Año 2010
Certamen de Fotografía de alumnos de Comunicación Audiovisual
Certamen de Fotografía de alumnos de Comunicación Audiovisual
Del 10 de junio al 4 de julio de 2010
Martes-Sabado: 12:00-14:00 y 18:00-21:00
Domingos y festivos: 10:00-14:00
Lunes cerrado
Un año más, y gracias al apoyo inestimable del Servicio de Actividades Culturales y de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Salamanca, podemos celebrar la V Exposición de fotografía de alumnos de la licenciatura de Comunicación Audiovisual. La presente selección de imágenes ha sido realizada a lo largo del presente curso 2009-2010.
A lo largo del año, hemos intentado transmitir a nuestros alumnos la idea de que la fotografía es mucho más que una simple técnica de registro visual, más que una mera forma de fotocopiar el mundo en dos dimensiones. Cuando intentamos hacerles comprender que esta tecnología constituye algo más que un instrumento "especular" para reflejar anodina y fidedignamente lo que nos rodea, sino que lo fotográfico nos ofrece un verdadero medio de expresión con un lenguaje específico y codificado (con su propio vocabulario visual), lo hacemos con la firme convicción de que llegarán a desarrollar a través de las reglas de esta "lengua" fotográfica un "habla" propio, un estilo personal y una manera única de mirar a la realidad con la sola ayuda de su cámara.
Consideramos que lo importante no son los temas que se fotografían (lo que se cuenta) sino que lo crucial radica en cómo se cuentan las cosas que suceden ante nuestros ojos. Intentamos que aprendan a transmitir con sus obras, no sólo una forma de ver, sino sobre todo un modo particular de concebir el mundo. Estas imágenes que aquí nos presentan no dejan de ser construcciones mentales con las que expresar sus propias ideas, con las que elaborar sus comentarios críticos o materializar sus ficciones y sus mundos interiores.
En consecuencia, su esfuerzo creativo implica un ejercicio de reflexión acerca de lo que percibe a través del visor de una cámara. Parte de las respuestas a estas preguntas se encuentran en esta exposición.
La selección ha sido complicada pues había un número importante de obras que “contaban” muchas cosas, por lo que los profesores de la asignatura decidimos contar con fotógrafos profesionales para que nos ayudasen con la misma. Y es por eso que queremos agradecer la colaboración de la profesora Mª Isabel Rodríguez Fidalgo, a Zona5 Grupo Fotográfico (www.grupozona5.com), a Tomás Bernárdez Otero gran aficionado al mundo fotográfico y la presencia aunque ya no esté en la organización de éste evento de José Gómez Isla. Ahora les toca a ustedes.
Javier Frutos Esteban y
Begoña Gutiérrez San Miguel
Profesores de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Salamanca
Exposición "Fran Lazo. Redes"
Fran Lazo
REDES
Del 4 de agosto al 12 de septiembre de 2010
Martes-Sabado: 12:00-14:00 y 18:00-21:00
Domingos y festivos: 10:00-14:00
Lunes cerrado
A lo largo de los últimos años Fran Lazo ha trabajado en varios procesos experimentales de compleja codificación iconográfica. Sus redes y estructuras, las solarizaciones del color por las que se siente atraído, conllevan ante todo un discurso sobre el dolor, el deseo, la luz, las tinieblas, la soledad y el silencio; no hacen ninguna concesión al adorno, en realidad son espejos sobre la disolución del Hombre y su naturaleza.
Estas sugestivas piezas, aunque en principio cautivan por sus flases y deconstrucciones, están inconscientemente calculadas como un simulacro de la realidad. Del mismo modo que el agua y la luz actúan como vivificadores del sueño y la memoria, los itinerarios visuales de Lazo rompen con la inmovilidad de la mirada. En todos sus trabajos las formas se agitan arrastrando a la mente para renacer con una nueva sensibilidad, que no siempre es fácil de explicar con palabras. Por ello en su dosier adjunta teorías científicas que apoyan esa verbalización de lo invisible, de aquello que oculta siempre la materia orgánica: “En esta definición que estamos construyendo sobre cómo las redes se estructuran a partir de la dinámica que son capaces de generar, el objeto (o individualidad) que las genera es el mismo sobre el que repercute”. Diego Rasskin.
Estos juegos de REDES, aparentemente inocuos, determinan en realidad nuestro modo de ser y estar. Aquellos juegos semánticos que fascinaban a los artistas conceptuales de los años setenta, son hoy para Lazo una vía abierta hacia lo poético. Sin embargo él no olvida imponer una estrategia de ensimismamiento subconsciente, que dé al espectador emociones a partir de la contemplación de la luz, el espacio fragmentado o la solarización del color. Todo ello a través de los múltiples procedimientos interdisciplinares que emplea, como la fibra de vidrio o las cajas de luz con que monta algunas obras. Empedernido investigador, Fran siempre intenta llegar al otro lado, quiere, como decía Blanchot “Llegar hasta la luz sin conservar de ella más que la nada..”
Es posible experimentar el mundo de muchas formas, formas que nos permitan tener una oportunidad diferente para apreciar la posibilidad de percibir los dos mundos posibles: el visible y el que nos resulta imperceptible por su complejidad, pero que amplifica más que ningún otro nuestros sentidos. No es preciso hacer resonar los ecos intemporales de la condición humana, por otro lado tan manidos, pero para terminar y antes de ver estas obras, tal vez deberíamos unirnos a Oscar Wilde cuado afirmaba que “el verdadero misterio es lo visible” y no al revés, como solemos creer.
JOSÉ LUIS PAJARES
Profesor de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca
Exposición "Alba Díez Mijangos. Cotidiano"
Alba Díez Mijangos
Cotidiano
Del 16 de septiembre al 10 de octubre de 2010
Martes-Sabado: 12:00-14:00 y 18:00-21:00
Domingos y festivos: 10:00-14:00
Lunes cerrado
Tomar conciencia de estar vivo, de aquello que nos envuelve y acontece en todo momento es seguramente una de las sabias aspiraciones que el ser humano puede llegar a tener. Desde la misma respiración hasta la percepción consciente de cualquier hecho cotidiano aparentemente banal puede revelarnos un sentido real. Pero verlo con claridad requiere un largo adiestramiento en el que las disciplinas del arte pueden tener mucho que decir y mostrar.
Hasta donde he podido, he seguido el desarrollo del trabajo plástico de Alba Díez percibiendo el a veces incómodo e inquietante proceso de interiorización previo a la construcción de los signos que confi guran la imagen. La línea descriptiva de los genitales dibujados señalando una interna desnudez se confrontaba entonces con un estallido irracional y emocional del gesto expresionista del color que se presentaba como un sugerente movimiento de síntesis entre la ocultación y la revelación. No parecían ser sufi cientes estos elementos para la búsqueda. Alba requiere entonces un proceso más amplio y narrativo capaz de hacer contar historias a los objetos cercanos pero sin recurrir ahora a la espesa salsa del expresionismo nuestro de todos los días. Sus conocimientos de la efectividad de algunos procesos del diseño gráfi co la conducen a “limpiar” y “enfriar” gráfi camente el mobiliario y las fi guras que habitan su pintura para comenzar a articular su relato en otras direcciones con mayor serenidad y contención expresiva.
Los actos y gestos más cotidianos, según las costumbres, que puede una persona realizar del modo incluso más inconsciente se convierten en objeto de atención y estudio. Es ahí donde nos revelamos todos de un modo más evidente y real, a veces quizá a nuestro pesar. Dormir, desperezarse, lavarse, vestirse, desnudarse, sentarse,… conforman ahora una larga constelación de signos y motivos que quiero ver potencialmente atractivos en su aparente nada
especial. Es aquello que tenemos delante y rara vez observamos con la atención requerida pero
que una mirada educada sabe recoger y traducir de modo efectivo en un soporte artístico.
En buena parte de las telas de esta exposición es utilizada una secuencia temporal del movimiento de una fi gura solucionada en tres fases. Trazados con líneas de colores limpios,
sencillos y evitando el traslapo, las representaciones muestran su inocencia transparente a
través de un intrincado tejido gráfi co-musical de contrastes que a su vez parece querernos señalar precisamente que sus cándidos actos son refl ejo al fi n y al cabo de procesos internos complejos, sí, pero también de un necesario sentido poético que ha de atrapar los sentidos del espectador sensible a través de la pintura. A ello colabora el limpio, claro y tenaz trabajo de Alba Díez.
Manuel Luca de Tena
Profesor de la Facultad de Bellas Artes
Universidad de Salamanca
Exposición "Los mundos de Gonzalo Torrente Ballester"
LOS MUNDOS DE GONZALO TORRENTE BALLESTER
Del 9 de febrero a 14 de marzo de 2010
Salas Patio de Escuelas y Cielo de Salamanca
Universidad de Salamanca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y la Fundación Gonzalo Torrente Ballester recuerdan al autor de “Los gozos y las sombras” en el centenario de su nacimiento con la exposición “Los mundos de Gonzalo Torrente Ballester”, que recorre la trayectoria vital y literaria del escritor a través de más de 200 piezas (muchas de ellas inéditas) entre manuscritos, libros, artículos de prensa, cartas, fotografías, cuadros, dibujos y diversos documentos y objetos que nos acercan a su iconografía personal.
La muestra, en la que colabora la Universidad de Salamanca y que podrá contemplarse en las salas de exposiciones Cielo de Salamanca y Patio de Escuelas de la institución académica hasta el próximo 14 de marzo.
La exposición pretende desplegar ante los ojos del lector los mundos de tan magistral creador, iluminando también aquellos que son ignorados o que permanecen en la penumbra del olvido. Porque Torrente Ballester no sólo desarrolló su maestría en el arte de construir discursos ficcionales, adscritos a diferentes géneros –cuento, teatro, novela–, su faceta más conocida; también fue profesor y estudioso de la Historia; y durante cuatro décadas ejerció como profesor de Literatura, profesión que reivindicó por encima de cualquier otra de las suyas. Torrente Ballester fue, además, un perspicaz y fino ensayista, un crítico inteligente y, a veces, mordaz, y un hábil, divertido y profundo articulista de prensa.
La muestra se abre con una colección completa de las primeras ediciones de sus libros, junto a manuscritos y escritos mecanografiados, con las correcciones y los distintos estados de algunas obras, así como ejemplares significativos de las revistas y periódicos en los que colaboró y que el visitante podrá ver junto a objetos personales, recuerdos, premios o algunos de los materiales que empleaba para escribir. 
En las paredes se mostrarán obras de algunos artistas con los que colaboró Gonzalo Torrente Ballester o por los que sentía admiración, como Manuel Colmeiro, Manuel Prego o Pradillo, junto con retratos del escritor realizados por José González Collado, Álvaro Delgado, Justo González Bravo, Felipe Criado, Julián Grau Santos o Eduardo Arroyo.
Como novedad, se mostrará una serie de fotografías tomadas por Gonzalo Torrente Ballester y que nunca se han expuesto ni estudiado con anterioridad. La investigación desarrollada por los comisarios en la Fundación Gonzalo Torrente Ballester demuestra que la fotografía desempeñaba para él diferentes funciones, dejando al margen la más común de fichero para el recuerdo. Torrente Ballester no sólo fotografiaba su mapa emocional (imágenes de la torre Berenguela de la catedral compostelana, de los solitarios y gélidos paisajes de Albany, de la ría de Ferrol o de las calles de Pontevedra) sino que, además, utilizaba la fotografía como herramienta de trabajo, de manera que algunas de las imágenes que su cámara registraba se encuentran después en sus ficciones trasladadas a palabras, envueltas por la semántica, transformadas por la retórica y la imaginación. Recuperadas y llevadas a una escala expositiva, estas fotografías dejan ver con claridad la personalidad de una mirada que sabe recrear la vida de una calle, una plaza, o detenerse en detalles en apariencia accesorios. Un lenguaje “vulgar”, casi descuidado, que lleva, sin embargo, hacia nuevos mundos, en sintonía con la técnica empleada en su escritura.
En la exposición también se puede ver diverso material que recrea la vinculación de Gonzalo Torrente Ballester con el teatro y el cine. Entre sus facetas más olvidadas está, precisamente, la de dialoguista o guionista de cine, labor que le ocupó durante cinco intensos años de colaboración con Nieves Conde. Casi treinta años más tarde vuelve a moverse entre grúas y platós para la supervisión de la adaptación cinematográfica de sus propias obras. El visitante también podrá escuchar a Torrente Ballester en diferentes soportes: desde la audición de cintas a través de auriculares, a la visión de fragmentos de entrevistas grabados en cine, video o tv.
La muestra se completa con un recorrido fotográfico por los lugares de Gonzalo Torrente Ballester (sus ciudades, sus rincones, sus cafés: Ferrol, Oviedo, Pontevedra, Baiona, Madrid, Santiago de Compostela, Salamanca) a través de una serie de fotografías en blanco y negro realizadas por Vari Caramés.
La exposición se cierra con el documental GTBxGTB, producido por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y Fundación Gonzalo Torrente Ballester con guión y dirección de Luis Felipe Torrente Sánchez-Guisande y Daniel Suberviola Garrigosa. En el documental el protagonista, Gonzalo Torrente Ballester, habla sobre su vida, su obra y sus preocupaciones intelectuales, sociales y políticas. Con las únicas voces del autor de La saga/fuga de J. B. y algunos de los periodistas que le entrevistaron en televisión a lo largo de los años, se recorre la infancia, la juventud y madurez del escritor gallego en un relato biográfico trenzado con intervenciones del autor sobre sus preocupaciones como novelista, sus convicciones sobre la creación literaria, sus actitudes políticas y sus reflexiones sobre conceptos como el mito, el poder, la Historia, Galicia, la mujer y la muerte.
Gonzalo Torrente Ballester responde a las preguntas de los periodistas Joaquín Soler Serrano, Pablo Lizcano, Fernando Sánchez Dragó, Terenci Moix, José Luis Balbín, Begoña Aranguren y Antón López Vallejo. Además, el documental rescata fragmentos de audio de algunas de sus cientos de conferencias y de sus diarios de trabajo, grabados con magnetofones de bobina.
Catálogo
Con motivo de la exposición, la Fundación Gonzalo Torrente Ballester y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) han editado un catálogo estructurado en dos volúmenes dedicados a evocar sus proyectos y a revisar su obra de un modo sistemático.
El primer volumen se abre con evocaciones y recuerdos de los escritores Ana Mª Matute, José Saramago y Manuel Rivas, y la profesora Francisca Ojeda-Suárez Miller: magníficos perfiles literarios y humanos del autor –firmados por los escritores– y una tierna y nostálgica imagen inédita del escritor en Albany, durante su etapa en la universidad americana, generada por las palabras de Francisca –Maquita–, su alumna, luego colega y siempre amiga. Siguen los artículos del presidente y del secretario de la Real Academia Española, Víctor García de la Concha y Darío Villanueva, de la historiadora universitaria Isabel Torrente y del presidente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Antonio Bonet Correa, que ofrecen acercamientos al hombre y su peripecia vital, centrándose, respectivamente, en su facilidad con las palabras, en el fondo cervantino de su obra, en la presencia de la historia y el mito, y en su relación con las artes plásticas.
El primer tomo incluye, también, la reproducción de las cartas de Marta Cárdenas y Luis de Pablo que ilustran la influencia de la música en la estructura de algunas de sus obras, en particular en La saga/fuga de J. B. El volumen se cierra con las fotografías de Vari Caramés sobre las ciudades ligadas al escritor y con el “Currículum, en cierto modo”, donde Torrente Ballester narra su propia biografía y que fue publicado en la revista Triunfo en 1981, del que se reproduce la versión original mecanografiada y corregida a mano por el autor. El volumen va acompañado del documental, dirigido por Luis Felipe Torrente y Daniel Suberviola, GTB x GTB.
El segundo volumen proporciona cinco acercamientos a la obra literaria de Torrente Ballester elaborados por reconocidos expertos torrentistas: César Antonio Molina (sobre su obra periodística), Janet Pérez (sobre su obra teatral), José Antonio Pérez Bowie (sobre su labor como teórico y crítico teatral), Ángel G. Loureiro (sobre sus novelas) y Ángel Basanta (sobre la fortuna crítica de su obra narrativa). Las relaciones de Torrente Ballester con la imagen estática o animada constituyen el centro de atención de las siguientes colaboraciones: Santos Zunzunegui, Imanol Uribe y Carmen Becerra ilustran su dilatada y fructífera relación con el cine, en distintos períodos y diversas manifestaciones; y el artículo de Miguel Fernández-Cid presenta su hasta ahora ignorada faceta de fotógrafo, mostrando tanto la intención estética de sus imágenes como su contribución a la hora de fijar una manera de mirar y definir su ideario estético.
Una selección de fotografías tomadas por Gonzalo Torrente Ballester descubre sus claves, intereses, temas y búsquedas reiteradas. El volumen se cierra con la bibliografía comentada de la obra del escritor, cuya lectura pone de relieve su coherencia narrativa, junto a la reproducción de las portadas de sus primeras ediciones.
Exposición "Persona. Sueño y realidad"
PERSONA. Sueño y realidad
Del 23 de marzo al 9 de mayo de 2010
Salas Patio de Escuelas Universidad de Salamanca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
La Universidad de Salamanca cuenta con una colección de arte contemporáneo cuya característica esencial, que por otra parte la define, es estar constituida fundamentalmente por obras en soporte fotográfico. Este amplio conjunto de fotografías configura en sí mismo un discurso sobre la cultura fotográfica de las dos últimas décadas y por extensión sobre el arte contemporáneo. El origen de la especificidad de esta colección se encuentra en la decisión de la Universidad de Salamanca, en el año 1992, de orientar su política de exposiciones hacia la creación fotográfica, y poco más tarde, de crear un Centro de Fotografía desde el que se dinamizó la programación expositiva y la adquisición de fondos, así como una política especializada de publicaciones sobre el medio.
La colección de fotografía de la Universidad de Salamanca reúne más de cuatrocientas piezas de un centenar largo de artistas, con presencia de importantes autores, tanto nacionales como internacionales. La amplitud y variedad de dichos fondos permite abordar y desarrollar múltiples lecturas, como es el caso de la que ahora se propone bajo el título Persona. Sueño y realidad.
Las obras aquí reunidas nos acercan al complejo juego de las identidades, a la problemática del sujeto, tanto desde su esfera individual como colectiva. Desde los inicios mismos de la fotografía, y especialmente a través de la práctica del retrato, la identidad y la imagen del individuo han sido temas centrales del campo fotográfico, dando cuenta en cada momento del contexto histórico, social y cultural en el que se realizaban las distintas obras o propuestas. En este sentido, el último cuarto de siglo ha visto cómo se revitalizaba y extendía en diversas direcciones el género del retrato y cómo surgían nuevos enfoques en el tratamiento del sujeto y la identidad. Varios elementos han determinado esta inflexión. Por una parte, la superación de dos situaciones paralelas que habían provocado el estancamiento y la obsolescencia del género: de un lado, el rechazo de la validez del retrato desde las prácticas conceptuales; de otro, el agotamiento del modelo de la fotografía humanista y su visión plana y simplista del individuo. Los ochenta aportan cambios fundamentales: la renovación de las prácticas documentales; la difusión generalizada de trabajos fotográficos provenientes de fuera de Europa y Estados Unidos que aportan nuevas realidades y tradiciones; la aparición de herramientas tecnológicas que permiten la manipulación y la transformación de la imagen; la utilización habitual de la performance o el estilo performativo para construir la reflexión sobre el sujeto, la identidad y el cuerpo; y, finalmente el desarrollo de una fotografía escenificada que pone en primer plano y canaliza la representación de los traumas y las angustias del individuo.
Las obras de esta exposición, desde diversas vertientes, aspiran a dar cuenta de estos cambios fundamentales en la evolución de la práctica del retrato.
Exposición "Jorge Yeregui. Paisajes mínimos"
Paisajes Mínimos
JORGE YEREGUI
Patio de Escuelas Menores – Centro de Fotografía
Del 13 de mayo al 4 de julio de 2010
Salas Patio de Escuelas Universidad de Salamanca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
Paisajes Mínimos es un proyecto fotográfico que investiga las nuevas relaciones establecidas entre el hombre y la naturaleza a partir de la divulgación del pensamiento sostenible y la proliferación de discursos respetuosos con el medio ambiente.
Los avances científicos en biotecnología y genética aplicados en los diversos campos de la Ciencia de la Vida han permitido comprender, controlar e incluso recrear el funcionamiento de la naturaleza. Tanto la Biología como la Agricultura han centrado parte de sus esfuerzos en desarrollar entornos controlados que generen las condiciones climáticas óptimas para el desarrollo de cada especie, elaborando una tecnología altamente sofisticada que posibilita la construcción de complejos ecosistemas artificiales, mantenidos y controlados por ordenadores.
La progresiva concienciación medioambiental y la atracción que despierta “lo exótico” en el habitante urbano han potenciado la construcción integrada de estos pequeños ecosistemas estancos (paisajes mínimos) en la ciudad del siglo 21. Operaciones muy elaboradas que se integran en la cotidianeidad de sus habitantes.
El proyecto Paisajes Mínimos centra su atención en la popularización de estos fenómenos y su reflejo en la sociedad actual donde cada vez resultan más habituales, tanto por cuestiones mediáticas como de concienciación.
Jorge Yeregui.
Exposición "Fotografía en Perú"
Fotografía en Perú
COLECCIÓN CENTRO DE FOTOGRAFÍA
UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Del 25 de noviembre de 2010 al 23 de enero de 2011
Sala de Exposiciones Patio de Escuelas
Universidad de Salamanca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
La Universidad de Salamanca adquirió para su colección de fotografía,
en la segunda mitad de los años noventa, un importante fondo de fotografía
peruana. Son más de 60 imágenes realizadas a lo largo de la primera
mitad del siglo xx por los mejores fotógrafos de la época, entre
ellos autores tan reconocidos y revalorizados a lo largo de las últimas
décadas como Martín Chambi o los Hermanos Vargas. Este conjunto
de imágenes no representa sólo un extraordinario retrato de la sociedad
peruana, sino que ofrece también una mirada hacia una de las etapas
creativas más intensas e interesantes de la historia de la fotografía
en el siglo xx. De hecho, la fotografía alcanzó en Perú, durante este
periodo, un extraordinario nivel artístico, tanto desde el punto de vista
de la expresividad del medio como de los temas, personajes y atmósferas
que abordaron los autores representados en esta exposición. Las
ciudades de Lima, Cuzco y Arequipa, y sus respectivas sociedades,
son en cierta manera el núcleo de estos trabajos, pero también aparecen
bien representadas y reflejadas, junto a la ascendente burguesía, la
sociedad campesina, la cultura indígena, las clases trabajadoras, y
especialmente la arquitectura y los monumentos incas. Las obras que
componen esta exposición ofrecen también diversas vertientes de interés
desde el punto de vista del propio lenguaje fotográfico: el carácter
y el valor documental que encierran muchas de ellas, la expresividad
formal del pictorialismo, el interés etnográfico en la mirada hacia la cultura
indígena, la fotografía de arquitectura y la lectura de las ruinas de
Machu Picchu, o por último, la calidad y nivel de perfección alcanzado
en la práctica del retrato por muchos de estos autores en sus respectivos
estudios fotográficos.
Obras de: José Gabriel González
Hermanos Cabrera
Sebastián Rodríguez
Horacio Ochoa
Miguel Chani
Pablo Veramendi
César Meza Salazar
Martín Chambi
Hermanos Vargas
Jesús Lambarri Arzuaga
Eugenio Courret
Exposición "Profecías"
Del 21 diciembre de 2009 al 28 de febrero de 2010
Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca
Horario: De martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h. Lunes cerrado
Profecías
El nacimiento de la fotografía en el siglo XIX produce cambios profundos en la forma de mirar la realidad. Propone nuevas metodologías para comprender y conocer el mundo, modelando decisivamente el modo en el que lo percibimos actualmente.
El Fondo Fotográfico Universidad de Navarra, Fundación Universitaria de Navarra, FFF, ha formado una colección de fotografía, desde su origen hasta nuestros días, compuesta por más de 10.000 piezas de temáticas españolas. Con Tender Puentes, el FFF, impulsa a partir del año 2003 un proyecto abierto a la fotografía contemporánea, con la voluntad de activar un canal de diálogo entre la primera mirada fotográfica del siglo XIX y la actualidad. La conexión de la colección con la fotografía contemporánea se establece con obras y proyectos en diálogo directo con su propio núcleo histórico.
Los desarrollos fotográficos que reúne la exposición Profecías son parte del trabajo efectuado por los once primeros autores participantes en Tender Puentes. Cada autor ha construido su propio diálogo con la fotografía del siglo XIX, escogiendo para ello álbumes, autores o temas presentes en la colección histórica del FFF, y subrayando en numerosas ocasiones el carácter profético o anticipador de los pioneros de la fotografía:
Joan Fontcuberta presenta un trabajo titulado Orogénesis: Gibraltar, dialogando con un álbum militar de fotografías topográficas del Peñón de Gibraltar y desarrollando a través de un programa informático la creación de nuevos paisajes, a partir de las imágenes originales del siglo XIX.
Roland Fischer se centra en una serie de fotografías de La Alhambra, estableciendo una reflexión sobre la percepción y vivencia de la arquitectura a través de la historia.
Bleda y Rosa abordan también La Alhambra, pero tomando en consideración la mirada desde el interior del recinto hacia el exterior, y por otro lado una mirada que se concentra en el interior, subrayando la poética de los lugares de paso que rodean los espacios más monumentales, pero sin considerarlos.
Manuel Brazuelo trabajando con cámara estenopeica en Granada y en Sevilla, pone de relieve un tiempo actual en diálogo con las imágenes clásicas del viaje del XIX.
