con un palo.
El lunes Día de la luna corresponde a la canción Corre caballito por abandolaos.El Día de Marte -Dios de la guerra- tocaremos lraq por soleá;el Día de Mercurio o Hermes -el mensajero de los dioses- cantaremos La pierecita por tangos.El Día de Júpiter, o Zeus-padre, será para los Fandangos de Huelva por ser la tierra de mis progenitores;el Día de Venus le cantaré al amor por milonga,el Día de Satumo -Cronos- Dios del Tiempo, tocaremos por seguiriyas investigando la relación entre los doce tiempos y los cinco pulsos en este palo; finalmente el Día del Sol cantaremos todos por cantiñas y por bulerías para festejar
Sr. Chinarro
TEATRO JUAN DEL ENZINA
Música
Jueves, 10 de noviembre
Teatro Juan del Enzina
22.00 h
7 €
Formación
Antonio Luque
Javi Vega bajos eléctricos
Jordi Gil guitarras, ukelele, percusión
Pablo Cabra batería
Antonio Luque/Sr Chinarro se ha convertido en un icono que ha trascendido a la escena independiente en la que se formó.
A su incontestable carrera como grupo le avalan 10 discos que le han reservado un lugar de honor en los libros de historia del pop español.
Estos discos, a su vez, le han reconocido como letrista influyente. Su prosa, plagada de costumbrismo y de folclore, se ha publicado en libros (a punto el segundo), periódicos, revistas y blogs, y ha tenido parte de culpa de la popular reivindicación del castellano en los nuevos grupos de pop.
Sr Chinarro es mordaz, rotundo y crítico, y por ello se le señala como portavoz de su generación. A falta de candidatos, ¡Sr Chinarro Presidente!
Presidente es el 11.º disco de Sr Chinarro, el disco menos introspectivo de Antonio Luque, el más directo y luminoso que ha grabado hasta el momento.
Artista invitado
La familia del árbol
Nacho Casado y Pilar Guillén son la parte visible de un grupo que nace desde la más absoluta intimidad. Las canciones, creadas con mimo en el salón de una casa de Elche, evocan tiempos pasados, mágicos y perfectos: aquí están el folk acústico y británico de Nick Drake o Donovan y la Costa Oeste de Brian Wilson pero en un castellano que lo atrae al presente. En él, Stuart Murdoch, Iron & Wine , Fleet Foxes y Los Brincos han digerido todo esto y lo han compartido con nuestro grupo. Y entonces ¿la magia sigue ahí? ¡Ni lo dudes!
Pepe Rivero Trío, "Los boleros de Chopín"
Teatro Juan del Enzina
Música/Jazz
Jueves, 24 de noviembre de 2011
Teatro Juan del Enzina
7 €
PEPE RIVERO
Los boleros de Chopin
Formación
Pepe Rivero piano
Toño Miguel contrabajo
Georvis Pico batería
El pianista y compositor Pepe Rivero forma parte de una nueva generación de músicos cubanos que ha irrumpido con fuerza en la escena internacional del jazz. Completó sus estudios de piano en La Habana, dentro de una formación clásica, para que luego su vocación lo condujera al jazz.
Pepe ha viajado liderando varias bandas cubanas de jazz a festivales como los de Montreal, Tokio, Puerto Rico, México, Washington, New Haven y Nueva York. En Nueva York conoció a Paquito D’Rivera y a Celia Cruz, y ambos se convencieron de inmediato de que habían descubierto un diamante en bruto.
Pepe Rivero posee la virtud de extrapolar un ritmo y en torno a él articular un nuevo cuerpo, engendrando una estructura sonora diferenciada que le da pie para nuevas variaciones. En esta llínea de actuación, y acompañado por Toño Miguel al contrabajo y Georvis Pico a la batería, no duda en revisar el repertorio de Chopin e interpretar sus valses, preludios o nocturnos en clave de jazz. El resultado no puede ser más sorprendente.
La música que Pepe Rivero compone y toca es auténtico jazz latino, expresando sus raíces cubanas en cada composición.
Stabat Mater, 4 de octubre de 2011
Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca
El Stabat Mater de Pergolesi
Concertino Director: Pedro Gandia
Soprano: Raquel Andueza
Alto: Marta Infante
Auditorio Fonseca
Martes 4 de octubre 20,30 horas
ENTRADA con INVITACION
las invitaciones pueden recogerse en la conserjería de la Hospedería Fonseca, de lunes a viernes, de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas
El Stabat Mater del inmortal Juan Bautista Pergolesi […] se puede comparar tanto en mérito como en la celebridad con la Eneida de Virgilio, pues quantas más veces se oye, tanto más sorprende y arrebata. […] No acabaría jamás si quisiesse notar una por una todas las pinceladas con que el divino Rafael de la Música pinta en esta composición el corazón más tierno y afligido. […] El que no la reconoce superior en mucho a la Música que ordinariamente se oye, ciertamente no tiene ni un átomo de aquella divina luz que hace distintuir al genio creador de un espíritu trivial.
Antonio Eximeno. Dell’origine e dele regole della Musica. (Roma 1774)
El Stabat Mater de Pergolesi
Domenico Scarlatti (1685-1757) Sinfonia en Do Mayor
Presto
Adagio
Allegrissimo
Alessandro Scarlatti (1660-1725) Concerto grosso en Fa menor nº 1
Grave
Allegro
Largo
Allemanda (Allegro)
Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Stabat Mater dolorosa para soprano, alto, cuerdas y b.c.
1. Stabat Mater dolorosa –
2. Cuius animam gementm
3. O quam tristis et afflicta –
4. Quis est homo qui non fleret –
5. Pro peccatis suae gentis –
6. Eja mater fons amoris –
7. Sancta mater, istud agas –
8. Fac me vere tecum flere –
9. Virgo virginum praeclara –
10. Fac me plagis vulnerari –
11. Fac me cruce custodiri – Amen
Concertino Director: Pedro Gandia
Soprano: Raquel Andueza
Alto: Marta Infante
VIOLINES I
Pedro Gandía
Karolina Michalska
Asumpta Pons Casas
Maria Ruano
Abel Gonzales
VIOLINES II
Kepa Artetxe
Ernesto Galván
Joseph Martínez
Patricia González
VIOLA
Sandra Melero
Antonio Peinado
CHELOS
Itziar Atutxa
Manuel de Moya
CONTRABAJO
Vega Montero
CLAVE/ORGANO
Alfonso Sebastián
Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca
Fundada en 1990, la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca es la primera orquesta de cuerda española que se crea en la corriente de interpretación musical histórica. Como consecuencia de su acercamiento al repertorio barroco y del primer clasicismo desde la óptica de los instrumentos y técnicas originales, la orquesta se ha convertido en la pieza fundamental de un proyecto global de especialización en música antigua que cristalizó en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca.
