Residencia Artística * Convivir en el arte *

CONVOCATORIA RESIDENCIA ARTÍSTICA

CONVIVIR EN EL ARTE
LA JOYERÍA CONTEMPORÁNEA Y LA PINTURA MURAL

[INSCRIPCIONES: DEL 31 DE JULIO AL 9 DE SEPTIEMBRE DE 2019]

El programa de residencias artísticas “Convivir en el Arte” se integra dentro del Proyecto 1234REDES_CON y se financia gracias al FEDER a través del programa INTERREG V-A España-Portugal (POCTEP) – 2014-2020. Su objetivo principal es que jóvenes artistas emergentes provenientes del espacio fronterizo entre Portugal y España intercambien experiencias y adquieran competencias y conocimientos nuevos.

La residencia artística “Convivir en el Arte – La Joyería Contemporánea y la Pintura Mural” tendrá lugar en el Espaço Robinson, en Portalegre (Portugal), durante la semana del 13 al 22 de septiembre. Estará abierta a la participación de alumnos/jóvenes artistas portugueses y españoles del territorio fronterizo de la Raya y cuenta con expertos, tanto del ámbito de la Joyería como de la Pintura Mural, así como con monitores/orientadores.

Además cuenta con dos profesores de gran trayectoria: 

- Joyería Contemporánea: Diana Silva (portuguesa).
- Pintura Mural: Lidia Toga (española).

El objetivo de esta actividad no solo es permitir que jóvenes artistas de la Raya adquieran competencias y conocimientos, sino también fomentar y incrementar las expresiones artísticas asociadas a las artes de la Joyería Contemporánea y de la Pintura Mural en este territorio fronterizo. Asimismo, busca contribuir a establecer una red de apoyo y soporte para la formación artística, la movilidad intelectual y la descentralización de los centros de formación y creación artística, apoyando así las actividades artísticas en territorios con poca densidad demográfica.

BASES DE LA CONVOCATORIA

FICHA DE INSCRIPCIÓN

Garufa Teatro "Siempre pícaros"

Dirección: José Antonio Sayagués
Músico: Alberto Miniño Castiñeira

Eva Marciel - Justina, Andrea, Esperanza
Roser Pujol - Juana, Marcela, Olalla, Claudia
Nuria Galache - Julia, Aurora, Grijalva
Néstor Arnas - Rodrigo, Garcés, Guzmán, Corregidor
Alejandro Arestegui - Escribano, Ortuño,
Félix Aldán Pino - Mengo, Ventura

Músico: Alberto Miniño Castiñeira
Música: obras de Gaspar Sanz y José Marín 

Ficha Técnica
Autor: José Gabriel López Antuñano
Asesor histórico: José Gabriel López Antuñano
Asesor musical y arreglos: Bernardo García-Bernalt
Coreografía: María Lama
Diseño de iluminación: Pilar Velasco
Iluminación y sonido: Pilar Velasco
Idea Escenográfica: José Antonio Sayagues
Realización de Escenografía: Amable Diego
Artesano: Jesús Noreña
Mascaras: Amable Diego
Figurinista: Ana Ramos
Vestuario:Peris
Maquillaje: Ana Ramirez 
Diseño de Cartel: Amable Diego
Composición de cartel: Nely Martín 
Asesoría adminisrativa y laboral: Pereña
Casting: Agencia Kailash
Co-producción: Garufa Teatro- Universidad de Salamanca
Asistente de Dirección: Aldán Pino
Ayudante de Dirección: Nuria Galache
Producción ejecutiva: Daniel Hernández

La picaresca irrumpe en el siglo XVI como una respuesta realista y crítica a novelas que deleitaban al lector de novelas de caballerías o pastoriles, que presentan un mundo idealizado y feliz, en el que se engolfaban. Entre tanto en el Reino de España no se ponía el sol y se disfrutaba de una situación política y social placentera, acaso más aparente que real; más de unos pocos que de la mayoría social. 