Ángel Fuentes documenta los espacios de la Exposición Universal de Zaragoza de 2008 dedicada al tema del agua utilizando el daguerrotipo, para incidir en la fragilidad del tiempo fotográfico.
Sergio Belinchón recorre en un trabajo titulado Sun Pictures from Spain las zonas turísticas costeras de España mostrando la diversidad del nuevo paisaje turístico en diálogo con la mirada campestre de William Henry Fox Talbot de Sun Pictures of Scotland y en contraste con las reproducciones de obras de artistas españoles publicadas en el Annals of the Artists of Spain, de William Stierling.
Jordi Bernadó desarrolla un trabajo fotográfico sobre las diversas realidades que configuran Gibraltar como un territorio de fuerte personalidad, desde las facetas paisajísticas a los elementos arquitectónicos, las imágenes del turismo y el ambiente fuertemente influido por la presencia militar británica.
Xavier Ribas realiza un recorrido de mar a mar por la valla que hace de frontera en la ciudad de Melilla, para construir una idea contemporánea de territorio determinada por la actual ingeniería geopolítica.
Lynne Cohen focaliza su proyecto en la poética de soledad de los espacios interiores de la Universidad de Navarra, edificios públicos de Pamplona y balnearios.
Valentín Vallhonrat desarrolla la idea de armamento como un dispositivo tecnológico que resume la modernidad, estableciendo un diálogo con las series realizadas en la Real Armería de Madrid en el siglo XIX por Charles Clifford y Jean Laurent.
Carlos Cánovas centra su trabajo en el territorio entre lo suburbano y lo rural de Zizur Mayor, localidad en la que vive, a pocos kilómetros de Pamplona en contraste con las fricciones entre pintoresquismo y progreso del XIX.
El espectador debe situarse en un plano de interacción, dispuesto a establecer las conexiones y las fricciones de un dialogo en proceso con la historia de la mirada fotográfica, con el apoyo de las proyecciones de las imágenes del siglo XIX que marcan el desarrollo como hipótesis de estas Profecías.
Exposición Organizada en Colaboración con la Universidad de Navarra y el Fondo Fotográfico Universidad de Navarra, Fundaciñon Universitaria de Navarra
Exposición "Marín"
Marin
Del 17 de septiembre al 31 de octubre de 2010
Sala Hospedería Fonseca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
LUIS RAMÓN MARÍN (Madrid, 1884-1944) fue fotógrafo de prensa entre 1908 y el final de la Guerra Civil. Firmaba sus trabajos con el segundo apellido y formó parte de esa generación de fotógrafos españoles que construyeron el oficio de reportero gráfico a base de intuición y trabajo. Vivió siempre en Madrid, ciudad en la que desarrollo la mayor parte de su actividad, aunque muchos de los reportajes que hizo a lo largo de su vida le llevaron a trabajar por toda la geografía española. Sus inicios en la fotografía coincidieron con el nacimiento en España de la prensa ilustrada y la incorporación de la imagen fotográfica al medio impreso.
Su archivo fotográfico, compuesto por cerca de dieciocho mil negativos, en su mayoría de cristal, sobrevivió gracias a su familia. El presente proyecto desarrollado por Fundación Telefónica en colaboración con la Fundación Pablo Iglesias, que lo custodia en la actualidad, permite conocer la obra de un fotógrafo extraordinario.
Marín tuvo una estrecha relación desde 1924 a 1929 con la Compañía Telefónica Nacional de España, y fue el fotógrafo que mayor número de imágenes aportó al proyecto de documentación sobre la implantación de la telefonía en España.
La restauración del Archivo Histórico de Telefónica dio lugar en el año 2005 a la exposición que con el título Transformaciones se mostró en esta sede de Gran Vía de Fundación Telefónica. Después de muchos años de permanecer en el olvido, esta muestra sacó a la luz fotografías de Marín, que junto a las de sus compañeros de generación conformaron un cuerpo documental único, con imágenes que mezclan excepcionalmente fotografía industrial, social, urbanística y arquitectónica.
Marín es uno de los primeros fotógrafos que salen del estudio fotográfico para recorrer calles y sucesos con su cámara. Junto a compañeros de profesión como Díaz Casariego, Claret, Gaspar, Alfonso, Campúa y tantos otros, inventaron el género del reportaje gráfico, el oficio y la relación con las empresas periodísticas. Y con éstas, las relaciones laborales, los precios y la forma de trabajar. Construyeron, al fin y al cabo, un nuevo estilo de vida. Tras el año 1939 muchos de estos autores fueron represaliados, sufrieron la confiscación o destrucción de sus archivos y otros abandonaron la fotografía. Para casi todos ellos se produjo el olvido.
La obra de Luis Ramón Marín dibuja el perfil de un fotógrafo que vivía intensamente lo que hacía, más allá de quien fuera su cliente. La variedad de contenidos de sus imágenes refleja la enorme vitalidad con la que llevó a cabo un sinfín de actividades. Dinamismo que explica su necesidad de mecanizarse y su atracción por las máquinas. Marín estaba en todos los sitios. En coche, moto o avión, fue capaz de cubrir uno tras otro los acontecimientos más relevantes de su tiempo.
Las doscientas cincuenta imágenes seleccionadas para la exposición, recorren los treinta y seis años de la producción de Marín. Están representados todos los temas que trató a lo largo de su vida y se pretende que sea un recorrido por su obra y también por su vida. Al presentarlas en esta exposición en el año 2007, se sitúan de nuevo en su contexto histórico, rellenando los huecos que existían en la historia de la fotografía de España, así como en la historia de la prensa o de la sociedad española de 1900 a 1940.
No podemos seguir mirando estas fotografías y atribuirles solamente el significado que de los textos que ilustraron en su época se desprende. Sostienen por ellas mismas múltiples discursos imposibles de controlar. Solo demandan espacio. Es tiempo de que cada uno ocupe su sitio, para observar el maravilloso trabajo de Luis Ramón Marín.
Exposición "Becas de Artes Visuales Cajasol 2010"
BECAS DE ARTES VISUALES CAJASOL 2010
Del 1 de julio al 29 de agosto de 2010
Sala Hospedería Fonseca
Horario:
Martes a sábado de 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado
FRANÇOIS BUCHER
DANIEL JACOBY
MIKI LEAL
ALESSANDRA SANGUINETTI
JORGE SATORRE
Las becas de Artes Visuales de Cajasol recogen en un nuevo formato las iniciativas emprendidas por la entidad durante los últimos diez años en el ámbito de las artes plásticas y la fotografía. En el 2000 los antiguos premios de pintura se reformularon como certámenes de artes plásticas con dos objetivos, el de valorar lo más objetivamente posible la trayectoria de un autor y el de dar cabida a nuevas disciplinas, como el video y la fotografía. Asimismo, al anterior premio de fotografía, que se mantuvo específicamente, se sumó la convocatoria de una beca para jóvenes artistas andaluces. Los premios y becas de Cajasol han tenido un enorme influjo y capacidad de convocatoria entre los artistas andaluces pues desarrollaba un tipo de certamen vinculado a la producción de proyectos, una fórmula no muy extendida entonces.
Las presentes Becas cuentan pues con estos antecedentes, que había que replantear a la luz de las nuevas prácticas tanto artísticas como institucionales, manteniendo la experiencia de la producción de proyectos y el vínculo activo con los artistas pero ampliando el enunciado “artes visuales” al conjunto de las disciplinas estéticas actuales. Asimismo la convocatoria se ha abierto al ámbito internacional pues el impulso de las plataformas locales y regionales de producción que obtuvo tan buenos resultados, había de ser ampliado a la escala donde de hecho se desenvuelven las actuales prácticas artísticas.
A estas primeras becas (que se encuentran entre las mejor dotadas del país) se presentaron más de un millar de proyectos, de entre los cuales fueron seleccionados cinco de ellos, correspondientes a los artistas que ahora se presentan en esta exposición: François Bucher, Daniel Jacoby, Miki Leal, Alexandra Sanguinetti y Jorge Satorre. Creadores todos ellos plenamente asentados y reconocidos en el contexto del arte contemporáneo.
La Universidad de Salamanca, con esta muestra, no sólo quiere ofrecer el excelente resultado final de los cinco proyectos seleccionados, sino también presentar, difundir y apoyar una importante iniciativa de ayuda a la creación como son estas Becas.
François Bucher
La Nui t de L’homme
Se trata de dos ciencias que no pueden encontrarse nunca. La ciencia actual exige la experimentación; la repetición del fenómeno a voluntad en idénticas condiciones y la deducción de leyes generales. No se interesa por la realidad del fenómeno a la que cree que no se puede llegar por ningún camino. Es una ciencia de “relaciones de relaciones”. Lo más interesante y necesario es para ella una técnica para el aprovechamiento de cada serie de experiencias.
La ciencia mágica, en cambio, sólo se interesa por la realidad arquetípica del fenómeno. Espera, de esa realidad superior al hombre, el milagro de una realización en nuestro mundo.
Daniel Ruzo
Alessandra Sanguinet t i
Las aventuras de Gui l le y Bel inda,
el enigmát ico significado de sus sueños
y de cómo se sucedieron las cosas. . .
Esta es la historia de Guillermina y Belinda, dos primas que viven en los campos de la provincia de Buenos Aires en Argentina.
Las conocí y comencé a fotografiar en 1999 cuando tenían 10 y 9 de edad, adentrándome en sus espacios imaginarios; esos espacios intangibles que son más representativos de la vida interior de un niño que los más inmediatamente visibles en un retrato objetivo.
Esta nueva etapa consiste en seguirlas de cerca a medida que las envuelve el mundo mas crudo y menos gentil de la adultez. Sería tentador abandonar el trabajo ahora y dejar que vivan en nuestra imaginación en un encanto eterno, pero lo que me interesa no es crear una historia de hadas, sino explorar el proceso en el cual le damos forma a nuestras vidas; como nos afectan las decisiones que tomamos a medida que nuestro entorno se vuelve más complejo y como estas definen nuestras experiencias: hasta qué punto tenemos control sobre nuestros destinos dentro de las expectativas y limitaciones de un contexto social determinado
Miki Leal
La cabaña
“Yo tengo un castillo en la Costa Azul que tiene 3,66 metros por 3,66 metros. Lo hice para mi mujer y es un lugar extravagante de confort y gentileza. Está ubicado en Roquebrune, sobre un sendero que llega casi al mar. Una puerta minúscula, una escalera exigua y el acceso a una cabaña incrustada debajo de los viñedos. Solamente el sitio es grandioso, un golfo soberbio con acantilados abruptos”.
Le Corbusier
“Adentrarse por caminos tortuosos es para mi, no una deficiencia, sino una señal de fuerza; permanecer en ellos es la fiesta del pensar”.
Heidegger
Daniel Jacoby
Un Toblerone de exactamente 50 g y
491 Toblerones de aproximadamente 50 g
Cientos de Toblerones –el emblemático chocolate suizo– fueron pesados en una balanza de precisión profesional hasta encontrar uno cuyo peso era exactamente el especificado en el envoltorio: 50 g, ni un miligramo de más ni de menos.
La tarea de pesado fue llevada a cabo en lo que se denominó el Toblerone Lab, un pequeño laboratorio habilitado con los instrumentos necesarios para obtener los resultados más certeros posibles: una balanza Kern 510-PLJ360-3M –con una lectura (d) de 0,001 g–, un ordenador, una impresora de etiquetas Dymo, un contador manual y un reloj. Con extrema rigurosidad, los Toblerones fueron pesados uno a uno, día a día, hasta que tras 26 días de trabajo intensivo y 491 pesados insatisfactorios apareció el de 50,000 g.
Jorge Satorre
La verdad divina (Piaxtla indiciaria)
El título del trabajo proviene de uno de los primeros momentos en donde se reparó en la posibilidad de entender el proceso de asimilación y creación de conocimiento como una especie de discusión tácita entre lo que los libros dictan y el enfrentamiento de esta información con la experiencia del lector. El poeta Francisco Petrarca lo llamó “verdad divina”:
El trabajo tiene su principio en planteamientos surgidos durante mi experiencia en el pasado como ilustrador editorial. En ese ejercicio mental al que se ve sometido el dibujante al tener que acercarse a un texto y a su autor. Provocando una relación íntima y oculta no sólo con el que escribe, sino también con los personajes y situaciones mencionadas en la historia.
“La verdad divina” ha funcionado como un laboratorio de experimentación en el área antes descrita utilizando el campo de la ilustración editorial como caso de estudio.
El método llevado a cabo consistió en reunir a un grupo de ilustradores expertos en distintas disciplinas para interpretar por medio de dibujos, a partir de mi narración, un texto de manera fragmentada.
El texto es un guión cinematográfico titulado “el cuarto camino” escrito por el novelista Élmer Mendoza a partir de una serie de notas y dibujos realizados por mí previamente. Este guión dio conclusión a “Piaxtla indiciaria”, un proyecto de largo recorrido cuyo objetivo, a grandes rasgos, consistió en la detección y creación de cruces de significado entre el pueblo mexicano de Piaxtla, una comunidad en proceso de desaparición por la constante emigración de su población y la película de corte absurdista Two-Lane Blacktop (monte Hellman, 1971).
Conforme se iban realizando los dibujos a partir de los fragmentos de esa película en potencia escrita por Mendoza, procedíamos a oscurecerlos casi totalmente. Esta decisión radical surgió conforme el trabajo evolucionaba, entendiendo poco a poco que nuestras intenciones en este caso radicaban en el proceso de interpretación y no en el resultado de ella o valor funcional/didáctico comúnmente asociado a este tipo de imágenes.
De esta manera, el grupo de dibujos “en tinieblas” resultante, como si se tratara de una película velada, funciona idealmente sólo como un rastro o indicio de ese proceso. Permitiendo así que la cadena interpretativa que dio pie a este trabajo se torne infinita, siguiendo su curso en cada uno de los posibles lectores de “El cuarto camino”.
Exposición "Atrapados en el hielo"
ATRAPADOS EN EL HIELO
La legendaria expedición a la Antártida de Shackleton
Del 21 de abril al 6 de junio de 2010
Obra Social de Caixa Catalunya
American Museum of Natural History (New York)
Esta exposición documenta uno de los más increíbles episodios de supervivencia en la historia de las expediciones de todos los tiempos: el viaje a la Antártida de Sir Ernest Shackleton. En agosto de 1914, el legendario explorador británico y su tripulación partieron a bordo del Endurance para enfrentarse a un reto audaz: la travesía a pie del continente austral.
Consciente de la repercusión que había tenido la documentación gráfica de anteriores exploraciones antárticas, Shackleton fundó la compañía Transantartic Film Sindicate Ltd., con cuyos derechos pretendía financiar en parte su expedición. Por ello incluyó entre sus tripulantes al fotógrafo australiano Frank Hurley, que se ocupó de documentar el viaje.
La muestra reúne por primera vez la más completa colección del material fotográfico y cinematográfico de Hurley, que capta magistralmente la imponente belleza del mundo de hielo que lo rodeaba, así como la destrucción del barco y la heroica lucha de la tripulación por sobrevivir.
Esta iniciativa cuenta con el respaldo del Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, en cuya muestra original (The Endurance: Shackleton’s Legendary Antarctic Expedition, comisariada por Caroline Alexander y Ross MacPhee) se basa esta exposición.
Con la colaboración del Dr. Jerónimo López, Profesor de la Universidad Autónoma de Madrid, vicepresidente del Scientific Committee on Antarctic Research (SCAR), Presidente del Comité Español del SCAR y miembro del Joint Committee organizador del Año Polar Internacional 2007-2008, se ha desarrollado para esta muestra una ambiciosa ampliación de los contenidos relacionados con la Antártida desde una perspectiva científica y contemporánea. Así el visitante podrá comprender el contexto real en que se desarrolló la aventura del Endurance y acercarse al presente y al futuro del continente antártico, con información sintética sobre su situación geográfica, histórica y científica.
LA AVENTURA DE SHACKLETON A TRAVÉS DE LAS FOTOGRAFÍAS DE FRANK HURLEY
Los capítulos de la exposición:
EL COMIENZO DE LA AVENTURA
Tras abrirse camino por el helado Mar de Weddell, y cuando les faltaban sólo 160 kilómetros para llegar al continente, su barco, el Endurance, quedó atrapado en el hielo el 18 de enero de 1915. Inmovilizado en el mar helado, el barco se convirtió en un “campamento de invierno” en el que esperar una mejora de las condiciones para la navegación con la llegada de la primavera.
EL COLAPSO
El 27 de octubre de 1915 la tripulación vió cómo el barco, víctima de la presión del hielo, quedó destrozado, viéndose en la necesidad de abandonarlo.
LOS CAMPAMENTOS
Shackleton proyectó entonces ganar a pie la tierra situada a 480 km al noroeste. Pero caminar se hacía casi imposible, por lo que decidieron acampar en el que llamarían “Campamento Océano” y esperar a que la deriva del hielo los acercara a tierra firme. Días después reanudaron la marcha en un nuevo intento frustrado: la blandura del hielo dificultaba el avance. Shackleton decidió volver a acampar en el que fue bautizado “Campamento Paciencia”. El 9 de abril de 1916, los expedicionarios partieron en tres botes salvavidas rumbo a la isla Elefante. Tras 7 días de peligrosa navegación, arribaron a su destino.
EL VIAJE DEL JAMES CAIRD
A sabiendas de que ninguna nave de rescate llegaría jamás a la isla Elefante, Shackleton escogió a cinco experimentados marineros para dirigirse a los centros balleneros de South Georgia en busca de ayuda. Partió el 24 de abril en el bote James Caird, dejando a Frank Wild, su segundo y hombre de confianza, en la isla Elefante a cargo de los 22 expedicionarios.
EL RESCATE
Shackleton y sus hombres alcanzaron South Georgia tras 17 días de peligro extremo y 800 millas naúticas recorridas, casi 1.300 km, consumando una de las más famosas hazañas de la historia de la navegación. Tras cruzar a pie las abruptas montañas y glaciares de la isla, Shackleton, Crean y Worsley consiguieron llegar a las estaciones balleneras. Tras recoger a los que habían quedado al otro lado de la isla, Shackleton hizo su primer intento de rescate de los 22 hombres de la isla Elefante. Cuatro meses después, y tras varios intentos fallidos, conseguiría rescatarlos a todos con vida.
SIR ERNEST SHACKLETON
De origen irlandés, Shackleton era un veterano de las expediciones polares y un héroe nacional. En 1901, con sólo 27 años, participó en la expedición de Robert Scott a bordo del Discovery y consiguió llegar a 1.198 km del Polo Sur. En 1908 redujo esta distancia a 156 km en la expedición del Nimrod, que él mismo lideró.
Sus mejores cualidades personales eran la autoridad, la determinación y la lealtad a sus hombres. Quienes estuvieron a sus órdenes y llegaron a conocerlo bien lo admiraban por su libertad de espíritu y su gusto por la aventura. Corrió muchos riesgos y algunas veces se equivocó en sus decisiones, pero siempre puso el bienestar de su tripulación por encima de todo.
JAMES FRANCIS HURLEY
A bordo del Endurance viajaba un fotógrafo australiano de gran talento llamado James Francis (“Frank”) Hurley, a quien Shackleton había contratado para documentar la expedición. Aquélla sería la segunda visita de Hurley a la Antártida, ya que previamente había documentado una expedición dirigida por el explorador australiano Douglas Mawson. Esa fue la causa de que Shackleton reparase en él. 
Además de su talento como fotógrafo, Hurley estaba especialmente dotado para las expediciones más difíciles. Sus compañeros le consideraban ”fuerte como un roble”, capaz de soportar las condiciones más adversas y dispuesto a hacer cualquier cosa para captar una buena imagen.
LA ANTÁRTIDA, DE SHACKLETON A NUESTROS DÍAS
Junto con las imágenes de la expedición de Shackleton, esta exposición también pretende mostrar las características del continente antártico, las dificultades para vivir y moverse en sus duras condiciones ambientales y la importancia de las investigaciones que allí se realizan. La Antártida ya no es el lugar donde un grupo de naciones se disputa los méritos de sus exploradores; gracias al Tratado Antártico, se ha convertido en un símbolo de cooperación internacional y protección del medio ambiente.
Gracias a la investigación que se desarrolla en la Antártida, en la actualidad sabemos más de ese territorio. Pero además, desde allí ha sido posible descubrir y hacer el seguimiento de importantes procesos de trascendencia global. La Antártida es un laboratorio natural privilegiado y una pieza clave en muchos procesos terrestres. La investigación antártica ha aportado evidencias de enorme importancia para conocer el pasado y el presente de nuestro planeta, evidencias que resultan fundamentales para establecer modelos predictivos relativamente fiables.
En la actualidad, hay muchos temas de investigación de reconocida importancia para los que la investigación en la Antártida resulta especialmente relevante. Como ejemplos cabe citar el descubrimiento y seguimiento del agujero de ozono, los estudios sobre el cambio climático global y el grado de intervención antrópica en el mismo, los cálculos sobre las variaciones del nivel del mar, la biodiversidad o el papel del océano austral en el conjunto de la circulación oceánica y el clima del planeta. Las expectativas de nuevos descubrimientos en la Antártida no cesan; ejemplos de ello son los últimos sondeos en el hielo o la existencia de los lagos subglaciares, con el espectacular caso del Lago Vostok, con sus aguas, sedimentos y organismos vivos situados bajo una capa de hielo de casi cuatro kilómetros de espesor y sin contacto con la atmósfera quizás desde hace millones de años.
EL AÑO POLAR INTERNACIONAL 2007-2008
El Año Polar Internacional 2007-2008, cuyas actividades se desarrollarán desde marzo de 2007 hasta marzo de 2009, resulta el marco idóneo para esta exposición. El Año Polar Internacional se organiza con una doble intención: coordinar los esfuerzos de investigación que realizan los equipos científicos de diferentes países y potenciar y difundir el conocimiento de los Polos y la importancia de su estudio y conservación.
Junto al relato de la aventura, bajo la dirección del Dr. Jerónimo López, la muestra ofrece una gran variedad de contenidos relacionados con la Antártida desde una perspectiva científica y contemporánea. Así el visitante podrá comprender el contexto real de la expedición y acercarse al presente y al futuro del continente antártico, con información sintética sobre su situación geográfica e histórica, sobre las extraordinarias características de sus tierras, hielos y mares, las dificultades para vivir y moverse en sus duras condiciones ambientales y la importancia para el conjunto del planeta de las investigaciones que allí se realizan.
exposición Relizada en colaboración con
Obra Social de Caixa Catalunya
American Museum of Natural History (New York)
Poetas chilenos
Lunes, 3 de mayo de 2010
Ciclo “Intersecciones”
Lectura de poesía
Poetas chilenos
Aula Magna de la Facultad de Filología
19:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
Javier Bello
Soledad Fariña
Elvira Hernández
Jaime Huenún
Alejandra del Río
Con motivo del Congreso “Poesía y diversidades en América y España. Perspectivas críticas en el Bicentenario” que se celebrará en la Universidad de Chile en septiembre, varios poetas chilenos están viajando a España a fines de abril. Una de sus participaciones será en la Universidad de Salamanca.
Mª Auxiliadora Álvarez
Miércoles, 21 de abril de 2010
Ciclo “Intersecciones”
Lectura de poesía
Mª Auxiliadora Álvarez
Aula Magna de la Facultad de Filología
19:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
María Auxiliadora Alvarez (Caracas, 1956).
Doctora en Literatura Hispánica (Universidad de Illinois), y catedrática en historia colonial, estudios culturales, y poesía contemporánea (Universidad de Miami, Ohio), ha publicado los siguientes libros de poesía: Mis pies en el origen (Paramaribo, Surinam, 1978); Cuerpo (Caracas, Fundarte, 1985. Segunda edición, 1993); Ca(z)a, (Caracas, Fundarte, 1990. Segunda edición, 1993); inmóvil (Caracas, Pequeña Venecia, 1996); Pompeya. Plaquette (Universidad de Puebla y LunaArena, 2003); El eterno aprendiz/ Resplandor (Caracas, Bid & Co Editor 2006); Las nadas y las noches. Antología. Candaya, Barcelona, 2009; Lugar de pasaje. Antología. Monte Avila, Caracas, 2009. Ambas antologías incluyen poemas de los libros inéditos Sentido aroma, 1994; Páramo solo, 1999; Un día más de lo invisible, 2005; Las regiones del frío, 2007; y Paréntesis del estupor, 2009.
CA(Z)A
(1990)
mi esposo que vive enterrado
tanto le da la vida como la muerte
yo y los niños vamos a veces
corremos en su superficie
EEEE le gritamos
con las bocas pegadas a la tierra
SAAAL queremos verte
ven a ver este sol estas personas estos animales
estamos alegres
Lo oscuro de él no saluda
o se pone triste con la mano
o hace señas para que vayamos
Sal solos de ti
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Celia Camarero
Jueves, 29 de abril de 2010
Ciclo “Intersecciones”
Lectura de poesía
Celia Camarero
Aula Magna de la Facultad de Filología
19:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
CELIA CAMARERO
Nacida en Burgos, en 1962, es Licenciada en Filosofía, Profesora Superior de Piano y Diplomada en Magisterio en la especialidad de Lengua y Literatura españolas. Su profesión de pianista la ejerce en el Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, ciudad en la que reside desde 1990. Su poemario El círculo y la herida es el primero de la autora y ha obtenido en 2009 el Premio “Gerardo Diego” de la Excma. Diputación Provincial de Soria. Ese mismo año obtiene también el Premio “Flor del Almendro” del Ayuntamiento de La Fregeneda (Salamanca). Ha publicado en diversas antologías y revistas como “Albor”; “Álamo”, “Papeles del martes”, “Viernes del Sarmiento”, “Cuadernos del Episcopio”, etc.
La cuestión no es el ser, sino la vida,
la búsqueda incesante, la ruptura
del corazón en mil
navajas, en mil lenguas
de afilada doblez.