Ha sido dirigida por especialistas como Wim ten Have, Jacques Ogg, Eduardo López Banzo, Sigiswald y Wieland Kuijken, Federico M. Sardelli, Emilio Moreno, Andrea Marcon, Kenneth Weiss o Pedro Gandía. Además ha colaborado con agrupaciones como la Capilla Peñaflorida o el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, así como con numerosos solistas vocales e instrumentales.
Ha dado numerosos conciertos en buena parte de España, Italia, Alemania y Gran Bretaña, participando en festivales y ciclos como los Siglos de Oro, el Festival de Peñíscola, el Festival de Almagro, etc. Cuenta en su haber con diversos “reestrenos” de obras del xvii y xviii, entre los que se puede señalar el Salmo 51 de J. S. Bach, la versión de concierto de la ópera Narciso, de Domenico Scarlatti, o la ópera Don Quijote en Sierra Morena de Francesco Bartolomeo Conti. En el ámbito de la música española, ha realizado un importante trabajo de recuperación de patrimonio, con conciertos dedicados a los Villancicos a Nuestra Señora del Monte, a obras de los archivos de la catedral y Universidad de Salamanca o diversos programas sobre la tonadilla escénica de finales del xviii y principios del xix, etc.
En los últimos años, y bajo la dirección de Pedro Gandía, ha abordado multitud de programas que recorren desde los concerti grossi de Corelli o Muffat hasta el motete In furore de Vivaldi, pasando por programas centrados en Biber, Bach, Rebel, Haendel, etc.
La orquesta ha realizado diversas grabaciones para Radio Nacional de España (Radio Clásica) y editado dos cedés con el sello Verso.
TEXTOS
1. Stabat mater dolorosa
juxta Crucem lacrimosa,
dum pendebat Filius.
1. Estaba la Madre dolorosa
llorosa, junto a la Cruz
de donde pendía su Hijo.
2. Cuius animam gementem,
contristatam et dolentem,
pertransivit gladius.
2. Su alma gimiedo,
llena de tristeza y dolor,
atravesada por una espada.
3. O quam tristis et afflicta
fuit illa benedicta
Mater Unigeniti.
3. ¡Oh, qué triste y afligida
estuvo aquella bendita
madre del Unigénito!
4. Quae moerebat et dolebat,
et tremebat dum videbat
Nati poenas incliti.
4. Se afligía y sufría
y se estremecía al ver
las penas de su divino Hijo.
5. Quis est homo qui non fleret,
Matrem Christi si videret
in tanto supplicio?
Quis non posset contristari,
Christi Matrem contemplari
dolentem cum Filio?
Pro peccatis suae gentis
vidit Jesum in tormentis
et flagellis subditum.
5. ¿Qué hombre no lloraría
si viera a la madre de Cristo
sufirnedo de tal manera?
¿Quién no se entristecería
al ver a la madre de Cristo
sufir con su hijo?
Por los pecados de su pueblo
vio a Jesús sometido
al tormento y al látigo.
6. Vidit suum dulcem natum
morientem, desolatum,
dum emisit spiritum.
6. Vio a su dulce Hijo
muriendo, desolado
al entregar su espíritu.
7. Eia Mater, fons amoris,
me sentire vim doloris
fac, ut tecum lugeam.
7. Madre, fuente de amor,
hazme sentir tu dolor,
para llorar contigo.
8. Fac ut ardeat cor meum
in amando Christum Deum,
ut sibi complaceam.
8. Haz que mi corazón arda
en el amor de mi Dios
y en cumplir su voluntad.
9. Sancta mater, istud agas,
crucifixi fige plagas
cordi meo valide.
Tui nati vulnerati,
tam dignati pro me pati,
poenas mecum divide.
Fac me vere tecum flere
crucifixo condolere,
donec ego vixero.
Iuxta crucem tecum stare,
et me tibi sociare
in planctu desidero.
Virgo virginum praeclara,
mihi iam non sis amara:
fac me tecum plangere.
9. Santa Madre, yo te ruego
que me traspases las llagas
del Crucificado en el corazón.
De tu Hijo malherido
que por mí tanto sufrió
reparte conmigo las penas.
Hazme compartir tus lágrimas,
llorar al crucificado,
mientras yo viva.
Quiero estar junto a la Cruz contigo,
y unirme a ti
en el llanto.
Virgen entre vírgenes,
no seas severa conmigo,
déjame llorar contigo.
10. Fac ut portem Christi mortem,
passionis fac consortem,
et plagas recolere.
Fac me plagis vulnerari,
cruce hac inebriari
ob amorem Filii.
10. Haz que llore la muerte de Cristo,
hazme partícipe de su pasión,
haz que venere sus heridas.
Haz que me hieran sus llagas,
haz que con la Cruz me embriague
de amor a tu hijo.
11. Inflammatus et ascensus
per te Virgo, sim defensus
in die judicii.
Fac me cruce custodiri
morte Christi praemuniri
confoveri gratia.
11. Para que no me queme en las llamas,
defiéndeme tú, Virgen santa,
en el día del juicio.
Haz que la cruz me salvaguarde,
que la muerte de Cristo me defienda
y la gracia me conforte.
12. Quando corpus morietur,
fac ut animae donetur
Paradisi gloria. Amen.
12. Y cuando mi cuerpo muera,
haz que a mi alma le sea dada
la gloria del Paraíso. Amén.