Después de la relectura de un buen número de novelas de Alemán, Cervantes, Espinel, Quevedo, Salas Barbadillo y Vélez de Guevara, además del Lazarillo, revolotearon en mi cabeza durante un tiempo muchos personajes, aventuras y lugares. Todos no tenían cabida en una obra teatral, pero muchos de ellos merecían su presencia sobre un escenario; por otra parte, las historias narradas, al concentrarse y expurgar lo narrativo, perdían entidad o resultaban inverosímiles. Asimismo, no quería utilizar la anti-teatral figura del narrador, que enlaza situaciones dramáticas, para subir al escenario una sola novela picaresca: eran los propios personajes los que debían conducirlas.

Con semejante inquietud y el afán de protagonismo de la pícara Justina, Obregón, Cleofás, Esperanza y muchos más, pensé en el entremés, una forma teatral, muy utilizada en el siglo de oro, cuyos orígenes se remontan a los inicios del siglo XV, documentados en Valencia, aunque fuera Joan Timoneda el acuñador de este término, cuando presentó su colección Turiana en 1565. La expresión logró fortuna y fue acogido por otros ilustres dramaturgos, Lope de Rueda, Cervantes, Quiñones de Benavente, creador del célebre Juan Rana, para titular de forma genérica estas piezas cortas.

Los entremeses se acomodaban bien al propósito de presentar sobre una escena contemporánea un retablo de personajes y esbozar la España de la época de la novela picaresca y de siempre, también la del siglo XXI. Los entremeses son piezas cortas, en su día representadas entre jornadas de comedias aún sin relacionarse temáticamente con ellas, que reflejaban hechos contemporáneos, tomados de la sociedad y personificados por aquellos que carecían de alcurnia; episodios concatenados, unidos en la figura del protagonista, que basaba su acción en el engaño.

Con esta falsilla, aboceté tres historias, que se inscribieran en la España de ayer, pero que permitieran al espectador de hoy reconocerlas por la semejanza con otras más próximas, conocidas a través de los medios de comunicación, que se fijan en comportamientos “picaros” de una sociedad que, sin valores, también camina hacia un precipicio. Así nacieron Con gracejo sevillano, un verdadero combate para ver quién es más sagaz, quién engaña a quién; El otro estudiante de Salamanca, donde todos intentan aprovecharse de un inocente joven que llega a la ciudad de los saberes con la intención de aprender; y La tía fingida, inspirada en una novela breve atribuida a Cervantes, que recoge las mañas y tretas de hace siglos con la invención de un “nuevo perfil” para una joven, mediante la elaboración de un post relato, trufado de post verdad; o sea, un engaño. Todo está inventado y lo único que hacemos es repetir la historia con toques de modernidad.

Sobre estas tres historias, me pareció interesante volcar episodios, entresacados de un buen número de novelas picarescas y con la intención de abrir el apetito, despertar la curiosidad, por un género literario, que merece la pena su puesta en valor. Al tiempo, realizar un ejercicio de intertextualidad, mantener el lenguaje de los diálogos de las novelas, trasladado a su enunciación teatral, pero con respeto a expresiones, formas enunciativas, construcciones prototípicas de la picaresca o palabras polisémicas, y la imitación de esta forma de escribir cuando las situaciones son nuevas. No solo me ha movido el afán de recuperación de formas antiguas del habla, sino la creencia de su fuerte carácter expresivo, su capacidad para concentrar muchas ideas en pocas palabras (la economía del lenguaje por el conocimiento de este) y su valor irónico, que deja ese poso amargo tras la treta engañosa que se cobra una víctima. Bernardo García-Bernalt Alonso incorpora la música a estos entremeses que, como antaño, era un elemento recurrente.