La cuestión es que, poco a poco, el niño
que un día no lejano nos habitó, se ha ido
a conquistar un sórdido pasado
que le expida su título de adulto.
Pero nada, ni siquiera la mano
que acaricia su sexo tiernamente,
ni siquiera la curva presta al parto,
ni la voz que lo acoge, ni el magnífico
despertar de los campos a las marzas,
ni el dios al que no reza, o al que reza
cuando anhela no ser, sino otra cosa,
no vivir, sino otra vida,
no cargar para siempre
con la amenaza de su propio rostro
reflejado en el sable y en la vaina
de la contradicción. Nada, digo,
puede evitar su llanto.
La cuestión no es el ser, sino las lágrimas.
(A propósito de Hamlet)
Antonio Zamarreño
Martes, 13 de abril de 2010
Ciclo “Intersecciones”
Lectura de poesía
Antonio Zamarreño
Aula Magna de la Facultad de Filología
19:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
ANTONIO SÁNCHEZ ZAMARREÑO (Villar de la Yegua, Salamanca, 1951).
Desde muy joven, comienza a publicar poemas en revistas como Álamo, Ateneo, Papeles del martes o Los cuadernos del Sornabique. En el año 2003 publicó un primer libro de versos, Cuadernos del romano, al que han seguido Celebración del abismo (2007), La nuca del malhechor (2009) y El paladar a la intemperie (2009). Figura en las antologías Las palabras de paso. Poetas en Salamanca 1976-2001 (2001), El corazón de la palabra (2004) y Poemas del cuatro del tres (2006). Acogido a los clásicos, busca en todo lo que escribe austeridad y hondura.
CRUCIFIXIÓN ENTRE DOS PADRES
La vertical ausencia de mi padre.
La horizontal ausencia de mi madre.
Y, entre las dos, un hueso izquierdo:
allí
mi media ausencia sea crucificada.
Regresarán al sol las oropéndolas.
Pero, padre, jamás mi padre allí.
Pero, madre, jamás mi madre allí.
Pero, Dios mío, jamás mi Dios allí.
Pero jamás flor de retama allí.
Allí sola mi nuca entre ladrones,
rota de Dios, de padres, de retama,
aquel viernes sin lumbre y sin marías:
aquel sin viernes todo martillazos.
©ANTONIO SÁNCHEZ ZAMARREÑO
Ángel González Quesada
Miércoles, 3 de marzo de 2010
Ciclo “Intersecciones”
Lectura de poesía
Ángel González Quesada
Aula Magna de la Facultad de Filología
19:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
ÁNGEL GONZÁLEZ QUESADA, 1952. Licenciado en Filosofía. Actor y director de teatro. Su actividad literaria se centra fundamentalmente en la poesía y el ensayo, aunque ha obtenido importantes reconocimientos en narrativa (Premio Federico Muelas, Ciudad de Tudela, Internacional Lena, etc). En poesía, es Premio Internacional de Literatura de Puerto Rico, Premio San Juan de la Cruz, Gabriel Celaya, Ciudad de Alcalá, Vila de Martorell, etc. Articulista en prensa, crítico literario y dramaturgo, ha publicado una treintena de libros de poesía, narrativa, ensayo y filosofía y ha sido conferenciante y ponente diversas instituciones españolas y extranjeras.
POEMA:
EL FALSO HACEDOR
Melancólico el poeta despierta al día siguiente
-la perezosa acacia de la acera lo invita
y tiene la mañana rumor de madreselvas
cual aurora extranjera que anunciase aventuras-
lento construye entonces el futuro del mundo
y se responde a todas las preguntas:
imagina que bebe una pócima y ama:
oculta los despojos de la noche y anuncia
que podrá ser feliz:
pero el amor que inventa rescata del olvido
el brocal de la dicha el pozo del pecado
y ese temprano embuste miente también el tedio
y anuncia –también falsa- la vil resignación.
Ángel González Quesada,
De senectute, Premi de Poesía Vila de Martorell,
Viena Edicions, Barcelona, 2008
Guadalupe Grande
Martes, 16 de marzo
Ciclo “Intersecciones”
Lectura de poesía
Guadalupe Grande
Aula Magna de la Facultad de Filología
19:00 horas
Entrada libre hasta completar el aforo
Guadalupe Grande nació en Madrid en 1965. Es licenciada en Antropología Social.
Ha publicado los libros de poesía El libro de Lilit (Premio Rafael Alberti 1995, Renacimiento, Sevilla, 1996), La llave de niebla (Calambur, Madrid, 2003) y Mapas de cera (Poesía Circulante, Málaga, 2006). Junto a Juan Carlos Mestre ha traducido La aldea de sal, antología del poeta brasileño Lêdo Ivo (Calambur, 2009)
Como crítico literario, ha colaborado desde 1989 en diversas publicaciones: El Mundo, El Independiente, Cuadernos Hispanoamericanos, El Urogallo, Reseña, etcétera.
En el año 2008 obtuvo la Beca Valle Inclán para la creación literaria en la Academia de España en Roma.
El sonajero de Casandra
Mientras la penumbra roe la piel de la naranja anciana, mientras la noche, la alimaña guarda un bolsillo en el que cabe todo lo que no existe.
Eso era ayer, ayer al fondo, cuando la lluvia y su lengua de ausencia, cuando el untuoso mecanismo da cuerda a la péndulo del extravío.
Eso era al fondo de ayer, repitió la que se había acostado desnuda a las afueras de la mirada.
Sé lo que sé, dijo. Y de nada sirve saber lo que no sirve.
Nunca, ayer, ahora, reciennaciendo en el verde hilván del silabario, la que sabe lo que no sabe y queda al cuidado de estar sola no encuentra otra ropa en la intemperie que el bolsillo y el gesto elocuente de lo que no existe.
Ahí el amuleto ancestral, ahí el atrapadudas, el juntapenumbras, la siempreviva carcasa que resguarda las simientes vacías.
Esto se mencionaba en los viejos anales en los que la zoología aprendía a deletrear el mundo, y nada le importó al mirlo picotear las semillas del sonajero.
Poesía. Intersecciones
San Juan, Miguel de Unamuno, Jaime Gil de Biedma, Gonzalo Rojas o José Emilio Pacheco son los nombres de algunos poetas relevantes que han ocupado en algún momento las aulas de la Universidad, han transitado las calles y las plazas de Salamanca, han escrito desde esta ciudad y sobre ella.
Para no perder ese impulso, la energía creada por los poetas en los lugares en los que viven y a los que llegan, se propone Intersecciones, un ciclo de lecturas poéticas abiertas al público en general. Una hora y media de reunión con los poetas, organizada en dos partes: una entrevista entre el autor y la persona que lo presenta, dando a conocer sus grandes temas, obsesiones, modos de trabajo, en la que se invitaría al público a participar y, en segundo lugar, la lectura propiamente dicha.
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3 de marzo |
Aula Magna de la Facultad de Filología |
19:00 |
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16 de marzo |
Aula Magna de la Facultad de Filología |
19:00 |
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13 de abril |
Aula Magna de la Facultad de Filología |
19:00 |
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21 de abril |
Aula Magna de la Facultad de Filología |
19:00 |
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| Celia Camarero | 29 de abril | Aula Magna de la Facultad de Filología | 19:00 |
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3 de mayo |
Aula Magna de la Facultad de Filología |
19:00 |
Jerry González y El Comando de la Clave
Jerry González y El Comando de la Clave
Viernes, 14 de mayo. 22:00 horas
Auditorio de Fonseca Jazz
Entrada 5 €
Jerry González y El Comando de la Clave
El trompetista Jerry González presentará con su cuarteto cubano el contenido de Avísale a mi contrario que aquí estoy yo, disco que ha grabado con el nuevo sello del cantaor Diego El Cigala.
“El Rimbaud del jazz latino”, dijo de él Fernando Trueba. “El Miles Davis actual”, lo definió hace unas semanas Omar Sosa. Sea como sea, citando ahora unas palabras del musicólogo Nat Chediak, González lleva tanto tiempo en la vanguardia del jazz latino que se ha convertido en un clásico y no se da cuenta. El regreso de uno de los grandes exploradores de las raíces afrocubanas del jazz y, también, de las conexiones entre el flamenco y el jazz. Una trompeta en permanente estado de erupción.
- Alain Pérez - Un viaje musical que empieza en Cuba, recorre América y recala en Madrid: bolero, guaracha, soul, funky, con aires de jazz y flamenco. Excelente bajista, percusionista, pianista, cantante, compositor y arreglista, este joven cubano ha recibido los mejores elogios de la crítica musical.
- Javier Massó "Caramelo" - Uno de los mejores pianistas de Jazz Latino del mundo, el cubano Javier Massó “Caramelo” (Celia Cruz, Paquito de Rivera, James Carter, Jerry González…).
- Kiki Ferrer - Es conocido como sideman de Jorge Pardo, Jerry González, Concha Buika y Niño Josele. Nacido en Cuba, Caramelo reside
Juan Perro Acústico
Las Noches del Fonseca
Jueves 29 de Julio 23,00 horas
Juan Perro Acústico
Santiago Auserón: voz y guitarra
Joan Vinyals: guitarra
“¿Reconocerá el camino, las afueras del pueblo, el paisaje del entorno? ¿Podrá fiarse de la Vía Láctea o tendrá que guiarse por las vallas publicitarias? Hay marcas que duran una eternidad”. En sus Aforismos para perros sin amo, rememora el trovador: “Había en el centro de mi ciudad natal un neón multicolor que anunciaba una marca de electrodomésticos. Se encendía y apagaba gradualmente, como un arco iris artificial. Me tenía fascinado, fue mi primera experiencia estética. Luego descubrí el fuego y observé en él otros matices. Como tampoco me he convertido en pirómano, deduzco que no tengo por qué ser fanático de los aparatos, aunque sea hijo de la era eléctrica”.
En cualquier caso no hay vuelta atrás: Juan Perro se ha echado la manta al hombro y ha quedado con unos pocos amigos bajo la parra de una venta para montar el repertorio. Habrá una selección de cuatro álbumes históricos –Raíces al viento, La huella sonora, Mr. Hambre, Cantares de vela– que ampliaron el horizonte de la canción en español y se presentarán en público, con aires mestizos de La Habana y de Nueva Orleans, las canciones que Juan Perro ha estado puliendo en los últimos años.
Hemos perdido la costumbre de escuchar canciones nuevas. Las canciones nacen hoy en día como cansadas de vivir. “¿Qué está pasando entonces –se pregunta Juan Perro en otro de sus aforismos–, acaso la sociedad contemporánea carece de arrestos para inventarse?”. ¿Por qué renuncian a permanecer las canciones? ¿Por parecerse a los aparatos de usar y tirar? Desde los árboles, los pájaros nos observan pasmados.
Juan Perro vuelve de un país perdido en el fondo del corazón, aquel que un día estuvo en llamas. “El país que tenemos justo al lado, al que solemos dar la espalda. Del trópico que borró la tormenta, del país de los pájaros cantores. Vuelve en el coche de agua negra en que se marchó el poeta, en un barquito que el viento empuja con silbo de mirlo. Si no hay viento, tira con un viejo motor de cuatro tiempos. ¿Se acabó el petróleo? No importa, es un motor reciclado, va con una gota de aguardiente”.
Bajo el ala de su sombrero, Santiago Auserón trae una brillante colección de canciones que la banda de Juan Perro ha echado a rodar en 2009. En 2010 Juan Perro seguirá presentando temas explorando sonoridades en varios formatos, preparando un álbum que promete ser inolvidable. Su mezcla de música y poesía alcanza la madurez preservando la frescura.
Santiago Auserón
Nace en Zaragoza el 25 de julio de 1954. Estudia Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid (1972-1977) y en la Université de Vincennes, París VIII (1977-1978). Cantante y compositor del grupo musical RADIO FUTURA (1980-1992), con el que realiza las siguientes grabaciones: Música moderna (1980); La estatua del jardín botánico (disco sencillo y videoclip, 1982); La ley del desierto/La ley del mar (1984); De un país en llamas (1985); La canción de Juan Perro (1987); Escuela de calor. El directo de Radio Futura (1989); Veneno en la piel (1990); Tierra para bailar (1992) y Memoria del porvenir (primera antología, 1998). El material de RADIO FUTURA ha sido posteriormente reeditado en la antología definitiva Paisajes eléctricos y en la Caja de canciones (obra integral, 2004).
El grupo RADIO FUTURA ha sido reconocido por diversas emisoras de radio y revistas especializadas como mejor grupo español de la década de los 80, y mejor grupo español de los últimos 25 años, según la votación de RNE, Radio 3, realizada en el año 2004.
Desde 1977, Santiago Auserón publica artículos sobre música, arte y pensamiento en diarios y revistas especializadas, y realiza la traducción del libro La Ciudad Infinita de Catherine François (Pre-Textos, 1992). Da conferencias sobre la nueva música popular en el País Vasco y Madrid, y otras de contenido filosófico y musical en las Universidades de Madrid, Granada y Valencia. Publica La imagen sonora. Notas para una lectura filosófica de la nueva música popular (Episteme, 1998); Canciones de Radio Futura (Pre-Textos, 1999) y el artículo “Notas sobre Raíces al viento”, en el libro Las culturas del rock, editado por Luis Puig y Jenaro Talens (Pre-Textos, 1999). Traduce el libro El Árbol Ausente de Catherine Francois (Demipage, 2010).
Desde 1984 investiga las raíces del son cubano. Produce la recopilación de música tradicional cubana Semilla del Son (cinco álbumes, 1991-1992). Colabora en la organización de los Encuentros de Poetas y Soneros Cubanos en la Casa de América de Madrid (1993), y los Encuentros del Son y el Flamenco de la Fundación Luis Cernuda de Sevilla (1994 y 1995). En ellos se presentan por vez primera en la península artistas como Celeste Mendoza, Los Muñequitos de Matanzas, Faustino Oramas el Guayabero, los Naranjos de Cienfuegos, el Septeto Spirituano y Compay Segundo. Produce la Antología de Francisco Repilado, Compay Segundo (1996). Es miembro fundador y patrono de la Fundación CEIBA Afroiberoamericana de Cultura, de Sevilla.
Da a conocer su nuevo proyecto musical, JUAN PERRO, en 1993, en la gira “Kiko Veneno y Juan Perro vienen dando el cante”. Como JUAN PERRO graba en La Habana el álbum Raíces al viento (1995) y, posteriormente La huella sonora (1997), Mr. Hambre (2000, año en que gira también por México y EEUU) y Cantares de vela (2002). Coproduce el segundo disco en solitario de Luis Auserón, El caos y el orden (1997). En la banda de JUAN PERRO colaboran habitualmente prestigiosos músicos de rock, jazz, flamenco y son.
Realiza colaboraciones en disco con numerosos artistas: Compay Segundo, Kiko Veneno, Raimundo Amador, La Barbería del Sur, Malevaje, Pau Riba, Carlos Cano, Pancho Amat, Guerrilla Gorila, Marina Rossell. Participa en el proyecto De Granada a la Luna (1998) en homenaje a Federico García Lorca. Compone las canciones para la obra Cacao de la compañía teatral Dagoll Dagom (2000), por la que obtiene el Premio Max de las Artes Escénicas (2001).
Con JUAN PERRO ha obtenido premios al mejor músico del año (Cambio 16, 1995), mejor disco de rock latino en español (por Raíces al viento, según la revista La banda elástica de Los Ángeles, EEUU, 1995), premio a la mejor trayectoria artística (La banda elástica, Los Ángeles, EEUU, 2000). En reconocimiento al conjunto de su labor cultural, recibe la Medalla de Oro Santa Isabel de Portugal, de la Diputación Provincial de Zaragoza (2002).
En colaboración con la revista Cuadernos de jazz, organiza La Fábrica de Tonadas, formación que reúne a destacados improvisadores (Jorge Pardo, Chano Domínguez, Jordi Bonell, Javier Colina y Marc Miralta), con la cual se presenta en diversos festivales de jazz a lo largo del año 2003.
En colaboración con Luis Auserón, graba el álbum Las Malas Lenguas (2006), colección de versiones en español de temas clásicos del rock y el soul, girando entre 2005 y 2007.
Participa en el homenaje a Pau Riba, organizado por la revista Enderrock, con el grupo de Llibert Fortuny, en el Auditori de Catalunya. Participa, junto a destacados artistas españoles e internacionales, en los conciertos de homenaje a Leonard Cohen, registrados en el disco Acordes con Leonard Cohen (2007).
En colaboración con La Original Jazz Orquestra del Taller de Músics de Barcelona, graba el álbum Canciones de Santiago Auserón (2008), una selección de canciones del repertorio de RADIO FUTURA y JUAN PERRO arregladas por el Maestro D. Enric Palomar, girando durante los años 2007 y 2008.
Recibe el premio Trovador a las Artes Escénicas, en el Festival de Los Castillos 2007, del Ayuntamiento de Alcañiz.
En el año 2009, Santiago Auserón comienza a preparar su nuevo proyecto como JUAN PERRO, un repertorio de 15 canciones nuevas con aires mestizos de La Habana y Nueva Orleans que ha ido puliendo a lo largo de estos años, buscando un sonido que está entre el rock primitivo, el blues ligeramente electrificado, el rhythm & blues, el son tradicional y el jazz, basados en la musicalidad de los timbres naturales.
En este mismo año, recibe un premio del excelentísimo ayuntamiento de Montilla como homenaje a su trayectoria artística y profesional y reconocimiento a su aportación a la música rock.
A día de hoy continua con su gira por todo el territorio español y se prepara para comenzar a grabar el que será su quinto disco como JUAN PERRO.
El Brujo, "El Evangelio de San Juan"
Las Noches del Fonseca
Martes 27 de Julio 23,00 horas
EL EVANGELIO DE SAN JUAN
Con Rafael Álvarez El Brujo como actor solista
Dirección: Rafael Álvarez
Cuadro Artístico
Músicos: Violín: Javier Alejano
Percusión Daniel Suárez “Serna”
Xaxo Robb Kevin
Voz Juan de Pura
Rafael Álvarez EL BRUJO
Nace En Lucena (Córdoba) y pasa gran parte de su infancia en Torredonjimeno (Jaén). Se traslada a Madrid para estudiar Derecho y es en los Colegios Mayores donde toma contacto por primera vez con el mundo del teatro. Es titulado por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Su actividad con el teatro se inicia en el Corral de Comedias del Colegio Mayor Universitario San Juan Evangelista en el año 1970 con el montaje El juego de los insectos, de los hermanos Kappeck, dirigido por José Luis Alonso de Santos. A partir de este momento colabora habitualmente en montajes teatrales de diversas compañías como Tábano, TEI (Teatro Experimental Independiente) y Teatro Libre de Madrid.
En 1988 funda junto con José Luis Alonso de Santos, Gerardo Malla y Jesús Cimarro la productora de teatro Pentación, S.A., y en 1995 funda, junto a M.ª José Norte, su propia productora, Producciones El Brujo, S.L., dedicada a la distribución y la producción de teatro y audiovisuales.
Desde su primera colaboración en 1969 en el montaje La escuela de los bufones, de Michel de Ghelderode, ha participado en numerosos montajes como El juego de los insectos, de los Hermanos Kappeck, y El horroroso crimen de Peñaranda del Campo, de Pío Baroja, ambos dirigidos por José Luis Alonso de Santos. Ha protagonizado La taberna fantástica, de Alfonso Sastre, dirigido por Gerardo Malla; Pares y Nines, de José Luis Alonso de Santos; Lazarillo de Tormes, en versión de Fernando Fernán Gómez; El pícaro: aventuras y desventuras de Lucas Maraña, de Fernando Fernán Gómez; La sombra del Tenorio, de José Luis Alonso de Santos; La dulce Casina, de Plauto, en versión y dirección de Alonso de Santos; Anfitrión, dirigido por José Luis Alonso de Santos; El avaro, de Moliere, coproducción con Fila 7, dirigido por José Carlos Plaza; El contrabajo, de Patrick Süskind, que dirigió él mismo junto a José Pascual; Arcipreste, basado en El Corbacho, de Alfonso Martínez de Toledo, con versión libre de Alberto Miralles y adaptado y dirigido por Rafael Álvarez; San Francisco, juglar de Dios, de Dario Fo, y Una noche con El Brujo, dirigidos por el propio Rafael Álvarez.
Desde el año 1986 compagina su actividad teatral con el cine y con la televisión, participando en películas como El Crack, de José Luis Garci; La taberna fantástica, Don Juan mi querido fantasma, de Antonio Mercero; La leyenda de la doncella, de Juan Pinzas; Alma gitana, de Chus Gutiérrez; Amores que matan, de Juan Manuel Chumilla; La duquesa roja, de Paco Betriu; Niño nadie, de José Luis Borau; Pajarico, de Carlos Saura; y recientemente la adaptación de Fernando Fernán Gómez para el cine Lázaro de Tormes, película galardonada con dos Goyas de la Academia de Cine español.
En televisión destacamos Vísperas, de Manuel Andújar, Juncal, de Jaime de Armiñán; Brigada Central, de Pedro Masó y Maquinavaja.
Ha llevado sus espectáculos por los festivales más importantes de España y los más reconocidos de países como Bélgica, Francia, Portugal, Italia, México, Venezuela...
Como reconocimiento a su carrera, Rafael Álvarez ha recibido numerosos premios, entre los que destacan el Premio Ícaro, concedido por Diario 16, el Premio de Antena 3 a la mejor interpretación teatral (1985), por su trabajo en Lazarillo de Tormes; Premio El Espectador y La Crítica 1986, por La Taberna Fantástica, Premio Asociación de Espectadores Ciudad de Alicante en 1986 y 1994, por Lazarillo de Tormes; Premio Ercilla de Bilbao 1996 a la Mejor Interpretación por La sombra del Tenorio; Premio Meliá Parque al Mejor Actor por Anfitrión; Premio Cadena COPE, Ilustres de Baracaldo 1999 por El Contrabajo; y Premio Canal Sur al Mejor Espectáculo teatral 2000 por Arcipreste.
En diciembre de 2002 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, máximo galardón que concede el Ministerio de Cultura y que SS. MM. los Reyes de España entregaron en septiembre de 2003.
Una Visión del espectáculo
El Evangelio de San Juan es el título del espectáculo que cierra una trilogía compuesta junto con San Francisco, juglar de Dios y Los misterios del Quijote. Los tres espectáculos se basan sobre antiguas técnicas de transmisión y narración oral. El humor es una nota dominante en ellos. Versan sobre temas que han dejado una fuerte huella sobre la memoria y la imaginación colectiva.
Se nutren por igual de la “tradición de la palabra”, por decirlo así; insisten de forma especial en la fuerza viva de la palabra hablada frente a la tradición de la palabra escrita y su ascendente en el teatro. Así mismo, la confrontación (y a veces la interconexión o incluso la síntesis) de estas dos tradiciones y el reflejo de sus contenidos en la imaginación popular (en la forma de cuentos, leyendas y otros temas objeto del arte de los antiguos juglares) es también un factor común a ellos. El estudio de la obra de Dario Fo, teórica y práctica –especialmente la puesta en escena de San Francisco, juglar de Dios– ha ejercido una influencia decisiva y muy visible en el desarrollo de estos trabajos y en su visión conjunta como trilogía.
El Evangelio de San Juan la cierra y la completa con un tema fascinante, que hunde sus raíces en las más antiguas tradiciones orales del Mediterráneo. Este espectáculo se inscribe en el ámbito propio de la juglaría, con el humor, la vitalidad y el ritmo propios de la comedia, pero al mismo tiempo, como en San Francisco, juglar de Dios, con una fuerte carga poética, en este caso ineludible, por el lenguaje propio del texto y la ternura y simbolismo de alguna de sus situaciones.
El poder del mundo y la libertad de la palabra
A través de las rutas de Palestina, el hombre-Jesús, poco a poco se revela a sí mismo. Al final del trayecto en Jerusalén la hora de su muerte consuma de forma completa el proceso. El pueblo observa el espectáculo. Un extraño profeta itinerante rodeado siempre por un grupo de personajes secundarios que le siguen sin saber adónde ni por qué. Los signos que manifiesta revisten en verdad una gloria incomparable. Los enfermos se curan, andan los paralíticos, los ciegos ven, incluso hay un hombre (Lázaro) que regresa del abismo de la muerte y todos sienten al fin el consuelo, magnetizados por sus hermosas palabras. Jesús es un poeta tan sublime que cuando habla desconcierta el sentido de los hombres y hay quienes creen estar escuchando a Dios. Su secreto es la fuerza, la acción y el poder de su palabra, pero este hombre es justamente el Hombre al que los hombres (ciertos hombres) no pueden soportar. Encarna en sí mismo la libertad del ser.
Él es La Palabra. Si el lenguaje es el espejo del poder el Jesús de San Juan es un escándalo. Ejerce violencia poética sobre el lenguaje caduco del mundo, lo subvierte con fuerza y, renovando así el lenguaje, renueva la vida. Pero sus adversarios no le entienden, le rechazan, se revuelven. Los viejos sacerdotes aferrados a la tradición en el fondo temen el misterio. (¡Actual!) La novedad radical del mensaje de Jesús, su “libertad de expresión” choca brutalmente contra la inercia opaca del poder. En resumen: La Palabra viene al mundo, pero su luz ciega confunde al mundo. Y finalmente el poder crucifica La Palabra.