"Le Grand Macabre"
Hospederia Fonseca
Opera
György Ligeti: Le Grand Macabre
Lunes, 28 de noviembre
19:45h Inicio clase previa Liceu
- 20:15h Inicio “Le Grand Macabre” Acto I (50min)
- 21:05h Entreacto (15min) (molinillo)
- 21:20h Acto II (70min)
Ficha artística
Dirección musical: Michael Boeder
Dirección de escena: Àlex Ollé
(La Fura dels Baus) y Valentina
Carrasco
Escenografía: Alfons Flores
Vídeo: Franc Aleu
Vestuario: Lluc Castells
Iluminación: Peter van Praet
Nueva coproducción: Gran Teatre
del Liceu / Théâtre Royal
de La Monnaie (Brussel·les) /
Opera di Roma / English National
Opera (Londres)
Jefe de policía (Gepopo) / Venus: Barbara Hannigan
Amanda (Clitoria): Ana Puche
Amando (Spermando): Inés Moraleda
Príncipe Go-Go: Brian Asawa
Mescalina: Ning Liang
Piet the Pot (Piet vom Fass): Chris Merritt
Nekrotzar: Werner Van Mecheler
Astradamors: Frode Olsen
Ruffi ack: Gabriel Diap
Schobiack: Miquel Rosales
Schabernack: Ramon Grau
El ministro blanco: Francisco Vas
El ministro negro: Martin Winkler
Le Grand Macabre es la muerte, pero no nuestra muerte particular, sino una muerte colectiva: la del fi n del mundo. Este tema –el del fi n del mundo– ha atraído a muchos pintores y muchos escritores desde la Edad Media hasta nuestros días porque, seguramente, es una imagen que expresa dos sentimientos universales que nos impresionan: el de la ley suprema de la muerte que a todos nos iguala –poderosos y humildes– y el de la amenazadora proximidad de un gran desastre que va a engullirlo todo. En los momentos de grandes crisis sociales, el segundo es el sentimiento preferente. Y el modo en que el arte suele expresarlo es mostrando gente de
muy diversa edad y condición, abocada al desconcierto, la crueldad o el hedonismo. Estos son los sentimientos que veremos expresados en Le Grand Macabre, la ópera (1978) de György Ligeti basada en la «farsa» La ballade du grand macabre (1934) de Michel de Ghelderode que, como obra de teatro, se había estrenado en Barcelona en 1972.
La acción de la ópera se sitúa en el llamado Principado de Breughelland, es decir, en el “país de Brueghel” en honor del pintor de El triunfo de la muerte (1562) que se conserva en el Museo del Prado. En Breughelland existe una amplia y contrastada gama de personajes: una pareja de enamorados –Amando y Amanda– y una pareja de sadomasoquistas –el astrólogo Astradamors y su esposa Mescalina; un hombre marginal –Piet, un borracho– y los hombres más poderosos del principado –el príncipe Go-Go, el ministro blanco, el ministro negro y el jefe de la policía secreta– enredados en discusiones inútiles y elusivas ante una revuelta popular. Por encima de todos ellos se encuentra, sin embargo, Nekrotzar –el Gran Macabro– que les amenaza con el fi n del
mundo. La imagen de la humanidad que se desprende de este retablo es nihilista, vulgar y sórdida, potenciada por un singular y grotesco sentido del humor. Por eso, ante la muerte, los habitantes de Breughelland sólo saben responder con la frase que cierra la ópera: «¡No temáis a la muerte, oh, buena gente! / Ya vendrá cuando sea, mas no hoy./ Y cuando venga, habrá venido.../ ¡Larga vida y todos contentos!».
La música es un brillante collage de estilos con la orquesta ampliada por insólitos instrumentos (cláxones, armónica cromática, el sonido de un teléfono, mandolina, etc.) con alternancia de pasajes agresivos, salvajes y líricos que Ligeti ha sintetizado así: «Mi ópera evoca un mundo musical poblado de ruidos, medio real, medio irreal. Un desordenado mundo en vías de desintegrarse, donde todo se hunde».
Con esta producción del Gran Teatre del Liceu, el Théâtre de La Monnaie de Bruselas, la Opera di Roma y la English National Opera de Londres, Le Grand Macabre se estrena en España.
Le Grand Macabre, ópera del compositor húngaro György Ligeti estrenada en
Estocolmo en 1978, que ha obtenido un lugar muy estimable en el repertorio lírico
contemporáneo, se basa en la pieza teatral La ballade du grand macabre (1934) de
Michel de Ghelderode. La obra de este autor flamenco de expresión francesa está muy
influida por su gusto por la pantomima y los títeres y también por el teatro de la
crueldad de Antonin Artaud. Inspirada en las danzas de la muerte medievales y en la
pintura flamenca de Pieter Brueghel y El Bosco, fue convertida por Michael Meschke,
nacido en Danzig y afincado en Suecia, fundador del teatro de títeres de Estocolmo, y
por el propio Ligeti, en una brillante y exuberante pieza de teatro del absurdo, con
influencias de Alfred Jarry y una gran carga irónica y grotesca, centrada en el fin del
mundo, con personajes próximos al grand guignol, y que el compositor califica de
«apocalipsis cómica», donde las risas son el único conjuro ante el miedo que produce
la muerte.
La música es un brillante collage de estilos (de Monteverdi a Wagner y Verdi, pasando
por Beethoven y el mundo del jazz) con la orquesta ampliada por instrumentos
insólitos (cláxones y otros elementos de percusión) y alternancia de pasajes agresivos
y salvajes y líricos.
Desde su estreno, que fue un gran éxito, cuenta con numerosas producciones en los
principales teatros de ópera de todo el mundo, y en especial con gran repercusión la
de Salzburgo bajo la dirección de Peter Sellars (1997). La famosa compañía catalana
La Fura dels Baus, que goza de una importante presencia internacional, firma la última
producción, estrenada en Bruselas y Londres en 2009 con mucho éxito, y que
presenta hoy el Liceu. En colaboración con Valentina Carrasco, ha elaborado una
puesta en escena a partir de la gran metáfora que es el cuerpo humano, con una gran
figura que preside la escena y a partir de sus curvas y orificios propone un nuevo
ámbito para la dramaturgia, en una puesta en escena singular para una ópera singular.
Resumen argumental
Le Grand Macabre, ópera en cuatro cuadros de György Ligeti, se estrenó en
Estocolmo en 1978, en lengua sueca y muy pronto en Hamburgo en alemán. Se ha
representado con frecuencia en francés y en inglés (lengua de la producción que
ofrece el Liceu). La acción se sitúa en el Principado de Breughelland, país imaginario
cuyo nombre significa País de Breughel, con referencia al gran pintor flamenco Pieter
Brueghel el Viejo (1525-1569), autor del impresionante Triunfo de la muerte (hacia
1562), conservado en el Museo del Prado.