Los personajes, con nombres prestados de las novelas, poseen un desarrollo pequeño en consonancia con la extensión del entremés, pero he procurado que cada uno tuviera un comportamiento que le distinguiera, un objetivo y trazarle un camino para conseguirlo, de modo que los ineludibles conflictos de toda obra dramática y canónica se produjeran y el cambio de situaciones sucediera. Unos personajes incitarán a la ternura o la compasión, otros producirán divertimento por el ingenio, pero todos, espero, que resulten reconocibles por su analogía con algunos de la actualidad y permitan así plantearse preguntas que aproximen a la catarsis teatral.

José Gabriel López Antuñano

Martirio y Chano Domínguez "A bola de nieve"

ENTRADAS AGOTADAS

El concierto “A Bola de Nieve”, a dúo entre Martirio y Chano Domínguez al piano, esta basado en el repertorio del gran cantante, pianista y compositor cubano Bola de Nieve, uno de los músicos más geniales que ha dado la Isla de Cuba.

Bola era vanguardista, grandísimo intérprete del llamado bolero filin, sin fronteras para su arte. Sensual y cosmopolita, viajó, contagió su música, vinculó gentes, abrió caminos, creó escuela, mostró e intercambió por el mundo su sabiduría y aficiones. En Bola, sobresale la ternura y la expresividad, la pasión, el sentimiento descarnado, sin adornos ni purpurina, llegar al fondo del alma con la voz y el piano, para revolucionar los sentidos y las emociones.

Esto es lo que quieren recrear Chano y Martirio. Aportando la gran admiración de ambos por el artista cubano, el estudio de su obra y sus connotaciones con nuestros ritmos. Con el estilo inconfundible que caracteriza la música de ambos, la complicidad que existe entre ellos, el inherente acento andaluz que impregna sus más diversas incursiones en la música en sus dilatadas carreras…, así se forjan estas nuevas versiones tocadas por la copla, el jazz, el bolero filin y el flamenco.

En este homenaje, se van combinando las canciones más nostálgicas, con las más amorosas, las más populares con las más divertidas. Muy teatral por parte de ambos. Muy jazz y muy flamenco.

La música de Andalucía y la de Cuba unidas de nuevo para impulsar este reto maravilloso de dar a conocer más a Bola, a nivel popular.

Martirio

Atalaya Teatro "El Rey Lear"

Rey Lear supone el 24º espectáculo de Atalaya, que se estrena en un año especial en el que se conmemoran los 35 del grupo y los 10 desde que recibiera el Premio Nacional de Teatro. Representa la segunda adaptación y puesta en escena sobre textos de Shakespeare y en concreto aborda el que, según muchos estudiosos supone el más logrado de todos ellos, lo que equivaldría a decir de todo el teatro universal. Si bien durante siglos estuvo semiproscrito por su dura crítica contra los poderosos, lo cual le imprime plena vigencia en nuestros días.

Estamos ante el Shakespeare con mayor madurez, pero también con mayor sensibilidad social y humanismo, de una tremenda modernidad. Podría parecer que sus palabras fueran escritas por un filósofo revolucionario contemporáneo, pero su forma es de tal belleza poética que se sitúa en otra dimensión que el resto del teatro universal.

Carmen Gallardo, a quien se ha rendido la crítica dentro y fuera de nuestras fronteras por sus recreaciones de personajes –especialmente de Celestina y Madrecoraje-, toma el testigo de Nuria Espert y Glenda Jackson –actrices que han encarnado recientemente a Lear-para componer, con una estremecedora sensibilidad y fiereza a la vez, Rey Lear, uno de los personajes con mayor riqueza de matices de la historia del teatro. Despotismo, infamia, arrogancia y ceguera van dejando paso a lo largo de la obra a patetismo, grotesco, autodestrucción, pasando por el desprendimiento y la fraternidad... y finalizando en la heroicidad, la autenticidad, la dignidad, la ternura.... y, en medio de todo ello, la locura. Ningún otro personaje de la historia atraviesa semejante recorrido, secundado por otros protagonistas de la obra.