El Evangelio de San Juan en el pensamiento y el ARTE a lo largo de la Historia
Al margen del interés de grandes cineastas por la figura concreta de Jesús (Zefirelli, Passolini, etc.), desde Leonardo a Chaplin, Kierkegaard, Bach o Einstein, a lo largo de la historia, el Evangelio de San Juan ha conmovido a centenares de filósofos, poetas, artistas, músicos y hasta científicos. Newton le dedicó los últimos años de su vejez. Llegó a aprender griego clásico y arameo. Después de estudiar el fenómeno de la luz durante toda su vida, probablemente, antes de morir, quiso penetrar siquiera un poco en la raíz de su misterio. Salvando naturalmente las enormes distancias, este proyecto se inscribe como una modesta aportación, desde el mundo de la escena, un pequeño granito de arena en esa corriente del arte que, a través del trabajo de los hombres y mujeres de todos los tiempos, evoca, contempla o celebra este enorme regalo de la vida en el Hombre: el don del misterio.
Veo El Evangelio de San Juan como una extrovertida ceremonia popular con la frescura y espontaneidad que le confiere al teatro la risa y la sensualidad del contacto inmediato con el público, pero con cierto aire de exaltación mística, o HISTÉRICA, si se quiere. (En cierto sentido, como una modalidad o derivación lírica de los motivos del famoso “misterio bufo” de Darío Fo). Un relato, a veces sencillo y silencioso, PERO TAMBIÉN EN UN AMBIENTE DE FIESTA, COMPARTIDO Y VIVIDO COMO UNA CEREMONIA MÁGICA.
Rafael Álvarez
"El Cerco de Leningrado"
Las Noches del Fonseca
Martes 20 de Julio 23,00 horas
El Cerco de Leningrado
de José Sanchís Sinisterra
Dirección: José Carlos Plaza
Reparto
BEATRIZ CARVAJAL
MAGÜI MIRA
El cerco de Leningrado
Pues no, no vamos a ver ni Leningrado ni su famoso cerco y, pensándolo bien, ni falta que nos hace; pero sí vamos a ver a dos actrices, dos grandísimas actrices tan diferentes, tan antagónicas, tan particulares como sólo los grandes creadores pueden serlo. Tienen, claro, denominadores comunes: su sentido del humor, su inteligencia y su enorme talento para incorporar unos complejos y difíciles personajes que Sanchís Sinisterra ha colocado al borde del abismo, entre el realismo y el mundo onírico en ese delicado límite en el contactan realidad e ilusión. Dos mujeres enfrentadas por sus caracteres, por sus orígenes, por sus temperamentos pero unidas, profundamente unidas, por una obcecada fidelidad a sus ideas, a sus principios, a su amor. ¿Dos estrafalarias? Puede, o quizá ¿dos enfermas?, o lo que es peor, ¿dos idealistas? Sí, ¡atención pequeños seres acomodaticios: peligro! Son dos seres que son aun capaces de mantener los valores espirituales sobre los materiales, dos marginadas que se cercan a ellas mismas para poder ser fieles a sí mismas.
Perdido el contacto con el mundo real, un mundo que ha perdido su norte, un mundo de corrupción e infamia, ante el que, al igual que el autor y que muchos de nosotros, se desconciertan viendo el descalabro de la utopía igualitaria en una Europa justa frente a la soberanía inhumana del mercado y los intereses del capital.
Dos seres que recurren a sus recuerdos porque sin memoria desaparecerían, al humor para mantenerse vivas y la solidaridad para vivir con calor. La ilusión en ellas se confunde con el presente, el teatro con la realidad. El autor juega al teatro dentro del teatro, un fantasmagórico teatro medio derruido, pretérito y tal vez patético como las vidas de nuestras dos mujeres pero en pie, sin cesiones ni cómodos pragmatismos, pleno de historia, la nuestra, espejo de nosotros mismos si no nos hubiéramos dejado corromper, si como mediocres Faustos no hubiéramos vendido nuestras almas, no ya por la juventud eterna, sino por una mísera pantalla de plasma de unas cuantas pulgadas. ¡Ay, Dios!
José Carlos Plaza
Director de teatro y escena
Cuadro Artístico Técnico
Diseño de escenografía FRANCISCO LEAL
Diseño de vestuario PEDRO MORENO
Diseño de iluminación FRANCISCO LEAL
Música original MARIANO DÍAZ
Diseño de maquillaje y peluquería JUAN PEDRO HERNÁNDEZ
Diseño gráfico DAVID SUEIRO
Fotografías DAVID RUANO
Realización escenografía CON EFE
Realización de vestuario ANA LACOMA
Técnico de iluminación RICARDO DEL VAL
Maquinista JUAN BAILÓN
Utilería FITO LLORENTE
Técnico de sonido ARSENIO FERNÁNDEZ
Regidor/gerente de compañía LEO GRANULLES
Ayudante de vestuario CRISTINA DEL YERRO
Ayudante de producción ISABEL SÁIZ
Jefe técnico DAVID P. ARNEDO (PRESET)
Jefe de producción RAÚL FRAILE
Ayudante de dirección AMPARO PASCUAL
Productor JESÚS CIMARRO
Dirección JOSÉ CARLOS PLAZA
José Sanchís Sinisterra
Nace en Valencia, el 28 de junio de 1940. Entre 1957 y 1966 dirige grupos de teatro universitario e independiente en Valencia, iniciándose asimismo en la escritura y la investigación teatral. En 1960 funda y dirige el Aula de Teatro y, en 1961, el Seminario de Teatro de la Universidad de Valencia, que funcionan hasta 1966.
Licenciado en Filosofía y Letras (1962), ejerce durante cinco años como profesor ayudante de Literatura Española en la Facultad de Filosofía y Letras de Valencia. Es catedrático de Lengua y Literatura Española de Instituto Nacional de Bachillerato (1966) en Teruel y Sabadell (1971), actualmente en excedencia, y profesor del Instituto del Teatro de Barcelona, desde 1971 hasta hoy.
En 1977 funda en Barcelona El Teatro Fronterizo, que dirige hasta 1997. En 1981 promueve y preside la Asociación Cultural “Escena Alternativa”, que funciona hasta 1984.
Es profesor de Teoría e Historia de la Representación Teatral en el Departamento de Filología Hispánica de la Facultad de Letras de la Universidad Autónoma de Barcelona, desde 1984 hasta 1989.
Desde 1988 hasta 1997, dirige de la Sala Beckett de Barcelona, sede de El Teatro Fronterizo. En 1993, es director artístico del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, y en 2005-06, director artístico del Teatro Metastasio, Stabile della Toscana (Prato). En 2007 es elegido miembro de la Junta Directiva de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).
Ha participado en las Conversaciones sobre Teatro Nacional Actual (Córdoba, 1965), en el Primer Festival de Teatros Independientes (San Sebastián, 1970), en varios congresos de la Sociedad Española de Psicoterapia y Técnicas de Grupo, en dos Coloquios Internacionales sobre la Formación del Actor (Avignon, 1975 y París, 1976), en las Jornadas de Teatro Clásico Español de Almagro (1980, 1982, 1983, 1984, 1985), en el Congreso Internacional de Teatro en Cataluña (1985), en el Congreso Internacional de Dramaturgia de Caracas (1992), etc.
Ha impartido cursos, seminarios y talleres de Dramaturgia Textual, Dramaturgia Actoral, Dramaturgia de Textos Narrativos y Escritura Dramática en una quincena de ciudades españolas, en Francia, Italia y Portugal, y en casi todos los países de América Latina.
Ha publicado ensayos y artículos de teoría teatral y pedagogía en diversas revistas, gran parte de ellos recogidos en el libro La escena sin límites. Fragmentos de un discurso teatral (Ñaque Editora, 2002). La misma editorial ha publicado en 2003 Dramaturgia de Textos Narrativos, que expone su metodología sobre la teatralización de relatos.
Como director teatral, ha montado obras de Cervantes, Lope de Rueda, Lope de Vega, Joan de Timoneda, Molière, Racine, Shakespeare, Pirandello, Chéjov, Strindberg, O’Neill, Saroyan, Cocteau, Giraudoux, Anouilh, Brecht, Kipphard, Dragún, Rodríguez Méndez, Brossa, Beckett, Mayorga, así como dramaturgias propias sobre textos narrativos de Joyce, Kafka, Melville, Sábato, Collazos, Beckett, Cortázar, Buzzatti... Ha dirigido también algunas de sus propias obras.
Ha realizado adaptaciones de Sófocles (Edipo rey y Electra), Fernando de Rojas (La Celestina), Shakespeare (Cuento de invierno) y Calderón (La vida es sueño y Los cabellos de Absalón).
Ha realizado traducciones de Anouilh, Cocteau, Giraudoux, Claudel, Achard y Beckett, así como de Josep M. Benet i Jornet y Pere Peyró.
Es autor de más de cuarenta textos teatrales, entre originales, adaptaciones y dramaturgias, algunos inéditos, muchos estrenados por El Teatro Fronterizo, y parte de ellos traducidos, estrenados y/o publicados en Francia, Alemania, Inglaterra, Portugal, Brasil, Italia, Grecia, Bélgica, Holanda, Suiza, Rusia, Eslovenia, Dinamarca, Bosnia-Herzegovina, antigua Checoeslovaquia, Turquía, Lituania, etc. Varias de sus obras se representan regularmente en diversos países de América Latina.
Premio de Teatro “Carlos Arniches” (1968), Premio de Poesía “Camp de l’Arpa” (1975), Premio Nacional de Teatro (1990), Premio “Lorca” (1991), Premio de Honor del Instituto del Teatro de Barcelona (1996), Premio “Max” al Mejor Autor (1998 y 1999), Premio Nacional de Literatura Dramática (2003), Premio “Life Achievement Award” del XXIII International Hispanic Theatre Festival de Miami (2008).
José Carlos Plaza
Es miembro fundador del TEI (Teatro experimental Independiente) que tiene sus actividades desde 1965 hasta 1977. Funda y codirige con William Layton y Miguel Narros el TEC (Teatro Estable Castellano), que tiene sus actividades de 1977 a 1988. Dirige el local Pequeño Teatro, de Madrid, desde 1971 a 1981. Es fundador y profesor de interpretación y dirección del “Laboratorio William Layton”, una escuela privada que se ha mantenido como sucesora del TEM desde 1961 hasta nuestros días. Ha impartido clases, además, en Pamplona, San Sebastián, Sevilla, Bilbao, Jaén, etc. Ha impartido el curso “Acercamiento al teatro”, homologado por el Ministerio de Educación en diversas universidades de España (dirigido al profesorado de humanidades de enseñanza media y superior). Dirige el taller de entrenamiento de la CIA William Layton en Madrid. Dirige el Centro de Estudios Escénicos Profesionales en Andalucía (Escenic@). Imparte Cursos de métrica y verso en Sevilla y en Madrid. Ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Teatro de 1967, 1970 y 1987, el Premio Mayte, Fotogramas, Ciudad de Valladolid, etc. Ha dirigido para televisión el programa Los jueves locos. Trabaja como director en Francia, Italia, Argentina y Alemania. Ha sido director del Centro Dramático Nacional (Teatro Nacional de España) desde 1989 hasta 1994.
Beatriz Carvajal
En 1964 comienza su carrera como meritoria en el Teatro María Guerrero.
Teatro
Intermezzo de Jean Giradoux.
El Cerco de Claudio de la Torre.
Las Noches de San Juan de R. López Aranda.
Don Juan de Alfredo Mañas.
La Zapatera Prodigiosa de F. García Lorca.
Mariana Pineda de F. García Lorca.
Yerma de F. García Lorca.
Los Árboles Mueren de Pie de Alejandro Casona.
Godspell de Tebelak.
Danza Ritual para una Ejecución de Williams Hanley.
El Hotelito de Antonio Gala.
Lázaro en el Laberinto de Antonio Buero Vallejo.
Los Salvajes en Puente San Gil de Martín Recuerda.
A Media Luz los Tres de Miguel Mihura.
Todas Tenemos la misma Historia de Dario Fo y Franca Rame.
La Mujer Sola de Dario Fo y Franca Rame.
Sabor a Miel de Shelagh Delaney.
Entre Tinieblas de Pedro Almodóvar, adaptación de Fermín Cabal.
Los Bosques de Nyx dirigida por Miguel Bosé.
Bienvenida a Casa de Neil Simon, dirigida por Gerardo Malla.
Magnolias de Acero dirigida por Ricard Reguant.
Misery dirigida por Ricard Reguant.
Cierra Bien la Puerta dirigida por Francisco Vidal.
5 Mujeres.com producida por Globomedia.
Cuentos del Burdel dirigida por Miguel Hermoso.
Cine
Padre no hay mas que dos. Director: Mariano Ozores
Martes y trece ni te cases ni te embarques. Director: Javier Aguirre
El currante. Director: Mariano Ozores
Una y sonada. Director: Alberto Iglesias
Brujas. Director: Alvaro Fernández Armero.
Corazón Loco. Director: Antonio del Real.
Ninette. Director: José Luis Garci.
Televisión
Propiedad Horizontal
Los Maniaticos, Fernando García de la Vega
Cuidado con las Personas Formales de Alfonso Paso.
El Lando de Seis Caballos de Victor Ruiz Iriarte.
Farmacia de Guardia Antonio Mercero.
Juncal de Jaime de Armiñán.
Una Hija Mas de Isaac Montero.
Lleno por Favor de Vicente Escrivá.
Quien da la Vez de Vicente Escrivá.
Carmen y Familia dirigida por Oscar Ladoire.
Hostal Royal Manzanares, Sebastian Yunyent
Mas que amigos Manuel, Ríos San Martín
Compañeros dirigida por Manuel Valdivia.
Paco y Veva dirigida por Francisco Pavón.
Aquí no hay quien viva.
La que se avecina dirigida por Goya Gutiérrez.
Premios
1994 Nominada a los premios Fotogramas como mejor actriz de televisión en Lleno por favor.
1994 Nominada al TP de Oro como mejor actriz en Lleno por favor.
1999 Ganadora del Premio como mejor actriz protagonista por la serie Compañeros. Premios Unión de Actores.
1999 Ganadora del Premio Fotogramas de Plata a la mejor actriz de teatro por Misery.
2001 Nominada al TP de Oro como mejor actriz en Compañeros.
2006 Nominada al premio como mejor actriz secundaria por Ninette de los Premios Circulo de Escritores Cinematográficos.
Magüi Mira
Actriz y directora, nace en Valencia en 1944. Estudia Filosofía en la Universidad de Valencia, se forma como actriz en Barcelona y vive en Madrid.
Lleva 25 años en las tablas dirigida por: Lluís Pascual, Alonso de Santos, Miguel Narros, William Leyton, Pilar Miró, Jaime Chavarri, Emilio Hernández, J. Carlos Plaza, Sanchís Sinisterra, P. Antón Gómez…
Interpreta textos de Shakespeare, Calderón, Lope de Vega, Lorca, Darío Fo, Mihura, Valle-Inclán, Strindberg, Joyce, Albee, Alberti, Millás, Molina Foix, Bergman, Neil Simon, Mayorga…
Ha participado en más de 20 producciones de cine y televisión. Imparte clases a actores profesionales.
Ha dirigido:
TOP GIRLS, de Caryl Churchill
EL PERRO DEL HORTELANO, de Lope de Vega. Versión: Emilio Hernández.
MOROCCO BAR, de Carles Mira Versión: Magüi Mira.
MASTER CLASS, de Terrence McNally.
EL CENSOR, de Anthony Nielson. Versión: Molina Foix, Sergi Mateu.
LA LUNA DE LLUVIA, de Colette. Versión: Magüi Mira.
UN CUENTO DE INVIERNO, de Shakespeare, Versión Sánchis Sinisterra.
LA MARQUESA DE O, de Heinrich Von Kleist, Versión Emilio Hernández.
Premios
1985 Premio Ercilla por PAREJA ABIERTA, de Darío Fo.
1995 Premio Ercilla por CRISTALES ROTOS, de A. Millar
2000 Premio Celestina de la Crítica de Madrid por CARTAS DE AMOR A STALIN, de J. Mayorga y ESCENAS DE MATRIMONIO de I. Bergman.
2001 Premio María Guerrero por ESCENAS DE MATRIMONIO, de I. Bergman.
2002 Premio Agora de dirección por EL PERRO DEL HORTELANO, de Lope de Vega.
2003 Premio Tabla a la mejor actriz del año.
Carmen Cortés, "Piezas únicas"
Las Noches del Fonseca
Jueves 8 de Julio 23,00 horas
Carmen Cortés
Piezas únicas
Programa:
La puerta del silencio- granaína
Salomé – La danza del abanico
Mujeres de Lorca- Mariana pineda/soleá
Yerma- poema/taranto
Demonios o buscando duende- bodas entre músicos
Formación compañía: Carmen Cortes
Músicos : Jesús del Rosario (guitarra)
Guadiana (cante)
Rafael Serrano (Percusión)
Carmen Cortés
Carmen Cortés, nacida en Barcelona y con raíces granadinas, es una de las personalidades con más prestigio de la danza española actual, especialmente en lo que a expresión flamenca se refiere. Ella misma se define esencialmente como “bailaora”, pero sin renunciar en absoluto a otras formas de creación dentro de la danza y el teatro, a través de una constante inquietud por la renovación y el encuentro entre el flamenco y otros modos y maneras de entender el baile.
El arte de Carmen ha conseguido aunar una dualidad difícil de alcanzar en el mundo del actual flamenco. Su baile, siendo auténtico y ortodoxo, convive perfectamente con las propuestas más renovadoras, integrándose sin problemas con elementos muy alejados del clásico componente racial.
Su concepción de la danza es rabiosamente independiente, buscando siempre la innovación. Dijéramos que los cánones flamencos pierden su rigidez con Carmen amoldándose a su creatividad pero sin omitir un ápice de su esencia. Su baile es elegante y sobrio, fuerte y frágil, delicadamente fiero, personalísimo, con una total entrega.
Carmen Cortés
Nace en Barcelona, de padres andaluces. Sus primeros contactos con la danza fueron a través del flamenco. Adquiere conocimientos de danza clásica en la Escuela del Ballet Nacional. Licenciada en Danza en 1994.
2009 FANTASÍA FLAMENCA
En este espectáculo, Carmen hace una muestra de la vinculación del flamenco con la danza española, la Escuela Bolera para pasar al más tradicional del flamenco y los últimos sonidos del mundo flamenco jazz.
2008 LA CARGA DE LOS MAMELUCOS
Coreografía a partir del cuadro de Goya junto a Mónica Valenciano como parte del espectáculo GOYESCAS. Para ello cuenta con los tambores Coliblancos y Colinegros de Úbeda y cinco cantaores.
2007 DEMONIOS O BUSCANDO EL DUENDE
Espectáculo flamenco de raíz literaria, como la mayoría de sus montajes. Inspirado en la poesía y los ensayos de José Bergamín.
2006 MUJERES DE LORCA
“… Son mujeres las que mueven las páginas del teatro de Lorca, los hombres están allí sentados en los renglones, o caminando entre líneas”. 6 mujeres de los textos de Lorca forman el conjunto del espectáculo. La idea principal ha sido sonsacar el alma de la mujer Lorca.
2005 LA PUERTA DEL SILENCIO
La puerta del Silencio nos la abre para dejarnos ciegos, sordos. Nos la abre y describe de una forma magistral su labor docente a través del arte, la danza, el cante, la música, el baile flamenco, la poesía, la pintura, imágenes que vamos tratando de recoger y encauzar por la sementera de la palabra y costumbres populares. La puerta del Silencio nos la abre para dejarnos ver la gran injusticia ante el arte y la cultura. Por eso y para dejar presente a todos los que pretender callarnos y dejarnos la mente en blanco con sus imposiciones, les haremos ver que están alrededor del arte, de la danza, del baile flamenco... pero no con él. Haremos ver que tienen una interpretación hermética. No nos vamos a detener ante la creatividad, a la imaginación, a la fantasía...
2004 CELESTINA
El espectáculo está protagonizado por tres mujeres. El ballet dramático se desarrolla a partir de una historia de amor central, la historia de Calixto y Melibea y la trágica muerte de ambos, pero su estructura dramática consiste en tres actos cada uno de ellos protagonizado por una de las tres mujeres y su propia visión de la historia. Cada una de ellas desde su personaje nos ira contando su visión del conflicto.
Dirigido por Gerardo Vera y estrenado en el Festival de Jerez de la Frontera Cádiz.
El espectáculo transcurre en una época de cambios cruciales en la historia social y política española: la Edad Media.
2003 TAMBIÉN MUERE EL MAR se alza a partir de unos poetas no escogidos al azar. Pertenecen a la llamada generación del 27, implicados en unos de los momentos políticos y socioculturales más difíciles de nuestra reciente historia.
Nos parece que revivir y vincular la obra de estos viejos poetas a nuestro arte es ahora más actual que nunca, ya que aún reconociendo el valor de gran parte de los espectáculos flamencos actuales y lo importante de su aportación, observamos en otros una pérdida de lo que fue y es este bello arte centenario.
SOLEÁ, UN SON ETERNO ha sido para Carmen Cortés una recreación visual a la vez que emocional del significado de los valores del flamenco en el transcurso de su vida personal y profesional.
Ésta es una de las obras que crea pensando mas como directora y coreógrafa que como bailaora.
Con ella ha pretendido sonsacar del alma, el aliento de sus bailarines y sus músicos para llegar hasta el final de las emociones provocadas por la Solea. Estrenado en el Festival de Otoño. Madrid 2000.
En marzo de este año 2000 ha colaborado en Le Bal de la Rose, organizado en
Mónaco anualmente y dedicado este año al escultor Botero.
RACIAL, estrenado en la Feria de Teatro de Aragón en noviembre de 1999. Es un regreso a nuestras raíces más ancestrales. Es una referencia de la fuente que hay que beber, de su sabor más flamenco. La idea de Carmen era que la Compañía sirviese como plataforma de presentación de artistas flamencos, fuesen bailaores, cantaores o músicos conocidos o no conocidos por el gran público.
Invitada para el acto de inauguración de la Universiada’99 celebrada en Palma de Mallorca. Participan Cesc Gelabert, Lucrecia, Luis Cobos, etc., hace una coreografía para 100 bailarinas.
Coreografía para su Compañía el especial de televisión Tatuaje. Dirigido por Gerardo Vera.
ASÍ PASEN CIEN AÑOS, estrenado en noviembre de 1998 en el Festival de Teatro de Valladolid.
En este mismo año 1998 fue finalista como mejor bailarina en los Premios Max de las Artes Escénicas por su obra Yerma. Alterna sus funciones con las obras Salomé y Yerma, además de la docencia y sus actuaciones como solista.
En 1997 Carmen Cortés pone en escena SALOMÉ, en versión de Oscar Wilde.
Coreografía: Carmen Cortés; música: Gerardo Núñez; dirección escénica y dramaturgia: Gerardo Vera. Es la primera vez que el Festival de Teatro Clásico de Mérida abre su Festival con Danza y es la primera vez que se pone en escena una obra emblemática como “Salomé” en versión flamenca.
En 1996 crea YERMA de Federico García Lorca. El flamenco contiene artísticamente todas las claves para expresar las emociones más ocultas del ser humano. En este caso se pretende tomar estas claves para contar Yerma, conduciendo el texto a través de la música, la danza, la interpretación.
Bases artísticas que permitirán ejemplarizar una puesta en escena simple pero muy intensa que ya están dadas en la misma obra. Situaciones y personajes, a través del flamenco, debatiéndose entre el tiempo, el amor y la muerte, tomados del Federico García Lorca y devueltos enriquecidos por una visión del mundo particular al mismo tiempo que universal.
Una Yerma que significase en esos momentos la aportación del flamenco a un tema y una idea donde el teatro era la base primordial de su propuesta.
Coreografía: Carmen Cortés; dirección y dramaturgia: Nuria Espert; dirección musical y composición: Gerardo Núñez. Esta Yerma fue seleccionada por la Fundación Federico García Lorca para formar parte del programa oficial de actividades del Centenario de Federico que se conmemoró en 1998.
Desde el Teatro Phillips de Eindhoven (Holanda) es invitada para el concierto anual de inauguración del año 1996 con la Orquesta Filarmónica de este Teatro.
En el año 1995 crea A FEDERICO; es un ballet donde se hace hincapié en la imagen del flamenco que tanto cautivó a nuestro poeta. En este ballet se resaltan los diferentes elementos que han marcado una época en la historia del flamenco. Como ejemplo podemos mencionar la utilización de la bata de cola en el baile de mujer, los palillos (castañuelas), el mantoncillo como complemento de la vestimenta o el traje típico del bailaor con su pantalón de cintura alta, chaleco, chaquetilla, camisa de chorreras o el mismo sombrero a la semejanza del traje campero o de rejoneo. A través de este ballet se van desarrollando diferentes coreografías, quedando siempre en nuestra mente las estampas flamenco-andaluzas que tanto atrajeron a este gran poeta.
En el año 93-94 gira a través de la Red Nacional de Teatros y Auditorios que coordina el Ministerio de Cultura. La gira fue con las obras EL AMOR BRUJO en una versión inédita a cuatro guitarras flamencas y LOS GABRIELES (Homenaje al café cantante de primeros de siglo).
En 1990 estrena otra obra basada en los CANTES DE IDA Y VUELTA, llamados así por sus orígenes hispanoamericanos e incluidos en nuestro más tradicional y puro flamenco. Al mismo tiempo coreografía y estrena una obra de teatro-danza, MEMORIA DEL COBRE, escrita y pensada para ella por Francisco Suárez.
Siguiendo el movimiento joven que se acentúa en el flamenco, realiza un espectáculo fusión flamenco-jazz junto al batería José Antonio Galicia, CANTOBLEPAS, y el guitarra solista Gerardo Núñez, quién se encarga de la música.
Premio Cabal al Baile 1988.
En 1988 realiza un estudio sobre el flamenco de ayer y hoy. Basándose en ello, monta un nuevo espectáculo, FLAMENCO-FLAMENCO. En él hace destacar los tres puntales del flamenco, el cante, el toque y el baile.
Forma su propio grupo con el espectáculo vanguardista ACONTRALUZ, basado en la unidad de movimientos, estética y acordes musicales.