Cuadro I
En un viejo y fantástico cementerio en ruinas, se nos presentan Piet vom Fass,
borracho que alterna el Dies irea con el elogio del vino; Amando y Amanda,
pareja de jóvenes enamorados, de gran belleza, que buscan un lugar para
consumar su exaltado amor, y Nekrotzar, el Gran Macabro, que da título a la
ópera.
Nekrotzar, salido de una gran tumba, insulta a Piet, muerto de miedo,
anunciándole que va a morir muy pronto, cuando se presente la Muerte montada
en un lívido caballo, y que en el mundo solo quedarán cenizas, además de
ordenarle que le dé los instrumentos necesarios para su trabajo: la guadaña, la
trompeta y la capa.
Los dos amantes deciden esconderse en la tumba de la que sale Piet. Nekrotzar
se envuelve con la capa, toma la guadaña y monta sobre Piet como caballo.
Anuncia el fin de los tiempos y sale trotando mientras oímos las amorosas
palabras de los amantes desde la tumba.
La acción tiene lugar en un viejo y fantástico cementerio en ruinas, con un gran
mausoleo. El primer personaje que aparece es Piet vom Fass, tenor buffo muy
corpulento, siempre borracho, que alterna el Dies irae con el elogio del vino. Se
presentan después Amando y Amanda, dos jóvenes enamorados, de gran belleza –
parecen surgidos de una pintura de Boticelli– que buscan un lugar tranquilo para
consumar su exaltado amor. Del interior de una tumba sale la voz diabólica de
Nekrotzar –el Gran Macabro que da título a la ópera– que comienza a anunciar el fin
del mundo que ha de producirse la próxima noche. Los amantes regresan con un
crescendo de su deseo amoroso que Piet contempla con burla y lascivia y que
Nekrotzar insulta desde fuera. Amando golpea a Piet con su daga y la pareja sale
buscando un lugar oculto, donde no sean molestados.
Nekrotzar sale de la tumba: es un personaje cruel, alto y delgado, una representación
de la muerte con enorme capacidad verbal y rasgos de charlatán. Insulta duramente a
Piet que, muerto de miedo, se presenta como catador de vinos, lo adula y le suplica
piedad. Las palabras del macabro son claras –morirá y lo hará muy pronto, a
medianoche, al presentarse la Muerte montada en un lívido caballo que acarrea el
infierno, y en el mundo solo quedarán cenizas–, palabras que corrobora un coro de
espíritus. Ordena a Piet que le traiga de la tumba de donde acaba de salir los
instrumentos necesarios para el trabajo que lleva a cabo cada noche –guadaña,
trompeta y capa–, cumpliéndolo de inmediato el borracho.
Al salir de la tumba choca con los amantes, que siguen buscando un refugio y se
deciden finalmente por la tumba de donde sale Piet, donde se esconden. Nekrotzar se
cubre con la capa, coge la guadaña y monta sobre Piet, al que convierte en su caballo.
A pesar de las súplicas, protestas e insultos de Piet, se declara actor del gran teatro
del mundo y ejecutor de la voluntad del Altísimo de segar a ciegas a buenos y malos,
mientras se oye de nuevo el coro de los espíritus. Nekrotzar anuncia el fin de los
tiempos y la extinción del mundo y sale trotando encima de Piet mientras escuchamos
las líricas y amorosas palabras de Amando y Amanda desde la tumba.
Cuadro II
En la casa del astrólogo de la corte, Astradamors, presidida por un telescopio,
Mescalina, su mujer, protagoniza con su marido una escena sadomasoquista.
Cuando cree que puede estar muerto y, por tanto, no va a cumplir su función,
coge una araña grande y asquerosa que despierta al aterrorizado marido, escena
que finaliza con una danza grotesca y grandes insultos.
Mescalina envía a su marido al telescopio, bebe vino abundante y evoca a
Venus, a la que suplica una noche de lujuria. Aparece Nekrotzar cabalgando a
Piet, y los tres hombres observan a Mescalina, a la que se le aparece en sueños
a Venus, y le reclama un hombre bien dotado. Nekrotzar se encarga de
satisfacerla y se produce una violenta escena amorosa en la que finalmente el
macabro la muerde en el cuello como un vampiro, y ella cae al suelo
envenenada.
El Gran Macabro da paso a la luz de un cometa que deslumbra a Piet y
Astradamors y se inicia una larga diatriba contra la humanidad a la que amenaza
con una muerte y destrucción inmediatas antes de volver a montar sobre Piet
para dirigirse a la ciudad donde se encuentra el palacio del príncipe.
La trama sucede en la casa del astrólogo de la corte, Astradamors, presidida por un
telescopio, donde se mezclan herramientas e instrumentos propios de la astrología,
así como herramientas domésticas, en un gran desorden, suciedad y abandono.
Mescalina, la mujer de Astradamors, gorda y ordinaria, protagoniza con su marido una
escena sadomasoquista en la que lo castiga con unos látigos ante su rendido
agradecimiento, consiguiendo que se desvanezca. Mescalina cree que puede estar
muerto y por tanto no podrá cumplir su función a la que está acostumbrada; saca una
araña grande y asquerosa que despierta al aterrorizado Astradamors y que intenta
hacérsela comer, escena que finaliza con una danza grotesca y grandes insultos entre
la pareja.
Mescalina envía finalmente a su marido al trabajo –mirar las estrellas– y éste se viste
con la túnica y sombrero de astrólogo y se encarama al telescopio. Ella bebe vino en
abundancia y evoca, entre las estrellas que contempla Asatradamors, a Venus,
protectora del amor, y le pide una noche de lujuria ante la irritación del astrónomo, que
desearía matarla. Aparece de pronto Nekrotzar cabalgando sobre Piet, y los tres
hombres observan a Mescalina, a quien Venus se le aparece en sueños. Se lamenta
amargamente de los dos hombres que le había asignado, pues la han engañado, y
ardorosa le reclama un hombre, aunque sea patizambo o jorobado, pero bien dotado.
Nekrotzar es el encargado de satisfacer a Mescalina y se produce una violenta escena
amorosa coreada por los presentes que la sumerge en un estado de tránsito. Pero al
final el macabro le muerde el cuello, como un vampiro, cayendo ella al suelo
envenenada con gran satisfacción de Astradamors, que la deja en la tumba con la
ayuda de Piet.