Atalaya aborda esta joya tras el éxito que supuso Ricardo III, uno de sus espectáculos más premiado y alabado por la crítica; del cual expertos en Shakespeare aseguraron que parecía haber sido producido en Inglaterra, por su tono interpretativo y por sus logradas atmósferas. Desde aquel montaje el equipo estable de actores ha encarnado muchos otros personajes del teatro universal, pero especialmente han resultado valiosos para su crecimiento artístico Celestina, Madrecoraje y Marat/Sade, un crecimiento que alcanza su cénit en , que viene como anillo al dedo al momento álgido que vive Atalaya.

Especial relieve tiene la interpretación coral que ha ido ganando en importancia en los montajes. Los nueve actores están presentes en escena a lo largo de todo el espectáculo incorporando a los nueve personajes principales, secundarios y coros de soldados y desharrapados. Los actores modifican ante el público el espacio escénico en múltiples ocasiones –tal como requiere la obra-, apoyándose en una trepidante coreografía y en más de una decena de vibrantes cánticos interpretados en vivo.

LA OBRA

Rey Lear fue estrenada en 1606 y corresponde a la época más madura de su autor. Se basa en una leyenda a la que dio forma Godofredo de Monmouth, quien hiciera lo propio con la del Rey Arturo. El Lear histórico se remontaría a hace 30 siglos. 

Shakespeare amplía y transforma la trama, infundiéndole una visión personal. Paralelamente a la propia historia de Lear, plasma la de Gloucester y sus hijos. El resultado supone una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas. La obra representa una travesía sobre la emoción y el sentimiento humano pero con una denuncia muy fuerte hacia los potentados y una toma de partido en favor de los desheredados.

Los grandes temas que subyacen en la obra: naturaleza, locura, caos, ambición… están llevados a la mayor dimensión que se haya escrito jamás, dotándola de un potencia extraordinaria que provoca una catarsis en el espectador fuera de lo común.

Shakespeare establece en la obra un paralelismo entre el desorden y caos que acontece a tres niveles: la Naturaleza, la sociedad y las personas. El eclipse y la tempestad enfurecida se desencadenan tras la ruptura del status quo social y acarrean locura, destrucción y/o muerte entre la mayor parte de los protagonistas.

ATALAYA

Según los críticos especializados, Atalaya ha conseguido crear un estilo propio que se basa en la energía del actor, tanto a través del cuerpo como de la voz, la lectura contemporánea de los grandes textos universales, la fuerza expresionista de las imágenes y el tratamiento poético del espacio, la música y los objetos. La continuidad de su equipo estable permite largos procesos de investigación para cada montaje.

En 2018 cumple 35 años, en los cuales se ha convertido en uno de los referentes más sólidos del teatro español. Se ha presentado en más de 170 festivales nacionales e internacionales en 39 países de los seis continentes y ha recibido más de 50 galardones entre los que destaca el Premio Nacional de Teatro en 2008. En dicho año puso en marcha el Centro Internacional de Investigación Teatral TNT, que cuenta con el mayor teatro privado de Andalucía y un laboratorio-escuela permanente. Asiduamente viene tomando parte en proyectos culturales de la Unión Europea.

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Rocío Márquez "Visto en El Jueves"

Encumbrada por la prensa como “la voz de la nueva generación del cante jondo”, Rocío Márquez (Huelva, 1985) lleva más de una década, desde que en 2008 ganara la Lámpara Minera, labrando una sólida carrera artística que hoy desborda el panorama flamenco, donde es ya un claro referente y figura consolidada.

En esta era del usar y tirar y de las redes sociales, Rocío Márquez propone un ejercicio de memoria. Escuchar memorias vivas y plurales usando, cortando y pegando y en definitiva remezclando canciones y cantes, palos y música popular con un nexo difuso, pero al mismo tiempo crucial en lo personal: haber sido encontradas en el histórico mercadillo de antigüedades de El Jueves de la calle Feria de Sevilla.