Como contraste a la tónica general de la danza flamenca de Carmen Cortés, protagoniza la obra clásica LAS FURIAS, dirigida por Francisco Suárez y coreografía del maestro Granero.
Sole Giménez
Viernes 10 de Diciembre
SOLE GIMENEZ
Auditorio Hospedería Fonseca, 22 h
Entrada: 10 €
Natxo Tamarit - Guitarra
Lluis llario - Contrabajo
Francisco Blanco "Latino" - Saxo/Flauta
Yoel Paez- Percusión
Sole Giménez reinventa en ‘Pequeñas cosas’ once clásicos del pop español en clave de son, bolero, swing o samba.
Si Dos gardenias -su homenaje a los temas latinoamericanos que más la conmovieron-, la cantante levantina comprendió que faltaba un disco similar con el que rendir tributo a los clásicos de autores españoles que forman parte irrenunciable de su memoria sentimental.
Smash Ensemble / Ensemble Multilatérale
Jueves 28 de Octubre
SMASH ENSEMBLE / ENSEMBLE MULTILATÉRALE
Auditorio Hospedería Fonseca, 20 h
Entrada Libre hasta completar el Aforo
Concierto de Intercambios internacionales - España//Francia
SMASH ensemble (Salamanca, España)
Ensemble Multilatérale (París, Francia)
Directora - Kanako Abe-Campo
En este proyecto SMASH Ensemble / Ensemble Multilatérale interpretan con energía, virtuosismo y excelencia artística el repertorio instrumental contemporáneo de los siglos XX y XXI para difundir la música actual.
Concierto de Intercambios Internacionales - España//Francia
Grupo invitado: Ensemble Multilatérale (París, Francia)
SMASH ensemble (Salamanca, España) inicia una serie de colaboraciones internacionales con
grupos europeos para la creación de un nuevo repertorio y la internacionalización del repertorio
español. El presente proyecto parte con la idea de realizar una serie de encargos a compositores españoles y franceses para ser estrenados entre el Ensemble Multilatérale y SMASH ensemble. Los estrenos serán realizados esta noche en Salamanca y el 30 de octubre en París, dentro de la temporada de conciertos del Ensemble Multilatérale.
El presente concierto es posible gracias al gran esfuerzo de los intérpretes y compositores que
hemos decidido ofrecer un concierto con cinco estrenos mundiales para el público de Salamanca y París.
El ensemble Multilatérale, dirigido musicalmente por Kanako Abe y artísticamente por Yann
Robin, lleva a cabo los proyectos del colectivo a través de su temporada musical.
Compuesto por jóvenes músicos del Conservatorio de París, solistas del Ensemble
Intercontemporain y músicos de la Orquesta de París, Multilatérale ofrece proyectos eclécticos:
música de cámara (cuarteto de cuerda, en particular), la música mixta, espectáculos
multidisciplinarios (artes visuales, danza ...), estrenos, intervenciones educativas; multiplicando
así, sus numerosas asociaciones e intercambios artísticos desde su creación.
El grupo ha actuado en festivales como Extension (Muse en circuit), Archipel (Genève), Pontino
(Sermoneta, Italie), Plein Feux (Ivry), et dans des lieux tels que l’Opéra de Metz, l’Auditorium
Saint-Germain, le CNSMDP, le CDMC, le Théâtre Kantor à Lyon, l’Opéra Comique, le Cloître
Saint-Merry…
Multilatérale ha creado una treintena de obras de Lorenzo Bianchi, Daniel Blinkhorn, Régis
Campo, Yves Chauris, Lucas Fagin, Mateo Franceschini, Pedro García, David Hudry, Aki Ito,
Vincent Laubeuf, Matthew Lima. Grégoire Lorieux, Frédérick Martin, Sébastien Rivas, Yann
Robin, Coline Roche, Gilles Schuehmacher, Marco Suarez Cifuentes y obras de los estudiantes
de la clase de composición Allain Gaussin y Alessandro Solbiati.
El ensemble Multilatérale recibe una ayuda del Ministerio de Cultura y Comunicación - DRAC Ilede-
France y la SACEM para todas sus actividades.
S M A S H ensemble es una representación de la nueva cultura social europea, siendo un grupo
español que se enriquece con músicos de primer nivel procedentes de países como España, Francia, Escocia, República Checa, México y Alemania; una prueba del alto intercambio socio cultural que existe hoy en día.
SMASH ensemble se ha presentado en Francia, República Checa, Italia, Finlandia, México y España, dentro de festivales y temporadas de conciertos como Musiikin Aika (Finlandia), ContemPuls (República Checa), Saison Opus (Francia), Festival Internacional de Guitarra de Monterrey (México), Festival ENSEMS (Valencia), Temporada del CDMC en MNCARS (Madrid) Festival Nous Sons (Barcelona), la Quincena Musical Donostiarra, Festival de Música de Alicante.
SMASH ensemble es el grupo residente del Festival Internacional SMASH de Música
contemporánea, que alcanzará su quinta edición en 2010. Las próximas citas de SMASH ensemble en 2010 serán en el Gaida Festival (Vilnius, Lituania), Ciclo de Música Contemporânea da Guarda (Portugal) y conciertos en París, Salamanca, Madrid, Cádiz y Granada.
Su repertorio poco común y la integración de diferentes tendencias artísticas lo han llevado a
desmarcarse de la mayoría de los grupos europeos, teniendo así un sello musical íntegro y
particular. SMASH ensemble es oficialmente subvencionado por el Ministerio de Cultura Español y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música para el fomento y difusión de la música
contemporánea española.
P R O G R A M A
La recherche du temps perdu est interdite* Alberto Hortigüela
flauta, clarinete, percusión, guitarra, violín y violonchelo España (1969)
Prières* Lionel Bord
I La prière, c’est la réflexion qui s’immobilise Francia (1976)
II La prière, c’est une bête sauvage, immobile encerclée par les chiens
III La prière, c’est la mort qui veille dans son silence
flauta, guitarra y violonchelo
La escucha errática* Manel Ribera
I España (1974)
II
III
clarinete, guitarra, violín y violonchelo
Dérive 1 Pierre Boulez
flauta, clarinete, piano, percusión, violín y violonchelo Francia (1925)
rhopographie dans l’anonymat du murmure* José Luis Torá
flauta, clarinete, piano, guitarra, percusión, violín y violonchelo España (1966)
De siempre y nunca* Pierre Strauch
flauta, clarinete, piano, guitarra, percusión, violín y violonchelo Francia (1958)
*Estreno Mundial
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Solistas del Ensemble Multilatérale (París, Francia)
Florent Charpentier - Clarinete
Lise Baudouin - Piano
Nathalie Shaw - Violín
Solistas de SMASH ensemble (Salamanca, España)
Richard Craig - Flauta
Sisco Aparici - Percusión
Bertrand Chavarría-Aldrete - Guitarra
Delphine Biron - Violonchelo
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Para mayor información: www.smashensemble.com
Paco Ibáñez
Sábado, 27 de noviembre
Paco Ibáñez
Auditorio Hospedería Fonseca, 22 h
Entrada: 10 €
El mensaje vital y cultural de los más altos representantes de la poesía, atraviesa el tiempo y el espacio y llega a su mayoría.
La voz de Paco abre para todos una puerta misteriosa y secreta, la silenciosa y deslumbrante entrada hacia la poesía…la puerta de la libertad.
Pra mas información http://www.aflordetiempo.com/info2010.htm
Orquesta Barroca, "La estela italiana"
CONCIERTO DE INAUGURACIÓN
DEL CURSO 2010-2011
La estela italiana
La escuela italiana y su influencia en la Europa barroca
4 de octubre. Ávila. Auditorio de San Francisco, 20.30 horas
5 de octubre. Salamanca. Auditorio Fonseca, 20.30 horas
Recogida de invitaciones: de 11,00 a 14,00 y de 17.00 a 20,00 horas
en la Hospederia Fonseca
ORQUESTA BARROCA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
PEDRO GANDÍA (concertino/director)
Programa
Primera parte
Corelli, A. (1653-1713) Concerto Grosso op. 6 nº 10 en Do mayor, para cuerdas y b.c.
Preludio: Andante Largo – Allemanda: Allegro – Adagio – Corrente: Vivace – Allegro – Minuetto: Vivace
Vivaldi, A. (1678-1741) Sinfonia al Santo Sepulcro RV 169 en Si menor
Adagio molto – Allegro ma poco
Albinoni, T. (1671-1750) Concerto op. 9 nº 2 en Re menor, para oboe, cuerdas y b.c
Allegro non presto – Adagio - Allegro
Segunda parte
Iribarren, J. F. (1699-1767) Tocata introductoria de “Prosigue Acorde Lira” en Fa menor (sobre la op 5 de Corelli)
Adagio- Allegro
Leclair, J. M. (1697-1764) Suite de Scylla et Glaucus
Overture (Lentement-Vivement, Largo, Allegro Assai) - Sarabande- Symphonie pour la descente de Venus – First & Second air en Rondeau – Three Airs de Demons
Veracini, F.M. (1690-1768), Ouverture nº 6 en Sol m. para 2 oboes, fagot, cuerdas y b.c.
Allegro – Largo – Allegro – Menuett
Notas al programa
El desarrollo de la música instrumental en la Italia del Siglo XVIII es uno de los capítulos más apasionantes de la historia de la música. Partiendo de las técnicas de la improvisación y de la imitación de la música vocal, los instrumentistas italianos crearon un estilo original y unas reglas armónicas que –no es exagerado decirlo- forman aún la base de gran parte de la música que solemos escuchar.
Corelli, Vivaldi y Albinoni se encuentran entre los compositores más relevantes de principios del siglo. Violinistas de renombre en su época, ocupan un seguro lugar en las salas de concierto actuales y son, probablemente, los compositores italianos más recordados del XVIII.
Pero es en la segunda mitad de este siglo cuando una verdadera diáspora de compositores de este país inunda de este estilo Europa. La estela del fulgurante cometa musical italiano pudo verse desde lugares tan lejanos como Dresde o París. Para la mejor orquesta alemana del siglo XVIII, la de Dresde, compuso Veracini sus impresionantes oberturas. Y fue en París donde Leclair, llamado el “Corelli francés”, supo reunir las enseñanzas recibidas del piamontés Somis (a su vez alumno de Corelli) con el “Goût Francais”, estrenando su única ópera, la tragedia “Scylla & Glaucus”, comparable en inspiración a las grandes obras de Lully o Rameau.
Algo de esa estela iluminó, quizás, Salamanca. La partitura de la cantata “Prosigue acorde Lira” se encuentra actualmente en la Catedral de Málaga, pero sabemos que cuando Juan Francés de Iribarren viajó a lo que sería su destino definitivo llevó gran número de partituras compuestas en Salamanca, donde había sido organista entre 1717 y 1733. ¿Se compuso aquí esta pequeña joya del XVIII español? La obra es en realidad un homenaje al gran Corelli, amplificando a tres voces los dos primeros movimientos de la Sonata para violín y violone op. 5 nº IV, que este había publicado en la nada casual fecha del 1 de enero de 1700. ¡Buen comienzo de siglo!
Les dejamos con esta excepcional música y una cita del gran cronista de la época, Charles Burney.
“Es asombroso que, entre los numerosos libros sobre Italia publicados por los viajeros que han visitado ese maravilloso lugar, no haya hasta hoy ninguno que fije su mirada en el nacimiento, progreso y estado actual de la música, pues en ese país este arte ha sido cultivado con tal éxito que ha surtido a toda Europa, no ya de compositores e intérpretes, sino incluso de todas las ideas refinadas y elegantes que hay en él.
Ni una sola pintura, estatua o edificio ha quedado sin ser descrito, ninguna inscripción sin ser copiada, y sin embargo raramente se han mencionado los Conservatorios o escuelas de música, las óperas o los oratorios. Aunque todas las bibliotecas están repletas de historias de la pintura y de las otras artes, y de las biografías de los más ilustres profesores, la música y los músicos han permanecido completamente desatendidos. Y esto es aún más inexplicable, pues ninguna de las artes liberales es actualmente tan cultivada y fomentada, y en ninguna pueden jactarse los italianos de ser tan superiores al resto de Europa, como en la música”
The present state of music in France and Italy. 1773 (2ª ed.)
Pedro Gandía
ORQUESTA BARROCA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Director/Concertino primo
Pedro Gandía
Violines I
Pedro Gandía
Javier Lupiañez
Ricard Renart
Ernesto Galván
Violines II
Pedro Luis Artetxe (Concertino secondo)
Ana Montoro
Patricia García
María Ruano
Violas I
Juan Mesana
Alejandra Martín
Violas II
Antonio Peinado
Violoncellos
Mercedes Ruiz (Concertino)
Manuel de Moya
Contrabajo
Silvia Jiménez
Oboes
Pedro Castro (solista en Albinoni)
Rodrigo Gutiérrez
Fagot
Marta Calvo
Clave y órgano
Carmen Leoni
Orfeón Municipal "Ricardo Lafuente", Torrevieja
Entrada Libre hasta completar el Aforo
El Orfeón Municipal “Ricardo Lafuente” de Torrevieja es una agrupación coral formada por más de ochenta escogidas voces. Posee un repertorio de casi un centenar de obras que abarcan prácticamente todos los géneros de música coral: ópera, cantatas, misas, oratorias, zarzuelas, operetas musicales y habaneras, entre otros.
Su alto nivel profesional, junto con lo variado de su repertorio, hace que cada uno de sus conciertos consiga satisfacer al más exigente de los públicos.
Mario Ignacio Bustillo Martínez, director
Mario Ignacio Bustillo Martínez es director titular de la Coral Académica de Briansk, de la Coral San Martín de Callosa de Segura y del Orfeón Municipal “Ricardo Lafuente” de Torrevieja.
Realizó estudios de Dirección Coral en la Escuela Nacional de Música Cubanacán, en La Habana, bajo la dirección de experimentados profesores como María Felicia Pérez, Agnes Kralovsky, Digna Guerra y Zenaida Romeu. Concluyó sus estudios de nivel medio con el estreno en Cuba de la cantata escénica Carmina Burana de Carl Orff, y continuó estudios superiores de la especialidad durante cinco años en el conservatorio estatal Chaikovski de Moscú, en la clase de Boris Kulikov.
Ha trabajado como profesor de Dirección Coral, y ha dirigido coros profesionales, estudiantiles y de aficionados, mixtos, masculinos, femeninos e infantiles. Las agrupaciones corales que han estado bajo su dirección han recibido importantísimos galardones. Ha impartido clases magistrales, workshops y cursos especializados de Dirección e Interpretación Coral en diferentes países, y ha grabado, además, tres discos con la Coral Académica de Bryansk.
Como compositor ha recibido diferentes premios, entre los que destacan el Premio de Música en el XVI Concurso La Edad de Oro, por su composición de la ópera para niños Los zapatitos de rosa, sobre el poema homónimo de José Martí, y el Premio de Composición José Alarcón en totana (Murcia), por su h abanera Canta una habanera.
Además, ha recibido el premio al mejor director y a la mejor dirección en el IV Concurso Coral Internacional Budapest’97, II Concurso Coral Internacional Canto Sul… Garda y XLV Certamen Internacional de Habaneras y Polifonía.
Programa:
1. Bohemios (coro) (solo Francisco Andreu) --------------------- A. Vives
2. Coro de los peregrinos (Tanhauser) ------------------------- R. Wagner
3. Mazurca de las sombrillas (Luisa Fernanda) --- F. Moreno Torroba
4. Ave Maria -------------------------------------------------------- F. Schubert
5. Misa Brevis (Kyrie / Sanctus / Benedictus / Agnus Dei ) M. Bustillo
6. Popurrí de habaneras ----------------------------------------- R. Lafuente
7. Porgy & Bess (solo Tania Marakhtanova) --------------- G. Gershwin
8. Hello, Dolly! (solo Tania Marakhtanova) ------------------- J. Herman
9. La donna e mobile (Rigoleto) (solo Antonio García) -------- G. Verdi
10. Nessum dorma (Turandot) (solo Francisco Andreu) ----- G. Puccini
11. Popurrí latinoamericano ----------------------------- Diferentes autores
12. Marcha de la Amistad (Los Gavilanes) --------- Fernández / Serrano
Oh Trío, "Cancionero gallego"
Sábado 20 de noviembre
Auditorio Hospedería Fonseca, 20 h
Entrada libre
OH TRIO
Cancionero Gallego
Antonio Bravo guitarra acústica
Germán Diego zanfona, caja de música programable y serrucho
Diego Martín batería y percusiones
Cancionero Gallego de Oh trío está basado en melodías tradicionales del cancionero Gallego de Toner y Bal y Gay . En él recrean melodías gallegas desde el prisma de jazz y la improvisación.
Natalia Dicenta & Vicente Borland Cuarteto
Domingo 14 de Noviembre
Auditorio Hospedería Fonseca, 20 h
Entrada: 5 €
NATALIA DICENTA & VICENTE BORLAND CUARTETO
Natalia Dicenta, voz
Vicente Borland, piano, arreglos y dirección musical
Marcelo Peralta, saxo
Christian Pérez, contrabajo
José San Martín, batería
"Intérprete entusiasta de maneras siempre próximas al blues, al jazz, y cómo no, también a los estándares más sonados de la comedia musical, ésta cantante y actriz es, además, responsable de un comportamiento interpretativo, cuya expresión siempre comparece muy bien flanqueada por la excelente sección rítmica que presta el pianista panameño Vicente Borland y la banda que éste dirige.
Natalia Dicenta
Diez años después de su presentación como cantante en el Café Central de Madrid, Natalia Dicenta vuelve a la música. Los últimos cuatro años ha estado casi exclusivamente volcada en el teatro, protagonizando dos grandes proyectos.
En 2009 ha retomado su carrera como cantante con una serie de conciertos en locales y festivales emblemáticos. Cuando ya tenía el reconocimiento como actriz tomó el micrófono para cantar profesionalmente. Sus distintos conciertos en la última década, han merecido elogios unánimes de la crítica especializada.
Ahora reaparece con más entusiasmo si cabe que hace una década y con la experiencia acumulada en este tiempo.
"Si hay una figura de indiscutible ascensión en el panorama del Jazz que se hace en Madrid, ella es la cantante y actriz Natalia Dicenta. Natalia se ha hecho un hueco en cualquier programación, rescatando cancioneros de tanta importancia como los de Cole Porter, Jerome Kern, o Rogers & Hart, y proponiendo para ellos un aliento modernizador de la mano del gran pianista y compositor Vicente Borland y su banda. Una operación de prodigioso equilibrio vocal, y aún mejor resolución".
"Intérprete entusiasta de maneras siempre próximas al blues, al jazz, y cómo no, también a los estándares más sonados de la comedia musical, ésta cantante y actriz es, además, responsable de un comportamiento interpretativo, cuya expresión siempre comparece muy bien flanqueada por la excelente sección rítmica que presta el pianista panameño Vicente Borland y la banda que éste dirige.
Natalia no es, precisamente, una recién llegada a la música. Su historial hace síntesis de estudios de interpretación, danza y canto. y todo ello a partes iguales”.
Resumen biográfico
La dilatada trayectoria de la actriz y cantante Natalia Dicenta abarca casi todos los campos de las artes escénicas y audiovisuales en sus 30 años de experiencia profesional.
Entre los espectáculos teatrales en los que ha participado, cabe destacar su sorprendente interpretación en Los Persas, Réquiem Por Un Soldado, dirigida por Calixto Bieito, la temporada ´07-´08. Solas, de Benito Zambrano, bajo la batuta de José C. Plaza, entre 2005 y 2007, que le valió nominaciones a los Premios Max, Fotogramas De Plata, Ercilla Y Telón Chivas el año 2006.
A destacar también: Premio Max obtenido en 1997 por Abocados, de Maxi Rodríguez, montaje realizado para el CDN. Premio Fotogramas de Plata en 1994 por La Zapatera Prodigiosa, de F. García Lorca, dirigida por Luis Olmos, Premio Union De Actores en 1993 por Un Tranvía llamado Deseo, de T. Williams, dirigida por José Tamayo.
Además, ¡Ay, Carmela!, de J. Sanchis Sinisterra, dirigida por José L. Gómez, también le supuso el Premio AS. de Espectadores De Reus en 1991, y su trabajo en Bajarse al Moro, de J. L. Alonso de Santos, le reportó el Premio Ercilla en 1987.
Su formación académica especializada en educación de la voz, danza e interpretación, han aportado mayor solidez a sus colaboraciones en cine. Sus últimos trabajos realizados han sido La Monja, de Luis de la Madrid, en 2004, Florido Pensil, de Juan J. Porto, en 2001, año en que también participó en Hasta aquí hemos Llegado, de Yolanda G. Serrano.
En 2000 trabajó a las órdenes de John Malkovich, en la producción Pasos de Baile. En 1998 protagonizó Cásate conmigo, Maribel, de A. Blasco, y Zapping, de Juan M. Chumilla.
En Televisión, ha trabajado ininterrumpidamente desde 1980. A destacar la presentación de Lo Tuyo es Puro Teatro, magazín de actualidad teatral realizado entre 1998 y 2000. Las series LEX, 7 Vidas, Comisario, Robles Investigador Privado, La casa de los Líos y ¡Ay Señor Señor! también han contado con su presencia.
Una de las facetas más sorprendentes de Natalia Dicenta es su pasión por la música, concretamente por el Jazz. Fue en el año 1999 cuando, por una llamada del Café Central de Madrid, surgió la oportunidad de desarrollar su potencial como cantante, que le ha llevado a realizar diversos conciertos, donde demuestra, además, que maneja el inglés a la perfección en sus actuaciones.
Hemos podido disfrutar de su voz repetidamente en Café Central, Club Clamores y Calle 54. En 2003 participó como vocalista en la edición del Festival Clásicos en Alcalá, en Alcalá de Henares, y en el Festival de Jazz de Madrid. En 2001, y de la mano de Teresa Vico, por entonces directora del Teatro Albéniz de Madrid, participó en la primera edición del Festival Madrid En Canto, junto a Pedro Guerra, Luis Pastor y Martirio.
Ya en el año 2000, y en el marco del Festival de Jazz de Pamplona tuvo su primer desafío, del que salió airosa y convencida de que la música es y será parte fundamental, no sólo de su profesión, sino de su vida. En 2009 ha participado en los Festivales de Jazz Complujazz de Madrid y Jazz de Ezcaray.
Más Información: http://www.klink.org/natalia.htm
Dado Moroni
Jueves 2 Diciembre
DADO MORONI
Auditorio Hospedería Fonseca, 22 h
Entrada: 5 €
Piano Dado Moroni
Edgardo Dado Moroni (Génova, Italia, 1962) se inició muy pronto en el jazz, y con sólo 14 años ya actuaba en clubes y festivales italianos. Pronto da el salto internacional y conquista al público europeo, y unos años después se traslada a Nueva York, donde actúa en los clubes más prestigiosos. En la última década sus trabajos se han centrado en el piano solo y el trío, y su nombre ha quedado incluido en la prestigiosa Biographical Encyclopedia of Jazz.
Coro Universitario de la Academia Marítima de Gdynia
JUEVES, 21 DE OCTUBRE
ÁVILA • Auditorio de la Escuela Politécnica Superior • 20.00 h
VIERNES, 22 DE OCTUBRE
SALAMANCA • Auditorio Fonseca • 20.30 h
LUNES, 25 DE OCTUBRE
ZAMORA • Salón de Actos del Campus Viriato • 20.00 h
Entrada Libre hasta completar el Aforo
El Coro Universitario de la Academia Marítima de Gdynia se fundó en otoño de 2001. Gracias al apoyo de las autoridades de la institución universitaria, el grupo se convirtió en la entidad cultural oficial que representa a la Universidad tanto en Polonia como en el extranjero. Además de participar en las celebraciones académicas, el hace un intenso trabajo de promoción y difusión de la música vocal polaca. Ha ofrecido numerosos conciertos y actuaciones en toda Polonia, Alemania, España y Francia, donde participó en el festival “Nueva Polonia” co-organizado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional de Polonia. Ha realizado diversas grabaciones para radio y televisión, habiendo publicado en el año 2004 publicó su primer disco.
Entre sus últimos programas puede citarse la Sinfonía Jubilate de Grubba Gedinimas, ofrecida en junio de 2009, junto a la Sinfonietta Nordica, concierto que fue retransmitido por las televisiones de Cracovia y Ucrania. El pasado mes de marzo el coro ha ganado el IV festival coral de Pomerania en Szemud/Kielno.
Entre su repertorio cuenta con obras que abarcan todo tipo de estilos y épocas, desde la Edad Media hasta la actualidad, yendo desde pequeñas piezas a capella hasta grandes composiciones vocales e instrumentales. Los miembros del coro son estudiantes y trabajadores de la Universidad Martítima y, junto al trabajo cotidiano de ensayos, desarrollan un programa de talleres de técnica vocal y educación musical en general.
PORGRAMA
Fine knacs for ladies J.Dowland (1563-1626)
Tourdion P. Attaignant (fl. 1550 ca.)
Deodicamus gratias G.Homilius (1714-1785)
Tiebie pojem A. Łabiński (1871-1941)
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Je ne l'ose dire P. Certon (ca. 1510-1572)
Kołysanka J. Maklakiewicz (1899-1954)
Moyo moyo tradicional Zambeze
Hej żeglujże żeglarzu tradicional Polonia
Tenebrae facetae sunt M. Haydn (1737-1806)
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Kaming magmamani L. San Pedro (1913-2002)
Otcze nasz N. Kedrov (1871-1940)
Vexilla Regis- A. Bruckner (1824-1896)
Good news Espiritual (arrr. W. Kelber)
Cielito lindo arr. M. Frey
"La Pasión" y Los Tambores de Calanda
Asociación de Antiguos Estudiantes, Amigas y Amigos de la Universidad de Salamanca. Pionera en España.