Libres ya de la mujer, el Gran Macabro abre paso a la luz de un cometa que
deslumbra a Piet y a Astradamors y da inicio una larga diatriba contra la humanidad, a
la que amenaza con una muerte y destrucción inmediatas, una exterminación por
veneno, la peste y un mar de fuego, jaleado por los otros dos hombres. Finalmente,
vuelve a montar sobre Piet para dirigirse a la ciudad donde se encuentra el palacio del
príncipe. Antes de marchar, el astrólogo, que los acompaña, destruye todas sus
herramientas.
Cuadro III
En el palacio del príncipe Go-go de Breughelland, el Ministro Blanco y el Ministro
Negro escenifican una grotesca pelea, con teatrales dimisiones y
reconciliaciones. Go-go, personaje obeso e infantiloide, no consigue dominar la
situación y los ministros le obligan a practicar una ridícula clase de equitación
sobre un caballo de balancín y rasgan entre grandes risotadas la constitución.
Aparece una mesa llena de manjares ante el trono, a la cual el príncipe se lanza
hambriento. Los ministros quieren obligarlo a firmar un decreto con
descomunales impuestos. Entra el jefe de la policía secreta, la Gepopo, sobre
unos patines, acompañado de sus secuaces –verdugos, detectives, agentes– y
conversa de forma inconexa con Go-go intentando descifrar códigos secretos.
El pueblo de Breughelland, revolucionado, se presenta ante el palacio. Los
ministros intentan calmar el tumulto y reciben silbidos y objetos para gran
satisfacción de Go-go. Se dirige él al pueblo y es aclamado por la multitud. El
jefe de la Gepopo, disfrazado ahora de araña, parece descifrar el código y
anuncia grandes desastres: se aproxima un amenazador cometa rojo que indica
una catástrofe y los dos ministros huyen como ratas.
Un segundo mensaje indica la llegada inminente de Nekrotzar. El jefe y sus
secuaces huyen llenos de pánico, Go-go intenta mantener cierta dignidad, entra
Astradamors, con el sudario y bailando una danza grotesca. El estrépito de las
sirenas llena de espanto a Go-go, que se esconde bajo la mesa.
Nekrotzar hace una espectacular entrada a caballo sobre Piet y queda inmóvil,
como en tránsito. Les dice que ha llegado el día de la ira y anuncia el Juicio
Final, con los siete ángeles y el fuego abrasador. Piet y Astradamors no parecen
muy afectados; comen y beben y ofrecen vino al príncipe y a Nekrotzar. Éste se
convence de que el vino es sangre humana, los vasos se vacían y todos se
muestran más y más borrachos y excitados. Cuando se aproxima la
medianoche, Nekrotzar comprende que debe actuar de inmediato; busca
desesperadamente la guadaña, la trompeta y el caballo, y con visionaria actitud
invoca la desaparición del sol. La aparición del cometa parece marcar el fin de
los tiempos y todo queda a oscuras mientras Nekrotzar cae del caballo y el coro
femenino canta «Consumatum est!».
En el palacio del príncipe Go-go de Breughelland, sus dos ministros –el Ministro
Blanco y el Ministro Negro– escenifican una pelea repleta de insultos procaces y
rebuscados, con una coreografía grotesca y golpes y mamporros. Pronuncian una
teatral dimisión y una no menos teatral reconciliación cuando aparece Go-go,
personaje obeso e infantiloide que no domina en modo alguno la situación. Los
ministros obligan al príncipe a practicar una clase de equitación sobre un caballo de
balancín que mueven con gran espanto hasta que el príncipe cae y despedazan con
grandes risotadas el pergamino de la constitución. Luego utilizan el personaje como
saco de boxeo, le colocan una pesada corona y sigue el cruel maltrato.
Go-go está hambriento y aparece una gran mesa llena de manjares con criados,
situada ante el trono, a la que el príncipe se lanza mientras los ministros intentan
detenerle y mortificarle. Quieren obligarle a firmar un decreto con nuevos y
descomunales impuestos, situación que indigna al soberano, por lo que decide aceptar
su dimisión. Entra el jefe de la policía secreta, la Gepopo, sobre unos patines,
acompañado de sus secuaces –verdugos, detectives, agentes– y oímos el coro mixto
desde fuera de escena mientras el jefe de la Gepopo conversa de modo inconexo con
Go-go, intentando descifrar unos códigos secretos.
Fuera de escena se oyen los gritos del pueblo de Breughelland revolucionado, que se
presenta ante el palacio, y se distinguen alarmantes resplandores rojos. Los dos
ministros, el Blanco y el Negro, intentan en vano calmar el tumulto, con sendos
discursos incoherentes, afirmando sinsentidos, por lo que reciben silbidos y objetos
para gran satisfacción de Go-go, que los detesta. Los aparta, se dirige él al pueblo y
recibe aclamaciones de la multitud, situación que aprovecha para humillar una vez
más a los ministros. Aparece de nuevo el jefe de la Gepopo ahora disfrazado de
araña, con su séquito. Parece haber descifrado el código y anuncia grandes desastres:
el primero es la aproximación de un amenazador cometa rojo ante lo cual deben
tomarse medidas. Los ministros se disponen a intervenir, la actitud del jefe es negativa
y señala una catástrofe; los dos funcionarios huyen como ratas.
El segundo mensaje, ante el pueblo cada vez más aterrorizado, descifrado con juegos
de palabras y trabalenguas, indica la llegada inminente de Nekrotzar. El jefe y sus
secuaces huyen apabullados y Go-go intenta mantener cierta dignidad. Entra
Astradamors, con el sudario y bailando una danza grotesca, feliz por ser viudo
mientras abraza a Go-go, también feliz por la partida de los ministros. Pero el pueblo
les advierte de que el peligro se mantiene y pide ayuda hasta que el alarido de las
sirenas llena de espanto a Go-go, que se esconde bajo la mesa.
Astradamors se queda en pie, expectante, ante la grandiosa entrada de Nekrotzar con
guadaña y trompeta, a caballo sobre Piet, junto con el séquito infernal, y permanece
en medio de la sala del trono, inmóvil, como en tránsito. Les manifiesta la llegada del
día de la ira –Dies irae–, ante la desesperación de la gente y las nuevas amenazas de
Nekrotzar, que anuncia el Juicio Final, con los siete ángeles y las siete trompetas y el
fuego abrasador que calcinará los cuerpos de los hombres. Piet y Astradamors no
parecen tan afectados como el pueblo y deciden empezar a comer y beber en la mesa
de Go-go. Ofrecen vino al príncipe, escondido bajo la mesa, así como a Nekrotzar, con
grotescos y macabros brindis, quien finalmente abandona su hierática actitud y se les
une a beber convencido de que el vino es sangre humana. Los vasos se vacían y
llenan de forma casi mecánica. Nekrotzar, cada vez más borracho y excitado, recuerda
las muertes que ha llevado a cabo a lo largo de la historia de la humanidad invocando
a las erinias y los grandes personajes. Astradamors presenta Nekrotzar a Go-go y
aumentan los efectos de luces y ruidos que presagian la catástrofe, ya que se acerca
la hora, la medianoche.