Llega así ‘Visto en El Jueves’, el quinto disco de estudio de la cantaora, donde plantea una reflexión crítica sobre el concepto de autoría mediante un repertorio en el que la brecha entre lo flamenco y lo no flamenco, el cante y la canción, queda desdibujada. Encontramos de este modo canciones versionadas de grandes artistas, así como palos flamencos recreados. Bambino, Rocío Jurado, Paco Ibáñez, Concha Piquer, El Cabrero, Turronero, Pepe Marchena, José Menese y Manuel Vallejo se cruzan y entremezclan con serranas, abandolaos, fandangos, malagueñas, rondeñas, peteneras, bulerías, marianas, romances y rumbas.

Tras prescindir de la guitarra en sus dos anteriores proyectos, Rocío vuelve al instrumento angular del flamenco de la mano de Canito. Entre ambos, y arropados por las percusiones de Agustín Diassera, asumen el reto de exprimir sus posibilidades expresivas desde los parámetros de naturalidad y sencillez musical y transitando por una constante experimentación de arreglos y melodías.

El Brujo "Dos tablas y una pasión"

Dos tablas y una pasión es el teatro en estado puro. La materia prima: sólo pasión … ¡Y un par de tablas! (y a veces incluso sin tablas)

La frase se le atribuye a Lope de Vega y también a Cervantes … ¿Pero, quién la acuñó? Los dos “grandes” han inundado el teatro de ingenio y de poesía para todos los tiempos. Ambos se incluyen en este espectáculo, junto a otros grandes que bailan en círculo, como los cuerpos celestes en el firmamento. El amor es el centro nuclear de esta danza. Los cuerpos que bailan, además de Shakespeare y Lope, son San Juan de la Cruz, Teresa de Jesús, Cervantes, Quevedo, Fray Luis de León, San Francisco de Asís y la “sangre de una rosa” … el temblor de sus pétalos me impulsó hacia este espectáculo con la música del violín de mi amigo Javier Alejano.

Decía Valle Inclán que cuando el barco llega a su puerto, los marineros olvidan el oficio de la vela y la navegación.

El amor es el puerto. Olvidar el oficio de una vez por todas es una vieja aspiración, la meta de un verdadero comediante: no trabajar, olvida el oficio, sólo jugar y jugar y danzar en torno a estos textos de fuego.

Que ustedes lo disfruten.

Rafael Álvarez EL BRUJO

Ballet flamenco de Andalucía "Naturalmente flamenco"

Solista - Úrsula López
Bailaores - Borja Cortés, Álvaro Gordillo, Manuel del Río y Federico Núñez
Bailaoras - Julia Acosta, Ana Almagro, Lidia Gómez, Gloria del Rosario y Aitana Rousseau
Guitarras - Juan Torres y Pau Vallet
Cante - Sebastián Cruz, Vicente Gelo y José Luis Pérez-Vera

La música y la danza son una suerte de lenguaje universal,una forma de expresar y transmitir emociones y sentimientos. Y el flamenco es en Andalucía su expresión más significativa, su raíz más profunda. Una manifestación cultural de todo un pueblo, nacida desde sus propias raíces y alimentada por su intrínseca y única historia. El flamenco participa de esta algarabía interna, provocada por las vivencias que se van atesorando y que nos forjan como individuos de una única especie. Por eso emociona, por eso despierta emociones: porque a nadie le es ajena la sentimentalidad. Toca las entrañas de quien se acerca, conmueve y emociona de una manera directa, sin estridencias. No las necesita. Es natural.