Ser estudiante de nuestra Universidad, no es algo puntual y pasajero, es algo más que una etapa de la vida, son los años en los que se forja una carrera, una persona, una trayectoria, donde se define una personalidad y un proyecto de vida. También es un momento en que se crea un vínculo, un compromiso, una unión entre cada uno de nosotros y nuestra Universidad, la de Salamanca.
Para que esta conjunción sea real, se actualice, mantenga su fuerza y se renueve cada año, necesitamos que los que han pasado por estas aulas sigamos vinculados a la Universidad. Y así lograr que nuestra Asociación sea de verdad una reunión de todos nuestros conocimientos, fuerzas e ilusiones.
Nuestro fin es perpetuar el significado original de la palabra estudiante, y que todo el que haya pasado por esta casa, no sólo se sienta orgulloso de seguir haciéndolo, sino que no deje nunca de aprender, de preguntarse, de inquietarse y conmoverse, de pensar y sentir, de aprender y saber, de ser mejores y más sabios.
Entre todos sí es posible, porque detrás de cada uno hay conocimiento, proyectos, anhelos, empresas, en definitiva, eres TÚ y en este proyecto maravilloso que es la Universidad de Salamanca nos gustaría contar siempre contigo.
Y es que con tu experiencia, empuje, sentido del humor, interés, esfuerzo, alegría compartida, colaboración, empatía, capacidad de relación, amor por nuestra Universidad... nos permitirán forjar a base de PASIÓN una Asociación que mañana cumplirá cincuenta años y un día. Otra brillante mañana llena de esperanza.
La Pasión de Miguel Ángel Berna y Los Tambores de Calanda.
Miguel Ángel Berna y Los Tambores de Calanda se conocieron al ser seleccionados individualmente como representantes de España en la Exposición de Aichi (Japón) en 2005. Indirectamente, volvieron a coincidir en el documental realizado por Carlos Saura para la Exposición Internacional de Zaragoza en 2008. Fruto de estos encuentros, en 2010 han comenzado a trabajar conjuntamente para realizar su obra, La Pasión. Un cara a cara entre la Danza y el sonido de los Tambores.
La Pasión es fruto de unos artistas innovadores, sensibles, reservados, meticulosos y esforzados con su trabajo, que ambicionan crecer mediante la fusión, logrando transmitir algo tan íntimo que nos ofrece una obra llena de estremecedoras alegorías, sobrias y contundentes.
Posiblemente el hecho de elegir la Universidad de Salamanca para su estreno absoluto nos indica que la Celebración del 50 Aniversario de su Asociación de Antiguos Estudiantes, Amigas y Amigos no es sólo un acontecimiento relevante, sino una verdadera declaración de intenciones, pues ya se vislumbra el 800 cumpleaños del Alma Máter.
50 Aniversario ASUS: Vivir para sentirlo
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Al filo de la vida.
Heridos, porque estamos vivos
Mientras en primavera, siempre en primavera
Luego, remendar los desgarros Javier Espada |
Big Band Universidad de Salamanca
Domingo 19 de Diciembre. 20,00 horas.
Auditorio de Fonseca Jazz
Entrada libre hasta completar el aforo
Big Band de la Universidad de Salamanca
El concierto de la Big Band Universidad de Salamanca en el mes de diciembre va convirtiéndose en una cita tradicional. Como en ocasiones anteriores, en él se abordará un repertorio que cruza desde el bebop o el funcky al latin jazz, pasando por temas y estilos propios las swing o las hot bands.
La Big Band Universidad de Salamanca comenzó su andadura como orquesta de jazz en el año 2000. En la actualidad está compuesta aproximadamente por unos veinte músicos reclutados de entre alumnos y profesores de la propia Universidad y Conservatorios de Música de la ciudad. Son numerosos los músicos del panorama del jazz español e internacional los que han contribuido al enriquecimiento musical de este grupo entre los que cabe mecionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgina, German Kucich, Iñaki Sandoval, Miguel A. Blanco o Iñaki Askunze.
Coro de Cámara, "Al resplandor de una estrella"
Al resplandor de una estrella
Francisco Guerrero (1528-1599)
Música para la fiesta de Reyes
Coro de Cámara de la
Universidad de Salamanca
Director: Bernardo García-Bernalt
Sábado 18 de diciembre
Capilla del Colegio Fonseca, 20:30 horas
ENTRADA LIBRE
CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, que el pasado curso cumplió sus 25 años de vida, fue fundado por miembros del Coro Universitario, con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el “reestreno” de partituras inéditas correspondientes a este periodo. Asimismo, en los últimos años es frecuentemente invitado a abordar, junto con distintas orquestas, música de los siglos XIX y XX.
Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987 el ciclo “Música da época das descobertas” (Lisboa 1988), la I Muestra de polifonía española (Würzburg 1987), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia 1991), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid, 1992), la Semana de Música de Canarias (1992), “Música en la España de la expulsión” (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York, 1992), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII (1993), Semanas de Música Religiosa de Salamanca (1997,1998, 2000 y 2002), XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa 1997), Porto 2001, Los Siglos de Oro (2002), temporada de ópera barroca de Salamanca (2003), ciclo de conciertos de Navidad de Caja san Fernando (2004), ciclo “Plaza Sacra” (Salamanca 2005), Festival “Florilegio” (2006 y 2008), FEX del Festival Internacional de Música y Danza de Granada (2006), el X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza (2006), X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca) (2007), el ciclo de polifonía “Victoria y su tiempo” (Ávila 2007), Piedras sincopadas (Salamanca 2008) etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo, ha realizado diversas grabaciones para RNE clásica.
Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca “Il Fondamento”, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la orquesta de cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca. El Coro ha sido dirigido por músicos como Wim ten Have, Paul Dombrecht, Eduardo López Banzo, Jacques Ogg, Manuel Morais, Gerard Caussé, Juan José Mena, Omri Hadari, Gabriel Garrido, Manel Valdivieso, Luis A. González Marín, Carlos Cuesta, Federico M. Sardelli etc.
Desde su fundación el coro es dirigido por Bernardo García-Bernalt, director, asimismo, del Coro Universitario y de la Academia de Música Antigua de la Universidad salmantina.
***
Cantus I: Ana Serrano, Bárbara Gomulka, Elena Redondo, Mercedes Martín, Noemí Pellejero.
Cantus II: Concha Yáñez, Gloria Ramos, Lourdes Diego, Raquel Nieto.
Altus: Beatriz Mayoral, Carlota Hernández, Concha Delgado, Cristina Alario, Elisa Traubinger.
Tenor: Carmelo Hernández, Javier González-Tablas, Pedro Fernández.
Quintus: Alejandro Gago, Carlos Fernández, David González-Iglesias, Javier García.
Bassus: Alberto Miniño, Álvaro de Dios, Carlos Conde, Jesús Plaza.
Al resplandor de una estrella
Francisco Guerrero (1528-1599)
Música para la fiesta de Reyes
Vesperae. In Epiphania Domini
(Liber Vesperarum, Roma 1584)
Salmo 109. Dixit Dominus
Salmo 110. Confitebor tibi Domine
Salmo 111. Beatus vir
Salmo 112. Laudate pueri Dominum
Salmo 147. Lauda Ierusalem
Himno. Crudelis Herodes
Magnificat
Canciones y villanescas espirituales
(Venecia 1589)
Juyzios sobre una estrella
Pues la guía d’una estrella
Al resplandor d’una estrella
Los Reyes siguen la’strella
A un niño llorando al hielo
The Sunday Drivers
The Sunday Drivers
Viernes 21 de mayo. 22:00 horas
Auditorio de Fonseca
Entrada 5 €
The Sunday Drivers
The Sunday Drivers
La historia de estos cinco tipos de Toledo comenzó allá por el 99 cuando aún eran cuatro: Jero Romero (voz), Miguel de Lucas (bajo), Carlos Pinto (batería) y Fausto Pérez (guitarra)... dos años después incorporaron a Julián Maeso (teclados). El sello Rock Indiana se fijó en ellos y editó el que fue su primer disco homónimo y extraería el single “Time, Time, Time”, soporte sonoro en varias campañas promocionales televisivas (Turismo de C-LM, Caja de C-LM).
Fichados por December Producciones, después de empezar a participar en festivales (Lemopop, Espárrago…) y ser finalistas del Villa de Bilbao, The Sunday Drivers sorprenden a prensa y público con una gran actuación en el Festival de Benicassim (FIB) 2003.
Era previsible que el nuevo disco estaba al caer… así que Little Heart Attacks ve la luz en junio de 2004 con la inclusión del galés Lyndon Parish (teclados, guitarra) como nuevo miembro del grupo.
La gira del álbum fue una de las más intensas al visitar algunos festivales y participar de nuevo en el FIB 2004, recibiendo el abrazo de un público cada vez más fiel.
A medida que la fama de The Sunday Drivers crecía, se añadían más fechas al calendario de conciertos, siendo cabezas de cartel en festivales como Metrorock, Sonorama, Contempopranea… y a los que añadirían algunos internacionales como Les Transmusicales de Rennes (Francia), donde fueron una de las revelaciones y elegidos por los críticos del festival como uno de los mejores cinco conciertos.
Fue un gran salto fuera de nuestras fronteras; el disco fue publicado en Francia, Bélgica, Suiza, Holanda, Grecia… visitaron los festivales franceses Vieilles Charrues, Rock in Seine, Les Mediterranées, ArtRock, Eurockeenes, aparte de grandes citas internacionales como Nuits de Botanique (Bruselas), Eurosonic (Groningen), Rockwave (Atenas), Popkomm (Berlín), Spot (Dinamarca), Chant Du Gros (Suiza), además una gira de 11 fechas en Francia y otras 25 en España (entre otras, acompañando a artistas como Wilco o Paul Weller).
El single “On my mind”, un auténtico hit internacional, ha sido utilizado para BSO de la película de Hollywood Penélope y de otras españolas como El juego de la verdad. El resultado, cerca de 30.000 discos vendidos en Europa (premio Impala Sales 2006).
En 2007 llegó una nueva etapa con Tiny Telephone. Sus 10 temas fueron grabados en San Francisco bajo la batuta de Brad Jones (Josh Rouse, Bobby Bare Jr.). Tiny Telephone fue publicado por Naive en Francia y distribuido en Alemania, Bélgica, Holanda y Suiza.
Su esperado regreso a los escenarios se hizo notar en cada uno de los conciertos que ofrecieron en festivales como Bilbao Live, Summercase, Sonorama, Greenspace… en su extensa gira en Francia y Suiza, y muy especialmente en las diferentes ciudades españolas como Madrid, Barcelona, Valencia, Santiago, Sevilla… donde el público agotó las entradas. Un éxito advertido por hechos como que Tiny Telephone fuera el disco más vendido en Fnac en su primera semana en el mercado o que “Paranoid” fuera elegido “Tema de la semana” (2.5.2007) en iTunes Francia.
El primer single “Do It” se convirtió en otro éxito internacional, empujado también por apariciones de la banda en televisión (Buenafuente, No Disparen al Pianista), y siendo banda sonora de series televisivas (Cuestión de Sexo, etc.), o anuncios comerciales (Cruzcampo Light)
The Sunday Drivers han editado (15 junio 09) el que es su cuarto trabajo, The End of Maiden Trip, grabado en directo en los estudios Red Led de Madrid con José María Rosillo como productor. El disco está teniendo una enorme acogida en prensa y público, el grupo hizo varias fechas importantes en verano: Día de la Música, Plaza Mayor de Salamanca, Festival Sonorama, FIZ de Zaragoza, Estadio Olímpico de Barcelona (con Coldplay). La gira de presentación del nuevo álbum comenzó en octubre de 2009, apoyada promocionalmente con el videoclip del primer single “My Plan”. En este tiempo, han llenado salas y teatros en Barcelona, Valencia, Zaragoza, Granada, Bilbao, Albacete, Alicante, Vitoria, etc.; y han colgado el “no hay billetes” en La Riviera de Madrid. Aparte de continuar su gira española hasta verano de 2010, en marzo harán una minigira europea que incluye Londres, Marsella, Mulhouse, Cognac y Bretaña.
Utreia, "Rojo Sepia"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Jueves 15 de abril
ULTREIA
Rojo Sepia
Dramaturgia y dirección: Berta Joven
FICHA ARTÍSTICA
Estela Peral María
Max González Pepe
Macarena Rivas Samira
Noelia Domínguez Mónica-Trini
Pedro Joven Ángel-Juan
Esther Hernández Rosa
Coreografía Laura González y Estela Peral
FICHA TÉCNICA
Escenografía y vestuario Estela Peral
Iluminación Ultreia
Sonido Berta Joven
SINOPSIS
La noche de San Juan, Samira, empleada en una frutería del Mercado Central
de Salamanca, encuentra una medalla en una caja de cerezas. A partir
de ahí comienza a descubrir el misterio de la vida de María, una chica que
trabajó en la misma frutería que ella cincuenta años antes. El mundo de las
compañías de revista musicales y el Mercado Central de Salamanca en la
década de los cincuenta se mezclan a través del personaje de María y un
camerino del Teatro Bretón. Una enigmática profesora de Lengua es la
única fuente de respuestas y el enlace de Samira con la vida de su análoga.
Dos vidas paralelas en épocas distintas que tienen en común el destino y el
color sepia de las fotos antiguas
Teatro Lunático, "Estocolmo"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Lunes 19 de abril
TEATRO LUNÁTICO
Estocolmo
Dramaturgia y dirección: Catalina García García-Herreros
Dramaturgia y Dirección: Catalina García García-Herreros
Vivir quiero conmigo,
gozar quiero del bien que debo al cielo,
a solas, sin testigo,
libre de amor, de celo,
de odio de esperanzas, de recelo
Fray Luis de León
Felices los flexibles
Juan Antonio González Iglesias
PIEZA TEATRAL EN TRES PÁRRAFOS
Párrafo primero
Aniquilar no es vencer
Párrafo segundo
Resistir no es alcanzar
Párrafo tercero
«Felices los flexibles»
REPARTO POR ORDEN DE INTERVENCIÓN
Julia Rosales Shirin Azarnoush
Mateo Robles Villena Juan Medina Gallego
Pablo Márquez Miguel Tomé Caballero
Lucas Almansa Miguel Velasco Hermosa
Marta Figueroa Claudia Sánchez Gutiérrez
Diseño de luces Esteban Arévalo Ibáñez
Catalina García García-Herreros
Música y Espacio sonoro Shirin Azarnoush
Catalina García García-Herreros
Coreografía Catalina García García-Herreros
Control de luces Diego Arias Fuentes
Control de sonido Catalina García García-Herreros
Escenografía, utilería y vestuario Grupo Teatro Lunático
SOBRE ESTOCOLMO
Hace frío en la violencia.
Cinco personajes en escena, dos tiempos narrativos distintos, tres espacios
superpuestos y tres hilos que se anudan, o se enredan, para intentar llegar
al meollo del asunto: ¿Qué es “libertad”?
Estocolmo es un ensayo teatral que pretende indagar en nuestra idea, individual
y social, de libertad, tomando como punto de partida una situación
de secuestro como escenario límite. El horror que acciona la violencia de
una situación tal es el desencadenante de una trama argumental tejida en
torno a la pregunta sobre la realidad de las muchas libertades posibles y
sobre la necesidad de redefinir el concepto “libertad” en una sociedad cada
vez más expansiva y voraz en los recursos de su individual hedonismo.
Un hombre que, por cansancio, decide comprender las razones de su carcelera.
Una mujer que, por miedo, decide someterse al maltrato de su esposo. Una
mujer que, por lealtad, decide acallar el impulso de su fuerza de voluntad hasta
morir. Cinco víctimas que son, a su vez, los victimarios. Un secuestrado, un
preso, dos mujeres muy distintas y muy iguales, tres hombres que levantan la
voz y cinco personajes atados e inmóviles en la maraña de sus propias convicciones,
que tal vez sean las nuestras. ¿Cuántos de nosotros aceptamos de buen
grado la mordaza? ¿Cuántos de nosotros hemos sido uno de ellos?
Bienvenidos a Estocolmo. Será grato refugiarse
al amor de un escenario cuando hace tanto frío
adentro.
Catalina García García-Herreros
AGRADECIMIENTOS
A nuestros padres, dadores universales, por la inagotable generosidad.
A los maestros, a quienes fueron lectores primeros de un texto recién nacido, por la
acertada amabilidad en las palabras y por el amable acierto en los consejos.
A los poetas, por la inspiración y los epígrafes.
Al “Centro Cultural Miraltormes” por abrigar nuestros domingos de pasión.
A “Participación Ciudadana” por la llave mágica y por hacer posibles los primeros
pasos de estos personajes en un escenario “de verdad”.
A los conserjes de la Facultad de Filología, por la eterna y palaciega P1 en horario de
comedor.
A los lunáticos de antes (es decir, los de siempre: Miki, Toño, Esteban, Alberto, Andreína,
Daniela, Diego, Andrea, Cote, Roy, Lucía y Estela) y a los lunáticos de ahora (es
decir, los que, contra todos los elementos del azar, seguimos siendo), a los lunáticos
que viajan y regresan, a los que simplemente viajan y a los que nunca se van. (Soy
la Luna y ¡os quiero!).
A los libros, a la primavera, a los melocotones, a la música, a las palabras y, también,
por encerrarnos en casa, a la lluviosa crudeza del pasado invierno.
A los relojes que no marcan las horas.
A mi hermana, siempre y tanto, por la fuerza y por el ejemplo.
A usted, por ser y por estar.
A los amigos todos.
A los sueños que son vida en las tablas y a las tablas que hacen tangibles los sueños
Smash Ensemble
Jueves 29 de abril 20,30 horas
Auditorio Hospederia Fonseca
Entrada Libre hasta completar el aforo
SMASH ensemble
Schubert, Tárrega, Dante, Proust... ¡Aún la cola falta por desollar!
Lied (1993) Beat Furrer
violín y piano (Suiza, 1954)
Ezkil (2002) Ramón Lazkano
guitarra (España, 1968)
Pour entrer... s’y profilait (2008) Alberto Hortigüela
violonchelo y guitarra (España, 1969)
Pausa
doppio lume s’addua (figure of grammar) (2007) José Luis Torá
violonchelo, guitarra y CD (España, 1966)
Trio (1982) Gyorgy Ligeti
I. Andantino con tenerezza (Hungría, 1923-2006)
II. Vivacissimo molto ritmico
III. Alla marcia
IV. Lamento, Adagio
trompa, violín y piano
Solistas de SMASH ensemble
Manuel Gran, trompa
Bertrand Chavarría-Aldrete, guitarra
Pablo López, piano
Andrés Balaguer, violín
Delphine Biron, violonchelo
Comentarios
Lied (1993), de Beat Furrer
Violín y piano
El violín y el piano no pueden encontrar una métrica mutua: se acercan y se alejan uno del otro constantemente en tempos ligeramente diferentes.
El sonido parece recordar el motivo inicial del lied Auf dem Flusse del Winterreise de Schubert; parece, sin ser citado, escuchado a la distancia.
Beat Furrer
Ezkil (2002), de Ramón Lazkano
Guitarra
Escrita en homenaje a Tárrega por encargo de José Luis Ruiz del Puerto, y a él está dedicada, Ezkil (del euskera, campana) retoma en un universo desvirtuado algunos arquetipos de la escritura guitarrística, inmersos en armonías indefinidas o desarticuladas –favorecidas por una scordatura en cuartos de tono que permite desplegar resonancias inhabituales– y a su vez dilatadas por armónicos virtuosísticos y gestos recurrentes que balbucean el discurso.
Ramón Lazkano
Pour entrer... s’ y profilait (2008), de Alberto Hortigüela
Para violonchelo y guitarra
La pieza Pour entrer... s’y profilait para guitarra y violoncello toma su título de un fragmento de la novela de Marcel Proust “Albertine disparue”, perteneciente a su monumental À la recherche du temp perdu. El fragmento de texto elegido es, por así decirlo, leído, recitado por los instrumentos. Es, pues, una obra que surge a partir de la palabra y su sentido, de la calidad sonora de su prosodia y del devenir de la simbiosis entre ambos. Pero también, y dado que la voz humana como categoría instrumental tradicional está ausente, es una obra que tiene que ver con el juego de posibilidades que aparecen a partir de la no presencia de la voz como transmisor del texto y, tal vez, con la imposibilidad de sustituirla. Como resultado, el texto aparece de forma muy esporádica, discontinua, pero ello no supone que haya sido deliberadamente fragmentado.
Su predominante ausencia y su momentánea aparición en la superficie muestran metafóricamente la puesta en escena contradictoria del sentido ante la imposibilidad de su verbalización de un modo continuo, y más allá, la contradicción entre el hecho sonoro tal y como se nos aparece y su esencia última.
Vista desde el punto de vista de la forma musical, esta pieza se podría decir que es un lied, o mejor, un lied ohne worte (canción sin palabras). Pero aquí nos encontramos nuevamente con una leve contradicción. No es esencialmente una canción sin palabras, puesto que no sólo hay referencia instrumental a un texto, sino que éste, aunque sólo sea esporádicamente, aparece. Pero tampoco es un lied, pues falta la voz, el canto. La palabra está incrustada como parte del entramado instrumental pero, a su vez, ese entramado se fundamenta en ella. Como la palabra misma, la pieza se sitúa en una región de frontera, incrustada en lo vocal pero de esencia instrumental y viceversa.
doppio lume s’addua (figure of grammar) (2007), de José Luis Torá (1966)
Violonchelo, guitarra y CD
Será Gerard Manley Hopkins (1844-1889), uno de los principales poetas ingleses del siglo xix, el primero en llamar la atención sobre determinados aspectos de la gramática del lenguaje poético y, esencialmente, sobre lo que él que denominaría “figuras gramaticales” (figurae verborum). “A figure of grammar can be shifted to other words with a change of specific meaning but keeping some general agreement” (On the Origin of Beauty: A Platonic Dialogue, 1865) [Una figura gramatical puede ser cambiada por otras palabras con un cambio del significado concreto, pero manteniendo cierto acuerdo común].
llorar sin premio y suspirar en vano… (Góngora)
Because I do not hope to turn again
because I do not hope
because I do not hope to turn… (Eliot)
Schwerer werden. Leichter sein. (Celan)
Establecer la estructura gramatical de una frase (poética o musical) como espacio cerrado y fijado de antemano, en el cual la semántica es forzada y alterada para permitir la escucha del lenguaje mismo [“es en el lenguaje, y solamente en el lenguaje (y en particular, en la forma gramatical del discurso), donde las entidades ficticias llegan a adquirir existencia: su imposible y al mismo tiempo indispensable existencia”, Jeremy Bentham (1748-1832), Teoría de las ficciones]. Plantear un discurso basado, de hecho y fundamentalmente, sobre una única frase, compuesta de modelos sencillos, susceptibles de repetición, diferenciándose sólo en su aspecto exterior, material, o bien en modificaciones en el interior de su nueva aparición.
Siempre como búsqueda de una música sin imágenes, en la que la figura gramatical ocupe el lugar de los tropos.
José Luis Torá
Trio (1982), de Gyorgy Ligeti
Trompa, violín y piano
Creando diferentes células melódicas y armónicas con relación a diferentes intervalos (sexta menor, tomada como una variación irónica o desfasada de las quintas de la trompa) junto a complejidades formales y polifónicas desde el punto de vista métrico, fue creada la presente obra.
Durante la composición del primer movimiento tenía la visión de una música muy lejana, dulce y melódica, que nos llegaría a través de pantallas de cristales atmosféricos. El segundo movimiento es una danza polimétrica muy rápida, inspirada de diferentes músicas folclóricas (desde Europa del Este pasando por África y llegando el Caribe). El tercer movimiento es una marcha que funciona con diferentes trazos rítmicos desfasados en un trío homófono, siendo una variación de la forma del primer movimiento, siendo ambos movimientos de una forma A B A. El cuarto y último movimiento es una variación cromática de los movimientos diatónicos precedentes en forma de Passacaglia. Con una estructura ósea de 5 compases que se diluirá a través del tiempo hasta llegar a 5 acordes.
Concebido como un homenaje dedicado a Brahms, quien con el trío con trompa pone como ejemplo una inigualada y particular formación de cámara en el cielo musical. A pesar de todo, no existe cita alguna o influencia de Brahms; mi Trio ha sido escrito a finales del siglo xx y es, por su construcción y expresión, música de nuestro tiempo.
Gyorgy Ligeti
SMASH ensemble
Con sede en Salamanca, SMASH ensemble es una representación de la nueva cultura social europea. Con músicos procedentes de Franci
a, Escocia, República Checa, México, Alemania y por supuesto España, es una prueba del alto intercambio socio cultural que existe hoy en día.
SMASH ensemble se creó con el objetivo de hacer sentir a través de la música la reflexión de los creadores actuales, siendo así una entidad de transmisión entre la voz del compositor y la sociedad en que vivimos. Crea así un espacio abierto de intercambio único en su género, donde se busca que el arte y en este caso la música forme parte de la vida de los individuos que integramos la sociedad.
En sus cuatro años de trayectoria SMASH ensemble se ha presentado en París, Burdeos, Viitasaari (Finlandia), Praga, Roma, México D.F., Morelia y Monterrey (México). En España ha sido invitado a la Temporada del CDMC en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Festival ENSEMS y Mostra Sonora (Valencia), Ciclo de Músi
ca Improvisada y Festival Nous Sons (Barcelona). En sus próximas actuaciones del año 2010 se encuentran las de la Quincena Musical Donostiarra y el Festival de Música de Alicante.
Su repertorio poco común lo ha llevado a desmarcarse de la mayoría de los grupos europeos, teniendo así un sello musical íntegro y particular.
SMASH ensemble es oficialmente subvencionado por el Ministerio de Cultura Español y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música para el fomento y difusión de la música contemporánea española.