Nekrotzar comprende que debe actuar de inmediato y busca con desespero la
guadaña y la trompeta y también el caballo, que le traen finalmente Go-go, Piet y
Astradamors. Le ayudan a montar y el Gran Macabro, con actitud visionaria, invoca la
desaparición del sol. La luna y las estrellas y la aparición del cometa parecen marcar
el fin de los tiempos y todo queda oscuro, mientras Nekrotzar cae del caballo y el coro
femenino, fuera de escena, canta «Consumatum est!».
Cuadro IV
Después de un interludio, la escena muestra de nuevo un paisaje de
Breughelland, donde flotan Piet y Astradamors soñando estar en el cielo.
Aparece Go-go, que cree ser el único vivo, pero aparecen tres rufianes con un
carro lleno como botín. Del fondo se levanta Nekrotzar, en un confuso estado
mental. Reconoce a Go-go y se sorprende porque creía haber destruido el
mundo entero.
De la cámara mortuoria sale Mescalina, con los látigos, persiguiéndolo e
insultándole hasta que intenta clavarle la lanza en el pecho. Go-go ordena a los
soldados que la detengan y la mujer reconoce en Nekrotzar a su primer marido.
Uno de los soldados trae a los dos ministros atados y se inician los insultos y
acusaciones entre Mescalina y ambos políticos. Go-go ordena a los soldados
que ataquen a Mescalina y los ministros y todos acaban por el suelo excepto
Nekrotzar. Entran Piet y Astradamors creyendo que todos han muerto y Go-go
les ofrece vino. Concluyen que si tienen sed es que están vivos, mientras el sol
sale lentamente. El macabro se va encogiendo, cada vez más y más pequeño
hasta casi desaparecer.
Astradamors, Piet y Go-go se preguntan si era la Muerte o un mortal como ellos;
cuestión que queda sin respuesta. Deciden volver a emborracharse y pronto
salen de la tumba Amando y Amanda abrazados, que bailan una graciosa
passacaille a la que se suman todos. Los jóvenes y bellos amantes entonan un
canto a la felicidad, no les importa morir ante tanto placer y se burlan de los que
temblaban ante el fin del mundo: «¡Solo importa el ahora y aquí!». Para quien se
ama, el tiempo se detiene y solo queda la eternidad. El coro entona las
hedonistas palabras finales: «No temáis la muerte, oh, buena gente! […] ¡Larga
vida y todos contentos!»
Tras un interludio que acompaña un imaginario y terrible Juicio Final, la escena
muestra de nuevo un paisaje de Breughelland similar al del primer cuadro, donde
flotan Piet y Astradamors soñando estar en el cielo, mientras se dan mutuamente el
pésame. Aparece Go-go, muy descuidado y desmelenado, que al no ver a nadie cree
ser el único superviviente, pero aparecen tres rufianes o soldados de fortuna con un
carro lleno como botín, con objetos robados y armas grotescas. Del fondo del carro se
levanta Nekrotzar, también desgreñado y resacoso, con un confuso estado mental.
Reconece a Go-go, que intenta recuperar su autoridad, y se sorprende porque creía
haber destruido el mundo entero.
Se acerca a la cámara mortuoria, saliendo de ella Mescalina, hecha una furia, con los
látigos, que se lanza contra él y lo persigue e insulta hasta agarrarlo e intentar clavarle
la lanza al pecho con un gran grito. Go-go ordena a los soldados que la detengan y la
arresten y la mujer se debate indignada al reconocer en Nekrotzar a su primer marido.
Uno de los soldados arrastra atados a los dos ministros y se inicia un intercambio de
insultos y acusaciones entre Mescalina y los políticos, que intentan congraciarse con
Go-go, situación que finaliza a mamporros. El príncipe ordena a los soldados atacar a
Mescalina y los ministros, golpeándoles estos con furia y también a Go-go. Nekrotzar
queda inmóvil y finalmente todos caen por el suelo.
Entran Piet y Astradamors pensando que todos están muertos, pero el príncipe Go-go
se levanta y les ofrece dos botellas de vino y se guarda una para él. Deciden que los
tres tienen mucha sed, lo que indica que están vivos. Nekrotzar repite «Ergo, estamos
vivos» mientras el sol sale lentamente. El macabro se va encogiendo y haciéndose
más y más pequeño hasta casi desaparecer cuando el sol brilla con esplendor en el
horizonte.
Astradamus, Piet y Go-go se preguntan si era la Muerte o un mortal como ellos,
pregunta que no obtiene respuesta. Deciden volver a emborracharse y pronto
escuchamos gritos eróticos desde el interior de la tumba. Salen Amando y Amanda
abrazados, desmelenados y alegres, y bailan una graciosa passacaille a la que se
suman primero los tres hombres y luego Mescalina, los ministros y rufianes. Los dos
jóvenes y bellos amantes entonan un canto a la felicidad por una unión tan
satisfactoria como la suya, no les importa morir ante tanto placer y se burlan de los
que temblaban ante el fin del mundo, en una actitud totalmente presentista: «¡Solo
importa el ahora y aquí!». Para quien se ama, el tiempo se detiene y solo queda la
eternidad. El coro entona las palabras hedonistas finales: «¡No temáis a la muerte, oh,
buena gente! / Ya llegará cuando sea, pero no hoy. / Y cuando llega, habrá llegado... /
¡Larga vida y todos contentos!»
Teresa Lloret
"La colmena científica (o el café de Negrín)"
TEATRO
Viernes, 28 de octubre ( solo Invitaciones)
Sábado, 29 octubre
Teatro Juan del Enzina
22.00 h 10 €
LA COLMENA CIENTÍFICA
(o El café de Negrín)
Texto: José Ramón Fernández
Dirección: Ernesto Caballero
Una coproducción de:
Centro Dramático Nacional y la Residencia de Estudiantes.