Todo ello se muestra en Naturalmente flamenco, un espectáculo que es también una manera sincera y auténtica de mostrar este arte patrimonio de la humanidad. Es el resultado de conjugar la ilusión, el conocimiento y la destacada sensibilidad del elenco que forma el Ballet Flamenco de Andalucía, profesionales que viven apasionados por el flamenco y que tienen mucho que contar sobre este arte. Con la colaboración coreográfica de Rubén Olmo —exdirector del Ballet Flamenco de Andalucía y Premio Nacional de Danza— y la coordinación artística de Úrsula López —bailaora repetidora de la compañía— queda patente en esta propuesta el proceso de formación continua del Ballet Flamenco de Andalucía.

A estas alturas de la historia, el baile flamenco forma parte de la naturaleza y de la vida misma, sin más riendas que la disciplina que debiera enseñar a sus artífices a ser sencillamente naturales. Así, el Ballet Flamenco de Andalucía busca, naturalmente, la libertad.

Noviembre Teatro "Entre bobos anda el juego"

Entre bobos anda el juego o Don Lucas del Cigarral está considerada como el modelo de comedia de figurón, que es un subgénero de la comedia de capa y espada que se desarrolla a partir de un personaje cargado de faltas (avaricia, orgullo, pedantería, etc.) al que se caricaturiza y se rodea de una peripecia que se va enredando hasta lograr la burla final.

La primera representación de esta obra de la que se tiene constancia fue en 1645 durante las fiestas de carnaval, y tuvo lugar frente al Alcázar de Madrid, con un espectador de excepción: el rey Felipe IV. Posteriormente conocemos funciones a lo largo de los siglos, y podemos decir que es una de las pocas obras del repertorio áureo español que no se han alejado de la escena desde su composición.

A su constancia sobre las tablas ayuda mucho el papel de don Lucas del Cigarral, todo un carácter más que adecuado para el lucimiento de un actor característico o galán con posibilidades cómicas como solían ser los primeros actores y dueños de muchas compañías.

NOVIEMBRE COMPAÑÍA DE TEATRO

Noviembre Compañía de Teatro ha estrenado en otoño del 2018 un espectáculo en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico con el que continúa explorando sus raíces originales, y lo hace escenificando otra de las grandes obras del repertorio del Siglo de Oro español: Entre bobos anda el juego de Rojas Zorrilla. Entretanto la actividad de la compañía continúa con la gira del espectáculo El Caballero de Olmedo de Lope de Vega.

De esta manera continuamos consolidando nuestra actividad desde 1995, interrumpida solo durante los siete años en los que nuestro director, Eduardo Vasco, ocupó el cargo de director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, desde el año 2004 hasta septiembre de 2011. Y es que cada vez que, como compañía, decidimos impulsar la realización de un proyecto ocurre algo similar: repasamos lo hecho hasta el momento, miramos alrededor, tomamos el pulso a nuestra vitalidad y decidimos. De esta forma, nos gusta trabajar en dos vías bien diferenciadas: una que parte del repertorio clásico universal y otra en torno a la dramaturgia contemporánea.

La ruta de Don Quijote, que abrió la temporada del teatro de la Abadía la temporada 2017-2018, ha sido el último espectáculo con el que continuamos nuestra línea de representar textos contemporáneos. La compañía ha apostado desde sus inicios por los autores más interesantes del panorama nacional: Yolanda Pallín, de la que estrenamos Hiel, Tierra de nadie, Lista negra, y Los motivos de Anselmo Fuentes; Borja Ortiz de Gondra, con Dedos; y el estreno de Algún amor que no mate, de Dulce Chacón, que fue la continuación lógica del trabajo alrededor de nuestra dramaturgia nacional más inmediata. Hedda Gabler, de Ibsen; Camino de Wolokolamsk, de Heiner Müller; y Final de Partida, de Samuel Beckett han sido las apuestas por el repertorio contemporáneo internacional.