Q Dúo Percusión
Martes 27 de abril 20,30 horas
Auditorio Hospederia Fonseca
Entrada Libre hasta completar el aforo
Q DÚO PERCUSIÓN
José Antonio Caballero
Alejandro Sancho
Programa
Losing Touch (vibráfono y electrónica) Edmund Campion
Wodden Music (dos marimbas) Richard O’Meara
temazcal (maracas and tape) Javier Álvarez
Dialogue (marimba y vibráfono) Garet Farr
Q DÚO percusión se forma en el seno del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, en las Jornadas de Música del siglo xx, participando como dúo en las tres últimas ediciones. Ambos desarrollan tanto la labor pedagógica en el conservatorio como la de instrumentistas en diferentes orquestas y con distintas formaciones en el ámbito camerístico.
Alejandro Sancho Pérez
Alejandro Sancho Pérez nace en Valencia en 1970. Inicia sus estudios de percusión en la escuela del Ateneo de Enseñanza Banda Primitiva de Lliria, sigue con sus estudios profesionales de percusión en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia, y en 1995 finaliza sus estudios superiores en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, obteniendo el Premio Fin de Carrera.
Ha asistido a cursos y clases magistrales con numerosos percusionistas y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta de la RTVE, Orquesta Consorcio de Córdoba, Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta Sinfónica de Valencia, Orquesta del Principado de Asturias y Orquesta Sinfónica Europea del Mediterráneo.
En el ámbito camerístico, ha sido miembro del grupo de percusión Tabir en Madrid, y el grupo de música contemporánea Ensemble Ciudad de Segovia. Ha formado parte de Proyecto Sonata, SMASH ensemble y Proyecto Persax, y ha colaborado con el Conjunto Instrumental, grupo de cámara perteneciente a la OSCYL, y con el Grup Instrumental de Valencia, y ha participado en los conciertos de cámara del Festival de Música y Academia de Santander.
Su labor docente se ha desarrollado en el Conservatorio Profesional de Música de Lliria (Valencia) (1993/1994) y en el Conservatorio Profesional de Música de Segovia (1994/1999). Desde el curso 1999/2000 trabaja y reside en Salamanca, donde ejerce en el Conservatorio Profesional de Música de Salamanca.
Ha realizado cursos de percusión en Salamanca, Granada, Lleida, Segovia, Ciudad Rodrigo, Lliria (Valencia).
José Antonio Caballero
Después de realizar los estudios superiores de música en Alicante y Barcelona, ingresa en el Conservatorium van Amsterdam para realizar un posgrado de percusión durante cuatro años, mientras tanto fue miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad Valenciana, Jove Orquestra Nacional de Catalunya, Joven Orquesta Nacional de España y de la Gustav Mahler Jugend Orchester. En el ámbito profesional perteneció a la Orquesta Sinfónica Ciudad de Oviedo, hoy Oviedo Filarmonía, a la Orquesta Sinfónica de Bilbao y Orquesta Sinfónica de Castilla y León, además de colaborar con gran parte de las orquestas españolas y del extranjero como Real Filharmonía de Galicia, Orquesta Ciudad de Granada, Sinfónica de Navarra, Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Orquesta de Extremadura.
Ha participado junto a distintas agrupaciones camerísticas en numerosos festivales de música como el Ensems de Valencia, Melorritmos en Palencia y Festival de Música Contemporánea de Alicante, entre otros. Ha estrenado en España de Dissipation of Thought para flauta, percusión y electrónica en vivo del compositor norteamericano Jeff Herriot.
Actualmente es profesor de Percusión en el Conservatorio Profesional de Música de
Orquesta Barroca y Coro de Cámara, "Del templo al palacio"
Del templo al palacio
Mozart: Vesperae solennes de Confessore (KV 339)
Orquesta Barroca y Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca
Soprano: Raquel Andueza
Dirección: Pedro Gandía y Bernardo García-Bernalt
día 17 de mayo:
día 18 de mayo: Auditorio de la Hospedería Fonseca Salamanca, Auditorio Fonseca, 20:30 horas
El manuscrito autógrafo de las Vísperas solemnes de Confesor es firmado por Mozart en Salzburgo el año de 1780. Siguiendo las tradiciones compositivo-litúrgicas del entorno, el autor pone música a los cinco salmos y al Magnificat, acatando algunas de las convenciones formales al uso, como son el empleo de trompetas y timbales en los dos “movimientos” extremos (el Dixit Dominus y el Magnificat). El resultado es una obra que une la solidez de su estructura a una extrema inspiración (forma parte de ella el bien conocido Laudate Dominum). A excepción del salmo Laudate pueri, que está escrito en “stile antico”, las líneas instrumentales se mantienen usualmente independientes, en diálogo con el tejido polifónico vocal, al que se contraponen, replican o glosan.
Originalmente la obra está concebida para una acústica generosa, como la de la catedral de Salzburgo, pero una petición del propio Mozart justifica su programación fuera de un contexto litúrgico. En una carta a su padre desde Viena, en 1983, le solicita que le envíe, entre otras, una copia de sus dos juegos de Vísperas (las presentes y las Vesperae solennes de Dominica KV 321) para poder interpretarlas en uno de los conciertos (musikalischen Übungen) que se organizaban en el palacio del barón van Swieten. Parece que para Mozart, como para buena parte del oyente actual, su música es, sobre todo, y por encima de consideraciones funcionales, precisamente eso: música.
Nivel 6, "Teatro a la cama con esposas y fustas"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Martes 20 de abril
NIVEL 6
Teatro a la cama con esposas y fustas
ACTORES
Carlos Mateos
Álvaro Jiménez
Juan Álvarez
Esta comedia absurda está conformada por varios sketches que se entrelazan
con la vida de los actores cuando no están actuando. La teatralidad se
une a la meta-teatralidad para crear una obra llena de humor absurdo con
toques de sarcasmo que no dejará indiferente al espectador.
El grupo nivel 6 está compuesto por tres actores, Carlos, Álvaro y Juan. Después
de muchos años trabajando independientemente en el mundo del
humor, por fin deciden juntarse para formar un grupo con mucho nivel,
concretamente el 6.
Sonido Emilio Godoy
Luces Enrique Santiago
Muestra Teatro Universitario
ABRIL
Del 14 al 21
MUESTRA TEATRO UNIVERSITARIO
| MIERCOLES 14 | CAPICUA | Caminos Cruzados |
| Dramaturgia y dirección: Virginia Ledesma | ||
| JUEVES 15 | ULTREIA | Rojo Sepia |
| Dramaturgia y dirección: Berta Joven | ||
| VIERNES 16 | ETERNO | La vida es teatro |
| Dirección: Andrea de Cea y Tania González | ||
| Dramaturgia: Andrea de Cea | ||
| SABADO 17 | INERCIA | Manual Abreviado del Perfecto Budista |
| Dramaturgia y Dirección: Héctor Toledo | ||
| LUNES 19 | TEATRO LUNÁTICO | Estocolmo |
| Dramaturgia y dirección: Catalina García García-Herreros | ||
| MARTES 20 | NIVEL 6 | Teatro a la cama con esposas y fustas |
| (no recomendada para menores de 13 años) | ||
| MIERCOLES 21 | L'ATELIER DE THÉÂTRE | (Filología Francesa - USAL) |
| La kermesse héroïque, | ||
| Dirección:Michel van Loo. | ||
Coro de Cámara, "Lux aeterna"
CONCIERTO 25 ANIVERSARIO
CORO DE CAMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
LUX AETERNA
Dirección: Bernardo García-Bernalt Alonso
Viernes 23 de Abril 2010
20:30 horas
Auditorio Fonseca
Entrada libre
Programa
Lux aeterna
Josef Rheinberger (1839-1901)
Requiem en re menor (op.194, 1900)
Introitus et Kyrie
Tractus
Offertorium (Domine Jesu Christe-Hostias et preces)
Sanctus
Benedictus
Agnus-Communio
Passionsgesang (op. 46, 1867)
1.-Zum Kreuzestode führen sie. Andante molto
2.-Kann nichts zurück ihn bringen. L’istesso tempo
3.-Er ruft, den Schmerz zu fassen. Adagio non troppo
4.-Blick auf, gesenkter kummer. Tempo primo (Andante molto)
5.-Nun wallet Klarheit nieder. Grave
Stabat Mater en sol menor (op. 138, 1884)
Stabat Mater . Andante molto
Quis est homo. Molto lento
Eia Mater. Con moto
Virgo virginum. Maestoso-Marcato
CORO DE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, que en el presente curso cumple sus 25 años de vida, fue fundado por miembros del Coro Universitario, con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el “reestreno” de partituras inéditas correspondientes a este periodo. Asimismo, en los últimos años es frecuentemente invitado a abordar, junto con distintas orquestas, música de los siglos XIX y XX.
Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987 el ciclo “Música da época das descobertas” (Lisboa 1988), la I Muestra de polifonía española (Würzburg 1987), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia 1991), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid, 1992), la Semana de Música de Canarias (1992), “Música en la España de la expulsión” (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York, 1992), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII (1993), Semanas de Música Religiosa de Salamanca (1997,1998, 2000 y 2002), XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa 1997), Porto 2001, Los Siglos de Oro (2002), temporada de ópera barroca de Salamanca (2003), ciclo de conciertos de Navidad de Caja san Fernando (2004), ciclo “Plaza Sacra” (Salamanca 2005), Festival “Florilegio” (2006 y 2008), FEX del Festival Internacional de Música y Danza de Granada (2006), el X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza (2006), X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca) (2007), el ciclo de polifonía “Victoria y su tiempo” (Ávila 2007), Piedras sincopadas (Salamanca 2008) etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo, ha realizado diversas grabaciones para RNE clásica.
Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la orquesta barroca “Il Fondamento”, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la orquesta de cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca. El Coro ha sido dirigido por músicos como Wim ten Have, Paul Dombrecht, Eduardo López Banzo, Jacques Ogg, Manuel Morais, Gerard Caussé, Juan José Mena, Omri Hadari, Gabriel Garrido, Manel Valdivieso, Luis A. González Marín, Carlos Cuesta, Federico M. Sardelli etc.
Desde su fundación el coro es dirigido por Bernardo García-Bernalt, director, asimismo, del Coro Universitario y de la Academia de Música Antigua de la Universidad salmantina.
Inercia, "Manual Abreviado del Perfecto Budista"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Sabado 17 de abril
INERCIA
Manual Abreviado del Perfecto Budista
Dramaturgia y dirección: Héctor Toledola vida merezca la pena, después de todo.
REPARTO
Daniel González Luque
Virginia Guechoum Carmen
Miguel Gullón Profe
Adrián Lázaro Pedro
Producción. Voces en off Héctor Toledo
Escenografía. Diseño de iluminación
y espacio sonoro. Voz en off Sara Martín
Técnico de sonido Berta Joven
Carpintería. Voz en Off Ernesto Toledo
COLABORADORES
Yago Reis Asesor técnico. Voz en Off
Sebi Galeano Asesor técnico. Fotógrafo
Warein Holgado Fotógrafo
José Javier Salsoso Grabación de vídeo
Sara Martín Grabación y Edición de vídeo
Álvaro Jiménez Asesor de guión
Daniel González Diseño del cartel y programa de mano
Macarena Rivas Asistente de producción
CON EL APOYO DE
Asociación Electra Teatro Universitario
Colectivo La Lengua
Kuro Neko Teatro
SINOPSIS
–¿Dónde?
–Dorhara. Es un monasterio en el Tibet. Quiero ir a conocer al autor de este
libro.
–”Manual abreviado del perfecto budista” ¿Al autor de un libro de autoayuda
que te venden en el chino por tres euros?
Luque se va a morir. Cierto, tiene treinta años y está en la cima, pero el cáncer
no perdona. Y ahora ha descubierto que pertenece a una generación
que apostó fuerte por el futuro... y ahora resulta que no hay futuro. Y mientras
trata, sin éxito de colgarse de la lámpara, descubre que quizá sí que
haya un futuro después de todo. Pero para ello tiene que llegar primero al
Tibet. Y no puede ir sólo.
Manual abreviado del perfecto budista es la historia de un viaje. Un viaje a
ninguna parte, sin rumbo sin destino. Igual que la vida. Un viaje, en definitiva,
para reencontrarse con todas esas pequeñas tonterías que hacen que
Groupe de l'atelier, "La Kermesse héroique"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Miercoles 21 de abril
GROUPE DE L’ATELIER La Kermesse héroique
Departamento de filología francesa - USAL
Miércoles, 21 de abril
El GROUPE DE L’ATELIER
presenta el XIIo taller de teatro organizado por el
Departamento de Filología Francesa de la Universidad de Salamanca.
Desde hace más de una década, Michel Van Loo, director de teatro y
comediógrafo belga, regresa a su cita salmantina con el teatro y con los
estudiantes amantes de la lengua francesa. El XIIo taller de teatro que dirige
en la USAL está dedicado a La Kermesse héroïque (1935), un clásico
del cine francófono, obra del director de cine belga Jacques Feyder. En
pleno siglo XXI, el polémico mensaje de Jacques Feyder mantiene todo su
interés: la Historia compartida por españoles y belgas en la invasión de
Flandes durante el siglo XVII demanda memoria; el papel de las mujeres y
sus derechos suscitan hoy debate y reflexión; los movimientos pacifistas
reclaman su lugar en la solución de los conflictos del mundo. De la mano
de Michel Van Loo, La Kermesse héroïque salta a la escena teatral abrazada
al celuloide en una versión de pauta tragicómica y mirada fresca a la
que da vida el GROUPE DE L’ATELIER
XIX Festival de Música de Primavera
ABRIL
Del 26 al 30
Festival de Música de Primavera
XIX FESTIVAL DE MUSICA DE PRIMAVERA SIGLO XX Y XXI
Lunes 26 DÚO AD LIBITUM VIOLIN Y PIANO
Martes 27 Q DÚO PERCUSION
Miércoles 28 DUO DE PIANO Y PERCUSION CON ELECTROACÚSTICA
Jueves 29 SMASH ENSEMBLE
Viernes 30 DÚO + QUE 2 GUITAR
Todos los conciertos se realizarán en el Auditorio Hospedería Fonseca a las 20.30 h
Entrada libre hasta completar aforo
Eterno, "La vida es teatro"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Viernes 16 de abril
ETERNO
La vida es teatro
Dirección: Andrea de Cea y Tania González
Dramaturgia: Andrea de Cea
FICHA ARTÍSTICA
Anna Diez Andrea de Cea
Fernando Pérez Rubén Herrero
Pilar Morago Alejandro Calvo
Tania González Ricardo Moure
REPARTO
Dramaturgia Andrea de Cea
Coreografías Tania González
Vestuario Eterno Teatro
Escenografía Eterno Teatro
Montaje luces y sonido Andrea de Cea y Tania González
Manejo de luces y sonido Sara Martín
Voz Andrea de Cea
Guitarra Fernando Pérez
SINOPSIS
Música, baile, actuación y escenas cotidianas, por desgracia,
demasiado comunes, se mezclan en una obra
cargada de teatro en estado puro. Grandes dosis de
realidad vistas desde un escenario que actúa de espejo
de la vida.
Porque en el teatro todo vale, pero no siempre es ficción lo que se enseña,
os invitamos a disfrutar con nosotros de este teatro que es la vida, porque…
Dúo de piano y percusión con electroacústica
Miércoles 28 de abril 20,30 horas
Auditorio Hospederia Fonseca
Entrada Libre hasta completar el aforo
DÚO DE PIANO Y PERCUSIÓN CON ELECTROACÚSTICA
Edson Zampronha, piano y electroacústica
Fernando Chaib, percusión
Obras de Edson Zampronha
Lamenti (2004)
Composición para piano III (1984)
Composición para piano II (1981-2009)
Ciaccona (2007)
Improvisación sobre el Opus 33a de Schoenberg
Recycling Collaging Sampling (2004-2006)
Edson Zampronha ha sido galardonado con dos premios de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo. En 2005 ha sido el vencedor con del 6.º Premio Sergio Motta, el más importante en arte y tecnología de Brasil, por la instalación sonora Atractor Poético, realizada con el Grupo SCIArts.
Ha recibido encargos de diferentes grupos e instituciones, como del Museo para las Artes Aplicadas, en Colonia (Alemania); de la diseñadora de moda María Lafuente para su desfile en la Pasarela Cibeles 2006 (Madrid), y de la Banda Sinfónica del Estado de São Paulo para el 100.º Aniversario de la Pinacoteca del Estado de São Paulo en 2005.
Sus obras han sido presentadas en algunas de las principales salas de concierto de la música clásica y contemporánea, como en el Auditorio 400 del Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, en el CBSO Centre de Birmingham (Inglaterra) y en el Teatro Municipal de São Paulo, Brasil.
Sus composiciones están incluidas en dos cedés monográficos (CD Sensibile y CD Modelagens), y en otros quince cedés lanzados por diferentes instituciones y sellos discográficos.
Es profesor en la Universidad de Valladolid, doctor en Comunicación y Semiótica –Artes– por la Universidad Católica Pontificia de São Paulo, con una investigación de posdoctorado en composición musical en la Universidad de Helsinki (Finlandia), y licenciado en Composición y Dirección en la Universidad Estatal de São Paulo (Brasil). Es autor del libro Notação, Representação e Composição.
Fernando Chaib es Mestre en Música por la Universidad de Aveiro, Portugal, en donde tuvo como tutor a Miquel Bernat (España) y Evgueni Zouldilkine (Rusia), y en donde actualmente realiza su doctorado. Es licenciado en Música –Percusión– por la Universidad Estatal de São Paulo – UNESP, donde actuó como integrante del Grupo PIAP y estudió con John Boudler, Carlos Stasi y Eduardo Gianesella.
Actúa como músico invitado en diversas orquestas sinfónicas de Brasil y de Portugal, como la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo. Fue el vencedor del I Festival Jóvenes Intérpretes de São Paulo en 2003. En el mismo año el Grupo PIAP, del que era integrante, fue galardonado con el Premio APCA (Asociación de Críticos de Arte de São Paulo) de Mejor Grupo de Música de Cámara. En octubre de 2006, en Italia, fue galardonado con el Primero Premio en Vibráfono, en el IV International Percussion Competition PAS (Italia).
Ha grabado cedés con orquestas y grupos de cámara, y frecuentemente es invitado a impartir masterclases de percusión y música de cámara en diversos países (como en Italia, Venezuela, Portugal y Brasil). Como compositor, sus obras fueron estrenadas por el Grupo Durum Percussão Brasil y por el Grupo PIAP.
Desde 2005 ha estrenado obras de compositores como Karlheinz Stockhausen, Toru Takemitsu, Bruno Mantovani y José Manuel López López, tanto en conciertos solo como en grupos de cámara.
Notas al programa
Lamenti (2004)
Esta obra establece un bellísimo diálogo con los madrigales del compositor renacentista Luca Marenzio y sus figuras de Lamento: lamentos profundamente humanos, con sentimientos que no pueden ser descritos a través de palabras pero que pueden ser expresados a través de la más auténtica belleza musical. Esta primera obra del concierto expresa, de manera clara, la propuesta compositiva de Zampronha. Lamenti fue compuesta en los Estudios de Música Electroacústica de la Universidad de Birmingham, Inglaterra.
Composición para Piano III (1984)
Las Composiciones para Piano de Zampronha son obras muy experimentales que buscan explotar el piano en sus múltiples formas. En la Composición para Piano III el piano se transforma en una gran caja de resonancia, generando timbres múltiples a partir de solamente tres notas (si, do y re bemol). Sin embargo, en un determinado momento de la obra estos timbres se suman y aquello que parecía ser una gran masa sonora se revela, de hecho, como una gran frase musical.
Composición para Piano II (1981-2009)
Compuesta en 1981 y revisada en 2009, la Composición para Piano II explota el piano como un instrumento verdaderamente de percusión. Utilizando solamente dos notas (mi bemol y re bemol), esta obra presenta un ostinato que unifica sorprendentes figuras rítmicas de gran energía e impacto. El resultado es tan convincente que uno se olvida completamente de que todo lo que se escucha proviene de una extremada economía de medios (solamente dos notas).
Ciaccona (2007)
En Ciaccona la percusión simula un piano a través de una combinación de timbres muy original. La sucesión de timbres de la percusión produce un dibujo melódico muy expresivo, que reinventa en el siglo xxi el concepto de melodía de timbres. A su vez, el piano realiza armonías basadas en espectros que se fusionan estratégicamente con la percusión, formando sonoridades únicas y de gran belleza. El resultado es un diseño musical introspectivo, suave y tranquilo.
Improvisación sobre el Opus 33a de Schoenberg
El Opus 33a, de Schoenberg, es una obra dodecafónica muy breve. Esta improvisación, que Zampronha crea en el propio momento del concierto, comenta esta obra de una manera muy expresiva e impresionante. La obra de Schoenberg es completamente reinventada y pasa a presentar una sonoridad muy actual y comunicativa. Esta improvisación es un verdadero reto que rescata, de forma poética y creativa, una práctica que en tiempos pasados era muy común entre los compositores, la improvisación sobre una obra de otro autor, y que en este momento vuelve al escenario.
Recycling Collaging Sampling (2004-2006)
Es una obra a la vez sensible y de gran impacto. Está compuesta por tres movimientos que se siguen sin interrupción. En Recycling la percusión es el solista pleno. Su carácter de improvisación hace que el timbre sea su elemento central. En Collaging aparecen los sonidos electroacústicos, creando un movimiento de sorprendente fuerza y virtuosismo que ocupa todo el escenario. En Sampling aparecen solamente sonidos electroacústicos. El percusionista está ausente, y todo lo que escuchamos es el eco transformado del impacto del movimiento anterior. Los sonidos electroacústicos fueron compuestos en 2004 en el LIEM-CDMC, Madrid.
Dúo Ad Libitum
Lunes 26 de abril 20,30 horas
Auditorio Hospederia Fonseca
Entrada Libre hasta completar el aforo
DÚO AD LIBITUM
Miguel Llamazares, violín
Julia Franco, piano
NEOTONALIDAD
I Parte
Sonata No. 1 (1951) Lluís Benejam
I. Allegro
II. Lento
III. Allegro giusto
Sonata de Siena (1955) Antón García Abril
I. Allegro
II. Adagio
III. Andante-Allegro ostinato.
II Parte
Sonata 17 “Quevediana” (1999) Claudio Prieto
Poema para un niño ausente (2000) José M.ª García Laborda
I. Tema con variaciones
II. Fantasía III. Rondó
El Dúo Ad Libitum, formado en 1997 e integrado por el violinista Miguel Llamazares y la pianista Julia Franco, ha mostrado desde sus comienzos un interés especial por la música española, estrenando numerosas obras de compositores actuales y rescatando las de aquellos injustamente olvidados. Este interés se vio reconocido en 2003 por el Instituto Leonés de Cultura, que le concedió una beca para la investigación y el análisis de la música para violín y piano y el estreno de obras de compositores leoneses del siglo xx.
Así mismo, el Dúo ha grabado hasta el momento tres discos, dos de ellos con la obra completa para violín y piano de los compositores leoneses Rogelio del Villar y José M.ª García Laborda. En 2004 se presentó su último trabajo discográfico, grabado en el Auditorio de León y editado con la colaboración de la Junta de Castilla y León. El CD contiene la primera grabación mundial de las obras para violín y piano de los compositores españoles Conrado del Campo y Julio Gómez, y ha recibido excelentes críticas de medios especializados como Scherzo, Ritmo, Música y Educación, Abc, etc. El disco también ha despertado el interés de RNE-Radio Clásica, que ha incluido en repetidas ocasiones las obras recopiladas en este álbum.
La actividad concertística del Dúo Ad Libitum le ha llevado a actuar en las salas y auditorios más importantes del país, como el Centro para la Difusión de Música Contemporánea (CDMC) y la Fundación Juan March (Madrid), Auditorio Ciudad de León, Palacio de Festivales de Santander, etc., y en los festivales más prestigiosos, como el Festival Internacional de Primavera Música Contemporánea de Salamanca, Semana de Música de Cajastur, Festival Nuevas Tendencias de la Música Contemporánea de Vitoria, Festival Internacional de Música La Mancha-Quintanar de la Orden, Ciclo de Eresbil (Archivo Vasco de la Música) o el Festival de Música Española de León. Sus interpretaciones han sido frecuentemente grabadas en directo para Radio Clásica y para TVE.
Sus últimas actuaciones les han llevado al XVI Festival Internacional Primavera de Música Contemporánea de Salamanca, donde realizaron el estreno en España de Lost Landscapes del finlandés E. Rautavaara, a las XV Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, al Ciclo Martes Musicales de la Fundación Caja Vital en Vitoria y al Festival Internacional “Summit” de Burgos, donde ofrecieron una conferencia-concierto sobre Falla y la Generación de los Maestros.
Notas al programa
Lluís Benejam (Barcelona, 1914-Birmingham, Alabama, 1968) pertenece a ese grupo de músicos catalanes que han hecho carrera en Estados Unidos. Notable violinista, concertino en la Orquesta Municipal de Barcelona y en la del Liceo, cultiva la música de cámara en el Cuarteto de Cuerdas de Barcelona. En 1954 el violonchelista Ernesto Xancó le invita a trasladarse a Ecuador para formar parte del Cuarteto Nacional Ecuatoriano. En Quito funda y dirige la Orquesta Sinfónica y Nacional siendo también concertino. En 1959 se traslada a Estados Unidos, instalándose en Birmingham, la capital de Alabama, donde obtiene el título de doctor en la Universidad de Artes de Alabama y se incorpora a la plantilla de la Birmingham Symphony Orchestra. Su Sonata n.º 1 para violín y piano, al igual que sus otras obras de cámara, es excelente desde el punto de vista formal e instrumental. Pertenece todavía a su etapa barcelonesa y rezuma romanticismo teñido de impresionismo. Su música exhibe una perfección formal, un sentido estructural y un conocimiento tímbrico sorprendente, con gran impulso rítmico y poderoso aliento lírico.