Con la colaboración de:
Teatro el Cruce y la Fundación Arte, Ciencia y Diálogo
Reparto:
José Luis Esteban José Moreno Villa
David Luque Juan Negrín
Lola Manzano Justa Freir
Paco Ochoa Santiago Ramón y Cajal
Iñaki Rikarte Severo Ochoa
Pedro Ocaña Miguel de Unamuno
La colmena científica (o El café de Negrín) nos devuelve hoy una parte esencial de la historia de la Residencia, contada a través de sus protagonistas: la convivencia entre artes y ciencias, el diálogo y la tolerancia. Desde el escenario, en el que se reconstruye uno de sus laboratorios científicos, esta obra nos hace revivir la tertulia como manera óptima para aprender de los mejores, evitando artificios y pedantería.
Al plantear el encargo al Centro Dramático Nacional se ha elegido la tertulia que de manera espontánea tenía lugar al mediodía en el Laboratorio de Fisiología General dirigido por Juan Negrín, ya que ejemplifica lo que se conoce como «el espíritu de la casa», así llamado por los antiguos residentes para referirse a la forma en que se puso en práctica el ideal de cultura integral de la Residencia: la interrelación de las artes y las ciencias, la apertura al exterior, el diálogo entre generaciones y entre tradición y modernidad…, en definitiva, el entorno ideal en el que debía desarrollarse dicha formación.
"El ayre del cantar"
MARTES, 29 DE NOVIEMBRE
Auditorio Hospedería Fonseca. 20.30 h
Entrada libre hasta completar aforo
EL AYRE DEL CANTAR
Música vocal ibérica desde
el renacimiento
al primer romanticismo
Obras de Alonso Mudarra, Francisco Guerrero, Tomás Luis
de Victoria, Juan Hidalgo, Fernando Sor, Manuel García,
Juan de Arañes, José Marín y Mateo Flecha
Dirección: Richard Levitt – David Mason
"Días Estupendos"
TEATRO
Viernes, 4 de noviembre
Teatro Juan del Enzina
22.00 h 10 €
DÍAS ESTUPENDOS
Texto y dirección: Alfredo Sanzol
Reparto:
Elena González
Natalia Hernández
Pablo Vázquez
Juan Antonio Lumbreras
Paco Déniz
Días estupendos va sobre el verano.
El verano es un tiempo en el que la personalidad sufre el cambio más brusco de todo el año. Proyectamos fantasías, realidades que nos gustaría vivir, esperanzas de paraísos… y queremos que todo se realice en ese breve espacio de tiempo en el que podemos romper con la actividad habitual, para meternos en una especie de burbuja.
El verano es un tubo de ensayo, en el que aparecen las voces que permanecen normalmente ocultas el resto del año, y que producen en nosotros una experiencia de realidad paralela.
Días estupendos va sobre la nostalgia del verano y sobre la libertad que sentíamos cuando éramos niños.
Sobre el deseo de salir corriendo.
Sobre esos días del año en los que concentramos todas nuestras esperanzas de felicidad.
Sobre la frustración y el estrés que produce no conseguirlas.
Sobre la gente que conocemos en tan poco tiempo y con la que entablamos extrañas y fugaces relaciones de amistad.
Días estupendos habla de la transformación que sufrimos en quince días.
Las vacaciones son un paréntesis extraño.
El peligro de salir de la rutina puede producir situaciones inesperadas, encuentros inesperados, que nos hacen pensar en cosas inesperadas, que nos hacen hacer cosas inesperadas.
El verano es el tiempo en el que la vida se expresa con más exuberancia, con más luz y más calor, pero es el tiempo también en el que se cuaja la muerte que llega con el invierno.
Las historias de Días estupendos tienen que ver con esa sensación de cresta vital. Donde más fuerte se expresa la vida, se encuentra el inicio de la muerte.
Son historias extremas. De emociones radicales. Donde no es posible la negociación. Donde la intensidad arrastra la acción. Donde horrorizados nos reímos.
En el campo, la cosecha es la metáfora perfecta de esa dualidad. Cuando mejor está el fruto se arranca de la rama.
Cuando escribo invento una memoria. Recuerdo las historias como si las hubiese vivido, y eso me sirve para conocer. Días estupendos es un viaje inventado a mis veranos, un sueño que sueño despierto y que necesito soñar para poder recordar. En apariencia tengo mala memoria, pero me da la sensación de que se trata de una memoria no consciente. Muchas veces no recuerdo los hechos, pero sí guardo las sensaciones. Hacer teatro me sirve para recuperar esas sensaciones a través de las cuales conozco la realidad. Cuento las historias para inventar los hechos que no recuerdo, y para contar me sirvo de las sensaciones que sí guardo.
ALFREDO SANZOL
Coro de Cámara y Coro Universitario, "Crossover Christmas"
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El Coro de Cámara y el Universitario
cierran el año con un concierto conjunto
centrado en las músicas de la Navidad.
En él se hace una propuesta mestiza
estableciendo un diálogo entre conceptos
musicales y culturales muy diversos.
El programa es un crossover donde
conviven la tradición renacentista ibérica
y los estándares de la navidad centroeuropea
o anglosajona con la influencia
del jazz o las reelaboraciones
contemporáneas del canto llano medieval.
Un concierto que supone un encuentro
de estilos, en el marco de un
ambiente festivo, casi convival, preludio
de un inminente periodo de vacaciones.
Director: Bernardo García-Bernalt
Piano y órgano: Juan José Diego
CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca fue fundado en 1984 por miembros del Coro Universitario, con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el “reestreno” de partituras inéditas correspondientes a este periodo. Asimismo, en los últimos años es frecuentemente invitado a abordar, junto con distintas orquestas, música de los siglos XIX y XX.
Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987 el ciclo “Música da época das descobertas” (Lisboa), la I Muestra de polifonía española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid), la Semana de Música de Canarias, “Música en la España de la expulsión” (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca, XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa), Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Patrimonio (Salamanca 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja san Fernando, ciclo “Plaza Sacra” (Salamanca 2005), Festival “Florilegio” (Salamanca). FEX del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza , X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía “Victoria y su tiempo” (Ávila), etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo RNE clásica le ha dedicado varios programas.
Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca “Il Fondamento”, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la orquesta de cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca. El Coro ha sido dirigido por músicos como Wim ten Have, Paul Dombrecht, Eduardo López Banzo, Jacques Ogg, Manuel Morais, Gerard Caussé, Juan José Mena, Omri Hadari, Gabriel Garrido, Manel Valdivieso, Luis A. González Marín, Carlos Cuesta, Federico M. Sardelli etc.