En relación al repertorio clásico continuamos la gira de El caballero de Olmedo tras su exhibición en el teatro de la Comedia, sede de la CNTC, en el mes de marzo de 2018. Hemos llevado a escena en nuestras últimas temporadas cinco títulos de William Shakespeare: Hamlet, Noche de Reyes, Otelo, El mercader de Venecia y Ricardo III, y ahora volvemos a estar dedicados de nuevo a los clásicos del Siglo de Oro, tan presentes en lo que denominamos nuestra "primera etapa clásica", en la que escenificamos títulos de Lope de Vega como No son todos ruiseñores, La fuerza lastimosa y La bella Aurora.

Toda esta experiencia constituye una de las líneas de trabajo más estables del teatro español actual tanto por la solidez del tándem compuesto por Yolanda Pallín y Eduardo Vasco como cabezas creativas de la compañía, como por la labor en la producción de Miguel Ángel Alcántara y el equipo de actores y colaboradores que conforman cada proyecto.

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Pint of Science 2019 * Pakipalla

PINT OF SCIENCE 2019

PAKIPALLA
Calle San Justo, 27-31 · Salamanca
Entrada libre hasta completar aforo · 20:00h

MIÉRCOLES 22 DE MAYO

MIGUEL BARRUECO FERREIRO · Investigador en la USAL. Hospital Universitario de Salamanca
Investigación en tabaquismo. Por qué, cómo y cuándo dejar de fumar

El consumo de tabaco es el principal problema de salud pública de las sociedades desarrolladas como la española. Se trata de una enfermedad crónica de carácter adictivo. La nicotina es la droga que genera la adicción y transforma a los fumadores en rehenes de la industria tabaquera que es la que expende legalmente la droga en forma de cigarrillos y otros productos del tabaco. Han sido precisos muchos años de investigación para poder demostrar los efectos nocivos del tabaco sobre la salud.

GABRIEL GUTIÉRREZ ALONSO · Investigador en la USAL
¡Dame más tiempo! ¿Te vale con 4500 millones de años?

Estamos acostumbrados a usar el tiempo de manera inmediata, siempre nos hace falta más, y no es porque no lo haya. La historia de nuestro planeta se extiende desde hace 4567 millones de años en una apasionante historia en la que todo lo que puede cambiar en un planeta ha cambiado. Con la dificultad de medir esos tiempos tan dilatados y de poder colocar todos los sucesos que han ocurrido en nuestro planeta entran en acción los héroes del tiempo profundo, los geólogos.

Pint of Science 2019 * The Irish Theatre

PINT OF SCIENCE 2019

THE IRIS THEATRE
Rua Antigua, 11 · Salamanca
Entrada libre hasta completar aforo · 19:00h

MIÉRCOLES 22 DE MAYO

RAQUEL GUZMÁN ORDAZ · Investigadora en la USAL
Ciberviolencia ¿recursos analógicos o desafios digitales?

Internet supone una ventana a un mundo social que sigue siendo aún poco explorado. Es el canal de información más potente y en muchas ocasiones, la plataforma privilegiada para interactuar acortando distancias y tiempos. Sin embargo, no podemos eludir que muchos de esos tipos de interacción pueden derivar en acciones violentas. Saber distinguir esta modalidad de violencia en la red, da cuenta de una cuestión crucial: ¿estamos preparados para atajarla? ¿qué tipos de acciones violentas circundan en la red? ¿Cómo se actúa ante ello? ¿Quiénes están siendo las víctimas de estos actos?

JUAN MARTÍN-RAYO NOGALES · Investigador en la USAL
Desalojando al delincuente economicus

A nivel político, el debate sobre el fenómeno de la "ocupación" de viviendas se encuentra muy condensado sobre una sola visión de la realidad: El delito. Sin embargo, un análisis relativo a los fenómenos vinculados con la vivienda no debe autolimitarse criminológicamente. Debe repensarse bajo análisis transversales y sobre procesos reflexivos que muestren las opciones valorativas y definiciones de realidad de cada uno de los actores implicados.