Antón García Abril fue catedrático de Composición del Real Conservatorio Superior de Madrid (1974-2003). Autor de exitosas composiciones y de bandas sonoras de películas y famosas series televisivas como El hombre y la tierra, Anillos de Oro o Los Santos Inocentes, ha sido galardonado con numerosos premios nacionales e internacionales, como el Premio Nacional de Música (1993) o el Premio Iberoamericano de la Música “Tomás Luis de Victoria” (2006). Ha sido elegido miembro de varias Reales Academias de Bellas Artes de España e Iberoamérica. Entre 1953 y 1956 García Abril estudia en la Accademia Chigiana de Siena con Vito Franzi. De aquella época data una obra importante, la Cantata de Siena para coro y orquesta (1955), con la que gana el concurso internacional convocado por la Accademia en su XXV aniversario. Y allí se estrena ese mismo año, con la violinista Lidya Beretti acompañada por el compositor, una sonata para violín y piano que queda inédita y aparcada hasta que, a petición del violinista Agustín León Ara, es publicada en 1998 y ya múltiples veces interpretada con el título definitivo de Sonata de Siena. Es un buen ejemplo de sus años de formación, que, como dice el compositor, “representa un momento en el que aparecen mis primeros impulsos creativos, un período de mi vida colmado de ilusiones, de inquietudes y de amor a un mundo que se abría antes mis ojos y mi sensibilidad, lleno de belleza, de misterio que, de una manera irresistible, me conduciría al maravilloso e inquietante universo de la creación musical”.
Claudio Prieto ha sido instrumentista de diversas plantillas musicales, como la Banda Municipal de Guardo. A los 16 años se traslada a San Lorenzo de El Escorial, donde comienza su etapa de formación con el musicólogo Samuel Rubio. En 1960 obtiene una beca del Ministerio de Asuntos Exteriores para acudir a los cursos de la Academia Santa Cecilia de Roma, estudiando con G. Petrassi, B. Maderna y B. Porena. En 1967 participa en los cursos de Darmstadt con los profesores G. Ligeti, K. Stockhausen, E. Brown, entre otros. Con su Sinfonía n.º 2 (1982), Prieto pasó a ser el pionero del nuevo lirismo español, creando unos fundamentos que años más tarde se convertirían en un modelo a seguir por muchos compositores. Ha sido galardonado a lo largo de su carrera con numerosos premios, entre los que destacan el Premio Reina Sofía (1984), Premio Castilla y León de las Artes (1995) y el Premio Nacional de Música "Cultura Viva" (1996) por el conjunto de su trayectoria artística. Prieto compone su Sonata 17: Quevediana en 1999, siendo su estreno a cargo del Dúo Ad Libitum el 6 de julio de 2001 en el marco del Festival de Música Española de León. Conocedor de los elementos que componen el lenguaje musical clásico y contemporáneo, escribe la obra en un solo movimiento, en un estilo neotonal, con diferentes cambios de tempo y con giros melódicos que aluden a nuestra herencia andalusí.
José María García Laborda recibe su primera formación musical en su ciudad natal. Realiza sus principales estudios en Alemania, en la Escuela Superior de Música de Fráncfort y en la Universidad Goethe de la misma ciudad, donde se doctoró en Musicología. Actualmente es catedrático de la Universidad de Salamanca, en la que ha fundado y dirige el Festival Internacional de Primavera de Música Contemporánea. Escribe y dedica Poema para un niño ausente a su sobrino, Tomás Agrelo Rodríguez, fallecido el 7 de marzo del año 2000, a los 14 años en un accidente de tráfico. La obra, de gran inspiración melódica y carácter dramático, ha sido interpretada en numerosas ocasiones y escenarios por el Dúo Ad Libitum, quien también la ha grabado en un CD dedicado íntegramente al compositor. Los tres movimientos van acompañados de unas estrofas poéticas del propio Laborda que ilustran su contenido: I. Tema con variaciones: “Vuela niño, en tu corcel de plata, cruza el aire que su aliento empaña”; II. Fantasía: “Que en las lomas que el Henares baña, sopla un viento que a la tarde mata”; III. Rondó: “Caballito blanco, llevas en tu frente todas las caricias de un jinete ausente”.
Duo + que 2 Guitar
Viernes 30 de abril 20,30 horas
Auditorio Hospederia Fonseca
Entrada Libre hasta completar el aforo
Duo + que 2 Guitar
Fernando Colás
Orlando Hechavarría
Rumores de la caleta Isaac Albéniz
Granada
Suite n.º II “Entre dues Lines” Joaquim Homs
Allegretto
Andantino
Tempo di Vals
Larguetto
Andante
Vivace
Tempo di Marcia
Ocho Aforismos* (estreno absoluto) J. M.ª García Laborda
Aire a dos* Luis Barroso
Son Sonete Emiliano Pardo-Tristán
Son Sonet*
Son Sone* (estreno absoluto)
*Compuesta para +Que2
El Dúo de guitarras +Que2 se formó en 1998 en Salamanca. En la actualidad está formado por Fernando Colás y Orlando Hechavarría.
En mayo de 2002 estrenaron Tres Nocturnos de F. Moreno Torroba junto a la Orquesta del Conservatorio Profesional de Salamanca. En 2003, y para el Instituto Cervantes, realizaron en Lisboa el estreno mundial de Puertos de Madrid en versión dúo de F. Moreno-Torroba, y en Panamá, Capital Iberoamericana de la Cultura 2004, el estreno de la versión orquestal con la Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, dirigida por Jorge Ledezno Brodiey con el patrocinio de la Embajada de España en Panamá.
Han actuado en numerosas salas de conciertos: Settelement Music School (Philadelphia), Carver Hall (Pennsylvanya’s), Intercontinental H. (Chicago), West Fargo, Auditórium (Albuquerque, Nuevo México), Instituto Cervantes de Lisboa (Portugal), Teatro Bretón de Salamanca (España), teatros Balboa y A. Villalaz (Panamá), invitados por sociedades como la Guitar Society of Philadelphia, Círculo Guitarrístico de Panamá, Spanish Society of the Midwest o el Instituto Cervantes.
Han impartido cursos y masterclases en las universidades de Bloomsburg y Temple (Pennsylvania), Lisboa (Portugal), Facultad de Bellas Artes (Panamá) y Nuevo México (Estados Unidos). Tienen editados tres cedés: Música del Siglo xx (La Factoría); Hogueras, Sombras y Brujas (Verso), con la obra íntegra para dos guitarras y orquesta de F. Moreno Torroba que supone la primera de estas obras, y Joaquim Homs, música de cámara con guitarra (Verso).
Coro Universitario, "Lux aeterna"
CONCIERTO 60 ANIVERSARIO
CORO UNIVERSITARIO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
LUX AETERNA
Dirección: Bernardo García-Bernalt Alonso
Sabado 24 de Abril 2010
20:30 horas
Auditorio Fonseca
Entrada libre
PRIMERA PARTE
Coro Universitario 2009-2010
Cantautores. Música para tres generaciones
Hermano americano
| Camino del indio (1927) | A. Yupanqui (1908-1992) |
| arr. Fernando Cabedo (1949- ) | |
| Vidala para mi sombra (1955) | Julio Espinosa (1928-1989) |
| arr. Liliana Cangiano (1951-1997) | |
| Serenata para la tierra de uno (1971) | M. Elena Walsh (1930- ) |
| arr. Liliana Cangiano | |
| Si Buenos Aires no fuera así (1973) | Eladia Blázquez (1931-2005) |
| arr. Liliana Cangiano | |
| Hay quien precisa (1979) | Silvio Rodríguez (1946- ) |
| arr. Beatriz Corona (1962- ) | |
| Crece desde el pie (1984) | Alfredo Zitarrosa (1936-1989) |
| arr. Lilian Saba (1961- ) |
La nova cançó
| Al vent (1959) | Raimon (1940- ) |
| arr. Antoni Ros Marbá (1937- ) | |
| D’un temps d’un pais (1964) | Raimon (1940- ) |
| arr. Manuel Oltra (1922- ) | |
| L’estaca (1968) | Lluis Llach (1948- ) |
| arr. Manuel Oltra (1922- ) | |
| Paraules d’amor (1968) | Joan M. Serrat (1943- ) |
| arr. Francesc Vila (1922- |
Cantando a los poetas
| Se equivovó la paloma (1941) | Carlos Guastavino (1912-2000) |
| Rafael Alberti (1902-1999) | |
| Nerea izango zen (1974) | Mikel laboa (1934-2008) |
| JosAnton Artze (1939) | |
| arr. Javier Busto (1949- ) | |
| Cantares (1969) | Joan M. Serrat (1943- ) |
| AntonioMachado (1875-1939) | |
| arr. Liliana Cangiano (1991) | |
| Te quiero (1974) | Alberto Favero (1944-) |
| Mario Benedetti (1920-2009) | |
| arr. Liliana Cangia |
SEGUNDA PARTE
Coro de Cámara (1985-2010)
Introito (Missa pro defunctis)1 Juan Vásquez (1510 ca.-d.1560)
Kyrie (Missa pro defunctis) 1 Juan Vásquez
Domine ne in furore tuo Luis de Aranda (†1627)
Regina coeli Luis de Aranda
Prado verde y florido2 y 3 F. Guerrero (1528-1599)
¿Quién me dijera, Elisa vida mía?2 (Juan Díaz (fl. XVI.2d)
Lágrimas de mi consuelo2 Cebrián (fl. XVI.2d)
Si no os uviera mirado4 Juan Vásquez
En la beldad de Jacinta5 Anónimo (XVII 1d)
1.- Agenda defunctorum (Sevilla 1556)
2.- Cancionero de la Casa de Medinaceli (2ª mitad del XVI)
3.- Canciones y villanescas espirituales (Venecia 1589)
4.- Recopilación de sonetos y villancicos a quatro y a cinco. Sevilla 1560
5.- Cancionero de Coimbra (principios del XVII)
Coro Universitario (1950-2010)
Alleluia amen (de “Judas Macabeo” 1747) G.F. Haendel (1685-1759)
Benedictus (Missa secunda Pontificalis 1896) L. Perosi (1872-1956)
Ce moys de may Clément Jannequin (1485 ca.-1574)
Haurtxo polita (trad. País Vasco) arm. S. Berchten (1897-1971)
Negra sombra (Texto Rosalía de Castro. 1892) Juan de Montes (1840-1899)
Chacarera mendocina (1954) Felipe Boero (1884-1958)
Por entrar en tu cuarto (trad. Salamanca) B. García-Bernalt (1885-1958)
Gaudeamus igitur arm. J. Guridi (1886-1991)
CORO DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
El Coro de la Universidad de Salamanca, uno de los coros universitarios más antiguos de España, fue fundado en 1950 por el maestro Jesús García-Bernalt, quien lo dirigió hasta 1990. A lo largo de su dilatada vida ha desarrollado una intensa actividad concertística, que le ha llevado a la práctica totalidad de España y Portugal, así como a buena parte de Europa, recibiendo numerosas distinciones y premios. Asimismo ha grabado programas para radios y televisiones españolas, portuguesas, francesas, mexicanas, alemanas, japonesas, etc. Por otro lado, desarrolla una intensa actividad en el ámbito salmantino, participando además en todos los actos solemnes de la Universidad, lo que lo ha convertido en un elemento fundamental del ceremonial de esta institución.
El repertorio del Coro Universitario es uno de sus elementos característicos. Si bien ha abordado polifonía desde el renacimiento hasta nuestros días, su trabajo fundamental se centra en la música de los últimos cien años, montando constantemente nuevos programas, explorando repertorios muy poco conocidos y dedicando especial atención a la música española e hispanoamericana. Entre los centenares de programas ofrecidos pueden mencionarse la cantata Música para un Códice Salmantino, de Joaquín Rodrigo, las Vísperas de S. Rachmaninov, los Catulli Carmina y los Carmina Burana de Orff, el Requiem de M. Duruflè, el oratorio Crucifixion de Sir John Stainer, la colección Swinging Christmas de T. Gabriel, el Bestiari de Manuel Oltra, o los conciertos dedicados a la música infantil española o a la desconocida generación de compositores españoles del “Motu proprio”. Asimismo, ha hecho una intensa labor de difusión de la música salmantina, interpretando numerosas obras de compositores como Gerardo Gombau, Dámaso Ledesma o Bernardo García-Bernalt Huertos entre otros.
Entre sus trabajos de los últimos cinco años están el salmo sinfónico El Rey David de Arthur Honegger (2004), el Requiem de John Rutter (2005), la Misa en Re Mayor de Dvorak, (Biberach, Alemania 2006), la suite L’homme armée de Karl Jenkins, estrenada en Salamanca en mayo de 2007, los ciclos Five mystical songs de Vaugham Williams (Catedral de Valladolid 2008) e Indianas de Carlos Guastavino (Salamanca 2008) o el estreno de Cantica Sancto Benedicto de J. de Haan (CAEM, 2009).
Desde 1990 dirige el coro Bernardo García-Bernalt, director también del Coro de Cámara y de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca.
Consort de violas da gamba, "El tañer con el cantar"
Consort de violas da gamba
El tañer con el cantar
Música ibérica e inglesa del XVI y XVII
Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca
Dirección. Itzíar Atutxa
Martes 25 de mayo
Auditorio Fonseca
20:30 horas
No deleita menos una música de cuatro vihuelas de arco, porque es extrañamente suave y artificiosa. Esta es la traducción que hace Juan Boscán del texto de Baltasar de Castiglione (El Cortesano. 1528, libro segundo). El consort de violas da gamba (vihuelas de arco en la terminología hispana), es una formación que está documentada en la música ibérica renacentista a través de distintas referencias. Su peculiar sonido tiene ese aura “soavissima ed artificiosa” que Boscán enfatiza y sobrecalifica con el adverbio “extrañamente”, que no está en el texto original. A pesar de no conservarse en la península material escrito específicamente para esta formación, no cabe duda de que haría propio buena parte del repertorio vocal e instrumental. Así, a las composiciones de polifonía religiosa se unirán villancicos y canciones, pero también tientos, diferencias o glosas, siguiendo una práctica que es mencionada explícitamente en el prólogo de las Obras de música para tecla, arpa y vihuela de Antonio de Cabeçón.
Precisamente repitiendo el viaje que Cabezón, como miembro de la casa de Felipe II (entonces todavía príncipe) hizo en 1554, nos trasladaremos a una Inglaterra donde la música para consort de violas goza de un extenso repertorio específico. La música inglesa para consort alcanzará, a lo largo de cien años, un desarrollo singular que se fundamenta en autores como Byrd, Jenkins, Gibbons o Lawes.
Este es el marco del concierto del Consort de violas de la Universidad de Salamanca, grupo al que se añaden en esta ocasión una cantante y un instrumentista de cuerda pulsada, para así poder concordar “El tañer con el cantar”, como propone Mateo Flecha, el viejo, en su ensalada “La Bomba”.
CONSORT DE VIOLAS DA GAMBA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Creado hace quince años, el Consort de violas da gamba es una de las formaciones fundamentales de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca. Este grupo atiende un área de especialidad escasamente contemplada en las enseñanzas musicales de nuestro país, trabajando en la interpretación de la música para conjunto de violas, un repertorio esencial en la evolución del arte musical en los siglos XVI al XVIII.
El consort actúa habitualmente bajo la dirección de Itzíar Atutxa si bien también ha realizado cursos y conciertos con muchos de los principales instrumentistas europeos, como Ventura Rico, Marianne Müller, Sarah Cunninghan, Jaap ter Linde, Rainer Zipperling, Vittorio Ghielmi, Philippe Pierlot o Wieland Kuijken.
Ha ofrecido numerosos programas centrados en la música inglesa y alemana para violas, muchos de ellos en colaboración con diversos cantantes e instrumentistas. Asimismo, colabora regularmente con el Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca, con el que ha ofrecido programas como el Oficio de difuntos de 1710 de Antonio de Yanguas (1999) o los Responsorios de tinieblas de Zelenka (2005).
En los últimos años el grupo ha trabajado especialmente en repertorio ibérico, participando en el ciclos como “Las piedras cantan” (2001), “Música y Patrimonio” (2002), Salamanca Jacobea (2004) o Sonidos de Sal (2005). En diciembre de 2003 el Consort fue invitado para realizar una serie de conciertos en Bogotá y Cali (Colombia), obteniendo un rotundo éxito que se repetiría en su participación en la edición de 2006 del Festival de Chiquitos (Bolivia).
Recientemente ha grabado para el sello Verso el disco “Gentil caballero”, centrado en la figura del vihuelista Diego Pisador, así como en otros autores activos en la península a mediados del XVI.
Capicúa, "Caminos cruzados"
MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO
Auditorio Hospedería Fonseca • 21:00 h
Entrada libre hasta completar el aforo
Miércoles 14 de abril
CAPICÚA
Caminos Cruzados
Dramaturgia y dirección: Virginia Ledesma
ELENCO
Victoria Blunes Carmen
Iván Bagmet Mariano
Sara Carnicero María
Mario Corada José María
Urbe Secades Victoria
Jorge marcos Mariano
Elías Gómez Manuel
Chus morales Agustín
Daniel Rocandio Rafael
Daniel Elías Martín Luis
FICHA TÉCNICA
Dirección Virginia Ledesma
Guión Virginia Ledesma
Vestuario Rosana Pascua y Cristina Gutiérrez
Banda sonora Carolina de Castro
SINOPSIS
La obra transcurre en Tarragona el verano de 1938, el bando Republicano
liderado por Luis (Daniel Elías Martín) planea lanzar una ofensiva al bando
Nacional en la batalla del Ebro, pero sus planes se verán truncados por la
artimaña de Ramón (Mario Corada) y Agustín (Chus Morales) un miembro
falangista infiltrado entre los republicanos.
Big Band Universidad de Salamanca
Domingo 9 de Mayo. 20,30 horas.
Auditorio de Fonseca Jazz
Entrada libre hasta completar el aforo
Big Band de la Universidad de Salamanca
El concierto de la Big Band Universidad de Salamanca en el mes de diciembre va convirtiéndose en una cita tradicional. Como en ocasiones anteriores, en él se abordará un repertorio que cruza desde el bebop o el funcky al latin jazz, pasando por temas y estilos propios las swing o las hot bands.
La Big Band Universidad de Salamanca comenzó su andadura como orquesta de jazz en el año 2000. En la actualidad está compuesta aproximadamente por unos veinte músicos reclutados de entre alumnos y profesores de la propia Universidad y Conservatorios de Música de la ciudad. Son numerosos los músicos del panorama del jazz español e internacional los que han contribuido al enriquecimiento musical de este grupo entre los que cabe mecionar a Bart Van Lier, Bob Sands, Bobby Martínez, Perico Sambeat, Albert Bover, John Georgina, German Kucich, Iñaki Sandoval, Miguel A. Blanco o Iñaki Askunze.
"La Casa de Bernarda Alba"
La Casa de Bernarda Alba
Las Noches del Fonseca
Martes 13 de Julio 23,00 horas
La Casa de Bernarda Alba
de Federico García Lorca
Dirección y dramaturgia: Pepa Gamboa
Reparto
Rocio Montero Maya Bernarda
Mª Luz Navarro Jiménez Josefa (abuela)
Lole del Campo Díaz Martirio
Carina Ramírez Montero Amelia
Sandra Ramírez Montero Angustias
Ana Jiménez García Magdalena
Sonia Joana Da Silva /
Isabel Suárez Ramírez Adela
Pilar Montero Suárez Criada
Marga Reyes / Bea Ortega Poncia
Uno de los proyectos más emblemáticos del Centro Internacional de Investigación TNT es el Programa Imarginario, y dentro del mismo, todo el proyecto con El Vacie. Se trata del asentamiento chabolista más antiguo de Europa, que cuenta con un millar de habitantes y se encuentra a unos centenares de metros de TNT.
Tras el taller impartido el pasado año por Silvia Garzón con una veintena de mujeres de etnia gitana, este año Pepa Gamboa, con la ayuda de dirección de Silvia, va a llevar a escena La casa de Bernarda Alba de Lorca con nueve gitanas sin alfabetizar que por vez primera pisarán un escenario.
El montaje, que se estrenó el 8 de noviembre como cierre del II MITIN, ha levantado una enorme expectación. La mayor parte de las televisiones y demás medios de comunicación han realizado amplios reportajes sobre este histórico evento que supone una experiencia de integración social única en España. Laura García Lorca –sobrina del autor y presidenta de la Fundación Lorca–, que asistió al estreno, no dudó en decir que era una de las versiones más lorquianas y emocionantes de cuantas hubiera presenciado de esta obra. La crítica se ha deshecho en elogios. El espectáculo se ha presentado en Sevilla en 22 ocasiones con el aforo completo y ha iniciado ya su gira en Castellón y Elche y Madrid con llenos absolutos.
El 11 de febrero recibió de la consejera de Cultura de la Junta de Andalucía el Premio Canal Sur al Acontecimiento Revelación de la Temporada, compartiendo protagonismo con los otros premiados: Martirio, Alejandro Sanz, Lola Dueñas, Macaco y Kiti Manver.
Ayudantes de dirección
Silvia Garzón
Jero Obrador
Marga Reyes
Realización escenografía
Antonio Marín
Damián Romero
Vestuario
Virginia Serna
Sonido
Emilio Morales
Iluminación
Alejandro Conesa
Asesor de dramaturgia y regiduría
Jero Obrador
Dirección, dramaturgia y espacio escénico
Pepa Gamboa
Quizá sea ésta la obra más cercana a la tragedia griega dentro del teatro español del siglo xx, pero al mismo tiempo, debido a la situación de encierro en que la matriarca mantiene a toda su familia, puede derivar en un delirio. Pepa Gamboa ha apostado por sacar la autenticidad, la espontaneidad, el juego, la tremenda energía y generosidad de las mujeres que interpretan las obra. La imposibilidad de retener un texto para personas sin alfabetizar que sólo habían pisado una vez en su vida un teatro no ha sido un obstáculo para que Lorca esté presente en cada mirada, en cada pisada, en cada acción, tal como confirmó su sobrina Laura, presente en el estreno para quien se trataba de “la Bernarda más lorquiana” que había presenciado.
Las ocho mujeres de etnia gitana, que viven “encerradas” en el asentamiento chabolista más antiguo de Europa, han conseguido generar una catarsis en todos y cada uno de los miles de espectadores que ya han aplaudido en pie durante minutos al que, según la unánime crítica, ha significado “el estreno más emotivo que se haya visto en mucho tiempo en Sevilla” y uno de los éxitos de la temporada teatral española. En 2010, declarado por el paramento Europeo “Año Europeo contra la Pobreza y la Exclusión Social”, el espectáculo realizará una extensa gira. Nada más comenzar este año han recibido el premio El Público al “Acontecimiento Revelación”, que otorga Canal Sur.
De puntilla y descalzas
De puntillas y descalzas nos acercamos a Lorca. Lorca, que ha servido para sacar a estas mujeres de las chabolas y subirlas a un escenario. La barraca rediviva y a la inversa: el pueblo que ocupa la escena e ilustra al respetable. Y es el pueblo al que Lorca le escribió su romancero, el Romancero Gitano.
La casa de Bernarda Alba, que Lorca subtituló Drama de las Mujeres en los Pueblos de España, es en mi opinión una de las obras capitales de la dramaturgia contemporánea. ¿Qué hemos hecho en nuestra versión? Fragmentarlo, interpretar la geografía, bucear entre sus líneas, resolver entre sus paralelos y meridianos con el fin de acercarlo a la realidad y al lenguaje de nuestras protagonistas, hoja perenne del imaginario lorquiano.
Hemos hecho un pacto con Lorca y Lorca lo ha hecho con nosotras. La fábula se mantiene: universo femenino; encierro femenino; encierro del cuerpo y del alma de la mujer, donde los hombres simbolizan una falsa libertad. ¿Dónde están los hombres? En otra parte: son fantasmas, sombras, voces lejanas que en la oscuridad resuenan como un hueco. Un espejo en el que ninguna se contempla.
Hemos hecho un pacto con Lorca. Nuestro trabajo nunca pretendió que ellas pareciesen actrices, que figurasen ser lo que no son, porque las cosas son como son y ahí reside su verdadera belleza. No ha consistido en camuflar, sino en exponer al desnudo una experiencia, la teatral, que nació para capturar la vida. Cuando Ricardo Iniesta me ofreció trabajar con las gitanas del Vacie pensé en Lorca y su Bernarda, cuyas hijas viven encerradas entre muros esperando. ¿Pero no hay también un encierro a cielo abierto? ¿Un encierro a pleno sol, dónde la libertad es la casa y el encierro es la calle? El revés de Bernarda.
Los ensayos por la tarde, porque por la mañana hay que organizar el asunto de los niños, buscar dinero para hacer la compra y después la comida, volver a organizar lo de los niños. Mejor por la tarde y a ser posible (que no fue posible) después de la novela. Y allá van los ensayos. De la risa la llanto y del llanto a la risa. Más risas que llantos, como corresponde a una celebración. Lo surreal vestido de popular y lo popular de surreal, como suele suceder en la vida.
Y poco a poco todo va tomando cuerpo, vistiéndose con los ropajes de una forma nómada, como la música de espectáculo que itinerante va de Hungría a Portugal siguiendo los pasos del pueblo gitano.
Y siguiéndolas a ellas un equipo de profesionales, que en este caso ha sido especialmente valioso por la convivencia artística y humana que han fomentado.
Tengo la impresión de que ninguno de nosotros olvidará esta experiencia, tanto por el trabajo como por el disfrute que ha supuesto esta convivencia tan singular, real y radical.
Pepa Gamboa