Desde su fundación el coro es dirigido por Bernardo García-Bernalt, director, asimismo, del Coro Universitario y de la Academia de Música Antigua de la Universidad salmantina.
CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de la Universidad de Salamanca, uno de los coros universitarios más antiguos de España, fue fundado en 1950 por el maestro Jesús García-Bernalt, quien lo dirigió hasta 1990. A lo largo de su dilatada vida ha desarrollado una intensa actividad concertística, que le ha llevado a la práctica totalidad de España y Portugal, así como a buena parte de Europa, recibiendo numerosas distinciones y premios. Asimismo ha grabado programas para radios y televisiones españolas, portuguesas, francesas, mexicanas, alemanas, japonesas, etc. Por otro lado, desarrolla una intensa actividad en el ámbito salmantino, participando además en todos los actos solemnes de la Universidad, lo que lo ha convertido en un elemento fundamental del ceremonial de esta institución.
El repertorio del Coro Universitario es uno de sus elementos característicos. Si bien ha abordado polifonía desde el renacimiento hasta nuestros días, su trabajo fundamental se centra en la música de los últimos cien años, montando constantemente nuevos programas, explorando repertorios muy poco conocidos y dedicando especial atención a la música española e hispanoamericana. Entre los centenares de programas ofrecidos pueden mencionarse la cantata Música para un Códice Salmantino, de Joaquín Rodrigo, las Vísperas de S. Rachmaninov, los Catulli Carmina y los Carmina Burana de Orff, el Requiem de M. Duruflè, el oratorio Crucifixion de Sir John Stainer, la colección Swinging Christmas de T. Gabriel, el Bestiari de Manuel Oltra, o los conciertos dedicados a la música infantil española o a la desconocida generación de compositores españoles del “Motu proprio”. Asimismo, ha hecho una intensa labor de difusión de la música salmantina, interpretando numerosas obras de compositores como Gerardo Gombau, Dámaso Ledesma o Bernardo García-Bernalt Huertos entre otros.
Entre sus trabajos de los últimos años están el salmo sinfónico El Rey David de Arthur Honegger (2004), el Requiem de John Rutter (2005), la Misa en Re Mayor de Dvorak, (Biberach, Alemania 2006), la suite L’homme armée de Karl Jenkins, estrenada en Salamanca en mayo de 2007, los ciclos Five mystical songs de Vaughan Williams (Catedral de Valladolid 2008) e Indianas de Carlos Guastavino (Salamanca 2008) o la Missa Katharina y Cantica Sancto Benedicto de J. de Haan (abril de 2011). En julio del presente año participó en diversos festivales de música coral y órgano en Gdynia, Pelplin, Pulck y Wladislawowo (Polonia), con un programa dedicado a la música coral ibérica del último cuarto de siglo.
El coro ha colaborado con grupos como la Orquesta de RTVE, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Würzburg, el Ensemble del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, o la Joven Banda Sinfónica de Castilla y León, siendo dirigida por músicos como Odón Alonso, Ralf Klotz, Rudolf Dangel o Johann Mösenbichler. Desde 1990 su director titular es Bernardo García-Bernalt quien, asimismo, dirige la Academia de Música Antigua y el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca.
PROGRAMA
I
Senhora del mundo1 Anónimo s. XVI
A los maytines era2 Anónimo s. XV.ex
Qué bonito niño chiquito2 Anónimo s. XV.ex
No la debemos dormir3 Anónimo s. XVI
La lucha4 Pere Alberch Vila (1517-1582)
La viuda4 Mateo Flecha el viejo (1481-1553)
1.- Cancionero de la Escuela de Bellas Artes de París
2- Cancionero de la Colombina
3. Cancionero de Uppsala. Venecia 1556.
4.- Las ensaladas de Mateo Flecha el Viejo. Praga 1581
II
Pokoj Piotr Palka (1998)
Ave Maria Julio Domínguez (1998)
Puer natus in Bethleem Julio Domínguez (2005)
Can’t help falling in love G. Weiss/H. Peretti/L. Creatore (1961)
My one and only love R. Mellin/G. Wood (1952)
What a wonderful World G. Weiss/Douglas (1967)
Away in a manger (trad. Inglaterra) W.J. Kirkpatrick/R. Chilcott (2006)
Il est né (trad. Francia) R. E. Scrham (2009)
Silent night K. Berg (2011)
San José carpintero A. Barrios (1999)
Guli, guli (trad. Letonia) R. Lusen/F. Hermans (1996)
Infant holy (trad. Polonia) D. Willcocks (1961)
Niño lindo (trad Venezuela) A. Grau (2005)
Percusión: Luis Traubinger
Flauta: David González-Iglesias
Piano: Juan José Diego
Director: Bernardo García-Bernalt
Gelabert Azzopardi, "Belmonte"
DANZA
Miércoles, 16 de noviembre
Teatro Juan del Enzina
22.00 h 7 €
GELABERT AZZOPARDI
Belmonte
Coreografía y dirección: Gelabert Azzopardi
Bailarines Lydia Azzopardi, Dani Corrales,
Cesc Gelabert, Virginia Gimeno, Giuliano Guerrini,
Jonatan de Luis Mazagatos,
Salvador Masclans, Michele Mastroianni,
Oscar Pérez, Alberto Pineda, Charles Washington
Música original Carles Santos
Espacio escénico /Vestuario Frederic Amat
Diseño luces Cesc Gelabert, Jordi Llongueras
Gelabert Azzopardi cumple 30 años y para celebrarlo la compañía presenta la reposición y actualización de Belmonte, uno de sus montajes más emblemáticos, estrenado el año 1988, que se ha convertido en referente de la danza contemporánea de nuestro país.
Belmonte es una abstracción en términos coreográficos, musicales y plásticos del mundo de los toros que utiliza la extraordinaria personalidad de Juan Belmonte (1892-1962) como secreta fuerza de inspiración.
Es una obra sobre la relación entre el instinto y la razón, entre la vida y la muerte. Solo si somos capaces de encontrar y lidiar con el animal que llevamos en nuestro interior hacemos danza de nuestro movimiento. Juan Belmonte decía que aquello que importa es que la íntima emoción del toreo traspase el juego de la lidia.